Judy Garland (nacida Frances Ethel Gumm ; 10 de junio de 1922 - 22 de junio de 1969) fue una actriz, cantante y vodevilesca estadounidense. Alcanzó el estrellato internacional y el reconocimiento de la crítica como actriz en papeles musicales y dramáticos, como artista discográfica y en el escenario de conciertos. Reconocida por su versatilidad, recibió un Globo de Oro , un premio Tony especial y fue una de las doce personas en la historia en recibir un premio juvenil de la Academia . [1] [2] [3]
Garland comenzó a actuar de niña, con sus dos hermanas mayores, en un grupo de vodevil, The Gumm Sisters, y fue contratada por la Metro-Goldwyn-Mayer cuando era adolescente. Apareció en más de dos docenas de películas para MGM, incluyendo El mago de Oz (1939), Meet Me in St. Louis (1944), The Harvey Girls (1946), Easter Parade (1948) y Summer Stock (1950). Garland fue una compañera frecuente en pantalla tanto de Mickey Rooney como de Gene Kelly , y colaboró regularmente con el director Vincente Minnelli , su segundo marido. En 1950, después de 15 años con MGM, fue liberada de su contrato con el estudio en medio de una serie de luchas personales que le impidieron cumplir con los términos de su contrato.
Aunque su carrera cinematográfica se volvió intermitente a partir de entonces, dos de los papeles más aclamados por la crítica de Garland llegaron más tarde en su carrera: recibió nominaciones al Oscar por el drama musical Ha nacido una estrella (1954) y el drama legal Juicio en Núremberg (1961). También hizo apariciones en conciertos que atrajeron cantidades récord de audiencia, lanzó ocho álbumes de estudio y presentó su propia serie de televisión nominada al Emmy , The Judy Garland Show (1963-1964). A la edad de 39 años, Garland se convirtió en la ganadora más joven (y la primera mujer) del Premio Cecil B. DeMille por su trayectoria en la industria cinematográfica.
A lo largo de su carrera, Garland grabó y presentó numerosas canciones, entre ellas « Over the Rainbow », que se convirtió en su canción insignia , el clásico navideño « Have Yourself a Merry Little Christmas » y el himno del Día de San Patricio « It's a Great Day for the Irish ». Ganó el premio Grammy al Álbum del año por su grabación en vivo de 1961, Judy at Carnegie Hall ; fue la primera mujer en ganar ese premio. [4]
Garland tuvo problemas en su vida personal desde una edad temprana. Las presiones del estrellato temprano afectaron su salud física y mental desde que era una adolescente; su autoimagen se vio influenciada por las constantes críticas de los ejecutivos de cine que creían que era físicamente poco atractiva y que manipulaban su apariencia física en pantalla. [5] Tuvo problemas financieros, a menudo debiendo cientos de miles de dólares en impuestos atrasados . A lo largo de su edad adulta, luchó con el trastorno por consumo de sustancias que involucraba tanto drogas como alcohol; murió de una sobredosis accidental de barbitúricos en 1969, a los 47 años. En 1997, Garland recibió póstumamente el premio Grammy a la trayectoria . Varias de sus grabaciones han sido incluidas en el Salón de la Fama de los Grammy , y en 1999 el American Film Institute la clasificó como la octava leyenda femenina más grande del cine clásico de Hollywood . [6]
Garland nació como Frances Ethel Gumm el 10 de junio de 1922 en Grand Rapids, Minnesota . [7] Era la hija menor de Ethel Marion Gumm ( née Milne; 1896-1953) [8] y Francis "Frank" Avent Gumm (1886-1935). Sus padres eran vodevilistas que se establecieron en Grand Rapids para administrar un cine que presentara números de vodevil. Era de ascendencia irlandesa, inglesa, escocesa [9] [10] y hugonote francesa [11] [12] , nombrada en honor a sus dos padres y bautizada en una iglesia episcopal local . [13]
"Baby" (como la llamaban sus padres y hermanas) [14] compartía el talento de su familia para el canto y el baile. Su primera aparición se produjo a los dos años, cuando se unió a sus hermanas mayores Mary Jane "Suzy/Suzanne" Gumm y Dorothy Virginia "Jimmie" Gumm en el escenario del cine de su padre durante una función navideña y cantó un coro de " Jingle Bells ". [15] Las hermanas Gumm actuaron allí durante los siguientes años, acompañadas por su madre al piano. [14]
La familia se mudó a Lancaster, California , en junio de 1926, luego de rumores de que su padre tenía inclinaciones homosexuales. [16] Frank compró y operó otro teatro en Lancaster, [17] y Ethel comenzó a administrar a sus hijas y a trabajar para que participaran en películas.
En 1928, las Gumm Sisters se inscribieron en una escuela de baile dirigida por Ethel Meglin, propietaria de la compañía de baile Meglin Kiddies . Aparecieron con la compañía en su espectáculo navideño anual. [18] A través de Meglin Kiddies, hicieron su debut cinematográfico en un cortometraje llamado The Big Revue (1929), donde interpretaron un número de canto y baile llamado "That's the Good Old Sunny South". A esto le siguieron apariciones en dos cortos de Vitaphone al año siguiente: A Holiday in Storyland (con el primer solo en pantalla de Garland) y The Wedding of Jack and Jill . Luego aparecieron juntas en Bubbles . Su última aparición en pantalla fue en un corto en Technicolor de MGM titulado La Fiesta de Santa Barbara (1935). [19]
El trío ya había estado de gira por el circuito de vodevil como "The Gumm Sisters" durante muchos años cuando actuaron en Chicago en el Teatro Oriental con George Jessel en 1934. Él animó al grupo a elegir un nombre más atractivo después de que "Gumm" fuera recibido con risas por el público. Según la leyenda del teatro, su actuación una vez fue anunciada erróneamente en un teatro de Chicago como "The Glum Sisters". [20]
Existen varias historias sobre el origen del uso del nombre Garland. Una es que Jessel lo inventó en honor al personaje de Carole Lombard, Lily Garland, en la película Twentieth Century (1934), que se estaba proyectando en el Oriental de Chicago; otra es que las chicas eligieron el apellido en honor al crítico de teatro Robert Garland. [21] La hija de Garland, Lorna Luft, afirmó que su madre eligió el nombre cuando Jessel anunció que el trío "lucía más bonito que una guirnalda de flores". [22] Se filmó un especial de televisión en Hollywood en el estreno de Ha nacido una estrella en el Teatro Pantages el 29 de septiembre de 1954, en el que Jessel declaró:
Creo que debería decirle a la gente que fui yo quien nombró a Judy Garland, "Judy Garland". No es que hubiera hecho ninguna diferencia, no se podría haber ocultado ese gran talento si la hubieran llamado "Tel Aviv Windsor Shell", ya saben, pero su nombre cuando la conocí era Frances Gumm y no era el tipo de nombre que una gran actriz tan sensible como ella debería tener; ... así que la llamamos Judy Garland y creo que es una combinación de Helen Hayes y Al Jolson y tal vez Jenny Lind y Sarah Bernhardt . [23]
Una explicación posterior surgió cuando Jessel fue invitado al programa de televisión de Garland en 1963. Dijo que le había enviado a la actriz Judith Anderson un telegrama que contenía la palabra "garland" y que se le quedó grabada en la mente. [24] Sin embargo, Garland le preguntó a Jessel unos momentos después si esta historia era cierta y él respondió alegremente "No".
A finales de 1934, las Gumm Sisters habían cambiado su nombre a Garland Sisters. [25] Frances cambió su nombre a "Judy" poco después, inspirada por una canción popular de Hoagy Carmichael . [26] El grupo se disolvió en agosto de 1935, cuando Mary Jane "Suzanne" Garland voló a Reno, Nevada y se casó con el músico Lee Kahn, miembro de la orquesta de Jimmy Davis que tocaba en Cal-Neva Lodge , Lake Tahoe. [27]
En septiembre de 1935, Louis B. Mayer le pidió al compositor Burton Lane que fuera al Teatro Orpheum en el centro de Los Ángeles para ver el acto de vodevil de las hermanas Garland y que le informara. Unos días después, Garland y su padre fueron llevados a una audición improvisada en los estudios Metro-Goldwyn-Mayer en Culver City . Garland interpretó « Zing! Went the Strings of My Heart » y «Eli, Eli», una canción yiddish escrita en 1896 y que se interpretaba regularmente en vodevil. [28] El estudio inmediatamente contrató a Garland con MGM, presumiblemente sin una prueba de pantalla , aunque había hecho una prueba para el estudio varios meses antes. El estudio no sabía qué hacer con ella; con trece años, era mayor que la estrella infantil tradicional, pero demasiado joven para papeles de adultos. [29]
Su apariencia física era un dilema para la MGM. Medía sólo 1,40 m.+1 ⁄ 2 pulgada (151 cm) y su apariencia "linda" o " chica de al lado " no ejemplificaba la personalidad glamorosa que entonces se requería de las principales intérpretes femeninas. Era consciente de sí misma y estaba ansiosa por su apariencia. Garland fue a la escuela en Metro con Ava Gardner , Lana Turner , Elizabeth Taylor , "verdaderas bellezas", dijo Charles Walters , quien la dirigió en varias películas. "Judy era la gran ganadora de dinero en ese momento, un gran éxito, pero era el patito feo ... Creo que tuvo un efecto muy dañino en ella emocionalmente durante mucho tiempo. Creo que duró para siempre, realmente". [30] Su inseguridad se vio exacerbada por la actitud del jefe del estudio Mayer, quien se refirió a ella como su "pequeña jorobada". [31]
Durante sus primeros años en el estudio, la fotografiaron y la vistieron con prendas sencillas o con vestidos y trajes juveniles con volantes para que coincidieran con la imagen de "chica de al lado" que se creó para ella. Le hicieron usar fundas removibles en los dientes y discos de goma para remodelar su nariz. [32]
El 16 de noviembre de 1935, Garland, de 13 años, se encontraba en medio de los preparativos para una presentación radial en el Shell Chateaux Hour cuando se enteró de que su padre había sido hospitalizado con meningitis y su condición médica había empeorado. Murió a la mañana siguiente a los 49 años, dejándola devastada.
Su canción para el Shell Chateau Hour fue su primera interpretación profesional de "Zing! Went the Strings of My Heart", una canción que se convirtió en un estándar en muchos de sus conciertos. [33] Garland actuó en varias funciones de estudio y finalmente fue elegida para actuar junto a Deanna Durbin en el cortometraje musical Every Sunday (1936). La película contrastaba su rango vocal y estilo swing con el soprano operístico de Durbin y sirvió como una prueba de pantalla extendida para ellos, ya que los ejecutivos del estudio cuestionaban la conveniencia de tener dos cantantes femeninas en la lista. [34]
El primer largometraje de Garland fue un préstamo a Fox titulado Pigskin Parade , una comedia musical con temática de fútbol, donde fue catalogada en el décimo lugar después de Stuart Erwin , Jack Haley , Patsy Kelly , Betty Grable y otros. Garland cantó tres solos, incluidos "The Texas Tornado" y "The Balboa".
Garland llamó la atención de los ejecutivos del estudio cuando cantó un arreglo especial de " You Made Me Love You (I Didn't Want to Do It) " para Clark Gable en una fiesta de cumpleaños que el estudio organizó para el actor. Su interpretación fue tan bien recibida que interpretó la canción en el espectáculo estelar Broadway Melody of 1938 (1937), cuando cantó frente a una fotografía de él. [35]
MGM encontró una fórmula ganadora cuando emparejó a Garland con Mickey Rooney en una serie de lo que se conoció como "musicales de patio trasero". [36] El dúo apareció por primera vez junto como personajes secundarios en la película B Thoroughbreds Don't Cry (1937). Luego, Garland fue elegida para la cuarta de las películas de la familia Hardy, Love Finds Andy Hardy (1938), como una chica literal de al lado del personaje de Rooney, Andy Hardy, aunque el interés amoroso de Hardy fue interpretado por Lana Turner . Hicieron equipo como personajes principales por primera vez en Babes in Arms (1939), y finalmente aparecieron en cinco películas adicionales, incluidas las películas de Hardy Andy Hardy Meets Debutante (1940) y Life Begins for Andy Hardy (1941).
Garland afirmó que a ella, a Rooney y a otros jóvenes intérpretes se les recetaban constantemente anfetaminas para mantenerse despiertos y seguir el ritmo frenético de hacer una película tras otra. [37] También les daban barbitúricos para tomar antes de acostarse para poder dormir. [38] Este uso regular de drogas, dijo, la llevó a la adicción y a una lucha de por vida. Más tarde se resintió de la agitada agenda y creyó que MGM le robó su juventud. Rooney, sin embargo, negó que su estudio fuera responsable de su adicción: "Judy Garland nunca recibió ninguna droga de Metro-Goldwyn-Mayer. El señor Mayer no autorizó nada para Judy. Nadie en ese estudio fue responsable de la muerte de Judy Garland. Desafortunadamente, Judy eligió ese camino". [39]
El peso de Garland se encontraba dentro de los límites saludables, pero el estudio le exigía que hiciera dieta constantemente. Incluso llegaron al extremo de servirle solo un tazón de sopa y un plato de lechuga cuando pedía una comida normal. [5] A lo largo de su vida estuvo plagada de dudas sobre sí misma; a pesar de sus exitosas carreras en el cine y la grabación, los premios, los elogios de la crítica y su capacidad para llenar salas de conciertos en todo el mundo, necesitaba que le aseguraran constantemente que tenía talento y era atractiva. [40]
En 1938, cuando Garland tenía dieciséis años, fue elegida para interpretar a Dorothy Gale en El mago de Oz (1939), una película basada en el libro infantil de 1900 de L. Frank Baum . En la película, cantó la canción con la que se la identificaría constantemente después, " Over the Rainbow ". Aunque los productores Arthur Freed y Mervyn LeRoy habían querido elegirla para el papel desde el principio, el jefe del estudio Mayer primero intentó pedirle prestada a Shirley Temple de 20th Century Fox , pero se negaron. Luego se le pidió a Deanna Durbin , pero no estaba disponible; esto resultó en que Garland fuera elegida. [41]
Garland fue inicialmente equipada con una peluca rubia para el papel, pero Freed y LeRoy decidieron no hacerlo poco después de comenzar el rodaje. Su vestido de cuadros azules fue elegido por su efecto difuminador en su figura, lo que la hacía parecer más joven. [42] El rodaje comenzó el 13 de octubre de 1938, [43] y se completó el 16 de marzo de 1939, [44] con un costo final de más de $ 2 millones (equivalente a $ 34 millones en 2023). [45] Con la conclusión del rodaje, MGM mantuvo a Garland ocupada con giras promocionales y el rodaje de Babes in Arms (también de 1939), dirigida por Busby Berkeley . Ella y Rooney fueron enviados a una gira promocional por todo el país, que culminó con el estreno en la ciudad de Nueva York el 17 de agosto en el Capitol Theatre , que incluyó un programa de apariciones de cinco funciones al día para las dos estrellas. [46]
Según se informa, Garland se sometió a una dieta que consistía en cigarrillos, sopa de pollo y café durante el rodaje en un intento más de minimizar sus curvas. [47] Esto puede ser erróneo, ya que los historiadores Jay Scarfone y William Stillman aclaran que en ese momento Garland era antitabaco y se le permitía comer alimentos sólidos. [48] Sin embargo, su dieta estuvo acompañada de salidas a nadar y hacer senderismo , además de partidos de tenis y bádminton con su doble de riesgo Bobbie Koshay.
El mago de Oz fue un gran éxito de crítica, aunque su alto presupuesto y los costos de promoción estimados de $4 millones (equivalentes a $69 millones en 2023 [49] ), junto con los menores ingresos que se generaron por las entradas para niños con descuento, significaron que la película no generó ganancias hasta que se relanzó en la década de 1940 y en ocasiones posteriores. [50] En la ceremonia de los Premios Óscar de 1939 , Garland recibió su único Premio Óscar , un Premio Juvenil de la Academia por sus actuaciones en 1939, incluyendo El mago de Oz y Babes in Arms . Fue la cuarta persona en recibir el premio, así como la única de las doce en la historia en recibir uno. [51] Después de la película, Garland fue una de las actrices más rentables de los Estados Unidos. [52]
Garland protagonizó tres películas que se estrenaron en 1940: Andy Hardy Meets Debutante , Strike Up the Band y Little Nellie Kelly . En esta última, interpretó su primer papel adulto, un papel dual de madre e hija. Little Nellie Kelly fue comprada a George M. Cohan como un vehículo para que ella mostrara tanto su atractivo para la audiencia como su apariencia física. El papel fue un desafío para ella, requiriendo el uso de un acento, su primer beso adulto y la única escena de muerte de su carrera. [53] Su coprotagonista George Murphy consideró el beso como vergonzoso. Dijo que se sentía como "un hillbilly con una novia niña". [5]
Durante ese tiempo, Garland todavía era una adolescente cuando experimentó su primer romance serio con el líder de la banda Artie Shaw . Ella estaba profundamente dedicada a él y quedó devastada a principios de 1940 cuando él se fugó con Lana Turner . [54] Garland comenzó una relación con el músico David Rose y, en su cumpleaños número 18, él le dio un anillo de compromiso. El estudio intervino porque, en ese momento, todavía estaba casado con la actriz y cantante Martha Raye . Acordaron esperar un año para permitir que su divorcio fuera definitivo. Durante ese tiempo, Garland tuvo un breve romance con el compositor Johnny Mercer . Después de su ruptura con Mercer, Garland y Rose se casaron el 27 de julio de 1941. [55] "Una verdadera rareza" es como lo llamaron los medios. [5] La pareja acordó someterse a una separación de prueba en enero de 1943 y se divorciaron en 1944. [56]
En 1941, mientras estaba embarazada del hijo de Rose, Garland tuvo un aborto por insistencia de su madre y de los ejecutivos del estudio porque el embarazo no estaba aprobado. Tuvo un segundo aborto en 1943 cuando quedó embarazada durante su romance con Tyrone Power . [57]
En su siguiente película, For Me and My Gal (1942), Garland actuó con Gene Kelly en su primera aparición en la pantalla. En Presenting Lily Mars (1943), Garland recibió el "tratamiento de glamour" , en el que estaba vestida con vestidos "de adultos". Su cabello aclarado también estaba recogido de una manera elegante. Sin embargo, sin importar cuán glamorosa o hermosa pareciera en la pantalla o en las fotografías, nunca se sintió segura de su apariencia y nunca escapó de la imagen de "chica de al lado" que el estudio había creado para ella. [58]
Una de las películas más exitosas de Garland para la MGM fue Meet Me in St. Louis (1944), en la que presentó tres clásicos: " The Trolley Song ", " The Boy Next Door " y " Have Yourself a Merry Little Christmas ". Esta fue una de las primeras películas de su carrera que le dio la oportunidad de ser la atractiva protagonista. Vincente Minnelli fue asignado para dirigir y solicitó que la maquilladora Dorothy Ponedel fuera asignada a Garland. Ponedel refinó su apariencia de varias maneras que incluyeron extender y remodelar sus cejas, cambiar su línea de cabello, modificar su línea de labios y quitarse los discos nasales y las fundas dentales. Ella apreció tanto los resultados que Ponedel fue incluido en su contrato para todas sus películas restantes en la MGM. [59]
Casi al mismo tiempo, Garland tuvo un breve romance con el actor y director de cine Orson Welles , que entonces estaba casado con la actriz Rita Hayworth . Garland y Welles terminaron el romance a principios de 1945, pero después siguieron en buenos términos. [60]
Durante el rodaje de Meet Me in St. Louis , Garland y Minnelli tuvieron algunos conflictos iniciales, pero entablaron una relación y se casaron el 15 de junio de 1945. [61] El 12 de marzo de 1946 nació su hija Liza . [62] La pareja se divorció en 1951. [63]
El reloj (1945) fue la primera película dramática directa de Garland; Robert Walker fue elegido para el papel principal masculino. Aunque la película fue elogiada por la crítica y obtuvo ganancias, la mayoría de los fanáticos del cine esperaban que ella cantara. No actuó nuevamente en un papel dramático que no fuera cantante durante muchos años. Otras películas de Garland de la década de 1940 incluyen The Harvey Girls (1946), en la que presentó la canción ganadora del premio Oscar " On the Atchison, Topeka and the Santa Fe ", y Till the Clouds Roll By (1946). [64]
Durante el rodaje de El pirata , Garland sufrió una crisis nerviosa y fue internada en un sanatorio privado . [65] Pudo completar el rodaje, pero en julio de 1947 hizo su primer intento de suicidio, haciéndose pequeños cortes en la muñeca con un cristal roto. [66] Durante este período, pasó dos semanas en tratamiento en el Centro Austen Riggs , un hospital psiquiátrico en Stockbridge, Massachusetts . [67] El pirata se estrenó en mayo de 1948 y fue la primera película que no obtuvo ganancias desde que Garland había protagonizado El mago de Oz . Las principales razones de su fracaso no solo fueron su coste, sino que también incluyeron el aumento de los gastos de los retrasos en el rodaje mientras Garland estaba enferma, así como la falta de voluntad del público en general para aceptarla en una película sofisticada. Después de su trabajo en The Pirate , coprotagonizó por primera y única vez con Fred Astaire (quien reemplazó a Gene Kelly después de que Kelly se rompiera el tobillo) Easter Parade (1948), que fue el musical más taquillero de Hollywood. [68]
Emocionada por los enormes ingresos de taquilla de Easter Parade , MGM inmediatamente unió a Garland y Astaire en The Barkleys of Broadway . Durante el rodaje inicial, Garland estaba tomando pastillas para dormir barbitúricas recetadas junto con pastillas obtenidas ilícitamente que contenían morfina . [69] En esta época, también desarrolló un serio problema con el alcohol. Estos, en combinación con dolores de cabeza por migraña , la llevaron a perder varios días de rodaje seguidos. Después de que su médico le informara que solo podría trabajar en incrementos de cuatro a cinco días con períodos de descanso prolongados entre ellos, el ejecutivo de MGM Arthur Freed tomó la decisión de suspenderla el 18 de julio de 1948. Fue reemplazada en la película por Ginger Rogers . [70]
Cuando terminó su suspensión, fue convocada de nuevo al trabajo y finalmente interpretó dos canciones como invitada en la película biográfica de Rodgers y Hart Words and Music (1948), que fue su última aparición con Mickey Rooney. A pesar del elenco estelar, Words and Music apenas alcanzó el punto de equilibrio en la taquilla. Habiendo recuperado su fuerza, así como algo de peso necesario durante su suspensión, Garland se sintió mucho mejor y en el otoño de 1948, regresó a MGM para reemplazar a una embarazada June Allyson para la película musical In the Good Old Summertime (1949) coprotagonizada por Van Johnson . Aunque a veces llegaba tarde al estudio durante el rodaje de esta película, logró completarla cinco días antes de lo previsto. Su hija Liza hizo su debut cinematográfico a la edad de dos años y medio al final de la película. In the Good Old Summertime tuvo un enorme éxito de taquilla. [71]
Garland fue elegida para la adaptación cinematográfica de Annie Get Your Gun en el papel principal de Annie Oakley . Estaba nerviosa ante la perspectiva de asumir un papel fuertemente identificado con Ethel Merman , ansiosa por aparecer en un papel poco glamoroso después de alejarse de los papeles juveniles durante varios años y perturbada por el trato que recibió a manos del director Busby Berkeley . Berkeley fue severo con la falta de esfuerzo, actitud y entusiasmo de Garland. Se quejó con Mayer, tratando de que Berkeley fuera despedida de la película. Comenzó a llegar tarde al set y, a veces, no aparecía. En ese momento, también estaba recibiendo terapia electroconvulsiva para la depresión. [72] [73] [74] Fue despedida de la película el 10 de mayo de 1949 y fue reemplazada por Betty Hutton , quien intervino para realizar todas las rutinas musicales escenificadas por Robert Alton. [75] Garland se sometió a una extensa estadía en el hospital Peter Bent Brigham en Boston , Massachusetts, en la que le retiraron la medicación y después de un tiempo, pudo comer y dormir normalmente.
Garland regresó a Los Ángeles más pesada y en el otoño de 1949 fue elegida para actuar junto a Gene Kelly en Summer Stock (1950). La película tardó seis meses en completarse. Para perder peso, Garland volvió a tomar pastillas y el patrón familiar resurgió. Comenzó a aparecer tarde o no aparecer en absoluto. Cuando se completó la fotografía principal de Summer Stock en la primavera de 1950, se decidió que Garland necesitaba un número musical adicional. Aceptó hacerlo con la condición de que la canción fuera " Get Happy ". Además, insistió en que el director Charles Walters coreografiara y pusiera en escena el número. Para entonces, Garland había perdido 15 libras y parecía más esbelta. "Get Happy" fue el último segmento de Summer Stock que se filmó. Fue su última película para MGM. Cuando se estrenó en el otoño de 1950, Summer Stock atrajo grandes multitudes y acumuló ingresos de taquilla muy respetables, pero debido a los costosos retrasos en el rodaje causados por Garland, la película registró una pérdida de $80.000 para el estudio. [76]
Garland fue elegida para la película Royal Wedding con Fred Astaire después de que June Allyson quedara embarazada en 1950. No se presentó al set en múltiples ocasiones y el estudio suspendió su contrato el 17 de junio de 1950. Fue reemplazada por Jane Powell . [77] Biografías reputadas posteriores a su muerte afirmaron que después de este último despido, se raspó levemente el cuello con un vidrio roto, lo que requirió solo una curita , pero en ese momento, el público fue informado de que una abatida Garland se había cortado la garganta. [78] "Todo lo que podía ver por delante era más confusión", dijo Garland más tarde sobre este intento de suicidio. "Quería ocultar el futuro y el pasado. Quería lastimarme a mí misma ya todos los que me habían lastimado". [79] En septiembre de 1950, después de 15 años con el estudio, Garland y MGM se separaron. [80] [81]
Garland era una invitada frecuente al Kraft Music Hall , presentado por su amigo Bing Crosby . Tras el segundo intento de suicidio de Garland, Crosby, sabiendo que estaba deprimida y que se estaba quedando sin dinero, la invitó a su programa de radio (el primero de la nueva temporada) el 11 de octubre de 1950.
Ella estaba parada entre bastidores temblando de miedo. Estaba casi histérica. Dijo: "No puedo salir porque todos van a estar buscando para ver si hay cicatrices y va a ser terrible". Bing dijo: "¿Qué está pasando?" y yo le conté lo que pasó y él salió al escenario y dijo: "Tenemos una amiga aquí, ha tenido un pequeño problema recientemente. Probablemente hayas oído hablar de ello; ahora todo está bien, necesita nuestro amor. Necesita nuestro apoyo. Ella está aquí; démosle todo eso, ¿de acuerdo? Aquí está Judy". Y ella salió y ese lugar se volvió loco. Y ella simplemente floreció.
— Hal Kanter , escritor de Bing
Garland hizo ocho apariciones durante la temporada 1950-51 de The Bing Crosby – Chesterfield Show , lo que revitalizó de inmediato su carrera. Poco después, realizó una gira de cuatro meses con entradas agotadas en Europa. [82]
En 1951, Garland comenzó una gira de conciertos de cuatro meses por Gran Bretaña e Irlanda, donde actuó ante audiencias con entradas agotadas en toda Inglaterra, Escocia e Irlanda. [83] La exitosa gira de conciertos fue el primero de sus muchos regresos, con actuaciones centradas en canciones de Al Jolson y el resurgimiento de la "tradición" del vodevil. Garland realizó espectáculos completos como tributo a Jolson en sus conciertos en el Palladium de Londres en abril y en el Palace Theater de Nueva York más tarde ese año. [84]
Garland dijo después del show en el Palladium: "De repente supe que este era el comienzo de una nueva vida... Hollywood pensó que estaba acabada; entonces llegó la maravillosa oportunidad de aparecer en el Palladium de Londres, donde puedo decir con sinceridad que Judy Garland renació". [84] Sus apariciones en el Palladium duraron cuatro semanas, donde recibió críticas muy favorables y una ovación descrita por el gerente del Palladium como la más fuerte que había escuchado nunca. [85] [86]
La actuación de Garland en el Palace Theatre de Manhattan en octubre de 1951 superó todos los récords anteriores para el teatro y para Garland y fue calificada como "uno de los mayores triunfos personales en la historia del mundo del espectáculo". [87] Garland fue honrada con un premio Tony especial por su contribución al resurgimiento del vodevil. [88]
Garland se divorció de Minnelli ese mismo año. [89] El 8 de junio de 1952, se casó con Sidney Luft , su mánager de gira y productor, en Hollister, California . [90] El 21 de noviembre de 1952, Garland dio a luz a su hija Lorna Luft , quien se convirtió en actriz y cantante. El 29 de marzo de 1955, dio a luz a su hijo Joey Luft. [91]
Garland apareció con James Mason en la película de Warner Bros. A Star Is Born (1954), el primer remake de la película de 1937. Ella y Sidney Luft, su entonces esposo, produjeron la película a través de su compañía productora , Transcona Enterprises, mientras que Warner Bros. proporcionó las finanzas, las instalaciones de producción y el equipo. [92] Dirigida por George Cukor , fue una gran empresa a la que inicialmente se dedicó por completo. [93]
Sin embargo, a medida que avanzaba el rodaje, comenzó a hacer las mismas declaraciones de enfermedad que había hecho tantas veces durante sus últimas películas en MGM. Los retrasos en la producción provocaron sobrecostos y enfrentamientos furiosos con el director de Warner Bros., Jack L. Warner . La fotografía principal finalizó el 17 de marzo de 1954. Por sugerencia de Luft, se filmó el popurrí de "Born in a Trunk" como escaparate para ella y se insertó a pesar de las objeciones del director Cukor, que temía que la duración adicional provocara cortes en otras áreas. Se completó el 29 de julio. [94]
En su estreno mundial el 29 de septiembre de 1954, la película fue aclamada por la crítica y el público. Antes de su estreno, fue editada por orden de Jack Warner; los operadores de los cines, preocupados por perder dinero porque solo podían proyectar la película tres o cuatro veces al día en lugar de cinco o seis, presionaron al estudio para que hiciera reducciones adicionales. Después de su estreno, se cortaron unos 30 minutos de metraje, lo que provocó la indignación de los críticos y los espectadores. Aunque seguía siendo popular, atrayendo a grandes multitudes y recaudando más de 6 millones de dólares (equivalentes a 54 millones de dólares en 2023 [49] ) en su primer estreno, A Star is Born no recuperó su coste y acabó perdiendo dinero. Como resultado, la posición financiera segura que Garland esperaba de las ganancias no se materializó. [95] Transcona no hizo más películas con Warner. [96]
Garland fue nominada al Oscar a la mejor actriz y, en el período previo a la 27.ª edición de los premios Óscar , se esperaba que ganara por Ha nacido una estrella . No pudo asistir a la ceremonia porque acababa de dar a luz, por lo que un equipo de televisión estaba en su habitación del hospital con cámaras y cables para transmitir su esperado discurso de aceptación. Sin embargo, el Oscar lo ganó Grace Kelly por The Country Girl (1954). El equipo de cámaras se fue antes de que Kelly pudiera llegar al escenario. Groucho Marx le envió un telegrama a Garland después de la ceremonia de premios, declarando que su pérdida era "el mayor robo desde Brinks ". [97] Time etiquetó su actuación como "casi el mejor espectáculo unipersonal en la historia del cine moderno". [98] Garland ganó el Globo de Oro a la mejor actriz en un musical por el papel. [99]
Las películas de Garland después de Ha nacido una estrella incluyen El juicio de Núremberg (1961) (por la que fue nominada al Oscar y al Globo de Oro como Mejor Actriz de Reparto), [100] el largometraje de animación Gay Purr-ee (1962) y Un niño está esperando (1963) con Burt Lancaster . Su última película fue Podría seguir cantando (1963) con Dirk Bogarde . [101]
Garland apareció en varios especiales de televisión a partir de 1955. El primero fue el episodio debut de 1955 de Ford Star Jubilee ; esta fue la primera transmisión en color a gran escala de la historia de CBS y fue un triunfo de audiencia, logrando una calificación Nielsen de 34,8 . Firmó un contrato de tres años por 300.000 dólares (equivalente a 2.660.000 dólares en 2023) con la cadena. Solo se transmitió un especial adicional en 1956, una edición de concierto en vivo de General Electric Theater , antes de que la relación entre los Lufts y CBS se rompiera en una disputa sobre el formato planificado de los próximos especiales. [102]
En 1956, Garland actuó durante cuatro semanas en el New Frontier Hotel en Las Vegas Strip por un salario de US$55.000 (equivalente a $470.000 en 2023) por semana, lo que la convirtió en la artista mejor pagada que trabajó en Las Vegas. [103] A pesar de un breve episodio de laringitis , cuando Jerry Lewis la reemplazó en una actuación mientras ella miraba desde una silla de ruedas, sus actuaciones allí tuvieron tanto éxito que su temporada se extendió una semana más. [104] Más tarde ese año, regresó al Palace Theatre, lugar de su triunfo de dos funciones al día. Abrió en septiembre, una vez más con excelentes críticas y aclamación popular. [105]
En noviembre de 1959, Garland fue hospitalizada después de que le diagnosticaran hepatitis aguda . [106] Durante las siguientes semanas, le drenaron varios litros de líquido de su cuerpo hasta que fue dada de alta del hospital en enero de 1960, todavía en estado débil. Los médicos le dijeron que probablemente le quedaban cinco años o menos de vida y que, incluso si sobrevivía, sería una semiinválida y nunca volvería a cantar. [107] Al principio se sintió "muy aliviada" con el diagnóstico. "Por primera vez en mi vida me había quitado la presión". [78] Sin embargo, se recuperó durante los siguientes meses y en agosto de ese año volvió al escenario del Palladium. Se sintió tan cálidamente acogida por los británicos que anunció su intención de mudarse permanentemente a Inglaterra. [108]
A principios de 1960, Garland firmó un contrato con Random House para escribir su autobiografía. El libro se llamaría The Judy Garland Story y sería una colaboración con Fred F. Finklehoffe . Garland recibió un anticipo de 35.000 dólares (equivalentes a 280.000 dólares en 2023) y ella y Finklehoffe grabaron conversaciones sobre su vida para utilizarlas en la producción de un manuscrito. Garland trabajó en su autobiografía de forma intermitente durante la década de 1960, pero nunca la completó. Partes de su autobiografía inacabada se incluyeron en la biografía de 2014, Judy Garland on Judy Garland: Interviews and Encounters de Randy L. Schmidt. [109] [110]
Su aparición en el Carnegie Hall el 23 de abril de 1961 fue un momento culminante considerable, llamado por muchos "la noche más grande en la historia del mundo del espectáculo". [111] El álbum de dos discos Judy at Carnegie Hall fue certificado oro , y se mantuvo en las listas durante 95 semanas en Billboard , incluidas 13 semanas en el número uno. Ganó cuatro premios Grammy , incluidos Álbum del año , Mejor voz femenina del año , Mejor portada de álbum y Mejor contribución de ingeniería . [112]
En 1961, Garland y CBS resolvieron sus disputas contractuales con la ayuda de su nuevo agente, Freddie Fields , y negociaron una nueva ronda de especiales. El primero, titulado The Judy Garland Show , se emitió el 25 de febrero de 1962, [113] y contó con la participación de invitados como Frank Sinatra y Dean Martin . [114] Tras este éxito, CBS le hizo una oferta de 24 millones de dólares (equivalentes a 185,1 millones de dólares en 2023 [49] ) para una serie de televisión semanal propia, que también se llamaría The Judy Garland Show , que en ese momento fue considerada por la prensa como "el mayor acuerdo de talento en la historia de la televisión". Aunque había dicho ya en 1955 que nunca haría una serie de televisión semanal, [115] a principios de la década de 1960, se encontraba en una situación financiera precaria. Tenía una deuda de cientos de miles de dólares con el Servicio de Impuestos Internos (IRS) , por no haber pagado impuestos en 1951 y 1952, y el fracaso de A Star is Born significó que no recibió nada de esa inversión. [116]
Después de un tercer especial, Judy Garland and Her Guests Phil Silvers and Robert Goulet , la serie semanal de Garland debutó el 29 de septiembre de 1963. [117] The Judy Garland Show fue elogiado por la crítica, [118] [119] pero por una variedad de razones (incluida la colocación en el horario opuesto a Bonanza en NBC ), el programa duró solo una temporada y fue cancelado en 1964 después de 26 episodios. A pesar de su corta duración, la serie fue nominada a cuatro premios Emmy , incluida la Mejor Serie de Variedades. [120]
Durante este tiempo, Garland tuvo un romance de seis meses con el actor Glenn Ford . El biógrafo de Garland, Gerald Clarke , el hijo de Ford , Peter , la cantante Mel Tormé y su esposo Sid Luft escribieron sobre el romance en sus respectivas biografías. La relación comenzó en 1963 mientras Garland estaba haciendo su programa de televisión. Ford asistía a las grabaciones del programa sentado en la primera fila mientras Garland cantaba. A Ford se le atribuye haberle dado a Garland una de las relaciones más estables de su vida posterior. El romance fue terminado por Ford (un notorio mujeriego, según su hijo Peter) cuando se dio cuenta de que Garland quería casarse con él. [121]
Garland fue una demócrata activa durante toda su vida . Durante su vida, fue miembro del comité demócrata de Hollywood y defensora financiera y moral de varias causas, incluido el Movimiento por los Derechos Civiles . Donó dinero a las campañas de los candidatos presidenciales demócratas Franklin D. Roosevelt , Adlai Stevenson II , John F. Kennedy y Robert F. Kennedy y el candidato progresista Henry A. Wallace . [122] [123] [124] [125]
En abril de 1944, Garland acompañó al general de brigada Benjamin O. Davis Sr. a una recepción en honor al general en la casa de Ira Gershwin . Davis, el primer general negro y el oficial negro de mayor rango en el ejército de los EE. UU., estaba en Los Ángeles para el estreno del documental de Frank Capra sobre los estadounidenses negros que sirvieron en la Segunda Guerra Mundial. En septiembre de 1947, Garland se unió al Comité por la Primera Enmienda , un grupo formado por celebridades de Hollywood en apoyo de los Diez de Hollywood durante las audiencias del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara (HUAC), un comité de investigación de la Cámara de Representantes de los Estados Unidos dirigido por J. Parnell Thomas . El HUAC se formó para investigar presuntas deslealtades y actividades subversivas por parte de ciudadanos privados, empleados públicos y organizaciones sospechosas de tener vínculos comunistas. El Comité por la Primera Enmienda buscó proteger las libertades civiles de los acusados. [126]
Otros miembros fueron Humphrey Bogart , Lauren Bacall , Dorothy Dandridge , John Garfield , Katharine Hepburn , Lena Horne , John Huston , Gene Kelly y Billy Wilder . Garland participó en la grabación de una emisión de radio estelar el 26 de octubre de 1947, Hollywood Fights Back , durante la cual exhortó a los oyentes a la acción: "Antes de que se cite a todas las conciencias libres en Estados Unidos, ¡por favor, hablen! ¡Digan lo que piensan! Escriban una carta a su congresista, por correo aéreo especial. Háganle saber al Congreso lo que piensan de su Comité Antiamericano". [126]
Garland era amiga del presidente John F. Kennedy y de su esposa Jacqueline Kennedy y solía pasar sus vacaciones en Hyannis Port , Massachusetts. La casa en la que se alojaba durante sus vacaciones en Hyannis Port se conoce hoy como The Judy Garland House debido a su asociación con la propiedad. [127] Garland llamaba a Kennedy todas las semanas y a menudo terminaba sus llamadas telefónicas cantando las primeras líneas de "Over the Rainbow". [127] [128] [129]
El 28 de agosto de 1963, Garland y otras celebridades como James Garner , Josephine Baker , Sidney Poitier , Lena Horne , Paul Newman , Rita Moreno y Sammy Davis Jr. participaron en la Marcha sobre Washington por el Trabajo y la Libertad , una manifestación organizada para defender los derechos civiles y económicos de los afroamericanos. Había sido fotografiada por la prensa en Los Ángeles a principios de mes junto a Eartha Kitt , Marlon Brando y Charlton Heston mientras planeaban su participación en la marcha sobre la capital de la nación.
El 16 de septiembre de 1963, Garland, junto con su hija Liza Minnelli , Carolyn Jones , June Allyson y la hija de Allyson, Pam Powell, celebraron una conferencia de prensa para protestar por el reciente atentado con bomba en la Iglesia Bautista de la Calle 16 en Birmingham, Alabama , que resultó en la muerte de cuatro jóvenes afroamericanas. Expresaron su conmoción e indignación por el ataque y solicitaron fondos para las familias de las víctimas. Powell y Minnelli anunciaron su intención de asistir al funeral de las víctimas durante la conferencia de prensa. [130] [131]
En 1963, Garland demandó a Sidney Luft por crueldad mental. También afirmó que él la había golpeado repetidamente mientras bebía y que había intentado quitarle a sus hijos por la fuerza. [132] Ella había solicitado el divorcio de Luft en varias ocasiones anteriores, incluso en 1956, pero se habían reconciliado en cada ocasión. [133]
Después de que su serie de televisión fuera cancelada, Garland volvió a trabajar en el escenario. Regresó al London Palladium actuando con su hija de 18 años, Liza Minnelli, en noviembre de 1964. El concierto también se mostró en la cadena de televisión británica ITV y fue una de sus últimas apariciones en el lugar. Hizo apariciones especiales en The Ed Sullivan Show y The Tonight Show . Garland fue anfitriona invitada de un episodio de The Hollywood Palace con Vic Damone . Fue invitada nuevamente para un segundo episodio en 1966 con Van Johnson como su invitada. Los problemas con el comportamiento de Garland terminaron con sus apariciones especiales en el Hollywood Palace . [134]
Una gira de 1964 por Australia terminó mal. Los dos primeros conciertos de Garland en Sídney se llevaron a cabo en el Estadio de Sídney porque ninguna sala de conciertos podía acomodar a la multitud que quería verla. Ambos salieron bien y recibieron críticas positivas. Su tercera actuación, en Melbourne , comenzó una hora tarde. La multitud de 7000 personas se enojó por su tardanza y creyeron que estaba borracha; la abuchearon y la abuchearon y ella huyó del escenario después de 45 minutos. [135] Más tarde calificó a la multitud de Melbourne como "brutal". [136] La aparición de Garland en Melbourne obtuvo una respuesta negativa de la prensa. [137]
El promotor de la gira de Garland, Mark Herron, anunció que se habían casado a bordo de un carguero frente a la costa de Hong Kong. Sin embargo, ella no estaba oficialmente divorciada de Luft en el momento en que se realizó la ceremonia. [138] El divorcio se hizo definitivo el 19 de mayo de 1965, [132] y ella y Herron no se casaron legalmente hasta el 14 de noviembre de 1965; se separaron cinco meses después. [139] Durante su divorcio, Garland testificó que Herron la había golpeado. Herron afirmó que "solo la golpeó en defensa propia". [140]
Durante gran parte de su carrera a lo largo de la década de 1950 y principios de la de 1960, su esposo Sidney Luft había sido su mánager. Sin embargo, Garland finalmente se separó de Luft profesionalmente, firmando con los agentes Freddie Fields y David Begelman . Para el otoño de 1966, Garland también se había separado de Fields y Begelman. La mala administración del dinero de Garland por parte de Fields y Begelman, así como su malversación de gran parte de sus ganancias, resultó en que ella debiera alrededor de US$500.000 (equivalente a $3.590.000 en 2023) en total en deudas personales y en deudas con el IRS. El IRS colocó gravámenes fiscales sobre su casa en Brentwood, Los Ángeles , su contrato de grabación con Capitol Records y cualquier otro acuerdo comercial del que pudiera obtener ingresos. [141]
Garland quedó en una situación desesperada que la llevó a vender su casa de Brentwood a un precio muy por debajo de su valor. Luego fue elegida en febrero de 1967 para el papel de Helen Lawson en Valley of the Dolls por 20th Century Fox . [142] Según la coprotagonista Patty Duke , Garland fue tratada mal por el director Mark Robson en el set de Valley of the Dolls y fue contratada principalmente para aumentar la publicidad de la película. [143] Después del despido de Garland de la película, la autora Jacqueline Susann dijo en el documental de televisión de 1967 Jacqueline Susann and the Valley of the Dolls : "Creo que Judy siempre volverá. Bromea sobre hacer muchas reapariciones, pero creo que Judy tiene una especie de cosa en la que tiene que llegar al fondo de la cuerda y las cosas tienen que ponerse muy, muy difíciles para ella. Luego, con una fuerza interior increíble que solo proviene de un cierto genio, regresa más grande que nunca". [144]
Al regresar a los escenarios, Garland hizo una de sus últimas apariciones en Estados Unidos en el Palace Theatre de Nueva York en julio de 1967, una función de 27 funciones, actuando con sus hijos Lorna y Joey Luft. Ella usó un traje pantalón con lentejuelas en el escenario para esta gira; el traje pantalón era parte del vestuario original para su personaje en Valley of the Dolls . [145] Garland ganó más de US$200.000 (equivalente a $1.390.000 en 2023) de su última presentación en el Palace Theatre de Nueva York de su participación del 75% de las ganancias generadas por su participación allí. En la noche de cierre en el Palace, los agentes fiscales federales confiscaron la mayoría de sus ganancias. [146]
A principios de 1969, la salud de Garland se había deteriorado. Actuó en Londres en el club nocturno Talk of the Town durante cinco semanas [147], por lo que le pagaron £2500 por semana, [109] e hizo su última aparición en un concierto en Copenhague durante marzo de 1969. [148] Después de que su divorcio de Herron se hubiera finalizado el 11 de febrero, se casó con su quinto y último marido, el gerente del club nocturno Mickey Deans , en la Oficina de Registro de Chelsea , Londres, el 15 de marzo. [149]
Garland fue encontrada muerta por su esposo Mickey Deans en el baño de su casa alquilada en Cadogan Lane , Belgravia , Londres, el 22 de junio de 1969, a la edad de 47 años. En la investigación , el forense Gavin Thurston declaró que la causa de la muerte fue "una sobredosis imprudente " de barbitúricos ; su sangre contenía el equivalente a diez cápsulas de Seconal de 1,5 granos (97 mg) . [150] Thurston destacó que la sobredosis no había sido intencional y que no había evidencia que sugiriera que ella hubiera tenido la intención de suicidarse. La autopsia de Garland no mostró inflamación del revestimiento de su estómago ni residuos de droga en su estómago, lo que indicaba que la droga había sido ingerida durante un largo período de tiempo, en lugar de en una sola dosis. Su certificado de defunción declaró que su muerte fue "accidental". [151] En apoyo de la causa accidental, el médico de Garland señaló que junto a su cama se encontró una receta de 25 pastillas barbitúricas medio vacía y otro frasco de 100 pastillas barbitúricas todavía sin abrir. [152]
Un especialista británico que había asistido a la autopsia de Garland declaró que, no obstante, había estado viviendo con tiempo prestado debido a la cirrosis , aunque una segunda autopsia realizada más tarde no informó evidencia de alcoholismo o cirrosis. [153] [154] Su coprotagonista de El mago de Oz, Ray Bolger, comentó en su funeral: "Ella simplemente se agotó". [155]
Después de que el cuerpo de Garland fuera embalsamado y vestido con el mismo vestido de seda gris que usó en su boda con Deans, Deans viajó con sus restos a la ciudad de Nueva York el 26 de junio de 1969, donde aproximadamente 20.000 personas hicieron fila para presentar sus respetos en la Capilla Funeraria Frank E. Campbell en Manhattan , que permaneció abierta toda la noche para dar cabida a la multitud desbordante. El 27 de junio de 1969, James Mason pronunció un elogio en el funeral, un servicio episcopal dirigido por el reverendo Peter Delaney de la iglesia parroquial de St Marylebone , Londres, quien había oficiado su matrimonio con Deans, tres meses antes. [156] "El gran don de Judy", dijo Mason en su elogio, "fue que podía arrancar lágrimas de corazones de roca... Dio tan rica y generosamente, que no había moneda con la que pagarle". [157] El público y la prensa fueron excluidos. Fue enterrada en una cripta en el mausoleo comunitario del cementerio Ferncliff en Hartsdale, Nueva York , una ciudad a 24 millas (39 km) al norte del centro de Manhattan . [158]
Tras la muerte de Garland, a pesar de haber ganado millones durante su carrera, su patrimonio ascendió a 40.000 dólares estadounidenses (equivalentes a 250.000 dólares en 2023). Años de mala gestión criminal de sus asuntos financieros por parte de sus representantes y personal, junto con su generosidad hacia su familia y diversas causas, dieron como resultado su mala situación financiera al final de su vida. En su último testamento, firmado y sellado a principios de 1961, Garland hizo muchos legados generosos que no pudieron cumplirse porque su patrimonio había estado endeudado durante muchos años. Su hija, Liza Minnelli , trabajó para pagar las deudas de su madre con la ayuda del amigo de la familia Frank Sinatra . [159] En 1978, una selección de los objetos personales de Garland fue subastada por su exmarido Sidney Luft con el apoyo de su hija Lorna y su hijo Joey. Casi 500 artículos, que iban desde utensilios de cocina de cobre hasta arreglos musicales, se ofrecieron a la venta. La subasta recaudó 250.000 dólares estadounidenses (equivalentes a 920.000 dólares en 2023) para sus herederos. [160]
A petición de sus hijos, los restos de Garland fueron desenterrados del cementerio de Ferncliff en enero de 2017 y enterrados nuevamente a 4500 kilómetros (2800 millas) del otro lado del país, en el cementerio Hollywood Forever de Los Ángeles. [161]
Garland poseía una voz de contralto , [162] [163] [164] descrita como estridente, [20] poderosa, sin esfuerzo y resonante, [165] a menudo demostrando un vibrato trémulo, [166] poderoso . [167] Aunque su rango era comparativamente pequeño, Garland era capaz de alternar entre timbres que sonaban femeninos y masculinos con poco esfuerzo. [168] El corresponsal del Richmond Times-Dispatch Tony Farrell escribió que poseía "una voz de contralto profunda y aterciopelada que podía girar en un instante para emitir las notas altas". [164] Ron O'Brien, productor del álbum tributo The Definitive Collection - Judy Garland (2006), escribió que la combinación de fraseo natural, entrega elegante, patetismo maduro "y dinámica dramática poderosa que aporta a ... las canciones hacen que sus [interpretaciones] sean las interpretaciones definitivas". [169]
La escritora del Huffington Post Joan E. Dowlin llamó al período de la carrera musical de Garland entre 1937 y 1945 los "años inocentes", durante los cuales la crítica cree que la "voz de la cantante era vibrante y su expresión musical exuberante", tomando nota de su resonancia y su cualidad distintiva, "rica pero dulce" "que te atrapa y te arrastra". [169] La voz de Garland a menudo variaba para adaptarse a la canción que estaba interpretando, desde suave, atractiva y tierna durante las baladas hasta humorística en algunos de sus duetos con otros artistas. [169] Sus actuaciones más alegres y con cinturón han sido comparadas con las de artistas como Sophie Tucker , Ethel Merman y Al Jolson . [168] Aunque su repertorio musical consistía en gran parte en grabaciones de elenco , melodías de espectáculos y estándares pop tradicionales , [170] Garland también era capaz de cantar soul , blues y jazz, que Dowlin comparó con el cantante Elvis Presley . [169]
Garland siempre afirmó que su talento como intérprete era heredado, diciendo: "Nadie me enseñó nunca qué hacer en el escenario". [171] Los críticos coinciden en que, incluso cuando debutó siendo niña, [170] Garland siempre había sonado madura para su edad, [172] particularmente en sus primeras grabaciones. [169] Desde temprana edad, Garland había sido catalogada como "la niña con los pulmones de cuero", [171] una designación por la que la cantante admitió más tarde haberse sentido humillada porque hubiera preferido que el público la conociera como una "niña bonita" o "agradable". [173]
Jessel recordó que, incluso con tan solo 12 años, la voz de Garland se parecía a la de "una mujer con el corazón herido". [171] El colaborador del Kansas City Star, Robert Trussel, citó la voz de Garland entre las razones por las que su papel en El mago de Oz sigue siendo memorable, escribiendo que aunque "podría haber sido maquillada y vestida para parecer una niña... no cantaba como una" debido a su "poderosa voz de contralto que llamaba la atención". [165]
Camille Paglia , escribiendo para The New York Times , bromeó diciendo que incluso en la vida adulta de Garland, "su pequeña figura literalmente palpitaba con su enorme voz", haciendo que pareciera que estaba "en guerra con su propio cuerpo". [168] La actriz y directora de teatro musical Donna Thomason opinó que Garland era una intérprete "efectiva" debido a su capacidad de hacer que su voz de canto fuera "una extensión natural de [su] voz de habla", una cualidad que Thomason creía que todos los actores de teatro musical deberían al menos esforzarse por lograr. [165] Trussel estuvo de acuerdo en que "la voz de canto de Garland sonaba completamente natural. Nunca parecía forzada o demasiado entrenada". [165]
Al escribir para Turner Classic Movies , el biógrafo Jonathan Riggs observó que Garland tenía una tendencia a imbuir su voz con una combinación paradójica de "fragilidad y resiliencia" que eventualmente se convirtió en una marca registrada suya. [166] Este estilo característico de sus actuaciones solía estar marcado por el poder en su voz, la enunciación pronunciada y la proyección de una sensación de vulnerabilidad a través de su canto y lenguaje corporal. [174] Michael Bronski escribe en su libro, Culture Clash ,
Había un dolor en su voz y una inmediatez en su actuación que daba la impresión de que era su dolor. [175]
Louis Bayard, del Washington Post, describió la voz de Garland como "palpitante", creyendo que era capaz de "conectar con [el público] de una manera que ninguna otra voz lo hace". [176] Bayard también cree que a los oyentes "les resulta difícil separar el dolor de su voz del dolor que persiguió su vida", [176] mientras que Dowlin argumentó que "escuchar a Judy cantar... me hace olvidar toda la angustia y el sufrimiento que debe haber soportado". [169]
En 1969, el obituarista del New York Times observó que Garland, intencionalmente o no, "trajo consigo... todos los fantasmas bien publicitados de su colapso emocional, sus colapsos profesionales y sus regresos" al escenario durante actuaciones posteriores. [20] El mismo escritor dijo que la voz de Garland cambió y perdió algo de su calidad a medida que envejecía, aunque conservó gran parte de su personalidad. [20] En una contribución al Irish Independent , Julia Molony observó que la voz de Garland, aunque "todavía rica en emoción", finalmente había comenzado a "crujir con el peso de años de decepción y vida dura" cuando actuó en el Carnegie Hall en 1961. [177]
De manera similar, la entrada del disco en vivo en la Biblioteca del Congreso escribió que "si bien su voz todavía era fuerte, también había ganado un poco de peso y un poco de desgaste"; el autor Cary O'Dell cree que el rasgueo y el "temblor ocasional" de Garland solo "aumentaron el cociente emocional de muchos de sus números", particularmente en sus canciones emblemáticas "Over the Rainbow" y "The Man That Got Away". [178] Garland afirmó que siempre se sintió más segura y en casa mientras actuaba en el escenario, independientemente del estado de su voz. [179] Su talento musical ha sido elogiado por sus pares; la cantante de ópera Maria Callas dijo una vez que Garland poseía "la voz más soberbia que jamás había escuchado", mientras que el cantante y actor Bing Crosby dijo que "ninguna otra cantante podía compararse con ella" cuando Garland descansaba. [172] Aretha Franklin elogió a Garland como "una de las mejores cantantes que hubo". [180]
Al comentar sobre su papel junto a Judy Garland, Fred Astaire dijo más tarde: "Judy es la artista más grande que jamás haya existido (o probablemente existirá jamás), una chica increíble. "Podía hacer cosas, cualquier cosa, sin ensayar y hacerlo a la perfección". [181]
Garland era conocida por interactuar con su público durante sus actuaciones en directo; un obituario del New York Times escribió que Garland poseía "una necesidad aparentemente insaciable de que su público respondiera con aclamación y afecto. Y a menudo lo hacían, gritando: 'Te amamos, Judy, te amamos ' " . [20] La propia Garland explicó en 1961: "Una recepción realmente grandiosa me hace sentir como si tuviera una gran almohadilla térmica sobre todo mi cuerpo... Realmente tengo un gran amor por el público y solía querer demostrárselo donándoles sangre. Pero ahora tengo una nueva cosa divertida, una verdadera determinación de hacer que la gente disfrute del espectáculo". [182]
El escritor del New York Times la describió como "una actriz y comediante instintiva". El colaborador anónimo comentó que el estilo de interpretación de Garland se parecía al de "una intérprete de music hall en una era en la que los music halls estaban obsoletos". [20] Los amigos cercanos de Garland insistieron en que ella nunca quiso realmente ser una estrella de cine y que hubiera preferido dedicar su carrera por completo a cantar y grabar discos. [173] El biógrafo de AllMusic, William Ruhlmann, cree que la capacidad de Garland para mantener una carrera exitosa como artista discográfica incluso después de que sus apariciones en películas se volvieran menos frecuentes era inusual para un artista en ese momento. [170]
Garland ha sido identificada como una triple amenaza debido a su habilidad para cantar, actuar y bailar, [183] posiblemente igualmente bien. [184] Doug Strassler, un crítico de New York Press , describió a Garland como una "triple amenaza" que "rebotaba entre musicales familiares y dramas para adultos con una precisión y un talento que sigue siendo en gran medida inigualable". [185] En términos de actuación, Peter Lennon , escribiendo para The Guardian en 1999, identificó a Garland como un "camaleón" debido a su capacidad para alternar entre papeles cómicos, musicales y dramáticos, citando El mago de Oz , El reloj , Ha nacido una estrella y Podría seguir cantando -su último papel cinematográfico- como ejemplos destacados. [186] Michael Musto , periodista de la revista W , escribió que, en sus papeles cinematográficos, Garland "podía proyectar decencia, vulnerabilidad y coraje como ninguna otra estrella y lo envolvía con una entrega vocal trémulamente hermosa que podía derretir incluso al troll más empedernido". [187]
Álbumes de estudio seleccionados
Garland era casi tan famosa por sus luchas personales en la vida cotidiana como por su carrera en el mundo del espectáculo. [168] Se la ha asociado estrechamente con su imagen de chica de al lado cuidadosamente cultivada . [177] Al principio de su carrera, durante la década de 1930, la imagen pública de Garland le había valido el título de "hermana menor favorita de Estados Unidos", [171] así como el título de "Pequeña Miss Showbusiness". [188] [189]
En una reseña para el Star Tribune , Graydon Royce escribió que la imagen pública de Garland seguía siendo la de "una chica del Medio Oeste que no podía creer dónde estaba", a pesar de haber sido una celebridad bien establecida durante más de 20 años. [179] Royce cree que los fanáticos y el público insistieron en preservar su recuerdo de Garland como Dorothy sin importar cuánto madurara, llamándola "una cautiva no de su propio deseo de permanecer joven, sino una cautiva del deseo del público de preservarla de esa manera". [179] Por lo tanto, el estudio continuó eligiendo a Garland para papeles que eran significativamente más jóvenes que su edad real. [179]
Según Malony, Garland fue una de las artistas más trabajadoras de Hollywood durante la década de 1940, lo que Malony afirma que utilizó como mecanismo de defensa después de que su primer matrimonio implosionara. [177] Sin embargo, los empleados del estudio recuerdan que Garland tenía una tendencia a ser bastante intensa, testaruda y volátil; [171] El autor de Judy Garland: The Secret Life of an American Legend, David Shipman, afirma que varias personas se sintieron frustradas por el " narcisismo " y la "creciente inestabilidad" de Garland, mientras que millones de fanáticos encontraron que su comportamiento público y su estado psicológico eran "frágiles", [188] [177] apareciendo neurótica en las entrevistas. [179]
MGM informa que Garland llegaba constantemente tarde y demostraba un comportamiento errático, lo que resultó en varios retrasos e interrupciones en los cronogramas de filmación hasta que finalmente fue despedida del estudio, que la había considerado poco confiable y difícil de manejar. [177] Farrell llamó a Garland "una bolsa de contradicciones" que "siempre ha sido un festín para la imaginación estadounidense", describiendo su personaje público como "incómodo pero directo, tímido pero descarado". [164] Al describir a la cantante como "tierna y entrañable pero salvaje y turbulenta", Paglia escribió que Garland "abrió un camino de destrucción a través de muchas vidas. Y de ese caos, hizo arte de una intensidad aún abrasadora". [168] Paglia la calificó como "una criatura de extremos, codiciosa, sensual y exigente, glotona de placer y dolor", [171] y también comparó a Garland con el artista Frank Sinatra debido a su "personalidad emblemática compartida... en quien el público masivo proyectaba sus esperanzas y decepciones", al tiempo que observaba que carecía de las habilidades de supervivencia de Sinatra. [168]
A pesar de su éxito como intérprete, Garland sufría de baja autoestima, particularmente en relación con su peso, que mantenía constantemente a dieta a instancias del estudio y de Mayer; [171] [177] [187] los críticos e historiadores creen que esto fue el resultado de que los ejecutivos del estudio le dijeran que era un " patito feo ". [169] El columnista de Entertainment Weekly Gene Lyons observó que tanto el público como los miembros de la industria del entretenimiento "tendían a amarla o a odiarla". [188]
En un momento dado, Stevie Phillips, que había trabajado como agente de Garland durante cuatro años, describió a su cliente como "una drogadicta demente, exigente y sumamente talentosa". [177] Royce sostiene que Garland mantuvo una "fuerza y un coraje asombrosos", incluso durante tiempos difíciles. [179] El actor inglés Dirk Bogarde una vez llamó a Garland "la mujer más divertida que he conocido". [176] Ruhlmann escribió que la vida personal de la cantante "contrastaba tan marcadamente con la exuberancia e inocencia de sus papeles cinematográficos". [170]
A pesar de sus luchas personales, Garland no estaba de acuerdo con la opinión del público de que era una figura trágica. [179] [186] Su hija menor, Lorna, estuvo de acuerdo en que Garland "odiaba" que se refirieran a ella como una figura trágica, explicando: "Todos tenemos tragedias en nuestras vidas, pero eso no nos hace trágicos. Ella era divertida, cálida y maravillosamente dotada. Tuvo grandes momentos y grandes altibajos en su carrera. También tuvo grandes momentos en su vida personal. Sí, la perdimos a los 47 años. Eso fue trágico. Pero no era una figura trágica". [186] Ruhlmann sostiene que Garland en realidad utilizó la opinión del público sobre su imagen trágica a su favor hacia el final de su carrera. [170]
En el momento de su muerte en 1969, Garland había aparecido en más de 35 películas. [20] Se la ha llamado una de las grandes del entretenimiento y su reputación ha perdurado. [190] [191] [192] [193] En 1992, Gerald Clarke de Architectural Digest apodó a Garland "probablemente la mayor artista estadounidense del siglo XX". [172] O'Brien cree que "nadie en la historia de Hollywood jamás tuvo el impacto musical que tuvo Garland", explicando: "Ella tenía la voz más grande y versátil en las películas. Sus musicales en Technicolor... definieron el género. Las canciones que presentó fueron de oro de los Oscar. Su carrera cinematográfica enmarca la Edad de Oro de los musicales de Hollywood". [169]
Turner Classic Movies denominó a Garland "la voz más conmovedora de la historia". [166] Gene Lyons de Entertainment Weekly denominó a Garland "la Madonna de su generación". [188] El American Film Institute la nombró octava entre las más grandes estrellas femeninas del cine de la Edad de Oro de Hollywood. [194] En junio de 1998, en The New York Times , Camille Paglia escribió: "Garland fue una personalidad a gran escala que hace que nuestra actual generación de estrellas del pop parezca liviana y evanescente". [168]
En los últimos años, el legado de Garland ha mantenido fans de todas las edades, tanto jóvenes como mayores. [186] En 2010, la colaboradora del Huffington Post Joan E. Dowlin concluyó que Garland poseía una cualidad distintiva al "ejemplificar la calidad de estrella del carisma, el talento musical, la capacidad natural de actuación y, a pesar de lo que decían los jefes del estudio, una buena apariencia (incluso si era la apariencia de la chica de al lado)". [169]
El biógrafo de AllMusic , William Ruhlmann, dijo que "el núcleo de su importancia como artista sigue siendo su increíble voz y su compromiso emocional con sus canciones" y cree que "su carrera a veces se ve más como una lección objetiva sobre los excesos de Hollywood que como la notable cadena de logros multimedia que fue". [170] En 2012, Strassler describió a Garland como "más que un ícono... Al igual que Charlie Chaplin y Lucille Ball , creó una plantilla que los que están en el poder siempre han estado tratando, con diversos niveles de éxito, de replicar". [185]
Las actuaciones en vivo de Garland hacia el final de su carrera aún son recordadas por los fanáticos que asistieron a ellas como "momentos cumbre en la música del siglo XX". [171] Ha sido objeto de más de treinta biografías desde su muerte, incluida la bien recibida Me and My Shadows: A Family Memoir de su hija, Lorna Luft, cuyas memorias luego fueron adaptadas a la miniserie de televisión Life with Judy Garland: Me and My Shadows , que ganó premios Emmy para las dos actrices que la interpretaron ( Tammy Blanchard y Judy Davis ). [195] Strassler observó que Garland "creó uno de los cuentos de advertencia más legendarios de la industria, gracias a sus muchos excesos e inseguridades que la llevaron a su temprana muerte por sobredosis". [185]
Garland recibió póstumamente el premio Grammy a la trayectoria en 1997. [196] Varias de sus grabaciones han sido incluidas en el Salón de la Fama de los Grammy. [197] Entre ellas se incluye « Over the Rainbow », que fue clasificada como la canción de película número uno de todos los tiempos en la lista «100 Years...100 Songs» del American Film Institute. Cuatro canciones más de Garland aparecen en la lista: « Have Yourself a Merry Little Christmas » (n.º 76), « Get Happy » (n.º 61), « The Trolley Song » (n.º 26) y « The Man That Got Away » (n.º 11). [198]
Garland ha sido honrada dos veces en sellos postales de Estados Unidos, en 1989 (como Dorothy) [199] y nuevamente en 2006 (como Vicki Lester de A Star Is Born ). [200] Mientras estaba de gira en 1964, Garland identificó "Over the Rainbow" como su canción favorita de todas las que había grabado, a lo que Trussel observó que "su carrera permanecería inextricablemente ligada". [165] Garland usaría con frecuencia una obertura de "Over the Rainbow" como su música de entrada durante conciertos y apariciones en televisión. [165]
Según Paglia, cuanto más interpretaba Garland "Over the Rainbow", más "se convertía en su himno trágico... un canto fúnebre por las oportunidades artísticas desperdiciadas y por la felicidad personal postergada permanentemente". [168] En 1998, el Carnegie Hall organizó un homenaje de dos conciertos a Garland, que promocionaron como "un homenaje al artista más grande del mundo". [168]
Celebridades posteriores que han sufrido problemas personales con la adicción a las drogas y el trastorno por consumo de sustancias han sido comparadas con Garland, particularmente Michael Jackson . [169] La hija mayor de Garland, Liza Minnelli, tuvo una vida personal que era casi paralela a la de su madre, habiendo luchado con el trastorno por consumo de sustancias y varios matrimonios fallidos. [177] Paglia observó que la actriz Marilyn Monroe exhibiría un comportamiento similar al que Garland había exhibido una década antes en Meet Me in St. Louis , particularmente la tardanza. [171]
El 10 de junio de 2022, centenario de su nacimiento, fue homenajeada con un perfume que lleva su nombre titulado "Judy — A Garland Fragrance" creado por Vincenzo Spinnato. [201]
Garland tenía una gran base de seguidores en la comunidad gay y se convirtió en un icono gay. [202] Las razones que se dan para su posición entre los hombres homosexuales son la admiración por su capacidad como intérprete, la forma en que sus luchas personales reflejaban las de los hombres homosexuales en los Estados Unidos durante el apogeo de su fama y su valor como figura del campamento . [203] En 1965, un periodista le preguntó cómo se sentía por tener un gran número de seguidores homosexuales. Ella respondió: "No me importa nada. ¡Canto para la gente!". [204]
Garland ha sido interpretada en televisión por Andrea McArdle en Rainbow (1978), [205] Tammy Blanchard (la joven Judy) y Judy Davis (la mayor Judy) en Life with Judy Garland: Me and My Shadows (2001), [206] y Sigrid Thornton en Peter Allen: Not The Boy Next Door (2015). [207] Harvey Weinstein optó por Get Happy: The Life of Judy Garland y un espectáculo teatral y una película basados en él estaban programados para ser protagonizados por Anne Hathaway . [208] Renée Zellweger interpretó a Garland en la película biográfica Judy (2019) y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Actriz . [209]
En el escenario, Garland es un personaje del musical The Boy from Oz (1998), interpretado por Chrissy Amphlett en la producción australiana original [210] y por Isabel Keating en Broadway en 2003. [211] End of the Rainbow (2005) contó con Caroline O'Connor como Garland y Paul Goddard como el pianista de Garland. [212] Adrienne Barbeau interpretó a Garland en The Property Known as Garland (2006) [213] y The Judy Monologues (2010) inicialmente contó con actores masculinos recitando las palabras de Garland antes de que fuera renovado como un espectáculo unipersonal. [214]
En el ámbito musical, se hace referencia a Garland en la canción de Tori Amos de 1992 "Happy Phantom", en la que se imagina a Garland tomando a Buda de la mano. Amos también se refiere a Garland como "Judy G" en su canción de 1996 "Not the Red Baron". Garland también es el tema principal del sencillo "Judy Garland" de Frog de 2015. [215] [216] [217]
de 1922, 10 am: Frances fue bautizada en la Iglesia Episcopal por el rector, Robert Arthur Cowling, de Hibbing.
Los críticos notaron que su voz había perdido algo de su calidad. Al mismo tiempo, notaron que su personalidad conservaba todo su impacto.
Su voz suena muy madura para su edad.
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