El arte latinoamericano es la expresión artística combinada de México, América Central, el Caribe y América del Sur, así como de los latinoamericanos que viven en otras regiones.
El arte tiene sus raíces en las diferentes culturas indígenas que habitaron las Américas antes de la colonización europea en el siglo XVI. Cada cultura indígena desarrolló disciplinas artísticas sofisticadas, que estaban muy influenciadas por preocupaciones religiosas y espirituales. Su trabajo se conoce colectivamente como arte precolombino . La mezcla de culturas amerindias, europeas y africanas ha dado como resultado una tradición mestiza única.
Durante el período colonial, una mezcla de tradiciones indígenas e influencias europeas (debidas principalmente a las enseñanzas cristianas de los frailes franciscanos , agustinos y dominicos ) produjo un arte cristiano muy particular conocido como arte indocristiano . Además del arte indígena , el desarrollo del arte visual latinoamericano estuvo significativamente influenciado por la pintura barroca española, portuguesa , francesa y holandesa . A su vez, la pintura barroca a menudo estuvo influenciada por los maestros italianos .
La Escuela Cuzqueña es considerada el primer centro de pintura de estilo europeo en América. En los siglos XVII y XVIII, los instructores de arte españoles enseñaron a los artistas quechuas a pintar imágenes religiosas basadas en estilos clásicos y renacentistas . [1]
En la Nueva España del siglo XVIII , los artistas mexicanos junto con algunos artistas españoles produjeron pinturas de un sistema de jerarquía racial, conocidas como pinturas de castas . Era casi exclusivamente una forma mexicana, sin embargo, un conjunto se produjo en Perú. En una ruptura con las pinturas religiosas de los siglos anteriores, las pinturas de castas fueron una forma de arte secular. Solo una pintura de castas conocida de un pintor relativamente desconocido, Luis de Mena , combina castas con la Virgen de Guadalupe de México ; siendo esta una excepción. Algunos de los artistas más distinguidos de México pintaron obras de castas, incluido Miguel Cabrera . La mayoría de las pinturas de castas estaban en varios lienzos, con una agrupación familiar en cada uno. Había un puñado de pinturas de un solo lienzo, que mostraban toda la jerarquía racial. Las pinturas muestran agrupaciones familiares idealizadas, con el padre siendo de una raza, la madre de otra categoría racial y su descendencia siendo una tercera categoría racial. Este género de pintura floreció durante aproximadamente un siglo, llegando a su fin con la independencia mexicana en 1821 y la abolición de las categorías raciales legales. [2]
En el siglo XVII, los Países Bajos habían conquistado la rica zona azucarera de la colonia portuguesa de Brasil (1630-1654). Durante ese período, el artista holandés Albert Eckhout pintó una serie de importantes representaciones de personajes sociales de Brasil, entre las que se incluían imágenes de hombres y mujeres indígenas, así como naturalezas muertas. [3]
Las expediciones científicas aprobadas por la corona española comenzaron a explorar la América española, donde se registró su flora y fauna. El español José Celestino Mutis , médico y horticultor y seguidor del científico sueco Carl Linnaeus , dirigió una expedición que comenzó en 1784 al norte de América del Sur, la expedición se conoce como la Expedición Botánica de Nueva Granada . Los artistas locales eran indígenas ecuatorianos, que produjeron cinco mil dibujos en color de la naturaleza, todos ellos publicados. La expedición autorizada por la corona, cuyo propósito era el registro científico de la belleza natural y la riqueza de la naturaleza, se alejó del arte religioso tradicional. [4]
La expedición científica más importante fue la de Alexander von Humboldt y el botánico francés Aimé Bonpland . Viajaron durante cinco años por toda la América española (1799-1804), explorando y registrando información científica, así como la vestimenta y los estilos de vida de las poblaciones locales. [5] La obra de Humboldt se convirtió en una inspiración y modelo para el trabajo científico continuado en el siglo XIX, así como para los reporteros viajeros que registraron las escenas de la vida cotidiana.
En 1818, la Academia de San Alejandro en La Habana , Cuba , fue fundada por Alejandro Ramírez, y el pintor francés Jean Baptiste Vermay , fungió como director fundador. [6] [7] Es la academia de arte más antigua de América Latina. [8]
La historia del arte latinoamericano ha sido escrita generalmente por aquellos con formación en departamentos de historia del arte. Sin embargo, el concepto de "cultura visual" ha llevado ahora a académicos formados en otras disciplinas a escribir las historias del arte. Al igual que con la historia de los pueblos indígenas, durante muchos años se centró en la producción artística del período precolombino ( olmeca , maya , azteca , inca ) y luego en un salto al siglo XX. Más recientemente, la era colonial y el siglo XIX se han convertido en campos de interés. La cultura visual como campo cruza cada vez más los límites disciplinarios. La arquitectura colonial ha sido objeto de varios estudios importantes. [9] [10] [11] [12] [13] [14]
El arte colonial tiene una larga tradición, especialmente en México, con publicaciones de Manuel Toussaint. [15] En los últimos años, ha habido un auge en las publicaciones sobre arte colonial, habiéndose publicado algunas descripciones generales útiles en los últimos años. [16] [17] [18] [19] [20] [21] Muchas obras tratan exclusivamente de Hispanoamérica.
Las grandes exposiciones sobre arte colonial han dado lugar a excelentes catálogos que sirven como registro permanente. [22] [23] [24] [25] [26] [27] [28]
Modernismo , un movimiento artístico occidental caracterizado por el rechazo de los estilos clásicos tradicionales. Este movimiento ocupa una posición ambivalente en el arte latinoamericano. No todos los países desarrollaron centros urbanos modernizados al mismo tiempo, por lo que es difícil fechar la aparición del modernismo en América Latina. Si bien el modernismo fue bien recibido por algunos, otros lo rechazaron. En términos generales, los países del Cono Sur fueron más abiertos a la influencia extranjera, mientras que los países con una presencia indígena más fuerte, como México, Perú, Ecuador y Bolivia , se resistieron a la cultura europea. [29]
Un evento emblemático para el modernismo en la región fue la Semana de Arte Moderna , un festival que tuvo lugar en São Paulo , Brasil, en 1922 y que marcó el comienzo del movimiento modernista en Brasil. "Aunque varios artistas brasileños individuales estaban haciendo trabajos modernistas antes de la Semana, ésta unió y definió el movimiento y lo presentó a la sociedad brasileña en general". [ cita requerida ]
En general, el eurocentrismo artístico asociado con el período colonial comenzó a desvanecerse a principios del siglo XX, cuando los latinoamericanos comenzaron a reconocer su identidad única y a seguir su propio camino.
Desde principios del siglo XX, el arte de América Latina se inspiró en gran medida en el constructivismo . [ cita requerida ] Se extendió rápidamente de Rusia a Europa y luego a América Latina. Se atribuye a Joaquín Torres García y Manuel Rendón la introducción del constructivismo en América Latina. [ cita requerida ]
Después de una larga y exitosa carrera en Europa y Estados Unidos, Torres García regresó a su Uruguay natal en 1934, donde promovió el constructivismo y lo convirtió en un movimiento exclusivamente uruguayo: el constructivismo universal . Tras atraer a un círculo de pares experimentados y jóvenes artistas como seguidores en Montevideo, en 1935 fundó la Asociación de Arte Constructivo como centro de arte y espacio de exposición para su círculo. El lugar cerró en 1940 debido a la falta de fondos. En 1943, abrió el Taller Torres-García, un taller y centro de formación que funcionó hasta 1962. [30]
El muralismo es un importante movimiento artístico generado en América Latina. Está representado popularmente por el movimiento muralista mexicano de Diego Rivera , David Alfaro Siqueiros , José Clemente Orozco y Rufino Tamayo . En Chile , José Venturelli y Pedro Nel Gómez fueron muralistas influyentes. Santiago Martínez Delgado defendió el muralismo en Colombia , al igual que Gabriel Bracho en Venezuela. En República Dominicana, el exiliado español José Vela Zanetti fue un muralista prolífico, pintando más de 100 murales en el país. También son dignos de mención el artista ecuatoriano Oswaldo Guayasamín (alumno de Orozco), el brasileño Cándido Portinari y el boliviano Miguel Alandia Pantoja. Algunas de las obras muralistas más impresionantes se pueden encontrar en México, Colombia, Nueva York, San Francisco, Los Ángeles, Chicago y Filadelfia. El muralismo mexicano "gozó de un tipo de prestigio e influencia en otros países que ningún otro movimiento artístico estadounidense había experimentado jamás". [31] A través del muralismo, los artistas de América Latina encontraron una forma de arte distintiva que permitía la expresión política y cultural, centrándose a menudo en cuestiones de justicia social relacionadas con sus raíces indígenas. [29]
Generación de la Ruptura , o "Generación de la Ruptura", (a veces simplemente conocida como "Ruptura") es el nombre que se le dio a un movimiento artístico en México en la década de 1960 en el que los artistas más jóvenes se separaron del estilo nacional establecido del Muralismo. Nacido del deseo de los artistas más jóvenes de una mayor libertad de estilo en el arte, este movimiento está marcado por estilos expresionistas y figurativos. Al artista mexicano José Luis Cuevas se le atribuye el inicio de la Ruptura . En 1958, Cuevas publicó un periódico llamado La Cortina del Nopal ("La Cortina del Nopal"), que condenó al muralismo mexicano como excesivamente político, llamándolo "periodismo barato y arenga" en lugar de arte. [29] Los artistas representativos incluyen a José Luis Cuevas , Alberto Gironella y Rafael Coronel.
Nueva Presencia fue un grupo de artistas fundado por los artistas Arnold Belkin y Francisco Icaza a principios de la década de 1960. En respuesta a las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial, como el Holocausto y la bomba atómica, los artistas de Nueva Presencia compartían un rechazo antiestético de las tendencias contemporáneas en el arte y creían que el artista tenía una responsabilidad social. Sus creencias se describieron en el manifiesto de Nueva Presencia, que se publicó en el primer número de la revista de carteles del mismo nombre. "Nadie, especialmente el artista, tiene derecho a ser indiferente al orden social". [30] Los miembros del grupo incluían a Francisco Corzas (n. 1936), Emilio Ortiz (n. 1936), Leonel Góngora (n. 1933), Artemio Sepúlveda (n. 1936) y José Muñoz, y el fotógrafo Ignacio "Nacho" López.
El poeta francés y fundador del surrealismo, André Breton , tras visitar México en 1938, lo proclamó como "el país surrealista por excelencia". [30] El surrealismo , un movimiento artístico originado en la Europa posterior a la Primera Guerra Mundial, impactó fuertemente el arte de América Latina. Es aquí donde la cultura mestiza, el legado de la conquista europea sobre los pueblos indígenas, encarna la contradicción, un valor central del surrealismo. [32]
La reconocida pintora mexicana Frida Kahlo pintó autorretratos y representaciones de la cultura tradicional mexicana en un estilo que combina el realismo , el simbolismo y el surrealismo . Aunque Kahlo no elogió esta etiqueta, una vez dijo: "Pensaban que era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté sueños. Pinté mi propia realidad". [33] La obra de Kahlo alcanza el precio de venta más alto de todas las pinturas latinoamericanas y el segundo más alto para cualquier artista femenina. [34] Otras surrealistas mexicanas incluyen a Leonora Carrington (una mujer británica que se mudó a México) y Remedios Varo (una exiliada española). El artista mexicano Alberto Gironella , los artistas chilenos Roberto Matta , Mario Carreño Morales y Nemesio Antúnez , el artista cubano Wifredo Lam y el artista argentino Roberto Aizenberg también han sido clasificados como surrealistas.
Desde aproximadamente la década de 1970, artistas de todas partes de América Latina han hecho importantes contribuciones al arte contemporáneo internacional, desde escultores conceptuales como Doris Salcedo (de Colombia) y Daniel Lind-Ramos (de Puerto Rico), hasta pintores como Myrna Báez (de Puerto Rico), hasta artistas que trabajan en medios como la fotografía, como Vik Muniz (de Brasil).
Los estilos de arte clásico europeo han dejado una huella duradera en el arte de América Latina. En el siglo XX, muchos artistas latinoamericanos continuaron formándose en el estilo tradicional del siglo XIX, lo que dio como resultado un énfasis continuo en el trabajo figurativo. Debido al gran alcance de la figuración, el trabajo a menudo abarca varios estilos diferentes, como el realismo , el arte pop , el expresionismo y el surrealismo , por nombrar solo algunos. Si bien estos artistas abordan cuestiones que van desde lo personal hasta lo político, muchos tienen un interés compartido en las cuestiones indígenas y la herencia del imperialismo cultural europeo .
Un movimiento dedicado a la figuración fue Otra Figuración , un grupo de artistas argentinos y comuna formada en 1961 y disuelta en 1966. Los miembros Rómulo Macció , Ernesto Deira , Jorge de la Vega y Luis Felipe Noé vivieron juntos y compartieron un estudio en Buenos Aires. Los artistas de Otra Figuración trabajaron en un estilo figurativo abstracto expresionista con colores vivos y collage. Aunque Otra Figuración fueron contemporáneos de Nueva Presencia, no hubo contacto directo entre los dos grupos. [30] Las personas que a veces se asocian con el grupo son Raquel Forner , Antonio Berni , Alberto Heredia y Antonio Seguí .
El arte en América Latina se ha utilizado a menudo como un medio de crítica social y política. El artista gráfico mexicano José Guadalupe Posada dibujó imágenes duras de las élites mexicanas como esqueletos, calaveras . Esto se hizo antes de la Revolución Mexicana , influyendo fuertemente en artistas posteriores, como Diego Rivera . Una práctica común entre los artistas figurativos latinoamericanos es parodiar las pinturas de los viejos maestros, especialmente las de la corte española producidas por Diego Velázquez en el siglo XVII. Estas parodias tienen un doble propósito, hacer referencia a la historia artística y cultural de América Latina y criticar el legado del imperialismo cultural europeo en las naciones latinoamericanas. Los artistas Fernando Botero , Herman Braun-Vega y Alberto Gironella emplearon con frecuencia esta técnica.
El artista figurativo colombiano Fernando Botero , cuyo trabajo presenta figuras "hinchadas" únicas en diversas situaciones que abordan temas de poder, guerra y problemas sociales, ha utilizado esta técnica para establecer paralelismos entre los órganos de gobierno actuales y la monarquía española. Su pintura de 1967 La familia presidencial es un ejemplo temprano. La pintura, que se hace eco de la pintura de la corte española de Diego Velázquez de 1656 Las Meninas , contiene un autorretrato de Botero de pie detrás de un lienzo grande. La gruesa y "hinchada" familia presidencial, ataviada con elegantes galas y mirando insulsamente desde el lienzo, parece socialmente superior, llamando la atención sobre la desigualdad social. [32] Según Botero, sus figuras "hinchadas" no pretenden ser satíricas. Pintó una poderosa serie de lienzos, que se basan en fotografías de torturas por parte del ejército estadounidense a prisioneros iraquíes en la prisión de Abu Ghraib .
Entre el pintor peruano Herman Braun-Vega , la apropiación de obras de los viejos maestros es casi sistemática a partir de la década de 1970. [35] Los personajes que toma prestados de la iconografía de la pintura europea a menudo se confrontan con la situación social y política de América Latina. [36] En su pintura La leçon... à la campagne (Rembrandt) de 1984, toma la escena del cuadro de Rembrandt La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp , transportándola al exterior, al campo, y sustituyendo ciertos personajes del cuadro original por personajes latinoamericanos contemporáneos que hacen referencia a la situación social y política de América del Sur, como lo confirman los textos de los recortes de prensa del periódico Le Monde, que estructura los pies del cadáver a la manera cubista. [37] En 1987, en su cuadro Doble foco sobre Occidente (Velázquez y Picasso) , convirtió el cuadro Las Meninas de Velázquez en una crítica al poder de la Iglesia al sustituir a la pareja real del espejo del fondo de la sala por el Papa Juan Pablo II recibiendo a Kurt Waldheim en el Vaticano. [38] Entre otros muchos ejemplos, todavía podemos citar el cuadro Los caprichos del FMI (Goya) de 2003 donde aparecen El Tiempo y las viejas y algunos grabados de Los caprichos de Goya para criticar a los sermoneadores del Fondo Monetario Internacional . [39]
El pintor y collagista mexicano Alberto Gironella , cuyo estilo mezcla elementos del surrealismo y el arte pop , también produjo parodias de pinturas oficiales de la corte española. Completó docenas de versiones de la Reina Mariana de Velásquez de 1652. Las parodias de Gironella critican el dominio español de México al incorporar imágenes subversivas. ''La Reina de los Yugos'' (1975-81) representa a Mariana con una falda hecha de yugos de buey al revés, lo que significa tanto el dominio español sobre los pueblos indígenas de México como la subversión de esos pueblos al dominio español. Los yugos se vuelven inútiles al estar al revés. "El sello distintivo [de Gironella] fue el uso de latas de comestibles españolas particulares (sardinas, mejillones, etc.) en sus obras, y tapas de botellas de refresco clavadas o pegadas alrededor del borde de sus pinturas".
Las pinturas, grabados, instalaciones, collages y animaciones digitales de la artista cubana Sandra Ramos a menudo abordan temas tabú en la sociedad cubana contemporánea, como el racismo, la migración masiva, el comunismo y las injusticias sociales en la sociedad cubana contemporánea. [40] [41]
Los fotógrafos capturaron en película a pueblos indígenas y distintos tipos sociales, como los gauchos de Argentina. Varios latinoamericanos han hecho contribuciones significativas a la fotografía moderna. Guy Veloso y José Bassit fotografían la religiosidad brasileña. Guillermo Kahlo fotografió edificios e infraestructura coloniales mexicanos, como el puente ferroviario en Metlac. El propio Agustín Casasola tomó muchas imágenes de la Revolución Mexicana y compiló un extenso archivo de fotos mexicanas. Otros fotógrafos incluyen al indígena peruano Martín Chambi , la mexicana Graciela Iturbide y el cubano Alberto Korda , famoso por su icónica imagen del Che Guevara . Mario Testino es un destacado fotógrafo de moda peruano. Además, varios fotógrafos no latinoamericanos se han centrado en el área, incluidos Tina Modotti y Edward Weston en México. La guatemalteca María Cristina Orive ha trabajado en Argentina con Sara Facio . El ecuatoriano Hugo Cifuentes ha llamado la atención.
El hecho de que un pintor utilice las obras de otros pintores como temas para sus cuadros no es nuevo. Lo que sí es nuevo es profundizar en ese procedimiento y convertirlo, forzando un poco el término, en un sistema.
Durante esos quince años trabajé con la iconografía occidental, intentando ofrecer un testimonio, una crítica, de la situación social.
Inspirado en el collage cubista, el fragmento del diario Le Monde orienta la lectura de una situación histórica fechada (los años pasados), más todos los tiempos actuales, el combate de los movimientos de liberación popular contra el árbitro de un régimen de ocupación-répresión. .
Le pouvoir est critiqué de plusieurs façons: grâce au déplacement des personnages comme nous avons pu le constater dans le cas de l'infante Marguerite; et aussi par le remplacement des personnages le plus puissants de la scène: la pareja real reflété dans le miroir. Braun-Vega es contemporáneo del poder representado en el espejo a través de dos personajes: el papa Juan Pablo II acompañado por su invitación al Vaticano Kurt Waldheim (visita que avait fait escándalo en 1987), el antiguo secretario general de la ONU de 1972 à 1981 dont le passé nazi ne fut pas un obstáculo para venir presidente de l'Autriche en 1986.
Mais que peuvent bien tramer ces deux femmes et tous les personnages du fond ? Manifestement liés au Fonds Monétaire International, Institution chargée desde 1944 de réguler le système monetaire de la planète, sans doute délibèrent-ils doctement sur son devenir, en particular celui des régions pudiquement nommées «en développement».
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