La pintura del Renacimiento italiano es la pintura del período que comienza a finales del siglo XIII y floreció desde principios del siglo XV hasta finales del siglo XVI, ocurriendo en la Península Italiana , que en ese momento estaba dividida en muchos estados políticos, algunos independientes pero otros controlados por gobiernos externos. potestades. Los pintores de la Italia del Renacimiento, aunque a menudo estaban vinculados a cortes particulares y con lealtades a ciudades particulares, vagaron a lo largo y ancho de Italia, ocupando a menudo un estatus diplomático y difundiendo ideas artísticas y filosóficas. [1]
La ciudad de Florencia en Toscana es reconocida como la cuna del Renacimiento , y en particular de la pintura renacentista, aunque más tarde Roma y Venecia asumieron una importancia cada vez mayor en la pintura. En los artículos complementarios se proporciona información detallada sobre el arte renacentista y la arquitectura renacentista . La pintura del Renacimiento italiano se divide con mayor frecuencia en cuatro períodos: el Protorrenacimiento (1300-1425), el Renacimiento temprano (1425-1495), el Alto Renacimiento (1495-1520) y el Manierismo (1520-1600). Las fechas de estos períodos representan la tendencia general de la pintura italiana y no cubren a todos los pintores, ya que las vidas de los artistas individuales y sus estilos personales se superpusieron a estos períodos.
El Protorrenacimiento comienza con la vida profesional del pintor Giotto e incluye a Taddeo Gaddi , Orcagna y Altichiero . El estilo del Renacimiento temprano fue iniciado por Masaccio y luego desarrollado por Fra Angelico , Paolo Uccello , Piero della Francesca , Sandro Botticelli , Verrocchio , Domenico Ghirlandaio y Giovanni Bellini . El período del Alto Renacimiento fue el de Leonardo da Vinci , Miguel Ángel , Rafael , Andrea del Sarto , Coreggio , Giorgione , estas últimas obras de Giovanni Bellini y Tiziano . El período manierista, tratado en un artículo aparte, incluyó las últimas obras de Miguel Ángel, así como Pontormo , Parmigianino , Bronzino y Tintoretto .
Las influencias sobre el desarrollo de la pintura renacentista en Italia son las que también afectaron a la arquitectura, la ingeniería, la filosofía, la lengua, la literatura, las ciencias naturales, la política, la ética, la teología y otros aspectos de la sociedad italiana durante el período del Renacimiento . A continuación se presenta un resumen de los puntos tratados más detalladamente en los principales artículos citados anteriormente.
Se pusieron a disposición una serie de textos clásicos, que los estudiosos de Europa occidental se habían perdido durante siglos. Estos incluían Filosofía, Poesía, Drama, Ciencias, una tesis sobre las Artes y la Teología Cristiana Primitiva. El interés resultante por la filosofía humanista significó que la relación del hombre con la humanidad, el universo y con Dios ya no fuera competencia exclusiva de la Iglesia. El renovado interés por los clásicos provocó el primer estudio arqueológico de restos romanos por parte del arquitecto Brunelleschi y el escultor Donatello . El resurgimiento de un estilo arquitectónico basado en precedentes clásicos inspiró un clasicismo correspondiente en la pintura, que se manifestó ya en la década de 1420 en las pinturas de Masaccio y Paolo Uccello .
Simultáneamente con el acceso a los textos clásicos, Europa obtuvo acceso a las matemáticas avanzadas que tenían su origen en las obras de los eruditos bizantinos e islámicos. La llegada de la imprenta de tipos móviles en el siglo XV significó que las ideas podían difundirse fácilmente y se escribió un número cada vez mayor de libros para un público amplio. El desarrollo de la pintura al óleo y su introducción en Italia tuvo efectos duraderos en el arte de la pintura.
El establecimiento del Banco Medici y el posterior comercio que generó trajeron una riqueza sin precedentes a una sola ciudad italiana: Florencia . Cosme de' Medici estableció un nuevo estándar para el patrocinio de las artes, no asociadas con la iglesia o la monarquía. La fortuita presencia en la región de Florencia de ciertos individuos de genio artístico, en particular Giotto , Masaccio , Brunelleschi, Piero della Francesca , Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , formó un espíritu que apoyó y alentó a muchos artistas menores a lograr trabajos de extraordinaria calidad. [2]
Una herencia similar de logros artísticos se produjo en Venecia a través de la talentosa familia Bellini , sus influyentes parientes Mantegna , Giorgione , Tiziano y Tintoretto . [2] [3] [4]
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Gran parte de la pintura del Renacimiento fue encargada por o para la Iglesia Católica . Estas obras eran a menudo de gran escala y frecuentemente eran ciclos pintados al fresco de la Vida de Cristo , la Vida de la Virgen o la vida de un santo, particularmente San Francisco de Asís . También hubo numerosas pinturas alegóricas sobre el tema de la Salvación y el papel de la Iglesia en su consecución. Las iglesias también encargaron retablos , que fueron pintados al temple sobre tabla y posteriormente al óleo sobre lienzo . Además de los grandes retablos, se produjeron en gran número pequeños cuadros devocionales, tanto para iglesias como para particulares, siendo el tema más común la Virgen y el Niño .
A lo largo del período también fueron importantes las comisiones cívicas. Los edificios del gobierno local estaban decorados con frescos y otras obras tanto seculares, como La alegoría del buen y mal gobierno de Ambrogio Lorenzetti , como religiosas, como el fresco de la Maestà de Simone Martini , en el Palazzo Pubblico , Siena .
Los retratos eran poco comunes en el siglo XIV y principios del XV, en su mayoría limitados a cuadros conmemorativos cívicos como los retratos ecuestres de Guidoriccio da Fogliano de Simone Martini , 1327, en Siena y, de principios del siglo XV, John Hawkwood de Uccello en la Catedral de Florencia y su compañero interpreta a Niccolò da Tolentino de Andrea del Castagno .
Durante el siglo XV, los retratos se volvieron comunes, inicialmente a menudo retratos de perfil formalizados, pero cada vez más retratos de tres cuartos de rostro y hasta el busto. En las escenas a menudo se incluían mecenas de obras de arte como retablos y ciclos de frescos, siendo un ejemplo notable la inclusión de las familias Sassetti y Medici en el ciclo de Domenico Ghirlandaio en la Capilla Sassetti . El retrato se convertiría en un tema importante para los pintores del Alto Renacimiento como Rafael y Tiziano y continuaría en el período manierista en obras de artistas como Bronzino .
Con el crecimiento del Humanismo , los artistas recurrieron a temas clásicos, particularmente para cumplir encargos para la decoración de las casas de mecenas ricos, siendo el más conocido El nacimiento de Venus de Botticelli para los Medici. Cada vez más, se consideraba que los temas clásicos proporcionaban material alegórico adecuado para los encargos cívicos. El humanismo también influyó en la forma en que se representaban los temas religiosos, especialmente en el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel .
Otros motivos fueron extraídos de la vida contemporánea, a veces con significado alegórico, otras veces puramente decorativos. Los incidentes importantes para una familia en particular podrían registrarse como los de la Camera degli Sposi que Mantegna pintó para la familia Gonzaga en Mantua . Se pintaron cada vez más bodegones y escenas decorativas de la vida, como el Concierto de Lorenzo Costa de alrededor de 1490.
A menudo se registraban o conmemoraban acontecimientos importantes en pinturas como la Batalla de San Romano de Uccello , al igual que importantes festivales religiosos locales. La historia y los personajes históricos a menudo se representaban de una manera que reflejaba acontecimientos actuales o la vida de las personas actuales. A menudo se pintaban retratos de contemporáneos disfrazados de personajes de la historia o la literatura. Los escritos de Dante , La Leyenda Dorada de Voragine y El Decamerón de Boccaccio fueron importantes fuentes de temas.
En todos estos temas, y en las obras de casi todos los pintores, se fueron desarrollando cada vez más ciertas prácticas pictóricas subyacentes: la observación de la naturaleza, el estudio de la anatomía, la luz y la perspectiva. [2] [3] [5]
El arte de la región de la Toscana a finales del siglo XIII estuvo dominado por dos maestros del estilo italo-bizantino , Cimabue de Florencia y Duccio de Siena . Sus encargos fueron en su mayoría pinturas religiosas, varios de ellos retablos muy grandes que mostraban a la Virgen y el Niño. Estos dos pintores, con sus contemporáneos, Guido de Siena , Coppo di Marcovaldo y el misterioso pintor en cuyo estilo pudo haberse basado la escuela, el llamado Maestro de San Bernardino, trabajaron todos de una manera altamente formalizada y dependiente de la antigua tradición de la pintura de iconos. [6] En estas pinturas al temple , muchos de los detalles estaban rígidamente fijados por el tema, la posición precisa de las manos de la Virgen y el Niño Jesús, por ejemplo, estaba dictada por la naturaleza de la bendición que la pintura invocaba sobre el espectador. . El ángulo de la cabeza y los hombros de la Virgen, los pliegues de su velo y las líneas con las que se definían sus rasgos se habían repetido en innumerables pinturas de este tipo. Cimabue y Duccio dieron pasos en dirección a un mayor naturalismo, al igual que su contemporáneo Pietro Cavallini de Roma. [2]
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Giotto (1266-1337), tradicionalmente un pastorcillo de las colinas al norte de Florencia, se convirtió en aprendiz de Cimabue y emergió como el pintor más destacado de su tiempo. [7] Giotto, posiblemente influenciado por Pietro Cavallini y otros pintores romanos, no basó las figuras que pintó en ninguna tradición pictórica, sino en la observación de la vida. A diferencia de las de sus contemporáneos bizantinos, las figuras de Giotto son sólidamente tridimensionales; se paran directamente en el suelo, tienen una anatomía discernible y están vestidos con prendas con peso y estructura. Pero más que nada, lo que distingue a las figuras de Giotto de las de sus contemporáneos son sus emociones. En los rostros de las figuras de Giotto hay alegría, rabia, desesperación, vergüenza, despecho y amor. El ciclo de frescos de la Vida de Cristo y la Vida de la Virgen que pintó en la Capilla de los Scrovegni de Padua estableció un nuevo estándar para las imágenes narrativas. Su Madonna Ognissanti cuelga en la Galería de los Uffizi de Florencia, en la misma sala que la Madonna Santa Trinita de Cimabue y la Madonna Ruccellai de Duccio , donde se pueden hacer fácilmente comparaciones estilísticas entre las tres. [8] Una de las características evidentes en el trabajo de Giotto es su observación de la perspectiva naturalista. Se le considera el heraldo del Renacimiento. [9]
Giotto tuvo varios contemporáneos que fueron formados e influenciados por él, o cuya observación de la naturaleza los había llevado en una dirección similar. Aunque varios de los alumnos de Giotto asimilaron la dirección que había tomado su obra, ninguno llegó a tener tanto éxito como él. Taddeo Gaddi realizó la primera pintura de gran tamaño de una escena nocturna en una Anunciación a los Pastores en la Capilla Baroncelli de la Iglesia de Santa Croce, Florencia. [2]
Las pinturas de la Iglesia Superior de la Basílica de San Francisco, Asís , son ejemplos de pintura naturalista de la época, a menudo atribuidas al propio Giotto, pero más probablemente obra de artistas que rodeaban a Pietro Cavallini . [9] Una pintura tardía de Cimabue en la Iglesia Inferior de Asís, de la Virgen y San Francisco , también muestra claramente un mayor naturalismo que sus pinturas sobre paneles y los restos de sus frescos anteriores en la iglesia superior.
Un tema común en la decoración de las iglesias medievales fue el Juicio Final , que en las iglesias del norte de Europa ocupa con frecuencia un espacio escultórico sobre la puerta oeste, pero en iglesias italianas como la Capilla de los Scrovegni de Giotto está pintado en la pared interior oeste. La peste negra de 1348 hizo que sus supervivientes se centraran en la necesidad de afrontar la muerte en un estado de penitencia y absolución. La inevitabilidad de la muerte, las recompensas para el penitente y las penas del pecado se enfatizaron en una serie de frescos, notables por sus sombrías representaciones del sufrimiento y sus imágenes surrealistas de los tormentos del infierno .
Estos incluyen el Triunfo de la Muerte del alumno de Giotto, Orcagna , ahora en estado fragmentario en el Museo de Santa Croce, y el Triunfo de la Muerte en el Camposanto Monumentale de Pisa , de un pintor desconocido, tal vez Francesco Traini o Buonamico Buffalmacco, que trabajaron en el otro. tres de una serie de frescos sobre el tema de la Salvación. Se desconoce exactamente cuándo se comenzaron a realizar estos frescos, pero en general se supone que son posteriores a 1348. [2]
Dos importantes pintores de frescos estuvieron activos en Padua a finales del siglo XIV, Altichiero y Giusto de' Menabuoi . La obra maestra de Giusto, la decoración del Baptisterio de Padua , sigue el tema de la Creación, Caída y Salvación de la humanidad, y también tiene un raro ciclo de Apocalipsis en el pequeño presbiterio. Si bien toda la obra es excepcional por su amplitud, calidad y estado intacto, el tratamiento de las emociones humanas es conservador en comparación con el de la Crucifixión de Altichiero en la Basílica de San Antonio , también en Padua. La obra de Giusto se basa en gestos formalizados, donde Altichiero relata los incidentes que rodearon la muerte de Cristo con gran dramatismo e intensidad humanos. [10]
En Florencia, en la Capilla Española de Santa María Novella , Andrea di Bonaiuto recibió el encargo de enfatizar el papel de la Iglesia en el proceso redentor, y el de la Orden Dominicana en particular. Su fresco Alegoría de la Iglesia Activa y Triunfante destaca por su representación de la Catedral de Florencia , completa con la cúpula que no se construyó hasta el siglo siguiente. [2]
A finales del siglo XIV, el gótico internacional fue el estilo que dominó la pintura toscana. Se puede ver hasta cierto punto en la obra de Pietro y Ambrogio Lorenzetti, que está marcada por una dulzura y gracia formalizadas en las figuras, y una gracia del gótico tardío en las cortinas. El estilo está plenamente desarrollado en las obras de Simone Martini y Gentile da Fabriano , que tienen una elegancia y una riqueza de detalles, y una calidad idealizada que no es compatible con las crudas realidades de las pinturas de Giotto. [2]
A principios del siglo XV, las pinturas de Fra Angelico , que cierran la brecha entre el gótico internacional y el Renacimiento , muchas de las cuales, al ser retablos al temple, muestran el amor gótico por la elaboración, el pan de oro y los colores brillantes. Es en los frescos de su convento de Sant' Marco donde Fra Angelico se muestra como discípulo artístico de Giotto. Estas pinturas devocionales, que adornan las celdas y pasillos que habitaban los frailes, representan episodios de la vida de Jesús , siendo muchos de ellos escenas de la Crucifixión . Son absolutamente simples, de color sobrio y de humor intenso, ya que el artista buscaba hacer de las revelaciones espirituales una realidad visual. [2] [11]
Las primeras imágenes verdaderamente renacentistas de Florencia datan de 1401, aunque no son pinturas. Ese año se celebró un concurso entre siete jóvenes artistas para seleccionar al artista que crearía un par de puertas de bronce para el Baptisterio de Florencia , la iglesia más antigua que queda en la ciudad. Cada uno de los competidores debía diseñar un panel de bronce de forma y tamaño similar, que representara el Sacrificio de Isaac .
Se conservan dos de los paneles del concurso, los de Lorenzo Ghiberti y Brunelleschi . Cada panel muestra algunos motivos fuertemente clasicistas que indican la dirección que tomaban el arte y la filosofía en ese momento. Ghiberti utilizó la figura desnuda de Isaac para crear una pequeña escultura de estilo clásico. La figura está arrodillada sobre una tumba decorada con volutas de acanto que también son una referencia al arte de la Antigua Roma. En el panel de Brunelleschi, una de las figuras adicionales incluidas en la escena recuerda a una conocida figura romana de bronce de un niño que se saca una espina del pie. La creación de Brunelleschi es desafiante por su intensidad dinámica. Menos elegante que el de Ghiberti, trata más sobre el drama humano y la tragedia inminente. [12]
Ghiberti ganó el concurso. Su primer juego de puertas del Baptisterio tardó 27 años en completarse, tras lo cual recibió el encargo de hacer otro. En los 50 años que Ghiberti trabajó en ellas, las puertas sirvieron de campo de entrenamiento para muchos de los artistas de Florencia. Al ser un tema narrativo y emplear no sólo la habilidad para organizar composiciones figurativas sino también la floreciente habilidad de la perspectiva lineal , las puertas iban a tener una enorme influencia en el desarrollo del arte pictórico florentino.
Los primeros frescos o pinturas del Renacimiento temprano se iniciaron en 1425, cuando dos artistas comenzaron a pintar un ciclo de frescos de la Vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la Iglesia Carmelita de Florencia. Ambos fueron llamados con el nombre de Tommaso y fueron apodados Masaccio y Masolino , Slovenly Tom y Little Tom.
Más que cualquier otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones de la obra de Giotto. Continuó la práctica de la pintura a partir del natural. Sus frescos demuestran una comprensión de la anatomía, del escorzo, de la perspectiva lineal, de la luz y del estudio de las cortinas. En la Capilla Brancacci , su fresco Tribute Money tiene un único punto de fuga y utiliza un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad para transmitir una calidad tridimensional a la obra. Además, las figuras de Adán y Eva expulsados del Edén , pintadas en el lateral del arco de la capilla, son famosas por su representación realista de la forma humana y de las emociones humanas. Contrastan con las tiernas y bonitas figuras pintadas por Masolino en el lado opuesto de Adán y Eva recibiendo el fruto prohibido . La pintura de la Capilla Brancacci quedó incompleta cuando Masaccio murió a los 26 años en 1428. Masolino completó el Tribute Money , mientras que el resto del trabajo en la capilla lo terminó Filippino Lippi en la década de 1480. La obra de Masaccio se convirtió en fuente de inspiración para muchos pintores posteriores, incluidos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel . [13]
Durante la primera mitad del siglo XV, lograr el efecto de espacio realista en una pintura mediante el empleo de la perspectiva lineal fue una de las principales preocupaciones de muchos pintores, así como de los arquitectos Brunelleschi y Alberti , quienes teorizaron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi realizó una serie de estudios cuidadosos de la plaza y el baptisterio octogonal fuera de la Catedral de Florencia y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famoso nicho trompe-l'œil alrededor de la Santísima Trinidad que pintó en Santa Maria Novella . [13]
Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que pensó en poco más y experimentó con ella en muchas pinturas, siendo las más conocidas las tres pinturas de La Batalla de San Romano (terminadas en la década de 1450) que utilizan armas rotas en el suelo. y campos en las colinas distantes para dar una impresión de perspectiva.
En la década de 1450 Piero della Francesca , en cuadros como La flagelación de Cristo , demostró su dominio de la perspectiva lineal y también de la ciencia de la luz. Existe otra pintura, un paisaje urbano, de un artista desconocido, quizás Piero della Francesca, que demuestra el tipo de experimento que había estado realizando Brunelleschi. A partir de esta época se entendió y empleó regularmente la perspectiva lineal, como lo hizo Perugino en su Cristo entregando las llaves a San Pedro (1481-1482) en la Capilla Sixtina . [12]
Giotto utilizó la tonalidad para crear forma. Taddeo Gaddi en su escena nocturna en la Capilla Baroncelli demostró cómo se puede utilizar la luz para crear dramatismo. Paolo Uccello , cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos casi monocromáticos. Hizo varios de ellos en terra verde ("tierra verde"), animando sus composiciones con toques de bermellón. El más conocido es su retrato ecuestre de John Hawkwood en el muro de la Catedral de Florencia . Tanto aquí como en las cuatro cabezas de profetas que pintó alrededor de la esfera interior del reloj de la catedral, utilizó tonos fuertemente contrastantes, sugiriendo que cada figura estaba siendo iluminada por una fuente de luz natural, como si la fuente fuera una ventana real en el catedral. [14]
Piero della Francesca amplió su estudio de la luz. En la Flagelación demuestra conocimiento de cómo la luz se difunde proporcionalmente desde su punto de origen. Hay dos fuentes de luz en esta pintura, una interna a un edificio y otra externa. De la fuente interna, aunque la luz en sí es invisible, su posición se puede calcular con certeza matemática. Leonardo da Vinci continuaría el trabajo de Piero sobre la luz. [15]
La Virgen María , venerada por la Iglesia católica en todo el mundo, fue especialmente evocada en Florencia, donde había una imagen milagrosa de ella en una columna del mercado del maíz y donde se encontraban tanto la Catedral de "Nuestra Señora de las Flores" como la gran iglesia dominicana. de Santa Maria Novella fueron nombrados en su honor.
La imagen milagrosa del mercado del maíz fue destruida por el fuego, pero reemplazada por una nueva imagen en la década de 1330 de Bernardo Daddi , colocada en un dosel elaboradamente diseñado y lujosamente forjado por Orcagna . La planta baja abierta del edificio fue cerrada y dedicada como Orsanmichele .
Las representaciones de la Virgen y el Niño eran una forma de arte muy popular en Florencia. Adoptaron todas las formas, desde pequeñas placas de terracota producidas en masa hasta magníficos retablos como los de Cimabue , Giotto y Masaccio .
En el siglo XV y la primera mitad del XVI, un taller más que ningún otro dominaba la producción de Madonnas. Eran la familia della Robbia y no eran pintores sino modeladores de arcilla. Luca della Robbia , famoso por su galería cantoria en la catedral, fue el primer escultor que utilizó terracota vidriada para grandes esculturas. Muchas de las obras duraderas de esta familia han sobrevivido. La habilidad de los della Robbias, particularmente de Andrea della Robbia , fue dar un gran naturalismo a los bebés que modelaban como Jesús , y expresiones de gran piedad y dulzura a la Virgen. Debían establecer un estándar que sería emulado por otros artistas de Florencia.
Entre los que pintaron vírgenes devotas durante el Renacimiento temprano se encuentran Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio y Davide Ghirlandaio . La costumbre fue continuada por Botticelli, quien produjo una serie de Madonnas durante un período de veinte años para los Medici ; Perugino , cuyas Vírgenes y santos son conocidos por su dulzura y Leonardo da Vinci , de quien han sobrevivido varias Vírgenes pequeñas atribuidas, como la Virgen Benois . Incluso Miguel Ángel , que era principalmente escultor, se dejó convencer para pintar los Doni Tondo , mientras que para Rafael se encuentran entre sus obras más populares y numerosas.
Uno de los pintores más influyentes del norte de Italia fue Andrea Mantegna de Padua , quien tuvo la suerte de encontrarse en su adolescencia en la época en la que trabajaba allí el gran escultor florentino Donatello . Donatello creó el enorme bronce ecuestre, el primero desde el Imperio Romano, del condotiero Gattemelata , todavía visible en su pedestal en la plaza exterior de la Basílica de San Antonio . También trabajó en el altar mayor y creó una serie de paneles de bronce en los que logró una notable ilusión de profundidad, con perspectiva en los entornos arquitectónicos y aparente redondez de la forma humana, todo en un relieve muy superficial.
Con sólo 17 años, Mantegna aceptó su primer encargo, ciclos de frescos de las Vidas de los Santos Santiago y Cristóbal para la Capilla Ovetari en el crucero de la iglesia de los Eremitani , cerca de la Capilla de los Scrovegni en Padua. Desafortunadamente, el edificio fue destruido en su mayor parte durante la Segunda Guerra Mundial, y sólo se conoce de él gracias a fotografías que revelan un sentido de la perspectiva ya muy desarrollado y un conocimiento de la antigüedad, por lo que la antigua Universidad de Padua se hizo famosa a principios del siglo XV. siglo. [16] La última obra de Mantegna en Padua fue un retablo monumental de San Zeno , creado para el abad de la Basílica de San Zeno , Verona , de 1457 a 1459. [17] Este políptico cuyos paneles de predela son particularmente notables por el manejo del paisaje. elementos, iba a influir en el desarrollo posterior del arte renacentista en el norte de Italia. [17] [18]
La obra más famosa de Mantegna es la decoración interior de la Camera degli Sposi en el palacio ducal de Mantua , fechada alrededor de 1470. Las paredes están decoradas con frescos con escenas de la vida de la familia Gonzaga , hablando, saludando a un hijo menor y a su tutor a su regreso. desde Roma, preparándose para una cacería y otras escenas similares que no hacen ninguna referencia obvia a cuestiones históricas, literarias, filosóficas o religiosas. Se destacan por tratar simplemente de la vida familiar. La única concesión es la dispersión de alegres amorcillos alados , que sostienen placas y guirnaldas y trepan a la ilusionista balaustrada perforada que rodea una vista trompe-l'œil del cielo que adorna el techo de la cámara. [12] El principal legado de Mantegna se considera la introducción del ilusionismo espacial, llevado a cabo mediante un dominio de la perspectiva, tanto en los frescos como en las pinturas sacra conversazione : su tradición de decoración de techos se siguió durante casi tres siglos.
En 1442 Alfonso V de Aragón se convirtió en gobernante de Nápoles , trayendo consigo una colección de pinturas flamencas y estableciendo una Academia Humanista . Antonello da Messina parece haber tenido acceso a la colección del Rey, que pudo haber incluido las obras de Jan van Eyck . [19] Evidencias recientes indican que Antonello probablemente estuvo en contacto con el seguidor más consumado de Van Eyck, Petrus Christus , en Milán a principios de 1456 y probablemente aprendió las técnicas de la pintura al óleo, incluida la pintura de detalles casi microscópicos y diminutas gradaciones de luz, directamente de Christus. . [20] Además, las expresiones más tranquilas de sus obras en los rostros de las personas y la calma en la composición general de las obras también parecen ser una influencia holandesa. [21] Antonello fue a Venecia en 1475 y permaneció allí hasta el otoño de 1476, por lo que es probable que Antonello transmitiera las técnicas de uso de pinturas al óleo, [22] pintar la gradación de la luz y los principios de la calma a los pintores venecianos . incluido Giovanni Bellini, uno de los pintores más importantes del Alto Renacimiento en el norte de Italia, durante esa visita. [23] [2] [16]
Antonello pintó en su mayoría pequeños retratos meticulosos en colores brillantes. Pero una de sus obras más famosas, San Jerónimo en su estudio , demuestra su habilidad superior en el manejo de la perspectiva lineal y la luz. La composición del pequeño cuadro está enmarcada por un arco tardogótico, a través del cual se contempla un interior, doméstico por un lado y eclesiástico por el otro, en cuyo centro el santo está sentado en un corral de madera rodeado de sus posesiones mientras su león merodea en las sombras del suelo. La forma en que la luz entra a través de cada puerta y ventana, proyectando luz tanto natural como reflejada en la arquitectura y en todos los objetos, habría entusiasmado a Piero della Francesca . [2] [16]
En Florencia, a finales del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso aquellas que se realizaban como decoración de iglesias, generalmente eran encargadas y pagadas por mecenas privados. Gran parte del patrocinio provino de la familia Medici , o de aquellos que estaban estrechamente asociados o relacionados con ellos, como los Sassetti, los Ruccellai y los Tornabuoni.
En la década de 1460, Cosme de' Medici había establecido a Marsilio Ficino como su filósofo humanista residente y facilitó su traducción de Platón y su enseñanza de la filosofía platónica , que se centraba en la humanidad como centro del universo natural, en la relación personal de cada persona con Dios. , y sobre el amor fraterno o "platónico" como lo más cerca que una persona puede llegar de emular o comprender el amor de Dios. [24]
En la época medieval , todo lo relacionado con la época clásica se percibía asociado al paganismo. En el Renacimiento llegó a asociarse cada vez más con la ilustración . Las figuras de la mitología clásica comenzaron a adquirir un nuevo papel simbólico en el arte cristiano y en particular, la Diosa Venus adquirió una nueva discreción. Nacida plenamente formada, por una especie de milagro, fue la nueva Eva , símbolo del amor inocente, o incluso, por extensión, símbolo de la propia Virgen María . Vemos a Venus en ambos roles en las dos famosas pinturas al temple que Botticelli hizo en la década de 1480 para el sobrino de Cosme, Pierfrancesco de' Medici , la Primavera y el Nacimiento de Venus . [25]
Mientras tanto, Domenico Ghirlandaio , un dibujante meticuloso y preciso y uno de los mejores retratistas de su época, ejecutó dos ciclos de frescos para los asociados de los Medici en dos de las iglesias más grandes de Florencia, la Capilla Sassetti en Santa Trinita y la Capilla Tornabuoni en Santa Maria Novella. . En estos ciclos de la Vida de San Francisco y la Vida de la Virgen María y la Vida de Juan Bautista había espacio para retratos de mecenas y de los mecenas de los mecenas. Gracias al mecenazgo de Sassetti, hay un retrato del hombre mismo, con su empleador, Lorenzo il Magnifico , y de los tres hijos de Lorenzo con su tutor, el poeta y filósofo humanista Agnolo Poliziano . En la Capilla Tornabuoni hay otro retrato de Poliziano, acompañado por otros miembros influyentes de la Academia Platónica, incluido Marsilio Ficino. [24]
Aproximadamente desde 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden y posiblemente antes, los artistas conocieron el medio de la pintura al óleo . Mientras que tanto la tempera como el fresco se prestaban a la representación de patrones, ninguno de los dos presentaba una manera exitosa de representar texturas naturales de manera realista. El medio altamente flexible de los óleos, que podía hacerse opaco o transparente y permitía modificaciones y adiciones durante días después de su colocación, abrió un nuevo mundo de posibilidades para los artistas italianos.
En 1483 llegó a Florencia el enorme retablo de la Adoración de los Pastores pintado por Hugo van der Goes . Pintado ya en 1475 a instancias de la familia Portinari, fue enviado desde Brujas e instalado en la Capilla de Sant' Egidio en el hospital de Santa Maria Nuova. El retablo brilla con intensos rojos y verdes, contrastando con las brillantes túnicas de terciopelo negro de los donantes de Portinari. En primer plano hay un bodegón de flores en recipientes contrastantes, uno de cerámica vidriada y el otro de vidrio. El jarrón de cristal por sí solo era suficiente para llamar la atención. Pero el aspecto más influyente del tríptico fue la calidad extremadamente natural y realista de los tres pastores con barbas cortas, manos cansadas y expresiones que iban desde la adoración hasta el asombro y la incomprensión. Domenico Ghirlandaio rápidamente pintó su propia versión, con una hermosa Virgen italiana en lugar de la flamenca de rostro alargado, y él mismo, gesticulando teatralmente, como uno de los pastores. [12]
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En 1477 , el Papa Sixto IV reemplazó la antigua capilla abandonada del Vaticano en la que se celebraban muchos de los servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planeado desde el principio para tener una serie de 16 grandes frescos entre sus pilastras en el nivel medio, con una serie de retratos pintados de papas encima de ellos.
En 1480, se encargó la obra a un grupo de artistas de Florencia: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli . Este ciclo de frescos debía representar Historias de la vida de Moisés en un lado de la capilla y Historias de la vida de Cristo en el otro, con los frescos complementándose entre sí en cuanto a temas. En la pared detrás del altar se encontraban adyacentes la Natividad de Jesús y el Hallazgo de Moisés , entre ellos un retablo de la Asunción de la Virgen . Estos cuadros, todos de Perugino, fueron posteriormente destruidos para pintar El Juicio Final de Miguel Ángel . Las 12 imágenes restantes indican el virtuosismo que habían alcanzado estos artistas y la evidente cooperación entre individuos que normalmente empleaban estilos y habilidades muy diferentes. Las pinturas daban toda su gama a sus capacidades, ya que incluían una gran cantidad de figuras de hombres, mujeres y niños y personajes que iban desde ángeles guía hasta faraones enfurecidos y el mismo diablo. Cada cuadro requería un paisaje . Debido a la escala de las figuras que acordaron los artistas, en cada cuadro, el paisaje y el cielo ocupan toda la mitad superior de la escena. A veces, como en la escena de Botticelli de La purificación del leproso , hay pequeñas narraciones adicionales que tienen lugar en el paisaje, en este caso Las tentaciones de Cristo .
La escena de Perugino de Cristo entregando las llaves a San Pedro destaca por la claridad y sencillez de su composición, la belleza de la pintura figurativa, que incluye un autorretrato entre los espectadores, y especialmente la perspectiva del paisaje urbano que incluye referencias a El ministerio de Pedro en Roma por la presencia de dos arcos de triunfo , y en el centro colocó un edificio octogonal que podría ser un baptisterio cristiano o un mausoleo romano . [26]
El Alto Renacimiento de la pintura fue la culminación de los variados medios de expresión [27] y diversos avances en la técnica pictórica, como la perspectiva lineal, [28] la representación realista de rasgos tanto físicos [29] como psicológicos, [30] y la manipulación de la luz y la oscuridad, incluido el contraste de tonos, el sfumato (suavizando la transición entre colores) y el claroscuro (contraste entre la luz y la oscuridad), [31] en un único estilo unificador [32] que expresaba total orden compositivo, equilibrio y armonía. [33] Según Marcia Hall , cangiante y lo que ella llama unione se pueden agregar al claroscuro y al sfumato para crear cuatro estilos de pintura específicos en el Alto Renacimiento; [34] Estos ahora se agrupan a veces como los "modos de pintura canónicos" del período. [35]
En particular, las partes individuales de la pintura tenían una relación compleja pero equilibrada y bien unida con un todo dinámico. [36] La pintura del Alto Renacimiento se considera el cenit absoluto de la pintura occidental [37] y logró el equilibrio y la reconciliación, en armonía, de posiciones artísticas contradictorias y aparentemente mutuamente excluyentes, como lo real versus lo ideal, el movimiento versus el reposo, libertad versus ley, espacio versus plano y línea versus color. [38]
La mayoría de los historiadores del arte afirman que el Alto Renacimiento comenzó alrededor de 1495 o 1500 [39] y terminó en 1520 con la muerte de Rafael , [40] aunque algunos dicen que el Alto Renacimiento terminó alrededor de 1525 [41] o en 1527 con el saqueo de Roma por el ejército de Carlos V, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico , [42] o alrededor de 1530. [43] Muchos citan La Última Cena de Leonardo da Vinci , iniciada en 1495 y terminada en 1498, como la primera obra del Alto Renacimiento. [44] En su libro, Una historia del arte: pintura, escultura y arquitectura , Frederick Hartt afirma que 1520 a 1530 fue un período de transición entre el Alto Renacimiento y el Manierismo. El Alto Renacimiento estuvo dominado por tres pintores: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael; mientras que Giovanni Bellini, Giorgione y Tiziano fueron los líderes de la pintura veneciana del Alto Renacimiento, siendo Correggio y Andrea del Sarto otros pintores importantes del estilo del Alto Renacimiento.
Leonardo (1452-1519) pasó sus años de formación entrenándose en el taller florentino de Verrocchio antes de trasladarse a Milán, donde trabajó de 1482 a 1499 antes de regresar a Florencia de 1500 a 1506. Debido al alcance de sus intereses y al extraordinario grado de talento que demostró en tan diversas áreas, se le considera el arquetipo del " hombre del Renacimiento ". Pero fue ante todo como pintor lo que fue admirado en su época, y como pintor, aprovechó los conocimientos que adquirió en sus otros intereses. Leonardo era un observador científico. Aprendió mirando las cosas. Estudió y dibujó las flores de los campos, los remolinos del río, la forma de las rocas y las montañas, la forma en que la luz se reflejaba en el follaje y brillaba en una joya. En particular, estudió la forma humana, diseccionando treinta o más cadáveres no reclamados de un hospital para comprender los músculos y tendones.
Leonardo alcanzó un grado de realismo en la expresión de las emociones humanas, prefigurado por Giotto pero desconocido desde Adán y Eva de Masaccio . La Última Cena de Leonardo , pintada de 1495 a 1498 en el refectorio del convento de Santa María delle Grazie (Milán) , se convirtió en el referente de la pintura narrativa religiosa durante el siguiente medio milenio. Muchos otros artistas del Renacimiento pintaron versiones de la Última Cena , pero sólo la de Leonardo estuvo destinada a ser reproducida innumerables veces en madera, alabastro, yeso, litografía, tapiz, crochet y alfombras de mesa.
Más que cualquier otro artista, avanzó en el estudio y la pintura de la "atmósfera". En sus pinturas como La Mona Lisa ( c. 1503-1517 ) y La Virgen de las Rocas (1483-1486) (la primera obra completa realizada totalmente a mano), utilizó luces y sombras con tal sutileza que, a falta de una Mejor dicho, llegó a ser conocido como el sfumato o "humo" de Leonardo. Mostró un uso revolucionario del color al definir la transición entre figuras mediante modulación de color en lugar de líneas reales. [45] Su trabajo invitaba al espectador a un mundo misterioso de sombras cambiantes, montañas caóticas y torrentes arremolinados. Otra obra importante de Leonardo fue La Virgen y el Niño con Santa Ana ( c. 1503-1519 ); la calidad tridimensional monumental del grupo y los efectos calculados de dinamismo y tensión en la composición lo convirtieron en un modelo que inspiró a clasicistas y manieristas en igual medida. [46] Aparte del impacto directo de las obras en sí, los estudios de Leonardo sobre la luz, la anatomía, el paisaje y la expresión humana se difundieron en parte a través de su generosidad hacia un séquito de estudiantes. [47]
En 1508, el Papa Julio II logró que el escultor florentino Miguel Ángel (1475-1564) aceptara continuar el esquema decorativo de la Capilla Sixtina. El techo de la Capilla Sixtina se construyó de tal manera que había doce pechinas inclinadas que sostenían la bóveda y formaban superficies ideales para pintar a los Doce Apóstoles . Miguel Ángel pronto ideó un esquema completamente diferente, mucho más complejo tanto en diseño como en iconografía. La escala del trabajo, que ejecutó sin ayuda excepto con ayuda manual, fue titánica y tardó casi cinco años en completarse.
El plan del Papa para los Apóstoles habría formado temáticamente un vínculo pictórico entre las narrativas del Antiguo y Nuevo Testamento en las paredes, y los Papas en la galería de retratos. [26] Son los doce apóstoles , y su líder Pedro como primer obispo de Roma, quienes hacen ese puente. Pero el plan de Miguel Ángel iba en la dirección opuesta. El tema del techo de Miguel Ángel no es el gran plan de Dios para la salvación de la humanidad. El tema trata sobre la desgracia de la humanidad. Se trata de por qué la humanidad y la fe necesitaban a Jesús. [48]
Superficialmente, el techo es una construcción humanista . Las figuras son de dimensión sobrehumana y, en el caso de Adán , de tal belleza que según el biógrafo Vasari , realmente parece como si Dios mismo hubiera diseñado la figura, y no Miguel Ángel. Pero a pesar de la belleza de las figuras individuales, Miguel Ángel no ha glorificado el estado humano y ciertamente no ha presentado el ideal humanista del amor platónico . De hecho, los antepasados de Cristo, que pintó alrededor de la sección superior de la pared, demuestran todos los peores aspectos de las relaciones familiares, mostrando disfunciones en tantas formas diferentes como familias existen. [48]
Vasari elogió los aparentemente infinitos poderes de invención de Miguel Ángel al crear posturas para las figuras. Rafael , a quien Bramante le dio un avance después de que Miguel Ángel dejara el pincel y se fuera furioso a Bolonia, pintó al menos dos figuras imitando a los profetas de Miguel Ángel, una en la iglesia de Sant' Agostino y la otra en el Vaticano . su retrato del propio Miguel Ángel en La Escuela de Atenas . [26] [49] [50]
La obra posterior de Miguel Ángel, El Juicio Final , pintada en el muro del altar de la Capilla Sixtina entre 1534 y 1541, muestra un estilo manierista, con cuerpos generalmente alargados, que tomó el relevo del estilo Alto Renacimiento entre 1520 y 1530.
Junto con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , el nombre de Rafael (1483-1520) es sinónimo del Alto Renacimiento, aunque era 18 años más joven que Miguel Ángel y casi 30 más joven que Leonardo y murió a la edad de 37 años, apenas un año después de Leonardo. No se puede decir que haya hecho avanzar tanto el estado de la pintura como lo hicieron sus dos famosos contemporáneos. Más bien, su obra fue la culminación de todos los desarrollos del Alto Renacimiento.
Rafael nació hijo de un pintor, por lo que su carrera, a diferencia de la de Miguel Ángel, que era hijo de una pequeña nobleza, se decidió sin peleas. Algunos años después de la muerte de su padre trabajó en el taller de Umbría de Perugino , excelente pintor y soberbio técnico. Su primer cuadro firmado y fechado, realizado a la edad de 21 años, es Los desposorios de la Virgen , que inmediatamente revela sus orígenes en el Cristo entregando las llaves a San Pedro de Perugino . [dieciséis]
Rafael, que se mudó a Florencia en 1504 y a Roma en 1508, recurrió descaradamente a las habilidades de los pintores de renombre cuya esperanza de vida abarcó la suya. En sus obras se reúnen las cualidades individuales de numerosos pintores diferentes. Las formas redondeadas y los colores luminosos de Perugino, los retratos realistas de Ghirlandaio, el realismo y la iluminación de Leonardo y el poderoso dibujo de Miguel Ángel se unificaron en las pinturas de Rafael. En su corta vida ejecutó una serie de grandes retablos, un impresionante fresco clásico de la ninfa del mar, Galatea , destacados retratos de dos papas y un escritor famoso entre ellos y, mientras Miguel Ángel pintaba el techo de la Capilla Sixtina , una serie de murales. frescos en las Salas de Rafael del cercano Palacio Apostólico , de los cuales la Escuela de Atenas (1509-1511) en la Stanza della Segnatura es de singular importancia. Este fresco representa una reunión de todos los antiguos atenienses más eruditos, reunidos en un gran escenario clásico alrededor de la figura central de Platón , a quien Rafael ha inspirado en Leonardo da Vinci . La inquietante figura de Heráclito , sentado junto a un gran bloque de piedra, es un retrato de Miguel Ángel y es una referencia a la pintura de este último del profeta Jeremías en la Capilla Sixtina. Su propio retrato está a la derecha, junto a su maestro, Perugino. [51]
Pero la principal fuente de popularidad de Rafael no fueron sus obras principales, sino sus pequeños cuadros florentinos de la Virgen y el Niño Jesús. Una y otra vez pintó, en poses ligeramente diferentes, una mujer rubia, regordeta y de rostro tranquilo, y sus bebés regordetes; la más famosa probablemente sea La Belle Jardinière ("La Virgen del hermoso jardín"), ahora en el Louvre . Su obra más grande, la Virgen Sixtina , utilizada como diseño para innumerables vidrieras , ha llegado, en el siglo XXI, a proporcionar la imagen icónica de dos pequeños querubines que se ha reproducido en todo, desde servilletas de papel hasta paraguas. [52] [53]
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Líder de la pintura veneciana , Giovanni Bellini (1430-1516) nació un año más tarde que su hermano Gentile , su cuñado Mantegna y Antonello da Messina , pero vivió una década más que los dos primeros y casi tres décadas más que este último. Pintó hasta su muerte y sus obras ilustran varias influencias. Sus primeras obras muestran la influencia de Mantegna con líneas incisivas y colores claramente delineados, [54] mientras que después de la estancia de Messina en Venecia entre 1475 y 1476 sus obras adoptaron un realismo flamenco y colores luminosos, lo que demuestra que tuvo mucho éxito en adoptar el Técnicas de pintura al óleo traídas por Messina. [55] Primero fue maestro de Giorgione [56] y Tiziano [57] , pero luego fue influenciado por Giorgione, sobre todo al adoptar el tonalismo, en el que la pintura se aplica en capas superpuestas creando un efecto suave y difuso para que las figuras y los paisajes se vuelvan más unificados. en atmósfera. [58] [59]
Bellini se convirtió en el único gran pintor del siglo XV que cruzó el umbral del estilo del Renacimiento temprano al Alto Renacimiento con obras como Retrato del dux Leonardo Loredan (1501), [60] en la que el dux muestra una calma que Bellini probablemente aprendió de Messina. [61] y el bautismo de Cristo (1500-1502). Bellini, como Rafael , también produjo numerosas Madonnas pequeñas en ricos colores brillantes, generalmente de tonalidades más intensas que su contraparte florentina.
Tradicionalmente, en la pintura de retablos de la Virgen y el Niño , la figura entronizada de la Virgen va acompañada de santos, que se encuentran en espacios definidos, separados físicamente en forma de políptico o definidos por límites arquitectónicos pintados. Piero della Francesca utilizó la hornacina clásica como escenario para sus Vírgenes entronizadas (con santos agrupados alrededor del trono), del mismo modo que Masaccio lo había utilizado como escenario para su Santísima Trinidad en Santa María Novella .
Bellini utilizó esta misma forma, conocida como Conversaciones Sagradas , en varios de sus retablos posteriores , como el de la iglesia veneciana de San Zacarías (1505). Es una composición magistral que utiliza el tonalismo y extiende la arquitectura real del edificio a la arquitectura ilusionista del cuadro, haciendo de la hornacina una especie de logia abierta al paisaje y a la luz del día que atraviesa las figuras de la Virgen y el Niño, las dos santas y el angelito que toca la viola , lo que los hace más brillantes que San Pedro y San Jerónimo en primer plano. [62]
A pesar de la brevedad de su carrera (murió en 1510, alrededor de los 35 años) [63] y el bajo número de obras universalmente aceptadas como totalmente de su mano (tan solo cuatro o cinco), [64] a menudo se le atribuye a Giorgione el mérito de ser el fundador del estilo del Alto Renacimiento veneciano, [65] aunque diferentes estudiosos citan diferentes razones para afirmar esto.
Uno es su uso cada vez mayor de gradaciones de color y luz (modulación del color), incluido el sfumato , a menudo logrado mediante tonalismo, [58] para definir las formas de figuras y paisajes y crear una atmósfera en la que todos los componentes de la pintura estén unificados. [66] Algunos creen que esto le pudo haber sido enseñado por Leonardo da Vinci, de quien se dice que visitó Venecia en 1501. [67] En su Castelfranco Madonna , 1505, el uso de la modulación de líneas y colores está igualmente equilibrado, pero en La tempestad , C. 1510 , la modulación del color reemplaza casi por completo a la línea creando una visión artística en la que se combinan la humanidad y la naturaleza. [68] Algunos consideran La Tempestad una de las pinturas más importantes producidas en Italia, ya que los componentes se mantienen unidos por el color y hay una atmósfera de ensueño de perfecta armonía. [69] Giorgione fue el primer pintor que asignó un papel protagónico a la naturaleza, [70] y siempre que en sus cuadros aparece un paisaje, éste se convierte en parte integral del cuadro. [71]
La Virgen de Castelfranco , en comparación con el Retablo de San Zaccaria similar de Giovanni Bellini , ilustra otra innovación de Giorgione: ajustar las direcciones y posiciones de las figuras, como la lanza sostenida por San Liberale hacia la izquierda y los pliegues de la túnica de la Virgen colocados. en paralelo, para unificar más los temas. [72] Por último, las pinturas de Giorgione son siempre ambiguas en su significado y abiertas a diferentes interpretaciones. [73] En La tempestad , la mujer desnuda que alimenta a un bebé y el hombre vestido, y un relámpago, tal vez representan a Adán y Eva en sus días posteriores al Edén, o tal vez no. [74] Otro cuadro que se le atribuye, Los Tres Filósofos , puede representar a los Magos planeando su viaje en busca del niño Cristo, o puede que no. [75] Ninguna de las pinturas de Giorgione ha tenido nunca una interpretación determinada. [76]
Hasta hace poco, parecía seguro que con La Venus durmiente , 1510, Giorgione pintó el primer desnudo femenino que se erige, o mejor dicho, yace, como un tema que debe ser retratado y admirado únicamente por su belleza. Si bien durante mucho tiempo se aceptó que Tiziano terminó el paisaje de la pintura después de la muerte de Giorgione, muchos estudiosos del arte se preguntan cada vez más si Giorgione pintó el cuerpo femenino completo. [77]
Tiziano ( c. 1490 –1576) se formó en el taller de Giovanni Bellini junto a Giorgione y luego ayudó a Giorgione. [78] Tras la muerte de Giorgione, fue el monarca de la Escuela Veneciana durante más de 60 años. [79] Sus primeros trabajos muestran fuertes influencias de Bellini y Giorgione, [80] pero pronto tomó los principios de forma y color anunciados por esos dos, [81] y estableció el color, no la línea, como el principal determinante en la pintura. [82] consumando así el estilo del Alto Renacimiento veneciano. [83] Lo hizo aplicando colores de pintura en forma de pasta en parches uno al lado del otro con pinceladas sueltas y amplias. [84] Esto resaltaba la luz y el color en igual medida al mismo tiempo; [85] fue famoso en su época como el maestro de la luz y el color. [86]
Otro punto fuerte de Tiziano fue la composición de sus pinturas. [87] En la Madonna de Pesaro , 1519-1526, mueve a la Madonna desde el centro, colocándola en su lugar en el vértice superior de una poderosa línea diagonal (a diferencia de la habitual vertical u horizontal) que todavía centra la atención en la Madonna. . [88] Esta fue una de las primeras obras en agrupar figuras en una estructura circular y ascendente. [89]
Asunción de la Virgen , 1516-1518, también presenta líneas diagonales (formadas por los querubines ubicados alrededor de la Virgen), que llevan el mensaje triunfante de la pintura hacia los niveles superiores de la Iglesia de Frari en Venecia en cuyo altar se encuentra. [90] Este trabajo fue el primero en tener una sugerencia visual de movimiento; [91] Todas las obras de Tiziano tienen un nuevo dinamismo en los movimientos de las personas en comparación con los elementos estáticos de otros pintores del Alto Renacimiento. [92] La Asunción de la Virgen también presenta, como todas sus pinturas, colores brillantes, profundos y ricos debido a la aplicación de Tiziano capa tras capa de pintura, a veces de diferentes colores. [93]
Tiziano fue también el retratista más solicitado de su tiempo y llevó el retrato al mismo nivel de estima que la pintura narrativa. [94] Son muy notables el Retrato ecuestre de Carlos V , 1548, un cuadro ecuestre en una sinfonía de púrpuras, y el retrato del dux Andrea Gritti , gobernante de Venecia, quizás el retrato más poderoso de Tiziano.
A medida que Tiziano envejecía, mantuvo un estilo generalmente del Alto Renacimiento hasta sus últimos años, cuando la figura estaba casi completamente disuelta en el movimiento del color, [95] por lo que se aisló cada vez más de la corriente principal de la pintura italiana, que se había movido casi por completo hacia el manierismo. hacia 1530. [96] En muchos sentidos, Tiziano puede considerarse el fundador de la pintura moderna. [97]
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Correggio (1489-1534), que nunca visitó Roma, pero que debió ver las obras de Rafael, Miguel Ángel y Tiziano, trabajó con un estilo personal del Alto Renacimiento en Parma , en el norte de Italia. [98] Inventó el cielo abierto lleno de figuras flotantes en la cúpula de la iglesia, que se convirtió en un sello distintivo del período barroco del siglo XVII, con su Visión de San Juan Evangelista , 1520-1524, en San Giovanni Evangelista de Parma, y la Asunción . de la Virgen , 1526-1530, en la Catedral de Parma. [99] Un estudioso del arte afirma que en este último, Correggio crea una “ilusión deslumbrante: la arquitectura de la cúpula parece disolverse y la forma parece explotar a través del edificio, arrastrando al espectador hacia el remolino de santos y ángeles que se precipitan hacia él”. hacia arriba para acompañar a la Virgen hasta el cielo”. [100]
En esas cúpulas y otras obras, su audaz uso de la perspectiva, generalmente contrastando un color oscuro con colores claros para realzar la ilusión de profundidad, se describe como asombroso. [101] Su principal interés era pintar la luz y anticipa los efectos que logrará Caravaggio a principios del próximo siglo. [102] Su dominio del escorzo (haciendo que los objetos parezcan más cortos porque están en ángulo para el espectador) para crear perspectiva se describe como quizás el más hábil jamás visto. [103]
En Júpiter e Ío , 1531-1532, Correggio pintó un fuerte contraste entre la figura luminosa de Ío y las nubes suaves pero oscuras que llenaban el cielo, [104] que parecen envolver el cuerpo reluciente de Ío. [105] Correggio pudo ejecutar perfectamente el efecto difuso de las nubes, la neblina o la niebla, [106] y, junto con la modulación del color, esto infunde a sus personajes una clara sensación de ingravidez. [107] Pintó la carne de una manera delicada y voluptuosa que nunca ha sido superada, [108] y presenta un nuevo concepto de belleza femenina sólo redescubierto durante el período Rococó . [109] Correggio prefiguró muchos componentes de la pintura barroca . [110]
Andrea del Sarto (1486-1530), un florentino, se basó tanto en Miguel Ángel como en Rafael en su obra, pero fue mucho más allá de ellos en la representación de expresiones faciales y gestos, como se evidencia en La Virgen de las Arpías , 1517. [111] Su Las figuras muestran una mayor individualidad que las obras anteriores del Alto Renacimiento, sin perder nada de nobleza. [112] En la década de 1520, se mantuvo fiel a los ideales del Alto Renacimiento, como en las composiciones de pinturas, [113] y con los rostros de sus figuras generalmente tranquilos y a menudo hermosos, sin mostrar nada del tormento de su manierista. contemporáneos, [114] algunos de los cuales fueron sus alumnos. [115]
Lorenzo Lotto (1480-1556), uno de los pintores más importantes del Alto Renacimiento en Venecia, [116] también pasó un tiempo en otras áreas del norte de Italia, tal vez debido a su mayor enfoque en el detalle realista y en la línea que en el color. A la escuela veneciana, no fue muy apreciado en Venecia. [117] Si bien pintó una variedad de temas, fue un excelente retratista que tenía una capacidad superior para ver el alma de sus sujetos y retratar una profundidad de sentimiento en la pintura. [118] Por lo general, incluía otros objetos en el fondo o en el primer plano del retrato para retratar el carácter del sujeto. [119]
Las vidas de Miguel Ángel y Tiziano se extendieron hasta bien entrada la segunda mitad del siglo XVI. Ambos vieron sus estilos y los de Leonardo , Mantegna , Giovanni Bellini , Antonello da Messina y Rafael adaptados por pintores posteriores para formar un estilo dispar conocido como manierismo , y avanzar de manera constante hacia la gran efusión de imaginación y virtuosismo pictórico del período barroco .
Los artistas que más extendieron las tendencias en las grandes composiciones figurativas de Tiziano fueron Tintoretto y Veronés , aunque Tintoretto es considerado por muchos un manierista. El conocimiento de Rembrandt de las obras de Tiziano y Rafael es evidente en sus retratos. Las influencias directas de Leonardo y Rafael sobre sus propios alumnos afectaron a generaciones de artistas, incluido Poussin y escuelas de pintores clásicos de los siglos XVIII y XIX. La obra de Antonello da Messina tuvo una influencia directa en Alberto Durero y Martín Schongauer y, a través de los grabados de este último, en innumerables artistas. La influencia a través de Schongauer se pudo encontrar en las escuelas de vidrieros alemana, holandesa e inglesa , que se extendió hasta principios del siglo XX. [dieciséis]
El techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel y más tarde El Juicio Final tuvieron una influencia directa en las composiciones figurativas, primero de Rafael y sus alumnos y luego de casi todos los pintores posteriores del siglo XVI que buscaron formas nuevas e interesantes de representar la forma humana. Es posible rastrear su estilo de composición figurativa a través de Andrea del Sarto , Pontormo , Bronzino , Parmigianino , Veronese , hasta el Greco , Carracci , Caravaggio , Rubens , Poussin y Tiepolo , hasta los pintores clásicos y románticos del siglo XIX, como Jacques-Louis David y Delacroix .
Bajo la influencia de la pintura del Renacimiento italiano, se fundaron muchas academias de arte modernas, como la Real Academia , y fue específicamente para coleccionar las obras del Renacimiento italiano que algunas de las colecciones de arte más conocidas del mundo, como la Nacional Se formó Gallery, Londres .