El cine de China es la industria cinematográfica y cinematográfica de la China continental bajo la República Popular China , uno de los tres hilos históricos distintos del cine en lengua china junto con el cine de Hong Kong y el cine de Taiwán .
China es el hogar del mayor complejo de producción de películas y dramas y estudios cinematográficos del mundo, Oriental Movie Metropolis [5] [6] y Hengdian World Studios , y en 2010 tenía la tercera industria cinematográfica más grande por número de largometrajes producidos. anualmente. En 2012, el país se convirtió en el segundo mercado más grande del mundo por ingresos de taquilla. En 2016, la taquilla bruta en China fue de 45,71 mil millones de yenes ( 6,58 mil millones de dólares estadounidenses ). El país tiene el mayor número de pantallas del mundo desde 2016, [7] y se espera que se convierta en el mayor mercado teatral para 2019. [8] China también se ha convertido en un importante centro de negocios para los estudios de Hollywood. [9] [10]
En noviembre de 2016, China aprobó una ley cinematográfica que prohíbe el contenido considerado perjudicial para la "dignidad, el honor y los intereses" de la República Popular y fomenta la promoción de los "valores fundamentales socialistas", aprobada por el Comité Permanente del Congreso Nacional del Pueblo. [11] Debido a las regulaciones de la industria, las películas generalmente pueden permanecer en los cines durante un mes. Sin embargo, los estudios pueden solicitar a los reguladores que amplíen el límite. [12]
Las películas cinematográficas se introdujeron en China en 1896. Fueron introducidas a través de exhibidores de películas extranjeras en puertos tratados como Shanghai y Hong Kong. [13] : 68
China fue uno de los primeros países en estar expuesto al medio cinematográfico, debido a que Louis Lumière envió a su camarógrafo a Shanghai un año después de inventar la cinematografía . [14] La primera proyección registrada de una película en China tuvo lugar en Shanghai el 11 de agosto de 1896 como un "acto" en un programa de variedades. [15] La primera película china, una grabación de la ópera de Pekín , Montaña Dingjun , se realizó en noviembre de 1905 en Pekín . [16] Durante la siguiente década, las compañías de producción fueron principalmente de propiedad extranjera, y la industria cinematográfica nacional se centró en Shanghai, un próspero centro de negocios y la ciudad más grande del Lejano Oriente .
Los cortometrajes de melodrama y comedia hechos en China comenzaron a surgir en 1913. [17] : 48 En 1913, el primer guión chino independiente, La pareja difícil , fue filmado en Shanghai por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan . [18] Zhang Shichuan fundó entonces la primera productora cinematográfica de propiedad china en 1916. El primer largometraje fue Yan Ruisheng (閻瑞生), estrenado en 1921, que era un docudrama sobre el asesinato de una cortesana de Shanghai, aunque Era una película demasiado tosca para ser considerada un éxito comercial. [14]
La producción cinematográfica china se desarrolló significativamente en la década de 1920. [17] : 48 Durante la década de 1920, técnicos cinematográficos de Estados Unidos capacitaron a técnicos chinos en Shanghai, y la influencia estadounidense continuó sintiéndose allí durante las siguientes dos décadas. [18] Dado que el cine todavía estaba en sus primeras etapas de desarrollo, la mayoría de las películas mudas chinas en ese momento eran solo parodias cómicas o cortometrajes de ópera, y la capacitación fue mínima en un aspecto técnico debido a que este era un período de cine experimental. [14]
Más tarde, después de prueba y error, China pudo inspirarse en sus propios valores tradicionales y comenzó a producir películas de artes marciales , siendo la primera la Quema del Templo del Loto Rojo (1928). La quema del Templo del Loto Rojo tuvo tanto éxito en taquilla que la producción de Star Motion Pictures (Mingxing) filmó más tarde 18 secuelas, lo que marcó el comienzo de las apreciadas películas de artes marciales de China. [14] Siguieron muchos imitadores, incluido Red Heroine (1929) de U. Lien (Youlian) Studio, que aún existe. [19] Fue durante este período que algunas de las compañías de producción más importantes surgieron por primera vez, en particular Mingxing y Tianyi ("Único") de los hermanos Shaw. Mingxing, fundada por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan en 1922, inicialmente se centró en cortometrajes cómicos, incluida la película china completa más antigua que se conserva, Laborer's Love (1922). [20] [21] [22] Sin embargo, esto pronto pasó a los largometrajes y dramas familiares, incluido Orphan Rescues Grandfather (1923). [20] Mientras tanto, Tianyi cambió su modelo hacia dramas folclóricos y también incursionó en los mercados extranjeros; su película White Snake (1926) [a] demostró ser un ejemplo típico de su éxito en las comunidades chinas del sudeste asiático. [20] En 1931, se realizó la primera película sonora china Sing-Song Girl Red Peony , producto de una cooperación entre la producción de imágenes de Mingxing Film Company y la tecnología de sonido de Pathé Frères . Sin embargo, el sonido se grabó en un disco , que luego se reprodujo en el cine en sincronía con la acción en la pantalla. El primer cine sonoro con sonido en película realizado en China fue Spring on Stage (歌場春色) de Tianyi o Clear Sky After Storm de Great China Studio y Jinan Studio. [24] Las películas musicales, como Song at Midnight (1937) [25] y Street Angels (1937), [26] protagonizadas por Zhou Xuan, [27] se convirtieron en uno de los géneros cinematográficos más populares en China. [28]
Sin embargo, las primeras películas chinas verdaderamente importantes se produjeron a partir de la década de 1930, con la llegada del movimiento "progresista" o "de izquierda", como Spring Silkworms (1933) de Cheng Bugao , [30] The Goddess de Wu Yonggang (1934), [31] y The Great Road , de Sun Yu , también conocida como The Big Road (1934). [32] Estas películas se destacaron por su énfasis en la lucha de clases y las amenazas externas (es decir, la agresión japonesa), así como por su enfoque en la gente común, como una familia de agricultores de seda en Spring Silkworms y una prostituta en The Goddess . [16] En parte debido al éxito de este tipo de películas, esta era posterior a 1930 ahora se conoce a menudo como el primer "período dorado" del cine chino. [16] El movimiento cinematográfico de izquierda a menudo giraba en torno a Shanghai, de influencia occidental, donde los cineastas retrataban a la clase baja en apuros de una ciudad superpoblada. [33]
Tres empresas de producción dominaron el mercado desde principios hasta mediados de la década de 1930: la recién formada Lianhua ("China Unida"), [b] la más antigua y más grande Mingxing y Tianyi. [34] Tanto Mingxing como Lianhua se inclinaron hacia la izquierda (la dirección de Lianhua quizás más), [16] mientras que Tianyi continuó haciendo una tarifa menos consciente socialmente.
El período también produjo las primeras grandes estrellas de cine chinas, como Hu Die, Ruan Lingyu, [35] Li Lili , [36] Chen Yanyan , [37] Zhou Xuan , Zhao Dan y Jin Yan . Otras películas importantes de la época incluyen Love and Duty (1931), Little Toys (1933), New Women (1934), [38] Song of the Fishermen (1934), [39] Plunder of Peach and Plum (1934), Crossroads . (1937) y Ángel callejero (1937). [26] A lo largo de la década de 1930, los nacionalistas y los comunistas lucharon por el poder y el control de los principales estudios; su influencia se puede ver en las películas que los estudios produjeron durante este período.
La invasión japonesa de China en 1937, en particular la batalla de Shanghai , puso fin a esta racha dorada del cine chino. Todas las productoras excepto Xinhua Film Company ("Nueva China") cerraron sus puertas y muchos de los cineastas huyeron de Shanghai y se trasladaron a Hong Kong , Chongqing , la capital nacionalista en tiempos de guerra , y otros lugares. La industria cinematográfica de Shanghai, aunque severamente restringida, no se detuvo, lo que condujo al período de la "Isla Solitaria" (también conocida como "Isla Única" o "Isla Huérfana"), en el que las concesiones extranjeras de Shanghai sirvieron como una "isla" de producción en el "mar" del territorio ocupado por los japoneses. Fue durante este período que los artistas y directores que permanecieron en la ciudad tuvieron que caminar sobre una delgada línea entre mantenerse fieles a sus creencias izquierdistas y nacionalistas y las presiones japonesas. Hua Mu Lan , del director Bu Wancang , también conocida como Mulan se une al ejército (1939), [40] con su historia de un joven campesino chino que lucha contra una invasión extranjera, fue un ejemplo particularmente bueno de la continua producción cinematográfica de Shanghai en el medio de la guerra. [20] [41] Este período terminó cuando Japón declaró la guerra a los aliados occidentales el 7 de diciembre de 1941; la isla solitaria finalmente fue engullida por el mar de la ocupación japonesa. Con la industria de Shanghai firmemente bajo el control japonés, se produjeron películas como Greater East Asia Co-Prosperity Sphere , que promueve la eternidad (1943). [20]
Durante las décadas de 1930 y 1940, tanto el gobierno nacionalista chino como las autoridades de ocupación japonesas enviaron unidades móviles de proyeccionistas a las zonas bajo su control para mostrar películas de propaganda. [13] : 69
En el soviético de Yan'an , durante septiembre de 1938, el Octavo Ejército de Ruta estableció su primer grupo cinematográfico. [13] : 69 En 1943, los comunistas lanzaron su primera película de campaña, Nanniwan , que buscaba desarrollar relaciones entre el ejército comunista y la población local en el área de Yan'an mostrando la campaña de producción del ejército para aliviar la escasez de materiales. [17] : 16
Al finalizar la Segunda Guerra Mundial , una de las empresas autorizadas por Japón más controvertidas, Manchukuo Film Association , sería separada e integrada en el cine chino. [42]
La industria cinematográfica continuó desarrollándose después de 1945. La producción en Shanghai se reanudó una vez más cuando una nueva generación de estudios ocupó el lugar que habían ocupado los estudios Lianhua y Mingxing en la década anterior. En 1945, Cai Chusheng regresó a Shanghai para revivir el nombre de Lianhua como "Sociedad Cinematográfica Lianhua con Shi Dongshan, Meng Junmou y Zheng Junli". [43] Esto a su vez se convirtió en Kunlun Studios, que se convertiría en uno de los estudios más importantes de la época (Kunlun Studios se fusionó con otros siete estudios para formar el estudio de cine de Shanghai en 1949), lanzando los clásicos The Spring River Flows. Oriente (1947), [44] Miríada de luces (1948), Cuervos y gorriones (1949), [45] y Las andanzas del huérfano de Tres Pelos , también conocido como San Mao, El pequeño vagabundo (1949). [46] [47] Muchas de estas películas mostraban la desilusión con el gobierno opresivo del Partido Nacionalista de Chiang Kai-shek y la lucha por la opresión de la nación mediante la guerra. The Spring River Flows East , una película de dos partes de tres horas de duración dirigida por Cai Chusheng y Zheng Junli , fue un éxito particularmente fuerte. Su descripción de las luchas de los chinos corrientes durante la Segunda Guerra Sino-Japonesa, repleta de mordaces comentarios sociales y políticos, tocó la fibra sensible del público de la época.
Mientras tanto, compañías como la Wenhua Film Company ("Culture Films"), se alejaron de la tradición izquierdista y exploraron la evolución y desarrollo de otros géneros dramáticos. Wenhua trató los problemas de la posguerra de manera universalista y humanista, evitando la narrativa familiar y las fórmulas melodramáticas. Excelentes ejemplos de la obra de Wenhua son sus dos primeros largometrajes de posguerra, Amor eterno ( Bu liaoqing , 1947) [48] y Novia falsa, novio falso (1947). [49] Otra película memorable de Wenhua es Long Live the Missus (1947), [50] como Love Everlasting con un guión original de la escritora Eileen Chang . El drama romántico de Wenhua, Primavera en una pequeña ciudad (1948), [51] dirigido por Fei Mu [52] poco antes de la revolución, es a menudo considerado por los críticos de cine chinos como una de las películas más importantes de la historia del cine chino. En 2005, el cine de Hong Kong la premia como la mejor película de los 100 años. [53] Irónicamente, fue precisamente su calidad artística y su aparente falta de "fundamentación política" lo que llevó a que los comunistas la etiquetaran como derechista o reaccionaria, y la película fue rápidamente olvidada por aquellos en el continente tras la victoria comunista en China en 1949. [54] Sin embargo, con la reapertura del Archivo de Cine de China después de la Revolución Cultural, se hizo una nueva impresión del negativo original, lo que permitió a Spring of the Small Town encontrar una audiencia nueva y admiradora e influir en toda una nueva generación. de cineastas. De hecho, Tian Zhuangzhuang realizó una aclamada nueva versión en 2002 . Una película china de la ópera de Pekín, Una boda en el sueño (1948), del mismo director (Fei Mu), fue la primera película china en color .
Cuando se fundó la República Popular China (RPC) en 1949, había menos de 600 salas de cine en el país. [55] : 102 El gobierno vio las películas como una importante forma de arte y herramienta para la propaganda masiva . Al principio se animó a los estudios privados de Shanghai, incluidos Kunming, Wenhua, Guotai y Datong, a realizar nuevas películas.
Las colaboraciones lideradas por los soviéticos La victoria del pueblo chino (1950) y China liberada (1951) estuvieron entre los eventos cinematográficos más importantes de los primeros años de la República Popular China. [17] : 17 Victoria del pueblo chino representó recreaciones de cuatro de las principales victorias militares del partido comunista y fue filmada usando munición real con la participación del Ejército Popular de Liberación . [17] : 15
Hicieron aproximadamente 47 películas durante los siguientes dos años, pero pronto tuvieron problemas debido al furor por el drama producido por Kunlun La vida de Wu Xun (1950), dirigido por Sun Yu y protagonizado por el veterano Zhao Dan. En un artículo anónimo del People's Daily de mayo de 1951, se acusó al artículo de difundir ideas feudales. Después de que se reveló que el artículo había sido escrito por Mao Zedong , la película fue prohibida. El Comité Directivo de Cine se formó para "reeducar" la industria cinematográfica, y todos los estudios privados se incorporaron al Estudio de Cine estatal de Shanghai . [56] [57]
Después del establecimiento de la República Popular China, la burocracia cultural china describió las películas estadounidenses como opio cinematográfico y comenzó a criticar el cine estadounidense junto con las campañas antidrogas. [13] : 225–226 El Partido Comunista Chino (PCC) buscó reforzar el control sobre los medios de comunicación y, en cambio, produjo películas centradas en campesinos, soldados y trabajadores, como Bridge (1949) y The White-Haired Girl (1950). [56] Una de las bases de producción en medio de toda la transición fue el Changchun Film Studio . Las películas estadounidenses fueron prohibidas como parte del esfuerzo de la Guerra de Corea . [13] : 225–226
El gobierno comunista resolvió el problema de la falta de salas de cine construyendo unidades de proyección móviles que podían recorrer las regiones remotas de China, asegurando que incluso los más pobres pudieran tener acceso a las películas. La gran mayoría de la población de China vivía en zonas rurales, y la mayoría de la gente en China no había visto una película hasta que los proyeccionistas móviles las trajeron. [13] : 148 Los equipos de proyección móviles durante la era Mao normalmente incluían de tres a cuatro trabajadores que transportaban físicamente la infraestructura cinematográfica a través de una gran área geográfica que en su mayoría no estaba cubierta por ninguna red eléctrica. [55] : 102 Yuan Muzhi fue importante en el desarrollo de las teorías y prácticas del gobierno comunista sobre la exhibición de películas rurales. [13] : 46 Yuan y Chen Bo'er transformaron los restos de la Asociación Cinematográfica de Manchuria posteriores a la Segunda Guerra Sino-Japonesa en el Estudio de Cine del Noreste y cuando Yuan se convirtió en jefe de la Oficina de Cine en 1949, aplicó su modelo para ayudar a instituir un Red de exhibición cinematográfica en todo el país. [13] : 46
En 1950, 1.800 proyeccionistas de todo el país viajaron a Nanjing para un programa de formación. [13] : 71 Estos proyeccionistas replicaron el programa de capacitación en sus propias provincias de origen para crear más proyeccionistas. [13] : 71 Nanjing fue posteriormente denominada "Cuna del cine popular". [13] : 71 La República Popular China buscó reclutar mujeres y proyeccionistas de minorías étnicas en un esfuerzo por llegar de manera más efectiva a las comunidades marginadas. [13] : 72
Hasta la profusión de equipos móviles de proyeccionistas en la década de 1950, la mayoría de la población rural no había visto una película. [55] : 103 Por lo tanto, el número de espectadores de cine aumentó considerablemente, en parte impulsado por el hecho de que las entradas para el cine se repartían en las unidades de trabajo y la asistencia era obligatoria, [57] con un aumento de las entradas de 47 millones en 1949 a 4,15 mil millones en 1959. [58] En 1965 había alrededor de 20.393 unidades cinematográficas móviles . [56] Durante el transcurso de la era Mao, la mayoría de las películas se proyectaban en dichas unidades, y sólo una minoría se veía en los cines. [55] : 103
El trabajo como proyeccionista móvil era exigente física y técnicamente. [55] : 104 Como resultado, las proyeccionistas y los equipos móviles de proyección exclusivamente femeninos fueron promocionados en los medios chinos como ejemplos del avance de la igualdad de género bajo el socialismo. [55] : 104-105
En las décadas de 1950 y 1960, el Partido Comunista construyó cines (entre otros edificios culturales) en distritos industriales de las periferias urbanas. [13] : 148 Estas estructuras fueron influenciadas por la arquitectura soviética y pretendían ser vivaces pero no "palaciegas". [13] : 148–149 Durante el Gran Salto Adelante , las salas de cine se expandieron rápidamente, incluyendo cines urbanos y unidades de proyección móviles. [17] : 150
Los equipos de proyeccionistas móviles rurales y las salas de cine urbanas generalmente eran administrados a través de la burocracia cultural de la República Popular China. [13] : 47 sindicatos y departamentos de propaganda del EPL también operaban redes de exhibición de películas. [13] : 47
En la China de la década de 1950, una visión común del cine era que servía como "educación socialista a distancia". [13] : 24 Por ejemplo, las películas promovían la colectivización rural . [13] : 24 El cine también buscó desarrollar la conciencia de clase proletaria de los trabajadores rurales, fomentando la industrialización y militarización de su trabajo. [13] : Se pidió a 50 equipos de proyección de películas que operaban en zonas rurales de China que incorporaran diapositivas de linterna en su trabajo para presentar políticas nacionales y campañas políticas. [13] : 82
En los 17 años transcurridos entre la fundación de la República Popular China y la Revolución Cultural , se produjeron 603 largometrajes y 8.342 bobinas de documentales y noticieros , patrocinados en su mayoría como propaganda comunista por el gobierno. [59] Por ejemplo, en Guerrilla on the Railroad (铁道游击队), de 1956, el Partido Comunista Chino fue descrito como la principal fuerza de resistencia contra la Segunda Guerra Sino-Japonesa. [60] Cineastas chinos fueron enviados a Moscú para estudiar el estilo de realización cinematográfica del realismo socialista soviético . [58] La Academia de Cine de Beijing se estableció en 1950 y se inauguró oficialmente en 1956. Una película importante de esta época es This Life of Mine (1950), dirigida por Shi Hu, que sigue a un viejo mendigo que reflexiona sobre su vida pasada como policía. trabajando para los distintos regímenes desde 1911. [61] [62] La primera película china de pantalla ancha se produjo en 1960. Las películas animadas que utilizaban una variedad de artes populares , como recortes de papel , juegos de sombras , títeres y pinturas tradicionales , también fueron muy populares. para entretener y educar a los niños. El más famoso de ellos, el clásico Havoc in Heaven (dos partes, 1961, 4), fue realizado por Wan Laiming de los Wan Brothers y ganó el premio a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Londres .
Películas como La chica de pelo blanco y Serf formaban parte de un género de melodramas redentores que buscaban animar al público a "hablar amargura". [13] : 183
El deshielo de la censura en 1956-1957 (conocido como la Campaña de las Cien Flores ) y a principios de la década de 1960 llevó a que se hicieran más películas chinas autóctonas, que dependían menos de sus homólogas soviéticas. [63] Durante esta campaña las críticas más agudas provinieron de las comedias satíricas de Lü Ban . Antes de que llegue el nuevo director expone las relaciones jerárquicas que se dan entre los cuadros, mientras que su siguiente película, La comedia inacabada (1957), fue etiquetada como "mala hierba venenosa" durante el movimiento antiderechista , y a Lü se le prohibió dirigir de por vida. [64] [65] Otras películas notables producidas durante este período fueron adaptaciones de clásicos literarios, como The New Year's Sacrifice de Sang Hu (1956, adaptada de una historia de Lu Xun ) y The Lin Family Shop de Shui Hua (1959, adaptada de una historia de Mao Dun ). El cineasta más destacado de esta época fue Xie Jin , cuyas tres películas en particular, Woman Basketball Player No. 5 (1957), The Red Detachment of Women (1961) y Two Stage Sisters (1964), ejemplifican la creciente experiencia de China en el cine. . Las películas realizadas durante este período son pulidas, exhiben un alto valor de producción y decorados elaborados. [66] Si bien Beijing y Shanghai siguieron siendo los principales centros de producción, entre 1957 y 1960 el gobierno construyó estudios regionales en Guangzhou , Xi'an y Chengdu para fomentar la representación de las minorías étnicas en las películas. El cine chino comenzó a abordar directamente la cuestión de esas minorías étnicas a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta en películas como Cinco flores doradas (1959), Tercera hermana Liu (1960), Serfs (1963) y Ashima (1964). [67] [68]
El 9 de marzo de 1958, el Ministerio de Cultura celebró una reunión para presentar un Gran Salto Adelante en el cine. [17] : 149-150 Durante el Gran Salto Adelante, la industria cinematográfica se expandió rápidamente, siendo los documentales el género que experimentó el mayor crecimiento. [17] : 150 Las tendencias en el cine documental incluían los "documentales artísticos", en los que actores y no actores recreaban eventos. [17] : 15
Como parte del Movimiento de Educación Socialista , unidades móviles de proyeccionistas de cine mostraron películas y presentaciones de diapositivas que enfatizaban la lucha de clases y animaban a los miembros de la audiencia a discutir experiencias amargas en el escenario. [13] : Se estrenaron 184 nuevas películas denominadas "películas de énfasis" coincidiendo con la campaña, y se relanzó la versión cinematográfica de La chica de pelo blanco . [13] : 185
En 1965, China lanzó la campaña Resist America, Aid Vietnam en respuesta al bombardeo estadounidense de Vietnam del Norte . [69] : 29 Para promover temas de campaña que denunciaran el imperialismo estadounidense y promovieran la resistencia vietnamita, el partido comunista utilizó exhibiciones de películas y otros medios culturales. [69] : 29
Durante la Revolución Cultural, la industria cinematográfica sufrió graves restricciones. Casi todas las películas anteriores fueron prohibidas y sólo se produjeron unas pocas nuevas, las revolucionarias óperas modelo . La más notable de ellas fue una versión en ballet de la ópera revolucionaria El destacamento rojo de mujeres , dirigida por Pan Wenzhan y Fu Jie en 1970.
El estreno de versiones filmadas de las revolucionarias óperas modelo dio lugar a una reorganización y expansión de la red de exhibición cinematográfica de China. [13] : 73 De 1965 a 1976, el número de unidades de proyección de películas en China se cuadruplicó, la audiencia cinematográfica total casi se triplicó y la tasa de asistencia cinematográfica nacional se duplicó. [13] : 133 El Grupo de la Revolución Cultural redujo drásticamente los precios de las entradas, lo que, en su opinión, permitiría que el cine sirviera mejor a las necesidades de los trabajadores y del socialismo. [13] : 133
Además de las películas consideradas laudatorias, desde mediados de 1966 hasta 1968, la creciente red de distribución cinematográfica proyectó películas caracterizadas como "malas hierbas venenosas" ante cientos de millones de espectadores con el fin de criticarlas. [13] : 232 Estas proyecciones de crítica iban acompañadas en ocasiones de sesiones de lucha . [13] : 233
Los jóvenes despedidos fueron un subconjunto importante de los proyeccionistas rurales de China durante el período de la Revolución Cultural. [13] : 75
La producción de largometrajes estuvo casi paralizada en los primeros años, de 1967 a 1972. La producción cinematográfica revivió después de 1972 bajo la estricta jurisdicción de la Banda de los Cuatro hasta 1976, cuando fueron derrocados. Las pocas películas que se produjeron durante este período, como Breaking with Old Ideas de 1975 , estaban muy reguladas en términos de trama y caracterización. [70]
En 1972, funcionarios chinos invitaron a Michelangelo Antonioni a China para filmar los logros de la Revolución Cultural. [71] : 13 Antonioni realizó el documental Chung Kuo, China . [71] : 13 Cuando se estrenó en 1974, los dirigentes del Partido Comunista en China interpretaron la película como reaccionaria y antichina. [71] : 13 Al ver el arte a través de los principios de las Conversaciones de Yan'an , particularmente el concepto de que no existe el arte por el arte, los líderes del partido interpretaron las elecciones estéticas de Antonioni como motivadas políticamente y prohibieron la película. [71] : 14 Jiang Qing criticó el papel del primer ministro Zhou Enlai en la invitación de Antonioni a China no sólo como un fracaso sino también como una traición. [72] : 121 Desde su estreno en China en 2004, la película ha sido bien considerada por el público chino, especialmente por sus hermosas representaciones de una época más sencilla. [71] : 14
Debido a que China rechazó la mayor parte de las importaciones de películas extranjeras, el cine comparativamente menor, como el cine albanés y el cine norcoreano, desarrolló audiencias masivas en China. [13] : 207 A través de las películas albanesas proyectadas durante este período, muchos miembros del público chino conocieron las técnicas y la estética de narración vanguardistas y modernistas. [13] : 206-207
En los años inmediatamente posteriores a la Revolución Cultural, la industria cinematográfica volvió a florecer como medio de entretenimiento popular. La producción aumentó constantemente, de 19 largometrajes en 1977 a 125 en 1986. [73] Las películas de producción nacional se proyectaron ante grandes audiencias y las entradas para festivales de cine extranjeros se vendieron rápidamente. La industria intentó revivir a las multitudes haciendo películas más innovadoras y "exploratorias" como sus homólogas occidentales. [ cita necesaria ]
El cine chino creció significativamente a finales de los años 1970. En 1979, las entradas anuales de taquilla alcanzaron un máximo de 29,3 mil millones de entradas vendidas, equivalente a un promedio de 30 películas por persona. El cine chino siguió prosperando hasta principios de los años 1980. En 1980, las entradas anuales de taquilla ascendieron a 23.400 millones de entradas vendidas, lo que equivale a una media de 29 películas por persona. [74] En términos de entradas de taquilla , este período representó el pico de venta de entradas en la historia de la taquilla china. [75] Las altas ventas de entradas fueron impulsadas por los bajos precios de las entradas, con una entrada de cine que normalmente costaba entre ¥ 0,1 ( $ 0,06 ) y ¥ 0,3 ( $ 0,19 ) en ese momento. [76]
A principios de la década de 1980, había 162.000 unidades de proyección en China, compuestas principalmente por equipos cinematográficos móviles que proyectaban películas al aire libre tanto en zonas rurales como urbanas. [55] : 102
Varias películas durante este período obtuvieron entradas de taquilla por cientos de millones. La película más taquillera de China en taquilla fue La leyenda de la serpiente blanca (1980), con unas 700 millones de entradas, [77] [78] seguida de In-Laws (Tres por tres) (1981) y The Wudang impávido (1983) con más de 600 millones de entradas vendidas cada uno. [79] La película extranjera más taquillera fue la película japonesa Kimi yo Fundo no Kawa o Watare (1976), que se estrenó en 1978 y vendió más de 330 millones de entradas, [80] seguida por la película india Caravan (1971), que se estrenó en 1979 y vendió alrededor de 300 millones de entradas. [81]
A finales de la década de 1980, la industria cinematográfica atravesó tiempos difíciles, enfrentada al doble problema de la competencia de otras formas de entretenimiento y la preocupación por parte de las autoridades de que muchas de las populares películas de suspenso y artes marciales eran socialmente inaceptables. [ cita necesaria ] En enero de 1986, la industria cinematográfica fue transferida del Ministerio de Cultura al recién formado Ministerio de Radio, Cine y Televisión para someterla a "un control y una gestión más estrictos" y "fortalecer la supervisión de la producción". [82]
El final de la Revolución Cultural trajo el lanzamiento de "dramas de cicatrices" (傷痕剧shānghén jù ), que describían los traumas emocionales dejados por este período. La más conocida de ellas es probablemente Hibiscus Town (1986) de Xie Jin, aunque todavía se podían ver en la década de 1990 con The Blue Kite (1993) de Tian Zhuangzhuang . En la década de 1980, Deng Xiaoping alentó la crítica abierta de ciertas políticas pasadas del Partido Comunista como una forma de revelar los excesos de la Revolución Cultural y la anterior Campaña Antiderechista , ayudando también a legitimar las nuevas políticas de Deng de " reforma y apertura" . " Por ejemplo, el premio a la Mejor Película en la edición inaugural de los Golden Rooster Awards de 1981 se otorgó a dos "dramas de cicatrices", Evening Rain ( Wu Yonggang , Wu Yigong , 1980) y Legend of Tianyun Mountain ( Xie Jin , 1980). [83]
Muchos dramas de cicatrices fueron realizados por miembros de la Cuarta Generación cuyas propias carreras o vidas habían sufrido durante los eventos en cuestión, mientras que los directores más jóvenes de la Quinta Generación, como Tian, tendían a centrarse en temas menos controvertidos del presente inmediato o del pasado distante. El entusiasmo oficial por los dramas de cicatrices disminuyó en la década de 1990, cuando los cineastas más jóvenes comenzaron a enfrentar los aspectos negativos de la era Mao. The Blue Kite , aunque compartía un tema similar al de los dramas de cicatrices anteriores, tenía un estilo más realista y se realizó únicamente ofuscando su guión real. Mostrada en el extranjero, se prohibió su estreno en China continental, mientras que al propio Tian se le prohibió hacer películas durante casi una década después. Después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989, pocos dramas de cicatrices, si es que hubo alguno, se estrenaron a nivel nacional en China continental. [ cita necesaria ]
A partir de mediados de la década de 1980, el ascenso de la llamada quinta generación de cineastas chinos trajo una mayor popularidad del cine chino en el extranjero. La mayoría de los cineastas que formaron la Quinta Generación se habían graduado de la Academia de Cine de Beijing en 1982 e incluían a Zhang Yimou , Tian Zhuangzhuang, Chen Kaige , Zhang Junzhao , Li Shaohong , Wu Ziniu y otros. Estos graduados constituyeron el primer grupo de cineastas graduados desde la Revolución Cultural y pronto abandonaron los métodos tradicionales de narración y optaron por un enfoque simbólico más libre y poco ortodoxo. [84] Después de que la llamada literatura de cicatrices en la ficción allanó el camino para una discusión franca, Uno y ocho (1983) de Zhang Junzhao y Tierra amarilla (1984) de Chen Kaige en particular fueron considerados los inicios de la Quinta Generación. [c] Los directores más famosos de la Quinta Generación, Chen Kaige y Zhang Yimou, produjeron obras célebres como King of the Children (1987), Ju Dou (1989), Raise the Red Lantern (1991) y Farewell My. Concubine (1993), que no sólo fueron aclamados por los cinéfilos chinos sino también por el público occidental . Las películas de Tian Zhuangzhuang , aunque menos conocidas por los espectadores occidentales, fueron bien valoradas por directores como Martin Scorsese . Fue durante este período que el cine chino comenzó a cosechar los frutos de la atención internacional, incluido el Oso de Oro de 1988 por Sorgo rojo , el León de Oro de 1992 por La historia de Qiu Ju , la Palma de Oro de 1993 por Adiós a mi concubina y tres Mejores Premios. Nominaciones a películas en lengua extranjera de los Premios de la Academia. [85] Todas estas películas premiadas fueron protagonizadas por la actriz Gong Li , quien se convirtió en la estrella más reconocible de la Quinta Generación, especialmente para el público internacional.
Diversas en estilo y temática, las películas de los directores de la Quinta Generación abarcaban desde la comedia negra ( El incidente del cañón negro , de Huang Jianxin , 1985) hasta lo esotérico ( La vida en una cuerda , de Chen Kaige , 1991), pero comparten un rechazo común hacia la tradición socialista-realista trabajada por cineastas chinos anteriores en la era comunista. Otros directores notables de la Quinta Generación incluyen a Wu Ziniu , Hu Mei , Li Shaohong y Zhou Xiaowen . Los cineastas de la Quinta Generación reaccionaron contra la pureza ideológica del cine de la Revolución Cultural. Al trasladarse a estudios regionales, comenzaron a explorar la actualidad de la cultura local de una manera un tanto documental. En lugar de historias que describieran luchas militares heroicas, las películas se construyeron a partir del drama de la vida cotidiana de la gente corriente. También mantuvieron su ventaja política, pero apuntaron a explorar cuestiones en lugar de reciclar las políticas aprobadas. Mientras que las películas de la Revolución Cultural utilizaban personajes, los directores más jóvenes favorecían la profundidad psicológica siguiendo los lineamientos del cine europeo. Adoptaron tramas complejas, simbolismos ambiguos e imágenes evocadoras. [86] Algunas de sus obras más audaces con connotaciones políticas fueron prohibidas por las autoridades chinas.
Estas películas vinieron con géneros creativos de historias, así como un nuevo estilo de filmación, los directores utilizaron mucho color y planos largos para presentar y explorar la historia y la estructura de la cultura nacional. Como resultado de que las nuevas películas eran tan complejas, estaban dirigidas a audiencias más educadas que cualquier otra cosa. El nuevo estilo resultó rentable para algunos y ayudó a los cineastas a avanzar en el negocio. Permitió a los directores alejarse de la realidad y mostrar su sentido artístico. [87]
La Cuarta Generación también volvió a cobrar protagonismo. Dada su etiqueta después del ascenso de la Quinta Generación, se trataba de directores cuyas carreras quedaron estancadas por la Revolución Cultural y que recibieron formación profesional antes de 1966. Wu Tianming , en particular, hizo contribuciones destacadas al ayudar a financiar a los principales directores de la Quinta Generación bajo la dirección de la Quinta Generación. bajo los auspicios del Xi'an Film Studio (que asumió en 1983), mientras seguía haciendo películas como Old Well (1986) y The King of Masks (1996).
El movimiento de la Quinta Generación terminó en parte después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989, aunque sus principales directores continuaron produciendo obras notables. Varios de sus cineastas se exiliaron a sí mismos: Wu Tianming se mudó a los Estados Unidos (pero luego regresó), Huang Jianxin se fue a Australia , mientras que muchos otros se dedicaron a trabajos relacionados con la televisión.
Durante un período en el que los dramas socialistas comenzaban a perder audiencia, el gobierno chino comenzó a involucrarse más profundamente en el mundo de la cultura popular y el cine creando el género oficial de la "melodía principal" (主旋律zhǔxuánlǜ ), inspirada en los avances de Hollywood en el ámbito musical. dramas. [88] En 1987, el Ministerio de Radio, Cine y Televisión emitió una declaración fomentando la realización de películas que enfatizaran la melodía principal para "vigorizar el espíritu nacional y el orgullo nacional". [89] La expresión melodía principal se refiere al término musical leitmotiv , que se traduce como "tema de nuestros tiempos", que los estudiosos sugieren que es representativo del clima sociopolítico y el contexto cultural del cine popular de China. [90] Estas películas de melodía principal, todavía producidas regularmente en los tiempos modernos, intentan emular la corriente comercial mediante el uso de música y efectos especiales al estilo de Hollywood. Una característica significativa de estas películas es la incorporación de una " canción roja ", que es una canción escrita como propaganda para apoyar a la República Popular China. [91] Al girar la película en torno al motivo de una canción roja, la película puede ganar terreno en la taquilla, ya que generalmente se piensa que las canciones son más accesibles que una película. En teoría, una vez que la canción roja domine las listas, despertará interés en la película que la acompaña. [92]
Los principales dramas melódicos suelen estar subvencionados por el Estado y tienen libre acceso al personal gubernamental y militar. [93] El gobierno chino gasta entre "uno y dos millones de RMB" anualmente para apoyar la producción de películas en el género musical principal. August 1st Film Studio , el brazo de producción de cine y televisión del Ejército Popular de Liberación , es un estudio que produce cine de melodía principal. Las películas con melodías principales, que a menudo representan enfrentamientos militares pasados o son biografías de líderes del PCC de primera generación, han ganado varios premios a la Mejor Película en los Premios Golden Rooster. [94] Algunos de los dramas melódicos principales más famosos incluyen la épica Decisive Engagement (大决战, 1991), de diez horas, dirigida por Cai Jiawei, Yang Guangyuan y Wei Lian; La guerra del opio (1997), dirigida por Xie Jin ; y La fundación de una república (2009), dirigida por Han Sanping y el director de Quinta Generación, Huang Jianxin. [95] La Fundación de un Ejército (2017) fue encargada por el gobierno para celebrar el 90.º aniversario del Ejército Popular de Liberación y es la tercera entrega de la serie La Fundación de una República. [96] La película contó con muchos jóvenes cantantes pop chinos que ya están bien establecidos en la industria, incluidos Li Yifeng , Liu Haoran y Lay Zhang , para promover la reputación de la película como un drama melódico principal.
La era posterior a 1990 ha sido etiquetada como el "regreso del cineasta aficionado" como políticas de censura estatal después de que las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989 produjeron un vanguardista movimiento cinematográfico clandestino al que se hace referencia vagamente como la Sexta Generación. Debido a la falta de financiación y respaldo estatal, estas películas se rodaron de forma rápida y económica, utilizando materiales como películas de 16 mm y vídeo digital y en su mayoría actores y actrices no profesionales, produciendo una sensación de documental, a menudo con tomas largas y cámaras portátiles. y sonido ambiental; más parecido al neorrealismo italiano y al cinéma vérité que las producciones a menudo exuberantes y mucho más consideradas de la Quinta Generación. [85] A diferencia de la Quinta Generación, la Sexta Generación aporta una visión de la vida más individualista y antiromántica y presta mucha más atención a la vida urbana contemporánea, especialmente afectada por la desorientación, la rebelión [97] y la insatisfacción con el marketing económico social contemporáneo de China. tensiones y un amplio trasfondo cultural. [98] Muchas se hicieron con un presupuesto extremadamente bajo (un ejemplo es Jia Zhangke , que filma en vídeo digital, y anteriormente en 16 mm; The Days (1993) de Wang Xiaoshuai se hizo por 10.000 dólares estadounidenses [98] ). El título y los temas de muchas de estas películas reflejan las preocupaciones de la Sexta Generación. La Sexta Generación se interesa por los individuos marginados y los sectores menos representados de la sociedad. Por ejemplo, Beijing Bastards (1993) , de mano de Zhang Yuan , se centra en la subcultura punk juvenil , presentando artistas como Cui Jian , Dou Wei y He Yong , mal vistos por muchas autoridades estatales, [99] mientras que la película debut de Jia Zhangke, Xiao Wu ( 1997) se refiere a un carterista provincial .
A medida que la Sexta Generación ganó exposición internacional, muchas películas posteriores fueron empresas conjuntas y proyectos con patrocinadores internacionales, pero siguieron siendo decididamente discretas y de bajo presupuesto. Plataforma de Jia (2000) fue financiada en parte por la productora de Takeshi Kitano , [100] mientras que su Naturaleza muerta fue filmada en video HD . Still Life fue una incorporación sorpresa y ganadora del León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia de 2006 . Still Life , que trata sobre los trabajadores provinciales de la región de las Tres Gargantas , contrasta marcadamente con los trabajos de directores chinos de quinta generación como Zhang Yimou y Chen Kaige, que en ese momento estaban produciendo House of Flying Daggers (2004) y The Promise (2005). No contó con ninguna estrella de renombre internacional y fue interpretada principalmente por no profesionales.
Muchas películas de la Sexta Generación han resaltado los atributos negativos de la entrada de China al mercado capitalista moderno . Blind Shaft (2003) , de Li Yang, por ejemplo, es un relato de dos estafadores asesinos en la industria minera no regulada y notoriamente peligrosa del norte de China. [101] (Li rechazó la etiqueta de Sexta Generación, aunque admitió que no era Quinta Generación). [97] Mientras que The World (2004), de Jia Zhangke, enfatiza el vacío de la globalización en el contexto de un parque de diversiones de temática internacional. [102]
Algunos de los directores más prolíficos de la Sexta Generación que han surgido son Wang Xiaoshuai ( The Days , Beijing Bicycle , So Long, My Son ), Zhang Yuan ( Beijing Bastards , East Palace West Palace ), Jia Zhangke ( Xiao Wu , Unknown Pleasures , Platform , El mundo , Un toque de pecado , Las montañas pueden partir , La ceniza es el blanco más puro ), He Jianjun ( Cartero ) y Lou Ye ( Río Suzhou , Palacio de Verano ). Un director de su generación que no comparte la mayoría de las preocupaciones de la Sexta Generación es Lu Chuan ( Kekexili: Mountain Patrol , 2004; City of Life and Death , 2010).
En el Festival de Cine de Cannes de 2018, dos de los cineastas chinos de la sexta generación, Jia Zhangke y Zhang Meng , cuyas sombrías obras transformaron el cine chino en la década de 1990, se presentaron en la Riviera francesa. Si bien ambos directores representan el cine chino, sus perfiles son bastante diferentes. Jia, de 49 años, creó el Festival Internacional de Cine de Pingyao en 2017 y, por otro lado, está Zhang, un profesor de escuela de cine de 56 años que pasó años trabajando en comisiones gubernamentales y programas de televisión nacionales después de luchar con sus propios proyectos. . A pesar de sus diferentes perfiles, marcan una piedra angular importante en el cine chino y a ambos se les atribuye haber llevado las películas chinas a la gran pantalla internacional. La última película del director chino Jia Zhangke, Ash Is Purest White , ha sido seleccionada para competir en la competición oficial de la Palma de Oro del 71º Festival de Cine de Cannes, el máximo galardón otorgado en el festival de cine. Es la quinta película de Jia, un drama de venganza de gánsteres que es su película más cara y convencional hasta la fecha. En 2013, Jia ganó el premio al mejor guión por A Touch of Sin , tras las nominaciones por Unknown Pleasures en 2002 y 24 City en 2008. En 2014, fue miembro del jurado oficial y al año siguiente su película Mountains May Depart fue nominada. . Según el sitio web de entretenimiento Variety, este año se presentó un número récord de películas chinas, pero sólo el drama romántico de Jia fue seleccionado para competir por la Palma de Oro. Mientras tanto, Zhang hará su debut en Cannes con The Pluto Moment , un drama de relaciones de lento movimiento sobre un equipo de cineastas que buscan locaciones y talentos musicales en el interior rural de China. La película es la producción de más alto perfil de Zhang hasta el momento, ya que está protagonizada por el actor Wang Xuebing en el papel principal. La película fue financiada en parte por iQiyi, la compañía detrás de uno de los sitios para compartir vídeos en línea más populares de China. [103] Diao Yinan también es un miembro notable de la sexta generación cuyas obras incluyen Black Coal Thin Ice , Wild Goose Lake , Night Train y Uniform , que se estrenaron en festivales como Cannes y recibieron elogios en el extranjero. [104]
He Ping es director de películas en su mayoría de estilo occidental ambientadas en escenarios chinos. Sus Swordsmen in Double Flag Town (1991) y Sun Valley (1995) exploran narrativas ambientadas en el terreno disperso del oeste de China, cerca del desierto de Gobi . Su drama histórico Petardo rojo, petardo verde (1994) obtuvo numerosos premios en el país y en el extranjero.
En el cine reciente, los directores de fotografía chinos han dirigido algunas películas aclamadas. Además de Zhang Yimou, Lü Yue hizo Mr. Zhao (1998), una película de comedia negra muy bien recibida en el extranjero. La épica minimalista Peacock (2005) de Gu Changwei , sobre una familia china tranquila y corriente con tres hermanos muy diferentes en la era posterior a la Revolución Cultural, se llevó a casa el premio Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín 2005 . Hou Yong es otro director de fotografía que realizó películas ( Jasmine Women , 2004) y series de televisión. Hay actores que abarcan la doble función de actuar y dirigir. Xu Jinglei , una popular actriz china, ha realizado seis películas hasta la fecha. Su segunda película Carta de una mujer desconocida (2004) le valió el premio a la Mejor Directora del Festival Internacional de Cine de San Sebastián . Otra actriz y directora popular es Zhao Wei , cuyo debut como directora So Young (2013) fue un gran éxito de taquilla y de crítica.
El actor y director chino más respetado es sin duda Jiang Wen , quien ha dirigido varias películas aclamadas por la crítica mientras continuaba su carrera como actor. Su debut como director, In the Heat of the Sun (1994) fue la primera película de la República Popular China en ganar el premio a la Mejor Película en los Golden Horse Film Awards celebrados en Taiwán . Sus otras películas, como Devils on the Doorstep (2000, Gran Premio de Cannes) y Let the Bullets Fly (2010), fueron igualmente bien recibidas. A principios de 2011, Let the Bullets Fly se había convertido en la película nacional más taquillera en la historia de China. [105] [106]
Hay un número creciente de cineastas independientes de séptima o posterior sexta generación que hacen películas con presupuestos extremadamente bajos y utilizan equipos digitales. Son la llamada dGeneración (por digital). [107] Estas películas, como las de los cineastas de la Sexta Generación, se realizan en su mayoría fuera del sistema cinematográfico chino y se proyectan principalmente en el circuito de festivales de cine internacionales. Ying Liang y Jian Yi son dos de esta generación de cineastas. Taking Father Home (2005) y The Other Half (2006) de Ying son representativos de las tendencias generacionales del largometraje. Liu Jiayin hizo dos largometrajes de dGeneration, Oxhide (2004) y Oxhide II (2010), desdibujando la línea entre el documental y el cine narrativo. Oxhide , realizada por Liu cuando era estudiante de cine, se encuadra a ella y a sus padres en su claustrofóbico apartamento de Beijing en una narrativa elogiada por la crítica. Un elefante sentado quieto , considerado uno de los mejores debuts cinematográficos del cine chino, es también la única película del fallecido Hu Bo . [108]
Dos décadas de reforma y comercialización han traído cambios sociales dramáticos en China continental, reflejados no sólo en el cine de ficción sino también en un creciente movimiento documental. Bumming in Beijing: The Last Dreamers (1990), de 70 minutos de Wu Wenguang , se considera ahora una de las primeras obras de este "Nuevo Movimiento Documental" (NDM) en China. [109] [110] Bumming , realizada entre 1988 y 1990, contiene entrevistas con cinco jóvenes artistas que se ganan la vida a duras penas en Beijing , sujetos a tareas autorizadas por el estado. Filmado con una videocámara , el documental termina con cuatro de los artistas que se mudan al extranjero después de las protestas y la masacre de la Plaza de Tiananmen de 1989. [111] Dance with the Farm Workers (2001) es otro documental de Wu. [112]
Otro documental aclamado internacionalmente es la historia de nueve horas de Wang Bing sobre la desindustrialización Tie Xi Qu: West of the Tracks (2003). Los documentales posteriores de Wang, He Fengming (2007), Crude Oil (2008), Man with no name (2009), Three Sisters (2012) y Feng ai (2013), consolidaron su reputación como uno de los principales documentalistas del movimiento. [113]
Li Hong, la primera mujer del NDM, en Out of Phoenix Bridge (1997) cuenta la historia de cuatro mujeres jóvenes, que, tras trasladarse de las zonas rurales a las grandes ciudades como millones de otros hombres y mujeres, han llegado a Beijing para hacer una viviendo.
El Nuevo Movimiento Documental en los últimos tiempos se ha superpuesto con el cine de la Generación d, y la mayoría de los documentales se filman de forma económica e independiente en formato digital. Karamay de Xu Xin (2010), Behemoth de Zhao Liang , Disorder de Huang Weikai (2009), Ghost Town de Zhao Dayong (2009), 1428 de Du Haibing (2009), Fortune Teller de Xu Tong (2009) y Tape de Li Ning (2010) fueron filmados. en formato digital. Todos han tenido impacto en el panorama documental internacional y el uso del formato digital permite obras de mayor extensión.
Inspirados por el éxito de la animación de Disney , los pioneros autodidactas hermanos Wan , Wan Laiming y Wan Guchan , realizaron el primer corto animado chino en la década de 1920, inaugurando así la historia de la animación china. (Chen Yuanyuan 175) [114] Muchas películas de acción real de la era republicana también incluían secuencias animadas. [115]
En 1937, los hermanos Wan decidieron producir 《铁扇公主》Princess Iron Fan , que fue el primer largometraje de animación chino y el cuarto, después de los largometrajes estadounidenses Blancanieves , Los viajes de Gulliver y Las aventuras de Pinocho . Fue en ese momento cuando la animación china como forma de arte había alcanzado prominencia en el escenario mundial. Terminada en 1941, la película se estrenó bajo China United Pictures y despertó una gran respuesta en Asia. El animador japonés Shigeru Tezuka dijo una vez que dejó la medicina después de ver la caricatura y decidió dedicarse a la animación. [ cita necesaria ]
Durante esta era dorada, la animación china había desarrollado una variedad de estilos, incluida la animación con tinta, la animación de juegos de sombras, la animación de títeres, etc. Algunas de las obras más representativas son 《大闹天宫》Uroar in Heaven , 《哪吒闹海》Nezha 's Rebellion in the Sea y 《天书奇谈》Heavenly Book , que también han obtenido grandes elogios y numerosos premios en el mundo. [ cita necesaria ]
Después del período de reforma de Deng Xiaoping y la "apertura" de China, se estrenaron las películas 《葫芦兄弟》 Calabash Brothers , 《黑猫警长》Black Cat Sheriff , 《阿凡提》Avanti Story y otras impresionantes películas animadas. Sin embargo, en ese momento, China todavía favorecía las obras animadas más singulares de los japoneses, con influencia estadounidense y europea, sobre las nacionales menos avanzadas. [ cita necesaria ]
En la década de 1990, los métodos de producción digital reemplazaron a los métodos de dibujo manual; sin embargo, incluso con el uso de tecnología avanzada, ninguna de las obras animadas se consideró una película revolucionaria. Las películas animadas que intentaron atender a todos los grupos de edad, como Lotus Lantern y Storm Resolution , no atrajeron mucha atención. Las únicas obras animadas que parecieron alcanzar popularidad fueron las dirigidas a niños, como Pleasant Goat y Big Big Wolf《喜羊羊与灰太狼》.
Durante este período, el nivel técnico de la producción de animación nacional china se ha establecido de manera integral y las películas de animación 3D se han convertido en la corriente principal. Sin embargo, a medida que se importan cada vez más películas extranjeras (como las de Japón, Europa y Estados Unidos) a China, las obras animadas chinas quedan a la sombra de estas películas animadas extranjeras.
Sólo con el estreno de 《西游记之大圣归来》Monkey King: Hero is Back en 2015, una película animada por ordenador, las obras de animación chinas retomaron el control. La película fue un gran éxito y rompió el récord de películas animadas nacionales chinas con 956 millones de yenes en la taquilla de China. Después del éxito de Journey to the West , se estrenaron varias otras películas animadas de alta calidad, como " Big Fish and Begonia" y " White Snake " . Aunque ninguna de estas películas avanzó en taquilla, sí hicieron que los cineastas se interesaran cada vez más por las obras animadas.
Todo esto cambió con la innovadora película animada 《哪吒之魔童降世》Ne Zha . Estrenada en 2019, se convirtió en la segunda película más taquillera de todos los tiempos en China, la película animada no inglesa más taquillera y la película animada más taquillera en un solo territorio. Fue con esta película que las películas animadas chinas, como medio, finalmente rompieron la noción en China de que las películas animadas nacionales son sólo para niños. Con Nezha y un spin-off, Jiang Ziya , la animación china se ha convertido en una verdadera fuente de entretenimiento para todas las edades.
Con la liberalización de China a finales de los años 1970 y su apertura a los mercados extranjeros, las consideraciones comerciales han tenido su impacto en el cine posterior a los años 1980. Tradicionalmente, las películas de autor proyectadas rara vez generan lo suficiente para cubrir gastos. Un ejemplo es The Horse Thief (1986), del director de Fifth Generation Tian Zhuangzhuang , una película narrativa con diálogos mínimos sobre un ladrón de caballos tibetano . La película, que muestra paisajes exóticos, fue bien recibida por el público chino y occidental, pero tuvo malos resultados en taquilla. [116] La última película de Tian, El guerrero y el lobo (2010), fue un fracaso comercial similar. [117] Antes de estos, hubo ejemplos de películas comerciales exitosas en el período posterior a la liberalización. Una fue la película romántica Romance on the Lu Mountain (1980), que fue un éxito entre los chinos mayores. La película rompió el Libro Guinness de los Récords como la película de mayor duración en su estreno . El debut cinematográfico de Jet Li , Shaolin Temple (1982), fue un éxito instantáneo en el país y en el extranjero (en Japón y el sudeste asiático , por ejemplo). [118] Otra película comercial exitosa fue Murder in 405 (405谋杀案, 1980), un thriller de asesinatos. [119]
La fábrica de sueños (1997) de Feng Xiaogang fue anunciada como un punto de inflexión en la industria cinematográfica china, una hesui pian ( película proyectada en el Año Nuevo Chino ) que demostró la viabilidad del modelo comercial en la economía de mercado socialista de China . Feng se ha convertido en uno de los directores comerciales de mayor éxito en la era posterior a 1997. Casi todas sus películas obtuvieron altos rendimientos a nivel nacional [120] , mientras que utilizó coprotagonistas de etnia china como Rosamund Kwan , Jacqueline Wu , Rene Liu y Shu Qi para aumentar el atractivo de sus películas.
En la década posterior a 2010, debido a la afluencia de películas de Hollywood (aunque el número de proyecciones cada año se reduce), el cine nacional chino enfrenta desafíos crecientes. La industria está creciendo y las películas nacionales están empezando a alcanzar el impacto de taquilla de los grandes éxitos de Hollywood. Sin embargo, no todas las películas nacionales tienen éxito económico. En enero de 2010, Avatar de James Cameron fue retirado de los cines no 3D para la película biográfica Confucio de Hu Mei , pero esta medida provocó una reacción violenta contra la película de Hu. [121] Girasol de 2005 de Zhang Yang también generó poco dinero, pero su anterior, Spicy Love Soup (1997) , de bajo presupuesto, recaudó diez veces su presupuesto de ¥ 3 millones. [122] Asimismo, Crazy Stone de 2006 , un éxito inesperado , se hizo por sólo 3 millones de HKD/400.000 dólares estadounidenses. En 2009-2011, Aftershock (2009) de Feng y Let the Bullets Fly (2010) de Jiang Wen se convirtieron en las películas nacionales más taquilleras de China, con Aftershock ganando 670 millones de yenes (105 millones de dólares estadounidenses) [123] y Let the Bullets Fly 674 millones de yenes ( 110 millones de dólares). [124] Perdidos en Tailandia (2012) se convirtió en la primera película china en alcanzar los mil millones de yenes en la taquilla china y Monster Hunt (2015) fue la primera en alcanzar los dos mil millones de yenes. En 2021, nueve de las 10 películas más taquilleras de China son producciones nacionales. El 8 de febrero de 2016, la taquilla china estableció un nuevo récord bruto en un solo día, con 660 millones de ¥, superando el récord anterior de 425 millones de ¥ el 18 de julio de 2015. [125] También en febrero de 2016, La sirena , dirigió de Stephen Chow , se convirtió en la película más taquillera de China, superando a Monster Hunt . [126] También es la primera película que alcanza los 3.000 millones de yenes. [127]
Bajo la influencia de películas de ciencia ficción de Hollywood como Prometheus , publicada el 8 de junio de 2012, estos géneros, especialmente las películas de ciencia espacial, han aumentado rápidamente en el mercado cinematográfico chino en los últimos años. El 5 de febrero de 2019, la película The Wandering Earth dirigida por Frant Kwo recaudó 699,8 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en la tercera película más taquillera de la historia del cine chino.
Desde finales de los años 1980 y progresivamente a lo largo de los años 2000, las películas chinas han disfrutado de un considerable éxito de taquilla en el extranjero. Anteriormente vista sólo por los cineastas, su atractivo mundial aumentó después de la taquilla internacional y el éxito de crítica de la película de época wuxia de Ang Lee , Crouching Tiger, Hidden Dragon , que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en 2000. Esta producción multinacional aumentó su atractivo presentando estrellas de todas partes del mundo de habla china. Proporcionó una introducción al cine chino (y especialmente al género wuxia) para muchos y aumentó la popularidad de muchas películas chinas anteriores. Hasta la fecha, Crouching Tiger sigue siendo la película en lengua extranjera de mayor éxito comercial en la historia de Estados Unidos.
De manera similar, en 2002, Hero, de Zhang Yimou , fue otro éxito de taquilla internacional. Su elenco incluía actores famosos de China continental y Hong Kong que también eran conocidos hasta cierto punto en Occidente, incluidos Jet Li, Zhang Ziyi , Maggie Cheung y Tony Leung Chiu-Wai . A pesar de las críticas de algunos de que estas dos películas satisfacen un poco los gustos occidentales, Hero fue un éxito fenomenal en la mayor parte de Asia y encabezó la taquilla de Estados Unidos durante dos semanas, recaudando lo suficiente solo en Estados Unidos para cubrir los costos de producción.
Otras películas como Adiós a mi concubina , 2046 , Río Suzhou , El camino a casa y La casa de las dagas voladoras fueron aclamadas por la crítica en todo el mundo. Los Hengdian World Studios pueden considerarse como el "Hollywood chino", con una superficie total de hasta 330 hectáreas. y 13 bases de tiro, incluida una copia 1:1 de la Ciudad Prohibida .
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Los éxitos de Crouching Tiger, Hidden Dragon y Hero hacen difícil demarcar la frontera entre el cine "chino continental" y un "cine en lengua china" de base más internacional. Crouching Tiger , por ejemplo, fue dirigida por un director estadounidense nacido en Taiwán ( Ang Lee ) que trabaja a menudo en Hollywood. Sus protagonistas panchinos incluyen actores y actrices de China continental ( Zhang Ziyi ), Hong Kong ( Chow Yun-Fat ), Taiwán ( Chang Chen ) y Malasia ( Michelle Yeoh ); La película fue coproducida por una serie de compañías cinematográficas chinas, estadounidenses, de Hong Kong y Taiwán. Del mismo modo, Lust, Caution (2007), en idioma chino, de Lee, contó con un equipo y un elenco de China continental, Hong Kong y Taiwán, e incluye una partitura orquestal del compositor francés Alexandre Desplat . Esta fusión de personas, recursos y experiencia de las tres regiones y de Asia Oriental y el mundo en general marca el movimiento del cine en idioma chino hacia un dominio de influencia internacional a gran escala. Otros ejemplos de películas en este molde incluyen The Promise (2005), The Banquet (2006), Fearless (2006), The Warlords (2007), Bodyguards and Assassins (2009) y Red Cliff (2008-09). La facilidad con la que las actrices y actores de etnia china se desplazan entre el continente y Hong Kong ha aumentado significativamente el número de coproducciones en el cine de lengua china. Muchas de estas películas también cuentan con actores surcoreanos o japoneses para atraer a sus vecinos del este de Asia. Algunos artistas originarios del continente, como Hu Jun , Zhang Ziyi , Tang Wei y Zhou Xun , obtuvieron la residencia en Hong Kong bajo el Programa de Admisión de Migrantes de Calidad y han actuado en muchas producciones de Hong Kong. [128]
En 1983, había 162.000 unidades de proyección en China, frente a menos de 600 cuando se fundó la República Popular China en 1949. [13] : 1
En 1998, el Ministerio de Cultura revivió la práctica del cine rural móvil como parte de su Proyecto 2131, cuyo objetivo era proyectar una película al mes por aldea en la China rural y actualizar los equipos analógicos a proyectores digitales. [13] : 246 En 2003, el gobierno central proporcionó más de 400 furgonetas de proyección de películas al Tíbet y Xinjiang para proyectar películas en un esfuerzo por oponerse a lo que el gobierno consideraba separatismo y occidentalización. [13] : 249
En 2010, el cine chino era la tercera industria cinematográfica más grande por número de largometrajes producidos anualmente. [129] En 2013, la taquilla bruta de China fue de 21.800 millones de yenes ( 3.600 millones de dólares estadounidenses ), el segundo mercado cinematográfico más grande del mundo por ingresos de taquilla. [130] En enero de 2013, Perdidos en Tailandia (2012) se convirtió en la primera película china en alcanzar los mil millones de yenes en taquilla. [131] En mayo de 2013, 7 de las 10 películas más taquilleras en China eran producciones nacionales. [132] A partir de 2014, alrededor de la mitad de todas las entradas se venden en línea, siendo los mayores sitios de venta de entradas Maoyan.com (82 millones), Gewara.com (45 millones) y Wepiao.com (28 millones). [133] En 2014, las películas chinas ganaron ¥ 1,87 mil millones fuera de China. [134] A diciembre de 2013 había 17.000 pantallas en el país. [135] Al 6 de enero de 2014, había 18.195 pantallas en el país. [130] La Gran China tiene alrededor de 251 salas IMAX. [136] Había 299 cadenas de cines (252 rurales, 47 urbanas), 5.813 salas de cine y 24.317 pantallas en el país en 2014. [2]
El país añadió alrededor de 8.035 pantallas en 2015 (a un promedio de 22 pantallas nuevas por día, aumentando su total en aproximadamente un 40% a alrededor de 31.627 pantallas, aproximadamente 7.373 menos que el número de pantallas en los Estados Unidos. [137] [ 138] Las películas chinas representaron el 61,48% de las ventas de entradas en 2015 (en comparación con el 54% el año pasado) y más del 60% de las ventas de entradas se realizaron en línea. El precio promedio de las entradas bajó aproximadamente un 2,5% a 5,36 dólares en 2015. [137 ] También fue testigo de un aumento del 51,08% en las entradas, con 1.260 millones de personas comprando entradas para el cine en 2015. [138] Las películas chinas recaudaron 427 millones de dólares en el extranjero en 2015. [139] Durante la semana del Año Nuevo chino de 2016, el país estableció un nuevo récord de mayor recaudación de taquilla durante una semana en un territorio con 548 millones de dólares , superando el récord anterior de 529,6 millones de dólares del 26 de diciembre de 2015 al 1 de enero de 2016 en los Estados Unidos y Canadá. [140] Las películas chinas recaudaron CN¥ 3.830 millones ( 550 millones de dólares estadounidenses ) en mercados extranjeros en 2016. [3]
En 2020, el mercado de películas de China superó al mercado estadounidense y se convirtió en el mercado de este tipo más grande del mundo. [141] : 16
En abril de 2015, la mayor compañía cinematográfica china por valor era Alibaba Pictures (8.770 millones de dólares). Otras grandes empresas son Huayi Brothers Media (7.900 millones de dólares), Enlight Media (5.980 millones de dólares) y Bona Film Group (542 millones de dólares). [159] Los mayores distribuidores por cuota de mercado en 2014 fueron: China Film Group (32,8%), Huaxia Film (22,89%), Enlight Pictures (7,75%), Bona Film Group (5,99%), Wanda Media (5,2%), Le Vision Pictures (4,1%), Huayi Brothers (2,26%), United Exhibitor Partners (2%), Heng Ye Film Distribution (1,77%) y Beijing Anshi Yingna Entertainment (1,52%). [2] Las mayores cadenas de cines en 2014 por taquilla bruta fueron: Wanda Cinema Line ( 676,96 millones de dólares ), China Film Stellar (393,35 millones), Dadi Theatre Circuit (378,17 millones), Shanghai United Circuit (355,07 millones), Guangzhou Jinyi. Zhujiang (335,39 millones), China Film South Cinema Circuit (318,71 millones), Zhejiang Time Cinema (190,53 millones), China Film Group Digital Cinema Line (177,42 millones), Hengdian Cinema Line (170,15 millones) y Beijing New Film Association (163,09 millones). ). [2]
Huayi Brothers es la empresa de entretenimiento independiente (es decir, no estatal) más poderosa de China. Huayi Brothers, con sede en Beijing, es una empresa diversificada que se dedica a la producción, distribución y exhibición teatral de cine y televisión, así como a la gestión de talentos. Las películas notables incluyen Kung Fu Hustle de 2004 ; y Aftershock de 2010 , que obtuvo una calificación del 91% en Rotten Tomatoes. [160]
Beijing Enlight Media se centra en los géneros de acción y romance. Enlight suele situar varias películas entre las 20 películas más taquilleras de China. Enlight también es un actor importante en los negocios de producción y distribución de series de televisión de China. Bajo el liderazgo de su director ejecutivo, Wang Changtian, la empresa que cotiza en bolsa y con sede en Beijing ha alcanzado una capitalización de mercado de casi mil millones de dólares. [161]
Mientras la taquilla de China continúa en auge (se expandió un 30 por ciento en el primer trimestre de 2014 y se espera que alcance los 4.640 millones de dólares a finales de año), Beijing está reemplazando a Londres y Tokio como el destino promocional más importante para el talento de Hollywood.
El floreciente mercado cinematográfico de China continental ha centrado la atención de Hollywood en la audiencia china y ahora hace que Beijing sea más importante en las giras promocionales que Tokio y Hong Kong.
1979 年中国大陆生产的影片只有 50 多部,但观众人次达到了 279 亿,平均每天有 7 千万人次的观众看电影,创造了中国电影票房史上[En 1979, sólo se produjeron más de50 películas . en China continental, pero el número de espectadores alcanzó los 27,9 mil millones , y un promedio de 70 millones de espectadores vieron películas todos los días, creando historia en la taquilla en China]
近年拍摄的戏曲片《白蛇传》观众人数最多,达七亿人次、《七品芝麻官》五亿人次。[En los últimos años, la película de ópera "La leyenda de la serpiente blanca" tiene la mayor audiencia, llegando a 700 millones de personas, y "Sesame Official" con 500 millones de personas.]
近四年来城乡观众人次超过 1 亿的影片有:《喜盈门》 6 亿 5 千万,《武当》 6 亿 1 千万,《少林弟子》 5 亿 2 千万,《武林志》 5亿,《从奴隶到将军》 4 亿 7 千万,《西安事变》 4 亿 5 千万,《吉鸿昌》 3 亿 8 千万,《开枪,为他送行》 3 亿 3 千万,《杜十娘》 2 亿 6 千万,《佩剑将军》 2 亿 6 千万,《火烧圆明园》 2 亿 4 千万[En los últimos cuatro años, las películas con más de 100 millones de espectadores en zonas urbanas y rurales incluyen : "Xi ying men" 650 millones, "Wudang" 610 millones, "Shao lin di zi" 520 millones, "Wu lin zhi" 500 millones, "Cong Nu Li Dao Jiang Jun" 470 millones, "Incidente de Xi'an" 450 millones, "Ji Hong Chang" 380 millones, "Kai Qiang, Wei Ta Song Xing" 330 millones, "Du Shiniang" 260 millones, "Un general que lleva la espada" 260 millones, "Quema del Palacio Imperial" 240 millones]
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