La ópera italiana es a la vez el arte de la ópera en Italia y la ópera en lengua italiana . La ópera estuvo en Italia alrededor del año 1600 y la ópera italiana ha seguido desempeñando un papel dominante en la historia de la forma hasta el día de hoy. Muchas óperas famosas en italiano fueron escritas por compositores extranjeros, entre ellos Handel , Gluck y Mozart . Las obras de compositores italianos nativos del siglo XIX y principios del XX, como Rossini , Bellini , Donizetti , Verdi y Puccini , se encuentran entre las óperas más famosas jamás escritas y hoy se representan en teatros de ópera de todo el mundo.
Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como se entiende hoy. [1] Las obras de Peri, sin embargo, no surgieron de un vacío creativo en el área del drama cantado. Un prerrequisito subyacente para la creación de la ópera propiamente dicha fue la práctica de la monodia . Monody es el canto/escenario solista de una melodía dramáticamente concebida, diseñada para expresar el contenido emocional del texto que lleva, que va acompañada de una secuencia relativamente simple de acordes en lugar de otras partes polifónicas . Los compositores italianos comenzaron a componer en este estilo a finales del siglo XVI, y surgió en parte de la práctica de larga data de interpretar madrigales polifónicos con un cantante acompañado por una interpretación instrumental de las otras partes, así como de la creciente popularidad de estilos más populares. , géneros vocales más homofónicos como la frottola y la villanella . En estos dos últimos géneros, la tendencia creciente era hacia una textura más homofónica , con la parte superior presentando una melodía activa y elaborada, y las inferiores (generalmente eran composiciones de tres partes, a diferencia de las de cuatro o más). parte madrigal) una estructura de soporte menos activa. De ahí a la monodia plena sólo había un pequeño paso. Todas estas obras tendían a presentar una poesía humanista de un tipo que intentaba imitar a Petrarca y sus seguidores del Trecento , otro elemento de la tendencia del período hacia un deseo de restauración de principios que asociaba con una noción confusa de la antigüedad.
El solo madrigal, frottola, villanella y sus parientes ocuparon un lugar destacado en el intermedio o intermezzo, espectáculos teatrales con música que fueron financiados en los últimos setenta años del siglo XVI por las cortes opulentas y cada vez más seculares de las ciudades-estado de Italia. Estos espectáculos generalmente se organizaban para conmemorar acontecimientos estatales importantes: bodas, victorias militares y similares, y se alternaban con actos de obras de teatro. Al igual que la ópera posterior, un intermedio presentaba el canto solista antes mencionado, pero también madrigales interpretados en su típica textura de varias voces y bailes acompañados por los instrumentistas presentes. Fueron escenificadas lujosamente y encabezaron la escenografía de la segunda mitad del siglo XVI. Los intermedios tendían a no contar una historia como tal, aunque ocasionalmente lo hacían, sino que casi siempre se centraban en algún elemento particular de la emoción o experiencia humana, expresado a través de una alegoría mitológica.
La puesta en escena en 1600 de la ópera Eurídice de Peri como parte de las celebraciones de la boda de los Medici, ocasión del intermedio más espectacular e internacionalmente famoso del siglo anterior, fue probablemente un avance crucial para la nueva forma, que la colocó en la corriente principal del lujo. entretenimiento cortesano.
Otro entretenimiento popular en la corte en esta época era la " comedia madrigal ", más tarde también llamada "ópera madrigal" por los musicólogos familiarizados con el género posterior. Consistía en una serie de madrigales unidos para sugerir una narrativa dramática, pero no escenificada. [2] También hubo dos "pastorales" musicales escenificadas, Il Satiro y La Disperazione di Fileno , ambas producidas en 1590 y escritas por Emilio de' Cavalieri . Aunque estas obras perdidas parecen haber incluido sólo arias , sin recitativo , aparentemente eran a lo que se refería Peri, en su prefacio a la edición publicada de su Euridice , cuando escribió: "Signor Emilio del Cavalieri, antes que ningún otro de los cuales Lo sé, nos permitió escuchar nuestro tipo de música en el escenario". [3] Otras obras pastorales habían incluido durante mucho tiempo algunos números musicales; uno de los primeros, Fabula di Orfeo (1480) de Poliziano tenía al menos tres canciones solistas y un coro. [4]
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La música de Dafne ahora se ha perdido, a excepción del libreto de 455 versos. La primera ópera cuya música ha sobrevivido se representó en 1600 en la boda de Enrique IV de Francia y María de Medici en el Palacio Pitti de Florencia . La ópera Euridice , con libreto de Rinuccini y música de Peri y Giulio Caccini , contaba la historia de Orfeo y Eurídice. El estilo de canto preferido por Peri y Caccini era una forma intensificada de habla natural, recitativo dramático apoyado por música de cuerda instrumental. Por tanto, el recitativo precedió al desarrollo de las arias, aunque pronto se convirtió en costumbre incluir canciones separadas e interludios instrumentales durante los períodos en los que las voces estaban en silencio. Tanto Dafne como Euridice también incluyeron coros que comentaban la acción al final de cada acto a la manera de la tragedia griega. El tema de Orfeo, el semidiós de la música, fue comprensiblemente popular y atrajo a Claudio Monteverdi (1567-1643), quien escribió su primera ópera , L'Orfeo (La fábula de Orfeo), en 1607 para la corte de Mantua .
Monteverdi insistió en una fuerte relación entre la letra y la música. Cuando se representó Orfeo en Mantua , se utilizó una orquesta de 38 instrumentos, numerosos coros y recitativos para crear un drama animado. Fue una versión mucho más ambiciosa que las interpretadas anteriormente: más opulenta, más variada en recitativos, más exótica en escenarios, con clímax musicales más fuertes que permitieron todo el alcance del virtuosismo de los cantantes. La ópera había revelado su primera etapa de madurez en manos de Monteverdi. L'Orfeo también tiene la distinción de ser la ópera más antigua que se conserva y que todavía se representa con regularidad en la actualidad.
En unas pocas décadas, la ópera se había extendido por toda Italia. En Roma , encontró un defensor en el prelado y libretista Giulio Rospigliosi (más tarde Papa Clemente IX). Los patrocinadores de Rospigliosi fueron los Barberini.
Entre los compositores que trabajaron en este período se encuentran Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Domenico y Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .
Desde la década de 1630, el tema de las obras cambió mucho: las de la tradición pastoril y Arcadia, es preferible los poemas de caballerías, generalmente de Ludovico Ariosto y Torquato Tasso , o los tomados de la hagiografía y de la commedia dell'arte cristiana .
Con el aumento del número de personajes, las óperas romanas se volvieron muy dramáticas y tuvieron varios giros. Con ellos surgió un nuevo método de fijación de los versos del recitativo, más adecuado a las diversas situaciones que surgían de la rica trama argumental y más cercano al habla, lleno de paréntesis a expensas del estilo paratáctico que tanto había caracterizado a la primera. Obras florentinas.
Las principales características de la ópera veneciana fueron (1) más énfasis en las arias formales; (2) el comienzo del estilo bel canto ("canto hermoso") y más atención a la elegancia vocal que a la expresión dramática; (3) menor uso de música coral y orquestal; (4) tramas complejas e improbables; (5) maquinaria escénica elaborada; y (6) breves introducciones instrumentales a modo de fanfarria, los prototipos de la obertura posterior. [5]
La ópera tomó una nueva e importante dirección cuando llegó a la república de Venecia . Fue aquí donde Benedetto Ferrari y Francesco Manelli inauguraron en 1637 el primer teatro de ópera público, el Teatro di San Cassiano . Su éxito alejó a la ópera del patrocinio aristocrático y la llevó al mundo comercial. En Venecia, el drama musical ya no estaba dirigido a una élite de aristócratas e intelectuales y adquirió el carácter de entretenimiento. Pronto surgieron muchos otros teatros de ópera en la ciudad, representando obras para un público que pagaba durante la temporada de Carnaval . Los teatros de ópera empleaban una orquesta muy pequeña para ahorrar dinero. Gran parte de su presupuesto se gastó en atraer a los cantantes estrella del momento; este fue el comienzo del reinado del castrato y la prima donna (protagonista).
El principal compositor de la ópera veneciana temprana fue Monteverdi, que se había trasladado a la república desde Mantua en 1613, con compositores importantes posteriores como Francesco Cavalli , Antonio Cesti , Antonio Sartorio y Giovanni Legrenzi . [5] Monteverdi escribió tres obras para teatros públicos: Il ritorno d'Ulisse in patria (1640), Le nozze d'Enea con Lavinia (1641, ahora perdida) y, la más famosa, L'incoronazione di Poppea (1642). Los temas de las nuevas óperas de Monteverdi y otros generalmente se extraían de la historia romana o de leyendas sobre Troya, con el fin de celebrar los ideales heroicos y la noble genealogía del estado veneciano. Sin embargo no les faltaron intereses amorosos ni comedia. La mayoría de las óperas constaban de tres actos, a diferencia de las óperas anteriores que normalmente tenían cinco. La mayor parte de la versificación era todavía recitativa, sin embargo en momentos de gran tensión dramática aparecían a menudo pasajes arioso conocidos como arie cavate . Bajo los seguidores de Monteverdi, la distinción entre el recitativo y el aria se volvió más marcada y convencionalizada. Esto es evidente en el estilo de los cuatro compositores más exitosos de la próxima generación: Francesco Cavalli , Giovanni Legrenzi , Antonio Cesti y Alessandro Stradella .
En la Commonwealth polaco-lituana, una tradición de producción operística comenzó en Varsovia en 1628, con la representación de Galatea (compositor incierto), la primera ópera italiana producida fuera de Italia. Poco después de esta representación, la corte produjo la ópera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina de Francesca Caccini , que había escrito para el príncipe Władysław Vasa tres años antes, cuando éste estaba en Italia. Otra novedad: se trata de la ópera más antigua que se conserva escrita por una mujer. Gli amori di Aci e Galatea de Santi Orlandi también se representó en 1628. Cuando Władysław era rey (como Władysław IV) supervisó la producción de al menos diez óperas a finales de los años 1630 y 1640, lo que convirtió a Varsovia en un centro de este arte. Se desconocen los compositores de estas óperas: pueden haber sido polacos que trabajaban con Marco Scacchi en la capilla real, o pueden haber estado entre los italianos importados por Władysław. En 1635 se representó un dramma per musica (como se conocía a la ópera italiana seria en ese momento) titulado Giuditta , basado en la historia bíblica de Judith . El compositor fue probablemente Virgilio Puccitelli.
Las óperas de Cavalli se representaron por toda Italia mediante compañías en gira con gran éxito. De hecho, su Giasone fue la ópera más popular del siglo XVII, aunque algunos críticos quedaron consternados por su mezcla de tragedia y farsa. La fama de Cavalli se extendió por toda Europa. Una de sus especialidades era dar a sus heroínas " lamentos de bajo molido ". Eran arias lúgubres cantadas sobre una línea de bajo descendente y tuvieron una gran influencia en Henry Purcell , cuyo "When I am puesto en la tierra" de Dido y Eneas es probablemente el ejemplo más célebre de esta forma. La reputación de Cavalli hizo que el cardenal Mazarino lo invitara a Francia en 1660 para componer una ópera para la boda del rey Luis XIV con María Teresa de España. La ópera italiana ya se había representado en Francia en la década de 1640 con una recepción mixta y la expedición de Cavalli al extranjero terminó en desastre. El público francés no respondió bien a la reposición de Xerse (1660) y a la especialmente compuesta Ercole amante (1662), prefiriendo los ballets que había sido insertado entre los actos por un compositor florentino, Jean-Baptiste Lully , y Cavalli juró nunca componer. otra ópera.
Cesti tuvo más suerte cuando le pidieron que escribiera una ópera para la corte de los Habsburgo en Viena en 1668. Il pomo d'oro era tan grandioso que la representación tuvo que durar dos días. Fue un éxito tremendo y marcó el comienzo del dominio operístico italiano al norte de los Alpes. A finales del siglo XVII, los compositores alemanes e ingleses intentaron establecer sus propias tradiciones nativas, pero a principios del siglo XVIII habían cedido terreno a la ópera italiana importada, que se convirtió en el estilo internacional en manos de compositores como Handel . Sólo Francia resistió (y su tradición operística había sido fundada por el italiano Lully). Esto marcó la pauta hasta bien entrado el siglo XIX: la tradición italiana era la internacional y sus principales exponentes (por ejemplo, Handel, Hasse, Gluck y Mozart) a menudo no eran nativos de Italia. Los compositores que querían desarrollar sus propias formas nacionales de ópera generalmente tenían que luchar contra la ópera italiana. Así, a principios del siglo XIX, tanto Carl Maria von Weber en Alemania como Héctor Berlioz en Francia sintieron que tenían que desafiar la enorme influencia del italiano Rossini .
A finales del siglo XVII, algunos críticos creían que era necesaria una forma de ópera nueva y más elevada. Sus ideas darían origen a un género, la ópera seria (literalmente "ópera seria"), [6] que llegaría a ser dominante en Italia y gran parte del resto de Europa hasta finales del siglo XVIII. La influencia de esta nueva actitud se puede ver en las obras de los compositores Carlo Francesco Pollarolo [7] y el enormemente prolífico Alessandro Scarlatti . [8]
Durante el siglo XVIII la vida artística y cultural en Italia estuvo fuertemente influenciada por los ideales estéticos y poéticos de los miembros de la Accademia dell'Arcadia . Los poetas arcadianos introdujeron muchos cambios en el drama musical serio en italiano, entre ellos: [9]
Con diferencia, el libretista más exitoso de la época fue Pietro Metastasio y mantuvo su prestigio hasta bien entrado el siglo XIX. Pertenecía a la Academia Arcadia y estaba firmemente en línea con sus teorías. Un libreto de Metastasio a menudo era compuesto por veinte o treinta compositores diferentes y el público llegaba a saber de memoria la letra de sus dramas. [10]
En el siglo XVII, las óperas cómicas se produjeron sólo ocasionalmente y no se estableció ninguna tradición estable. Sólo en los primeros años del siglo XVIII nació en Nápoles el género cómico de la ópera buffa y comenzó a extenderse por toda Italia a partir de 1730.
La ópera buffa se distinguía de la ópera seria por numerosas características:
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En la segunda mitad del siglo XVIII, la ópera cómica debió su éxito a la colaboración entre el dramaturgo Carlo Goldoni y el compositor Baldassare Galuppi . Gracias a Galuppi, la ópera cómica adquirió mucha más dignidad que durante los días del intermezzo. Las óperas ahora se dividían en dos o tres actos, creando libretos para obras de una extensión sustancialmente mayor, que diferían significativamente de las de principios del siglo XVIII por la complejidad de sus tramas y la psicología de sus personajes. Estos ahora incluían algunas figuras serias en lugar de caricaturas exageradas y las óperas tenían tramas que se centraban en el conflicto entre las clases sociales además de incluir ideas autorreferenciales. La obra más famosa de Goldoni y Galuppi es Il filosofo di campagna (1754).
La colaboración entre Goldoni y otro famoso compositor, Niccolò Piccinni , produjo con La Cecchina (1760) otro género nuevo: la ópera semiseria . Este tenía dos personajes bufones , dos nobles y dos personajes "intermedios".
La farsa en un acto tuvo una influencia significativa en el desarrollo de la ópera cómica. Se trataba de un tipo de drama musical inicialmente considerado como una versión condensada de una ópera cómica más larga, pero con el tiempo se convirtió en un género por derecho propio. Se caracterizó por: virtuosismo vocal; un uso más refinado de la orquesta; la gran importancia dada a la producción; la presencia de malentendidos y sorpresas en el transcurso del drama.
La ópera seria tuvo sus debilidades y críticas; el gusto por el adorno por parte de los cantantes magníficamente formados y el uso del espectáculo como sustituto de la pureza y la unidad dramáticas provocaron ataques. El Ensayo sobre la ópera (1755) de Francesco Algarotti resultó ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck . Abogó por que la ópera seria tenía que volver a lo básico y que todos los diversos elementos (música (tanto instrumental como vocal), ballet y puesta en escena) debían estar subordinados al drama predominante. Varios compositores de la época, incluidos Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta , intentaron poner estos ideales en práctica. En 1765 Melchior Grimm publicó "Poème lyrique" , un influyente artículo para la Encyclopédie sobre libretos líricos y de ópera . [12] [13] [14] [15] [16]
Sin embargo, el primero que realmente tuvo éxito y dejó una huella permanente en la historia de la ópera fue Gluck. Gluck intentó lograr una "hermosa simplicidad". Esto se ilustra en la primera de sus óperas "reformistas", Orfeo ed Euridice , donde las líneas vocales que carecen del virtuosismo de (digamos) las obras de Handel están respaldadas por armonías simples y una presencia orquestal notablemente más rica de lo habitual en todas partes.
Las reformas de Gluck han tenido resonancia a lo largo de la historia de la ópera. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideales. Mozart, en muchos sentidos sucesor de Gluck, combinó un soberbio sentido del drama, la armonía, la melodía y el contrapunto para escribir una serie de comedias, en particular Las bodas de Fígaro , Don Giovanni y Così fan tutte (en colaboración con Lorenzo Da Ponte ), que siguen estando entre las óperas más queridas, populares y conocidas de la actualidad. Pero la contribución de Mozart a la ópera seria fue más variada; en su época estaba desapareciendo y, a pesar de obras tan hermosas como Idomeneo y La clemenza di Tito , no logró devolverle la vida a esta forma de arte.
La ópera romántica, que ponía énfasis en la imaginación y las emociones, comenzó a aparecer a principios del siglo XIX, y por sus arias y música, dio más dimensión a las emociones extremas que caracterizaban el teatro de esa época. Además, se dice que la buena música a menudo excusaba fallos evidentes en el dibujo de los personajes y en la trama. Gioachino Rossini (1792-1868) inició el período romántico. Su primer éxito fue una "ópera buffa" (ópera cómica), La cambiale di matrimonio (1810). Su reputación aún sobrevive hoy a través de su Barbero de Sevilla (1816) y La Cenerentola (1817). Pero también escribió ópera seria, Tancredi (1813) y Semiramide (1823).
Los sucesores de Rossini en el bel canto italiano fueron Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1848) y Giuseppe Verdi (1813–1901). Fue Verdi quien transformó toda la naturaleza de la escritura operística durante el transcurso de su larga carrera. Su primera ópera de gran éxito, Nabucco (1842), captó la atención del público por el vigor impulsor de su música y sus grandes coros. " Va, pensiero ", una de las interpretaciones del coro, fue interpretada y dio un significado ventajoso a la lucha por la independencia italiana y la unificación de Italia.
Después de Nabucco , Verdi basó sus óperas en temas patrióticos y en muchas de las fuentes románticas habituales: Friedrich Schiller ( Giovanna d'Arco , 1845; I masnadieri , 1847; Luisa Miller , 1849); Lord Byron ( I due Foscari , 1844; Il corsaro , 1848); y Víctor Hugo ( Ernani , 1844; Rigoletto , 1851). Verdi estaba experimentando con formas musicales y dramáticas, intentando descubrir cosas que sólo la ópera podía hacer.
En 1887 creó Otello , que sustituyó por completo a la ópera homónima de Rossini y que la crítica describe como la mejor ópera romántica italiana con los componentes tradicionales: las arias solistas, los dúos y los coros plenamente integrados en el marco melódico y dramático. fluir.
La última ópera de Verdi, Falstaff (1893), se liberó por completo de la forma convencional y encontró una música que sigue palabras simples y fluidas y, debido a su respeto por el patrón del habla ordinaria, creó un umbral para una nueva era operística en la que los patrones del habla son supremo.
La ópera se había convertido en una unión de las artes, un drama musical, lleno de canciones, trajes, música orquestal y pompa gloriosos; a veces, sin la ayuda de una historia plausible. Desde su concepción durante el período barroco hasta la madurez del período romántico, fue el medio a través del cual se revisitaron cuentos y mitos, se volvió a contar la historia y se estimuló la imaginación. La fuerza de la misma recayó en una época más violenta para la ópera: el verismo , con Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Ruggero Leoncavallo .
Algunas de las mejores óperas italianas del siglo XX fueron escritas por Giacomo Puccini (1858-1924). Entre ellas se encuentran Manon Lescaut , La bohème , Tosca , Madama Butterfly , La fanciulla del West , La rondine y Turandot , quedando las dos últimas inacabadas. En 1926 y en 2002, Franco Alfano y Luciano Berio respectivamente intentaron completar Turandot , y en 1994 Lorenzo Ferrero completó la orquestación de la tercera versión de La rondine . El propio Berio escribió dos óperas, Un re in ascolto y Opera . Ferrero también ha compuesto varias óperas, entre ellas Salvatore Giuliano , La Conquista y su Risorgimento de 2011.
Otros compositores de ópera italianos del siglo XX son:
