Hair: The American Tribal Love-Rock Musical es un musical de rock con libro y letra de Gerome Ragni y James Rado y música de Galt MacDermot . La obra refleja las observaciones de los creadores sobre la contracultura hippie y la revolución sexual de finales de la década de 1960, y varias de sus canciones se convirtieron en himnos del movimiento por la paz contra la guerra de Vietnam . Las malas palabras del musical, su descripción del uso de drogas ilegales, su tratamiento de la sexualidad , su irreverencia hacia la bandera estadounidense y su escena de desnudo provocaron muchos comentarios y controversias. [1] La obra abrió nuevos caminos en el teatro musical al definir el género de "musical de rock", utilizando un elenco racialmente integrado e invitando al público al escenario para un final de " Be-In ". [2]
Hair cuenta la historia de la "tribu", un grupo de hippies de pelo largo políticamente activos de la " Era de Acuario " que viven una vida bohemia en la ciudad de Nueva York y luchan contra el servicio militar obligatorio en la Guerra de Vietnam . Claude, su buen amigo Berger, su compañera de cuarto Sheila y sus amigos luchan por equilibrar sus vidas jóvenes, sus amores y la revolución sexual, con su rebelión contra la guerra y sus padres y la sociedad conservadores . En última instancia, Claude debe decidir si resistirse al reclutamiento como lo han hecho sus amigos, o servir en Vietnam, comprometiendo sus principios pacifistas y arriesgando su vida.
Después de un debut fuera de Broadway el 17 de octubre de 1967, en el Public Theatre de Joseph Papp y una presentación en el club nocturno Cheetah desde diciembre de 1967 hasta enero de 1968, el espectáculo se estrenó en Broadway en abril de 1968 y tuvo 1.750 funciones. Poco después siguieron producciones simultáneas en ciudades de Estados Unidos y Europa, incluida una exitosa producción en Londres que tuvo 1.997 funciones. Desde entonces, se han realizado numerosas producciones en todo el mundo, generando docenas de grabaciones del musical, incluida la grabación original del elenco de Broadway que vendió 3 millones de copias . Algunas de las canciones de su partitura se convirtieron en éxitos Top 10 y en 1979 se estrenó una adaptación cinematográfica. En 2009 se inauguró una reposición de Broadway, que obtuvo excelentes críticas y ganó el premio Tony y el premio Drama Desk a la mejor reposición de un musical. En 2008, Time escribió: "Hoy Hair parece, en todo caso, más atrevido que nunca". [3]
Hair fue concebido por los actores James Rado y Gerome Ragni . Los dos se conocieron en 1964 cuando actuaron juntos en el fracaso del Off-Broadway Hang Down Your Head and Die , [4] y comenzaron a escribir Hair juntos a finales de 1964. [5] [6] Los personajes principales eran autobiográficos, con Claude de Rado siendo un romántico pensativo y el Berger de Ragni un extrovertido. Su estrecha relación, incluida su volatilidad, se reflejó en el musical. Rado explicó: "Éramos grandes amigos. Era una relación apasionada que dirigimos a la creatividad, a la escritura, a la creación de esta pieza. Pusimos el drama entre nosotros en el escenario". [7]
Rado describió la inspiración para Hair como "una combinación de algunos personajes que conocimos en las calles, gente que conocíamos y nuestra propia imaginación. Conocíamos a este grupo de niños en East Village que estaban abandonando los estudios y evitando el servicio militar obligatorio , y también había "Hay muchos artículos en la prensa sobre cómo expulsaban a los niños de la escuela por dejarse el pelo largo". [2] Recordó: "Había tanta emoción en las calles, los parques y las áreas hippies, y pensamos que si podíamos transmitir esta emoción al escenario sería maravilloso... Salimos con ellos y fuimos a sus Be-Ins [y] dejarnos crecer el cabello". [8] Muchos miembros del elenco ( Shelley Plimpton en particular) fueron reclutados de la calle. [2] Rado dijo: "Fue muy importante históricamente, y si no lo hubiéramos escrito, no habría ningún ejemplo. Podrías leer sobre ello y ver fragmentos de películas, pero nunca lo experimentarías . Pensamos "Esto está sucediendo en las calles" y queríamos llevarlo al escenario". [4] Según el obituario de Rado en The New York Times , el título se inspiró en "un paseo por un museo a mediados de 1965, [cuando él y Ragni vieron] una pintura de un mechón de cabello del artista pop Jim Dine . Su título era 'Cabello'". [9]
Rado y Ragni procedían de diferentes orígenes artísticos. En la universidad, Rado escribió revistas musicales y aspiraba a ser un compositor de Broadway en la tradición de Rodgers y Hammerstein . Luego pasó a estudiar actuación con Lee Strasberg . Ragni, por otro lado, era un miembro activo de The Open Theatre , uno de varios grupos, en su mayoría Off-off Broadway , que estaban desarrollando técnicas de teatro experimental . [10] Presentó a Rado los estilos y métodos teatrales modernos que se estaban desarrollando en The Open Theatre. [11] En 1966, mientras los dos estaban desarrollando Hair , Ragni actuó en la producción de The Open Theatre de la obra de Megan Terry Viet Rock , una historia sobre jóvenes enviados a la Guerra de Vietnam. [12] Además del tema de la guerra, Viet Rock empleó los ejercicios de improvisación que se usaban en la escena del teatro experimental y luego se usaron en el desarrollo de Hair . [6] [13]
Rado y Ragni llevaron sus borradores del programa al productor Eric Blau quien, a través de un amigo común Nat Shapiro , los conectó con el compositor canadiense Galt MacDermot. [14] MacDermot ganó un premio Grammy en 1961 por su composición "African Waltz" (grabada por Cannonball Adderley ). [15] El estilo de vida del compositor contrastaba marcadamente con el de sus cocreadores: "Tenía el pelo corto, una esposa y, en ese momento, cuatro hijos, y vivía en Staten Island ". [8] "Ni siquiera había oído hablar de un hippie cuando conocí a Rado y Ragni". [4] Pero compartió su entusiasmo por hacer un espectáculo de rock and roll. [4] "Trabajamos de forma independiente", explicó MacDermot en mayo de 1968. "Lo prefiero así. Me entregan el material. Le pongo música". [16] MacDermot escribió la primera partitura en tres semanas, [7] comenzando con las canciones "I Got Life", "Ain't Got No", "Where Do I Go" y la canción principal. [2] Primero escribió "Aquarius" como una obra de arte poco convencional, pero luego la reescribió y la convirtió en un himno edificante. [7]
Los creadores presentaron el espectáculo a los productores de Broadway y recibieron muchos rechazos. Finalmente, Joe Papp , que dirigía el Festival Shakespeare de Nueva York , decidió que quería que Hair abriera el nuevo Teatro Público (aún en construcción) en el East Village de la ciudad de Nueva York . El musical fue el primer trabajo de autores vivos que produjo Papp. [17] El director, Gerald Freedman , director artístico asociado del teatro, decidió que Rado, a los 35 años, era demasiado mayor para interpretar a Claude, aunque aceptó contratar a Ragni, de 32 años, como Berger. [9] La producción no transcurrió sin problemas: "El proceso de ensayo y casting fue confuso, el material en sí era incomprensible para muchos miembros del personal del teatro. [Freedman] se retiró frustrado durante la última semana de ensayos y ofreció su renuncia. Papp la aceptó. , y la coreógrafa Anna Sokolow se hizo cargo del espectáculo... Después de un desastroso ensayo general final, Papp telegrafió al Sr. Freedman en Washington, donde había huido: "Por favor, regrese". El señor Freedman lo hizo." [18]
Hair se estrenó fuera de Broadway en el Public el 17 de octubre de 1967 y tuvo una duración limitada de seis semanas. Los papeles principales fueron interpretados por Walker Daniels como Claude, Ragni como Berger, Jill O'Hara como Sheila, Steve Dean como Woof, Arnold Wilkerson como Hud, Sally Eaton como Jeanie y Shelley Plimpton como Crissy. [19] La escenografía fue de Ming Cho Lee , el diseño de vestuario de Theoni Aldredge y, aunque Anna Sokolow comenzó los ensayos como coreógrafa, Freedman recibió el crédito de coreógrafa. [20] Aunque la producción tuvo una "tibia recepción crítica", fue popular entre el público. [18] En 1967 se lanzó un álbum de reparto . [21]
El empresario de Chicago, Michael Butler, planeaba postularse para el Senado de Estados Unidos con una plataforma pacifista. Después de ver un anuncio de Hair en The New York Times que le llevó a creer que el programa trataba sobre nativos americanos , vio la producción de Public varias veces [8] y unió fuerzas con Joe Papp para reproducir el programa en otro lugar de Nueva York después del cierre de su recorrido en el Público. Papp y Butler primero trasladaron el espectáculo a The Cheetah , una discoteca en 53rd Street y Broadway. Se inauguró allí el 22 de diciembre de 1967, [22] y tuvo 45 funciones. [2] No hubo desnudez ni en la producción del Public Theatre ni en la de Cheetah. [1]
Hair pasó por una profunda revisión entre su cierre en el Cheetah en enero de 1968 y su estreno en Broadway tres meses después. El libro off-Broadway, que ya tenía poca trama, se relajó aún más [23] y se hizo más realista. [24] Se agregaron trece canciones nuevas , [23] incluida "Let the Sun Shine In", para hacer el final más edificante. [7]
Antes de mudarse a Broadway, el equipo creativo contrató al director Tom O'Horgan , quien se había ganado una reputación dirigiendo teatro experimental en La MaMa Experimental Theatre Club . Había sido la primera elección de los autores para dirigir la producción del Public Theatre, pero en ese momento se encontraba en Europa. [25] Newsweek describió el estilo de dirección de O'Horgan como "sensual, salvaje y completamente musical... [él] desintegra la estructura verbal y a menudo rompe y distribuye la narrativa e incluso los personajes entre diferentes actores... Disfruta del bombardeo sensorial. " [26] En los ensayos, O'Horgan utilizó técnicas transmitidas por Viola Spolin y Paul Sills que involucraban juegos de rol y "juegos" de improvisación. Muchas de las improvisaciones intentadas durante este proceso fueron incorporadas al guión de Broadway. [27] O'Horgan y la nueva coreógrafa Julie Arenal alentaron la libertad y la espontaneidad en sus actores, introduciendo "un estilo de puesta en escena orgánico y expansivo" que nunca antes se había visto en Broadway. [4] La inspiración para incluir la desnudez surgió cuando los autores vieron una manifestación contra la guerra en Central Park donde dos hombres se desnudaron como expresión de desafío y libertad, y decidieron incorporar la idea al espectáculo. [4] O'Horgan había utilizado la desnudez en muchas de las obras que dirigió y ayudó a integrar la idea en la estructura del espectáculo. [2]
Papp se negó a realizar una producción de Broadway, por lo que Butler produjo el espectáculo él mismo. Durante un tiempo pareció que Butler no podría conseguir un teatro en Broadway, ya que los Shubert , los holandeses y otros propietarios de teatros consideraron que el material era demasiado controvertido. Sin embargo, Butler tenía conexiones familiares y conocía gente importante; persuadió al propietario del Biltmore Theatre, David Cogan, para que pusiera su lugar a disposición. [28]
Claude se sienta en el centro del escenario mientras la "tribu" se mezcla con el público. Los miembros de la tribu Sheila, una estudiante de la Universidad de Nueva York que es una activista política decidida , y Berger, un espíritu libre irreverente, cortan un mechón de cabello de Claude y lo queman en un receptáculo. Después de que la tribu converge en cámara lenta hacia el escenario, a través de la audiencia, comienzan su celebración como hijos de la Era de Acuario ("Acuario"). Berger se quita los pantalones y deja al descubierto un taparrabos. Al interactuar con la audiencia, se presenta como un "oso de peluche psicodélico" y revela que está "buscando a mi Donna" ("Donna").
La tribu recita una lista de productos farmacéuticos, legales e ilegales ("hachís"). Woof, un alma gentil, ensalza varias prácticas sexuales ("Sodomía") y dice: "Cultivo cosas". Le encantan las plantas, su familia y el público, y le dice al público: "Todos somos uno". Hud, un militante afroamericano, es transportado boca abajo sobre un poste. Se declara "presidente de los Estados Unidos del Amor" ("Colored Spade"). Con un falso acento inglés, Claude dice que es "la bestia más hermosa del bosque" de " Manchester , Inglaterra". Un miembro de la tribu le recuerda que en realidad es de Flushing , Nueva York ("Manchester Inglaterra"). Hud, Woof y Berger declaran de qué color son ("Soy negro"), mientras que Claude dice que es "invisible". La tribu recita una lista de cosas que les faltan ("Ain't Got No"). Cuatro miembros de una tribu afroamericana recitan los carteles de las calles en una secuencia simbólica ("Callejón sin salida").
Sheila sube al escenario ("I Believe in Love") y dirige a la tribu en un canto de protesta. Jeanie, una joven excéntrica, aparece con una máscara de gas, satirizando la contaminación ("Aire"). Está embarazada y enamorada de Claude. Aunque desearía que fuera el bebé de Claude, "un loco fanático de la velocidad la dejó embarazada". La tribu une a LBJ (el presidente Lyndon B. Johnson ), el FBI (la Oficina Federal de Investigaciones ), la CIA (la Agencia Central de Inteligencia ) y el LSD ("Iniciales"). Seis miembros de la tribu aparecen vestidos como los padres de Claude, reprendiéndolo por sus diversas transgresiones: no tiene trabajo y colecciona "montañas de papel", recortes y notas. Dicen que no le darán más dinero y que "el ejército hará de ti un hombre", entregándole su aviso de alistamiento. En desafío, Claude lidera a la tribu en la celebración de su vitalidad ("I Got Life").
Después de repartir pastillas imaginarias a los miembros de la tribu, diciendo que las pastillas son para personas de alto perfil como Richard Nixon , el Papa y " Alabama Wallace ", Berger relata cómo fue expulsado de la escuela secundaria. Tres miembros de la tribu se visten como directores con bigotes de Hitler y brazaletes con la esvástica, burlándose del sistema educativo estadounidense. Berger y la tribu los desafían cantando "Going Down". Claude regresa de su examen físico del draft , que aprobó. Pretende quemar su tarjeta de reclutamiento de la guerra de Vietnam, que Berger revela como una tarjeta de biblioteca. Claude se pregunta qué hacer para no ser reclutado.
Dos miembros de la tribu vestidos como turistas caminan por el pasillo para preguntar a la tribu por qué tienen el pelo tan largo . En respuesta, Claude y Berger lideran a la tribu para explicar el significado de sus mechones ("Cabello"). La mujer afirma que los niños deben "ser libres, sin culpa" y deben "hacer lo que quieran, siempre y cuando no lastimen a nadie". Observa que el pelo largo es natural, como el "elegante plumaje" de los pájaros macho ("My Conviction"). Ella abre su abrigo para revelar que es un hombre vestido de mujer . Cuando la pareja se va, la tribu la llama Margaret Mead .
Sheila le da a Berger una camisa amarilla. Hace el tonto y termina partiéndolo en dos. Sheila expresa su angustia porque Berger parece preocuparse más por la "multitud sangrante" que por ella (" Easy to Be Hard "). Jeanie resume los enredos románticos de todos: "Estoy colgada de Claude, Sheila está colgada de Berger, Berger está colgada por todas partes. Claude está colgada de una cruz sobre Sheila y Berger". Berger, Woof y otro miembro de la tribu rinden homenaje satírico a la bandera estadounidense mientras la doblan ("Don't Put it Down"). La tribu corre hacia el público, invitándolos a un Be-In . Después de que la joven e inocente Crissy describe a "Frank Mills", un chico que está buscando, la tribu participa en el "Be-In". Los hombres de la tribu queman sus tarjetas de reclutamiento . Claude pone su tarjeta en el fuego, luego cambia de opinión y la saca. Pregunta: "¿Dónde está ese algo, dónde está ese alguien que me dice por qué vivo y muero?" ("A dónde voy"). La tribu emerge desnuda, entonando "cuentas, flores, libertad, felicidad".
Cuatro miembros de la tribu tienen el "Electric Blues". Después de un apagón, la tribu entra a adorar en un intento de convocar a Claude ("Oh, gran dios del poder"). Claude regresa del centro de inducción y los miembros de la tribu representan una conversación imaginaria de la entrevista preliminar de Claude, con Hud diciendo que "el reclutamiento es que los blancos envíen a los negros a hacer la guerra a los amarillos para defender la tierra que les robaron a los rojos". . Claude le da a Woof un póster de Mick Jagger , y Woof está entusiasmado con el regalo, ya que ha dicho que ha colgado a Jagger. Tres mujeres blancas de la tribu cuentan por qué les gustan los "Black Boys" ("los chicos negros son deliciosos..."), y tres mujeres negras de la tribu, vestidas como Las Supremes , explican por qué les gustan los "White Boys" ("blancos los chicos son tan bonitos...").
Berger le da a Claude un porro mezclado con un alucinógeno . Claude comienza a viajar mientras la tribu representa sus visiones ("Caminando en el espacio"). Alucina que está haciendo paracaidismo desde un avión hacia las selvas de Vietnam. Berger aparece como el general George Washington y se le dice que se retire debido a un ataque indio. Los indios disparan a todos los hombres de Washington. El general Ulysses S. Grant aparece y comienza a pasar lista: Abraham Lincoln (interpretado por una miembro negra de la tribu), John Wilkes Booth , Calvin Coolidge , Clark Gable , Scarlett O'Hara , Aretha Franklin , el coronel George Custer . Claude Bukowski pasa lista, pero Clark Gable dice que "no pudo asistir". Todos bailan un minueto hasta que tres curanderos africanos los matan, todos excepto Abraham Lincoln, quien dice: "Soy uno de ustedes". Lincoln, después de que los tres africanos cantan sus alabanzas, recita una versión alternativa del Discurso de Gettysburg ("Abie Baby"). Booth le dispara a Lincoln, pero Lincoln le dice: "¡Mierda! No me muero por ningún hombre blanco".
Mientras continúan las visiones, entran cuatro monjes budistas . Un monje vierte una lata de gasolina sobre otro monje, a quien le prenden fuego (que recuerda a la autoinmolación de Thích Quảng Đức ) y sale corriendo gritando. Tres monjas católicas estrangulan a los tres monjes budistas restantes. Tres astronautas disparan a las monjas con pistolas de rayos . Tres chinos apuñalan a los astronautas con cuchillos. Tres nativos americanos matan a los chinos con arcos y hachas de guerra. Tres boinas verdes matan a los nativos americanos con ametralladoras y luego se matan entre sí. Aparecen un sargento y dos padres sosteniendo un traje en una percha. Los padres le hablan al traje como si fuera su hijo y están muy orgullosos de él. Los cuerpos se levantan y juegan como niños. La obra se convierte en violencia hasta que todos vuelven a estar muertos. Se levantan de nuevo y comentan sobre las bajas en Vietnam: "Es una pequeña guerra sucia" (" Tres-Cinco-Cero-Cero "). Al final de la secuencia del viaje, dos miembros de la tribu cantan, sobre los cadáveres, un discurso de Shakespeare sobre la nobleza del hombre ("What A Piece of Work Is Man"), con música.
Después del viaje, Claude dice: "No puedo llevar este momento a momento viviendo en las calles... Sé lo que quiero ser... invisible". Mientras "miran la Luna", Sheila y los demás disfrutan de un momento de luz (" Good Morning Starshine "). La tribu rinde homenaje a un viejo colchón ("La Cama"). Claude se queda solo con sus dudas. Se marcha cuando la tribu entra envuelta en mantas en medio de una tormenta de nieve. Comienzan un canto de protesta y luego se preguntan dónde ha ido Claude. Berger grita "¡Claude! ¡Claude!" Claude entra vestido con uniforme militar, con el pelo corto, pero no lo ven porque es un espíritu invisible. Claude dice, "nos guste o no, me atraparon".
Claude y todos cantan "Flesh Failures". La tribu se mueve frente a Claude mientras Sheila y Dionne retoman la letra. Toda la tribu se lanza a "Let the Sun Shine In" y, al salir, revelan a Claude acostado en el centro del escenario sobre una tela negra. Durante el llamado al telón, la tribu repite "Let the Sun Shine In" y lleva a los miembros de la audiencia al escenario para bailar.
(Nota: este resumen de la trama se basa en el guión original de Broadway. El guión ha variado en producciones posteriores ) .
Hair se estrenó en Broadway en el Biltmore Theatre el 29 de abril de 1968. La producción fue dirigida por Tom O'Horgan y coreografiada por Julie Arenal, con escenografía de Robin Wagner , diseño de vestuario de Nancy Potts y diseño de iluminación de Jules Fisher . La "tribu" original de Broadway (es decir, el elenco) incluía a los autores Rado y Ragni, quienes interpretaron los papeles principales de Claude y Berger, respectivamente, Kellogg como Sheila, Washington como Hud, Eaton y Plimpton repitiendo sus papeles fuera de Broadway como Jeanie y Crissy. , Melba Moore como Dionne, Curry como Woof, Ronnie Dyson (que cantó "Aquarius" y "What a Piece of Work is Man"), Paul Jabara y Diane Keaton (tanto Moore como Keaton interpretaron más tarde a Sheila). [29] Entre los artistas que aparecieron en Hair durante su presentación original en Broadway se encontraban Ben Vereen , Keith Carradine , Barry McGuire , Ted Lange , Meat Loaf , La La Brooks , Mary Seymour (de Musique ), Joe Butler , Peppy Castro (de the Blues Magoos ), Robin McNamara , Heather MacRae (hija de Gordon MacRae y Sheila MacRae ), Eddie Rambeau , Vicki Sue Robinson , Beverly Bremers , Bert Sommer , Dale Soules y Kim Milford . [29] Fue el primer espectáculo de Broadway que tuvo un precio de entrada regular de 50 dólares, y 12 de los asientos a este precio se vendieron a grandes corporaciones desde julio de 1968. El precio máximo cuando se inauguró fue de 11 dólares. [31]
El equipo de Hair pronto se vio envuelto en un pleito con los organizadores de los premios Tony . Después de asegurarle al productor Michael Butler que comenzar los avances antes del 3 de abril de 1968 aseguraría la elegibilidad para ser considerado para los Tonys de 1968, la Liga de Teatro de Nueva York dictaminó que Hair no era elegible, moviendo la fecha límite al 19 de marzo. Los productores entablaron una demanda [32] pero incapaz de obligar a la Liga a reconsiderar su decisión. [33] En los Tony de 1969, Hair fue nominado a Mejor Musical y Mejor Director , pero perdió ante 1776 en ambas categorías. [34] La producción duró cuatro años y 1.750 funciones, y cerró el 1 de julio de 1972. [29]
La versión de la costa oeste se presentó en el Aquarius Theatre de Los Ángeles a partir de unos seis meses después del estreno en Broadway y estuvo en cartelera durante dos años sin precedentes. La tribu de Los Ángeles incluía a Rado, Ragni, Ben Vereen (que comenzó como Hud y luego reemplazó a Ragni), Willie Weatherly (que interpretó a Berger y Claude), Ted Neeley (que reemplazó a Rado), Meat Loaf , Gloria Jones , Táta Vega , Jobriath. , Jennifer Warnes y Dobie Gray . [5]
Pronto hubo nueve producciones simultáneas en ciudades de Estados Unidos, seguidas de giras nacionales. [5] [35] Entre los artistas que participaron en estos se encontraban Joe Mantegna , André DeShields , Charlotte Crossley y Alaina Reed (Chicago), [36] David Lasley , David Patrick Kelly , Meat Loaf y Shaun Murphy (Detroit) [37] Kenny Ortega y Arnold McCuller (gira), [38] Bob Bingham (Seattle) [39] y Philip Michael Thomas (San Francisco). [40] El equipo creativo de Broadway trabajó en Hair en Los Ángeles, Chicago y San Francisco, ya que la puesta en escena de Broadway sirvió como modelo aproximado para estas y otras producciones regionales tempranas. Una incorporación notable al equipo de Los Ángeles fue Tom Smothers , quien se desempeñó como coproductor. [41] Los elencos regionales estaban formados principalmente por actores locales, aunque algunos miembros del elenco de Broadway repitieron sus papeles en otras ciudades. [42] O'Horgan o los autores a veces tomaban nuevas ideas e improvisaciones de un espectáculo regional y las traían de regreso a Nueva York, como cuando se arrojaban pollos vivos al escenario en Los Ángeles. [42]
Era raro que tantas producciones se proyectaran simultáneamente durante una presentación inicial en Broadway. El productor Michael Butler, que había declarado que Hair es "la declaración pacifista más fuerte jamás escrita", dijo que la razón por la que abrió tantas producciones fue para influir en la opinión pública contra la guerra de Vietnam y ponerle fin lo antes posible. [43]
Hair se estrenó en el Shaftesbury Theatre de Londres el 27 de septiembre de 1968, dirigida por el mismo equipo creativo que la producción de Broadway. La noche de estreno se retrasó hasta la abolición de la censura teatral en Inglaterra en virtud de la Ley de Teatros de 1968 para que el espectáculo pudiera incluir desnudos y blasfemias. [44] Al igual que con otras producciones tempranas, el espectáculo de Londres agregó una pizca de alusiones locales y otras desviaciones menores de la versión de Broadway. [45]
La tribu londinense original incluía a Sonja Kristina , Peter Straker , Paul Nicholas , Melba Moore, Annabel Leventon , Elaine Paige , Paul Korda , Marsha Hunt , Floella Benjamin , Alex Harvey , Oliver Tobias , Richard O'Brien y Tim Curry . Este fue el primer papel de actuación teatral a tiempo completo de Curry, donde conoció al futuro colaborador de Rocky Horror Show , O'Brien. [46] El compromiso de Hair en Londres superó la producción de Broadway, con 1.997 funciones [45] hasta que su cierre se vio obligado por el colapso del techo del teatro en julio de 1973. [47]
El trabajo de dirigir las producciones en lengua extranjera de Hair recayó en Bertrand Castelli , socio de Butler y productor ejecutivo del espectáculo de Broadway. [48] Castelli fue un escritor y productor que viajó por los círculos artísticos de París y se codeó con Pablo Picasso y Jean Cocteau . Butler lo describió como un "showman loco... el tipo del traje de negocios y cuentas". [49] Castelli decidió hacer el espectáculo en el idioma local de cada país en un momento en que los espectáculos de Broadway siempre se hacían en inglés. [48] Las traducciones siguieron de cerca el guión original y se utilizaron las puestas en escena de Broadway. Cada guión contenía referencias locales, como nombres de calles y nombres o representaciones de políticos y celebridades locales. Castelli produjo compañías en Francia, Alemania, México y otros países, a veces también dirigiendo las producciones. [48] La primera producción europea se estrenó en Estocolmo , Suecia, el 20 de septiembre de 1968, con un elenco que incluía a Ulf Brunnberg y Bill Öhrström , [50] producida y dirigida por Pierre Fränckel [51] y coreografiada por Julie Arenal, [52] y tuvo 134 funciones hasta marzo de 1969. [53]
Una producción alemana, dirigida por Castelli, [48] se estrenó un mes después en Munich ; [54] la tribu incluía a Donna Summer , Liz Mitchell y Donna Wyant . Una exitosa producción parisina de Hair se estrenó el 1 de junio de 1969. [55] La producción australiana original se estrenó en Sydney el 6 de junio de 1969, producida por Harry M. Miller y dirigida por Jim Sharman , quien también diseñó la producción. La tribu incluía a Keith Glass y luego Reg Livermore como Berger, John Waters como Claude y Sharon Redd como The Magician. Redd fue uno de los seis afroamericanos traídos a Australia para formar una tribu racialmente integrada. [56] [57] La producción rompió récords de taquilla local y estuvo en cartelera durante dos años, pero debido a parte del lenguaje del programa, el álbum del elenco fue prohibido en Queensland y Nueva Zelanda. La producción se trasladó a Melbourne en 1971 y luego realizó una gira nacional. Marcó el debut teatral de la vocalista australiana nacida en Boston Marcia Hines . [57] En México la producción fue prohibida por el gobierno después de una noche en Acapulco. [58] Sônia Braga, de 18 años, apareció en la producción brasileña de 1969. [59]
Otra producción destacada tuvo lugar en Belgrado , en la ex Yugoslavia , en 1969. Fue el primer Cabello producido en un país comunista. [60] El espectáculo, traducido al serbio, fue dirigido por la productora y directora Mira Trailović en el teatro Atelje 212 . [61] [62] Presentaba a Dragan Nikolić , Branko Milićević , Seka Sablić y Dušan Prelević . [63] Durante cuatro años, la producción recibió 250 funciones y contó con la presencia del presidente Tito . [61] Las referencias locales en el guión incluían púas dirigidas a Mao Zedong así como a Albania , el tradicional rival de Yugoslavia. [48]
En 1970, Hair era un gran éxito financiero y se habían realizado diecinueve producciones fuera de América del Norte. Además de las mencionadas anteriormente, se incluyeron producciones en Escandinavia, Sudamérica, Italia, Israel, Japón, Canadá, Países Bajos, Suiza y Austria. [35] Según Billboard , las diversas producciones del programa recaudaban casi un millón de dólares cada diez días, y se recaudaban regalías por 300 grabaciones diferentes de las canciones del programa, lo que la convertía en "la partitura más exitosa de la historia, así como la La partitura más interpretada jamás escrita para el escenario de Broadway." [64]
Hair explora muchos de los temas del movimiento hippie de los años 1960. El escritor de teatro Scott Miller los describió de la siguiente manera:
[L]a juventud de Estados Unidos, especialmente aquellos en los campus universitarios, comenzaron a protestar por todas las cosas que veían mal en Estados Unidos: racismo, destrucción ambiental, pobreza, sexismo y represión sexual, violencia en el hogar y la guerra en Vietnam, despersonalización de nuevas tecnologías y corrupción en la política. ... Contrariamente a la opinión popular, los hippies tenían un gran respeto por Estados Unidos y creían que ellos eran los verdaderos patriotas, los únicos que realmente querían salvar a nuestro país y hacerlo mejor una vez más. ... El cabello [largo] era la bandera de los hippies, su... símbolo no sólo de rebelión sino también de nuevas posibilidades, un símbolo del rechazo a la discriminación y los roles de género restrictivos (una filosofía celebrada en la canción "My Conviction" ). Simbolizaba la igualdad entre hombres y mujeres. ... [L] a ropa elegida por los hippies también hizo declaraciones. La ropa de trabajo monótona (jeans, camisas de trabajo, chaquetones) era un rechazo al materialismo. La ropa de otras culturas, particularmente del Tercer Mundo y de los nativos americanos, representaba su conciencia de la comunidad global y su rechazo al imperialismo y al egoísmo estadounidense. Los sencillos vestidos de algodón y otros tejidos naturales fueron un rechazo a los sintéticos, un regreso a las cosas naturales y a tiempos más sencillos. Algunos hippies vestían viejas chaquetas de la Segunda Guerra Mundial o de la Guerra Civil como forma de incorporar los símbolos de la guerra a su recién descubierta filosofía de la no violencia. [sesenta y cinco]
Ampliando los precedentes establecidos por Show Boat (1927) y Porgy and Bess (1935), Hair abrió el musical de Broadway a la integración racial; Un tercio del elenco era afroamericano. [66] Excepto satíricamente en las parodias, los roles de los miembros negros de la tribu los retrataban como iguales, rompiendo con los roles tradicionales de los negros en el entretenimiento como esclavos o sirvientes. [67] Un artículo de la revista Ebony declaró que el programa era la mayor salida para los actores negros en la historia del escenario estadounidense. [66]
Varias canciones y escenas del programa abordan cuestiones raciales. [65] "Colored Spade", que presenta al personaje de Hud, un hombre negro militante, es una larga lista de insultos raciales ("conejito de la jungla... pequeño sambo negro") rematados con la declaración de que Hud es el "presidente de los Estados Unidos del amor". [68] Al final de su canción, le dice a la tribu que el "hombre del saco" los atrapará, mientras la tribu finge estar asustada. [67] "Dead End", cantada por miembros de la tribu negra, es una lista de señales de tráfico que simbolizan la frustración y la alienación de los negros. Uno de los cánticos de protesta de la tribu es "¿Qué creemos que es realmente grandioso? ¡Bombardear, linchar y segregar!". [67] "Black Boys/White Boys" es un reconocimiento exuberante de la atracción sexual interracial; [69] la Corte Suprema de Estados Unidos había anulado leyes que prohibían el matrimonio interracial en 1967. [70] Otro de los cánticos de protesta de la tribu es "Negro, blanco, amarillo, rojo. Cópula en una cama tamaño king". [67]
"Abie Baby" es parte de la secuencia del "viaje" del Acto 2: cuatro curanderos africanos, que acaban de matar a varios personajes históricos, culturales y ficticios estadounidenses, cantan alabanzas a Abraham Lincoln, interpretado por una miembro de la tribu negra, a quien decide no matar. [71] La primera parte de la canción contiene un lenguaje estereotipado que los personajes negros usaban en películas antiguas, como "Terminé... desplumarles las gallinas" y "Ahora soy libre gracias a todos ustedes, Maestro Lincoln". Luego, el personaje de Lincoln recita una versión modernizada del Discurso de Gettysburg , mientras una mujer blanca miembro de la tribu pule los zapatos de Lincoln con su cabello rubio. [67]
Las numerosas referencias a los nativos americanos a lo largo del guión son parte del enfoque anticonsumista y naturalista del movimiento hippie y de Hair . A los personajes del programa se les conoce como la "tribu", tomando prestado el término para las comunidades nativas americanas. [65] El elenco de cada producción elige un nombre tribal: "La práctica no es sólo cosmética... todo el elenco debe trabajar en conjunto, debe agradarse entre sí y, a menudo, dentro del espectáculo, debe trabajar como un solo organismo. Todos los El elenco debe sentir el sentido de familia, de pertenencia, de responsabilidad y lealtad inherente a la palabra 'tribu'". [65] Para mejorar este sentimiento, O'Horgan sometió al elenco a ejercicios de sensibilidad basados en la confianza, el tacto, la escucha y un examen intensivo que rompieron las barreras entre el elenco y el equipo y alentaron el vínculo. Estos ejercicios se basaron en técnicas desarrolladas en el Instituto Esalen y el Teatro Laboratorio Polaco. [27] La idea de que Claude, Berger y Sheila vivan juntos es otra faceta del concepto de tribu de la década de 1960 . [72]
La breve escena de desnudo al final del Acto I fue objeto de controversia y notoriedad. [1] [73] Miller escribe que "la desnudez era una gran parte de la cultura hippie, tanto como un rechazo a la represión sexual de sus padres como también como una declaración sobre el naturalismo, la espiritualidad, la honestidad, la apertura y la libertad. "El cuerpo era hermoso, algo que debía ser celebrado y apreciado, no despreciado ni escondido. Venían sus cuerpos y su sexualidad como regalos, no como cosas 'sucias'". [sesenta y cinco]
El cabello glorifica la libertad sexual de diversas formas. Además de la aceptación de la atracción interracial, el estilo de vida de los personajes actúa como una actualización de La bohème con carga sexual y política ; Como explicó Rado, "el elemento de amor del movimiento por la paz era palpable". [4] En la canción "Sodomy", Woof exhorta a todos a "unirse a la sagrada orgía Kama Sutra ". [74] Hacia el final del Acto 2, los miembros de la tribu revelan sus tendencias de amor libre cuando bromean sobre quién se acostará con quién esa noche. [75] Woof está enamorado de Mick Jagger, y un abrazo a tres bandas entre Claude, Berger y Sheila se convierte en un beso entre Claude y Berger. [67]
Los personajes consumen varias drogas ilegales durante el transcurso del programa, sobre todo un alucinógeno durante la secuencia del viaje. [65] La canción "Walking in Space" comienza la secuencia, y la letra celebra la experiencia declarando "¿cómo se atreven a intentar acabar con esta belleza... en esta inmersión redescubrimos la sensación... nuestros ojos están abiertos, muy, muy abiertos". , ancho". De manera similar, en la canción "Donna", Berger canta que "estoy evolucionando a través de las drogas que tú dejas". [76] En otro momento, Jeanie fuma marihuana y desestima a los críticos de la "marihuana". [67] Generalmente, la tribu favorece las drogas alucinógenas o que "expanden la mente", como el LSD y la marihuana, [77] mientras desaprueba otras drogas como el speed y los depresores. Por ejemplo, Jeanie, después de revelar que está embarazada de un " fanático de la velocidad ", dice que " la metedrina es una mala escena". [67] La canción "Hashish" proporciona una lista de productos farmacéuticos, tanto ilegales como legales, incluyendo cocaína, alcohol, LSD, opio y torazina , que se utiliza como antipsicótico . [77]
El tema de la oposición a la guerra que impregna el programa está unificado por el hilo argumental que avanza a lo largo del libro: el dilema moral de Claude sobre si quemar su tarjeta de reclutamiento . [65] El pacifismo se explora a lo largo de la secuencia extendida del viaje en el Acto 2. La letra de " Three-Five-Zero-Zero ", que se canta durante esa secuencia, evoca los horrores de la guerra ("desgarrada por una explosión de metal"). [78] La canción está basada en el poema de Allen Ginsberg de 1966, " Wichita Vortex Sutra ". En el poema, el general Maxwell Taylor informa con orgullo a la prensa el número de soldados enemigos muertos en un mes, repitiéndolo dígito por dígito, para lograr el efecto: "Tres-Cinco-Cero-Cero". La canción comienza con imágenes de muerte y moribundos y se convierte en un número de baile maníaco, haciéndose eco del júbilo de Maxwell al informar sobre las bajas del enemigo, mientras la tribu canta "Tomen las armas y comiencen a matar". [65] La canción también incluye la frase repetida "Prisioneros en niggertown/ Es una pequeña guerra sucia". [67]
"Don't Put It Down" satiriza el patriotismo no examinado de las personas que están "locas por la bandera estadounidense". [79] "Be In (Hare Krishna)" elogia el movimiento por la paz y eventos como los Be-Ins de San Francisco y Central Park . [80] A lo largo del programa, la tribu canta consignas de protesta populares como "¿Qué queremos? ¡Paz! - ¿Cuándo la queremos? ¡Ahora!" y "No entrar al centro de inducción". [67] La alegre canción "Let the Sun Shine In" es un llamado a la acción para rechazar la oscuridad de la guerra y cambiar el mundo para mejor. [sesenta y cinco]
Hair también apunta su sátira a la contaminación provocada por la civilización. [65] Jeanie aparece por una trampilla en el escenario con una máscara de gas y luego canta la canción "Air": "Bienvenido, dióxido de azufre. Hola monóxido de carbono. El aire... está en todas partes". [81] Ella sugiere que la contaminación eventualmente la matará, "vapor y humo en la piedra de mi tumba, respirando como un perfume hosco". [67] En un tono cómico y pro-verde, cuando Woof se presenta, explica que "cultiva cosas" como "remolacha, maíz... y guisantes de olor" y que "ama las flores, la pelusa y la árboles". [67]
La religión, en particular el catolicismo, aparece abierta y simbólicamente a lo largo de la pieza y, a menudo, es objeto de una broma. [65] Berger canta sobre buscar "mi Donna", dándole el doble significado de la mujer que busca y la Virgen . [82] Durante "Sodomía", un himno a todo lo "sucio" del sexo, el elenco adopta posiciones religiosas evocadoras: la Piedad y Cristo en la cruz. [82] Antes de la canción, Woof recita un rosario modificado . En el segundo acto, cuando Berger da pastillas imaginarias a varios personajes famosos, ofrece "una pastilla para el Papa ". [67] En "Going Down", después de haber sido expulsado de la escuela, Berger se compara con Lucifer : "Al igual que el ángel que cayó / Desterrado para siempre al infierno / Hoy he sido expulsado / Del cielo de la escuela secundaria". [83] Claude se convierte en una figura clásica de Cristo en varios puntos del guión. [84] En el Acto I, Claude entra diciendo: "Soy el Hijo de Dios. Desapareceré y seré olvidado", luego da la bendición a la tribu y a la audiencia. Claude sufre de indecisión y, en su Getsemaní al final del Acto I, pregunta "¿Adónde voy?". Hay alusiones textuales a que Claude está en una cruz y, al final, es elegido para dar su vida por los demás. [84] Berger ha sido visto como una figura de Juan Bautista , preparando el camino para Claude. [sesenta y cinco]
Canciones como "Good Morning, Starshine" y "Aquarius" reflejan el interés cultural de la década de 1960 por los conceptos astrológicos y cósmicos. [85] "Acuario" fue el resultado de la investigación de Rado sobre su propio signo astrológico . [86] Se consultó a la astróloga de la compañía, Maria Crummere, sobre el casting: [87] Sheila generalmente era interpretada por Libra o Capricornio y Berger por Leo , [86] aunque Ragni, el Berger original, era Virgo . [88] También se consultó a Crummere a la hora de decidir cuándo se estrenaría el espectáculo en Broadway y en otras ciudades. [58] El Broadway Playbill de 1971 informó que ella eligió el 29 de abril de 1968 para el estreno en Broadway. "El día 29 fue auspicioso... porque la luna estaba alta, lo que indicaba que la gente asistiría en masa. La posición de los 'hacedores de historia' ( Plutón , Urano , Júpiter ) en la casa 10 hizo que el espectáculo fuera único, poderoso y rentable. -maker. Y el hecho de que Neptuno estuviera en ascenso predijo que Hair desarrollaría una reputación relacionada con el sexo". [89]
En México, donde Crummere no eligió la fecha de estreno, el gobierno cerró el espectáculo después de una noche. [58] No estaba satisfecha con la fecha de la inauguración en Boston (donde los productores fueron demandados por el contenido del programa) [90] [91] diciendo: "Júpiter estará en oposición al travieso Saturno , y el programa comienza el mismo día. del eclipse de sol . Terrible." Pero no había ningún momento astrológicamente seguro en el futuro próximo. [92]
Hair hace muchas referencias a las obras de Shakespeare , especialmente a Romeo y Julieta y Hamlet , y, en ocasiones, toma material lírico directamente de Shakespeare. [65] Por ejemplo, la letra de la canción "What a Piece of Work Is Man" es de Hamlet (II: escena 2) y partes de "Flesh Failures" ("el resto es silencio") son de las últimas líneas de Hamlet. En "Flesh Failures/Let The Sun Shine In", la letra "¡Ojos, mira el último!/ ¡Brazos, toma tu último abrazo! Y los labios, oh tú/ Las puertas del aliento, sella con un beso justo" son de Romeo y Julieta (V: iii, 111-14). [93] Según Miller, las imágenes del suicidio de Romeo señalan que, con nuestra complicidad en la guerra, nos estamos matando a nosotros mismos. [sesenta y cinco]
Simbólicamente, la trama de la indecisión de Claude, especialmente su resistencia a quemar su tarjeta de reclutamiento, que finalmente provoca su desaparición, ha sido vista como un paralelo con Hamlet : "el hippie melancólico". [94] El simbolismo se lleva a la última escena, donde Claude aparece como un espíritu fantasmal entre sus amigos vistiendo un uniforme militar en un eco irónico de una escena anterior, donde dice: "Sé lo que quiero ser... invisible". Según el director artístico del Public Theatre , Oskar Eustis , "Ambos [ Hair y Hamlet ] se centran en hombres brillantes e idealistas que luchan por encontrar su lugar en un mundo arruinado por la guerra, la violencia y la política venal. Ven tanto las posibilidades luminosas como las más duras. realidades del ser humano. Al final, incapaces de combatir eficazmente el mal que los rodea, sucumben trágicamente". [95]
Otras referencias literarias incluyen la canción "Three-Five-Zero-Zero", basada en el poema de Ginsberg "Wichita Vortex Sutra", [96] y, en la secuencia del viaje de drogas psicodélicas, la interpretación de Scarlett O'Hara , de Lo que se llevó el Wind y el poeta activista afroamericano LeRoi Jones . [67]
En su introducción al guión publicado de Viet Rock , Richard Schechner dice: "actuación, acción y evento son los términos clave de nuestro teatro, y estos términos no son literarios". [97] En la década de 1950, los teatros fuera de Broadway comenzaron a experimentar con papeles teatrales no tradicionales, desdibujando las líneas entre dramaturgo, director y actor. El trabajo del dramaturgo no era sólo poner palabras en una página, sino crear una experiencia teatral basada en una idea central. En 1967, teatros como The Living Theatre , La MaMa ETC y The Open Theatre estaban ideando activamente obras a partir de escenas de improvisación elaboradas en el espacio de ensayo, en lugar de seguir un guión tradicional. [98]
Viet Rock de Megan Terry se creó utilizando este proceso de improvisación. [98] Las escenas en Viet Rock estaban conectadas de "maneras prelógicas": una escena podía construirse a partir de una tangente de la escena anterior, podía conectarse psicológicamente o podía estar en contrapunto a la escena anterior. [98] Se pidió a los actores que cambiaran de roles en medio de un espectáculo y, con frecuencia, en mitad de la escena. En sus acotaciones escénicas para una escena de una audiencia en el Senado en Viet Rock , Terry escribió: "Los actores deben turnarse para ser senadores y testigos; las transformaciones deben ser abruptas y totales. Cuando el actor termina con un personaje, se convierte en otro, o simplemente en un personaje". actor." [98]
El cabello fue diseñado de manera muy similar. Tom O'Horgan, director del espectáculo en Broadway, estuvo íntimamente involucrado en el movimiento del teatro experimental. [65] En la transición a Broadway, O'Horgan y los escritores reorganizaron escenas para aumentar los aspectos experimentales del espectáculo. [98] Hair pide a sus actores que asuman varios personajes diferentes a lo largo de la pieza y, como en el viaje psicodélico de Claude en el segundo acto, a veces durante la misma escena. Tanto Hair como Viet Rock incluyen música rock, tomada en gran medida de los medios de comunicación, y con frecuencia rompen la " cuarta pared " invisible para interactuar con la audiencia. Por ejemplo, en el número inicial, la tribu se mezcla con los miembros del público y, al final del espectáculo, se invita al público a subir al escenario. [98]
En la producción original de Broadway, el escenario estaba completamente abierto, sin telón y el área de la mosca y la rejilla expuestas al público. El arco del proscenio se delineó con andamios listos para subir. El set de repuesto de Wagner estaba pintado en tonos grises con graffitis callejeros estampados en el escenario. El escenario estaba rastrillado y una torre de andamios abstractos detrás del escenario fusionaba un tótem de un nativo americano y una escultura moderna de un árbol en forma de crucifijo . Este andamio estaba decorado con objetos encontrados que el elenco había recogido en las calles de Nueva York. Entre ellos se encontraban un conductor de autobús de papel maché de tamaño natural , la cabeza de Jesús y una marquesina de neón del cine Waverly en Greenwich Village. [99] Los disfraces de Potts se basaron en ropa de calle hippie, hechos más teatrales con colores y texturas mejorados. Algunos de estos incluían partes mixtas de uniformes militares, jeans acampanados con bordados ucranianos, camisetas teñidas con corbatas y un abrigo con flecos rojo, blanco y azul. [99] Las primeras producciones fueron principalmente reproducciones de este diseño básico.
"Se ha escrito mucho sobre esa escena... la mayoría tonta", escribió Gene Lees en High Fidelity . [100] La escena se inspiró en dos hombres que se quitaron la ropa para enemistarse con la policía durante una reunión informal contra la guerra. [7] Durante "¿Adónde voy?", el escenario estaba cubierto por una malla gigante , debajo de la cual aquellos que elegían participar en la escena se quitaban la ropa. A la señal musical, "[permanecieron] desnudos e inmóviles, con sus cuerpos bañados por la ligera proyección de motivos florales de Fisher. Cantaban sobre 'cuentas, flores, libertad y felicidad ' " . [101] Duró sólo veinte segundos. [102] De hecho, la escena ocurrió tan rápido y estaba tan débilmente iluminada que llevó a Jack Benny , durante el intervalo en una vista previa de Londres, a bromear: "¿Te diste cuenta si alguno de ellos era judío?" [103] Sin embargo, la escena provocó amenazas de censura e incluso reacciones violentas en algunos lugares. [8] También se convirtió en material para chistes de la cultura pop. Groucho Marx bromeó: "Iba a ir a verla y luego llamé al teatro... Dijeron que las entradas costaban 11 dólares cada una. Les dije que volvería a llamar, entré al baño, me quité toda la ropa". , y me miré en el espejo de cuerpo entero. Luego llamé al teatro y dije: 'Olvídalo ' " [104]
La desnudez era opcional para los artistas. El elenco francés era "el más desnudo" de los grupos extranjeros, mientras que el elenco de Londres "encontró que la desnudez era la más difícil de lograr". [62] El elenco sueco se mostró reacio a desnudarse, pero en Copenhague , la tribu pensó que la desnudez era demasiado mansa y decidió caminar desnuda por el pasillo durante el preludio del espectáculo. [48] En algunas de las primeras actuaciones, los alemanes tocaron su escena detrás de una gran hoja con la etiqueta "CENSURADO". [48] [62] Natalie Mosco, miembro del elenco original de Broadway, dijo: "Al principio estaba totalmente en contra de la escena del desnudo, pero recordé que mi profesor de actuación había dicho que parte de la actuación es ser privado en público. Así que lo hice". [105] Según Melba Moore, "No significa nada excepto lo que tú quieres que signifique. Le damos mucho valor a la ropa... ... Es como muchas otras cosas por las que la gente se pone nerviosa". [106] Donna Summer, que estaba en la producción alemana, dijo que "no estaba destinado a ser sexual... Nos quedamos desnudos para comentar sobre el hecho de que la sociedad hace más desnudez que matar". [7] Rado dijo que "al estar desnudo frente a una audiencia, estás desnudando tu alma. No sólo el alma sino todo el cuerpo estaba expuesto. Fue muy apropiado, muy honesto y casi necesario". [7]
Después de estudiar la música de los bantúes en la Universidad de Ciudad del Cabo , [65] MacDermot incorporó ritmos africanos en la partitura de Hair . [10] Escuchó "lo que [los bantúes] llamaban quaylas... [que tienen un] ritmo muy característico, muy similar al rock. Aunque mucho más profundo... El pelo es muy africano: muchos de [los] ritmos , no tanto las melodías." [10] El acento de Quayla late en sílabas inesperadas, y esta influencia se puede escuchar en canciones como "What a Piece of Work Is Man" y "Ain't Got No Grass". [107] MacDermot dijo: "Mi idea era hacer un espectáculo de funk total. Dijeron que querían rock & roll, pero para mí eso se tradujo en 'funk'". [108] Ese funk es evidente en toda la partitura, especialmente en las canciones. como "Colored Spade" y "Walking in Space". [108]
MacDermot ha afirmado que las canciones "no pueden ser todas iguales. Tienes que conseguir diferentes estilos... Me gusta pensar que todas son un poco diferentes". [4] Como tal, la música en Hair abarca toda la gama del rock: desde la sensibilidad rockabilly de "Don't Put it Down" hasta los ritmos folk rock de "Frank Mills" y "What a Piece of Work is Man". " Easy to Be Hard " es puro ritmo y blues , y abundan los himnos del rock protesta : "Ain't Got No" y "The Flesh Failures". El rock ácido de "Walking in Space" y "Aquarius" se equilibra con el pop convencional de "Good Morning Starshine". [109] Scott Miller vincula la música de Hair con los temas políticos de los hippies: "Los hippies... estaban decididos a crear el arte del pueblo y la forma de arte que eligieron, la música rock/folk era, por definición, populista... . [L]a música de los hippies era a menudo muy furiosa, su ira dirigida a aquellos que prostituirían la Constitución, que traicionarían a Estados Unidos, que traicionarían lo que Estados Unidos representaba, en otras palabras, dirigida a sus padres y al gobierno; " [65] El historiador del teatro John Kenrick explica la aplicación de la música rock al medio escénico:
El mismo sonido de hard rock que había conquistado el mundo de la música popular llegó al escenario musical con dos éxitos simultáneos: Your Own Thing [y] Hair . ... Esta explosión de proclamas revolucionarias, malas palabras y hard rock sacudió el teatro musical hasta sus raíces. ... La mayoría de la gente en el negocio del teatro no estaba dispuesta a considerar a Hair como algo más que un ruidoso accidente. Los votantes del Tony intentaron ignorar la importancia de Hair , excluyéndolo de cualquier honor. Sin embargo, algunos insistieron ahora en que era hora de un cambio. El crítico del New York Times, Clive Barnes, dijo efusivamente que Hair fue "el primer musical de Broadway en algún tiempo en tener la voz auténtica de hoy en lugar de la de anteayer" .
La música no resonó en todos. Leonard Bernstein comentó que "las canciones son sólo listas de lavandería" [111] y abandonó la producción. [112] Richard Rodgers sólo podía escuchar el ritmo y lo llamó "música de un tercio". [111] John Fogerty dijo: " El cabello es una versión tan diluida de lo que realmente está sucediendo que no puedo respaldarlo en absoluto". [113] Gene Lees, escribiendo para High Fidelity , afirmó que John Lennon lo encontró "aburrido" y escribió: "No conozco a ningún músico que piense que es bueno". [100]
La partitura tenía muchas más canciones de las típicas de los espectáculos de Broadway de la época. [5] La mayoría de los espectáculos de Broadway tenían entre seis y diez canciones por acto; El total del cabello está en los treinta. [114] Esta lista refleja la programación más común de Broadway. [115]
El programa estaba en reescritura casi perpetua. Se agregaron trece canciones entre la producción en el Public Theatre y Broadway, incluida "I Believe in Love". [115] "The Climax" y "Dead End" se eliminaron entre las producciones, y "Exanaplanetooch" y "You Are Standing on My Bed" estuvieron presentes en los avances, pero se cortaron antes de Broadway. El discurso de Shakespeare " Qué obra es un hombre " fue pronunciado originalmente por Claude y musicalizado por MacDermot para Broadway, y "Hashish" se formó a partir de un discurso temprano de Berger. [115] Las producciones posteriores han incluido "Hello There", "Dead End", [115] y "Hippie Life", una canción escrita originalmente para la película que Rado incluyó en varias producciones en Europa en la década de 1990. [116] El resurgimiento de Broadway de 2009 incluyó "Sheila Franklin" de diez segundos y "O Great God of Power", [117] dos canciones que fueron eliminadas de la producción original.
La primera grabación de Hair se realizó en 1967 con el elenco del off-Broadway. La grabación original del elenco de Broadway recibió un premio Grammy en 1969 a la mejor banda sonora de un álbum de espectáculo original [118] y vendió casi 3 millones de copias en los EE. UU. en diciembre de 1969. [58] Se ubicó en el puesto número 1 en el Billboard 200 . el último álbum del elenco de Broadway en hacerlo (a partir de 2016). Permaneció en el número 1 durante 13 semanas en 1969. [119] El álbum también alcanzó el puesto número 2 en Australia en 1970. [120] The New York Times señaló en 2007 que "El álbum del elenco de Hair era... imprescindible". -tiene para las clases medias. Su exótica portada en naranja y verde se imprimió instantánea e indeleblemente en la psique... [Se] convirtió en un clásico del pop-rock que, como todo buen pop, tiene un atractivo que trasciende lo particular. gustos por género o época." [18] En 2019, la Biblioteca del Congreso agregó el álbum original del elenco de Broadway al Registro Nacional de Grabaciones . [121]
El álbum del elenco del renacimiento londinense de 1993 contiene música nueva que se ha incorporado a la versión de alquiler estándar. [65] Un álbum de estudio de 1969, DisinHAIRited ( RCA Victor LSO-1163), contiene las siguientes canciones que habían sido escritas para el programa pero que tuvieron diferentes tiempos en el escenario. Algunas de las canciones fueron cortadas entre las producciones de Public y Broadway, algunas se dejaron fuera del álbum del elenco original debido al espacio y algunas nunca se interpretaron en el escenario. [115]
Las canciones de Hair han sido grabadas por numerosos artistas, [122] entre ellos Nina Simone , Shirley Bassey , Barbra Streisand y Diana Ross . [123] "Good Morning Starshine" fue cantada en un episodio de 1969 de Barrio Sésamo por el miembro del elenco Bob McGrath , [124] y se han grabado versiones de artistas como Sarah Brightman , Petula Clark y Strawberry Alarm Clock . [125] Artistas tan variados como Liza Minnelli y The Lemonheads han grabado "Frank Mills", [126] y Andrea McArdle , Jennifer Warnes y Sérgio Mendes han contribuido con versiones de "Easy to Be Hard". [127] Hair también ayudó a lanzar carreras discográficas para los artistas Meat Loaf, Dobie Gray, Jennifer Warnes, Jobriath , Bert Sommer , Ronnie Dyson, Donna Summer y Melba Moore, entre otros. [64]
La puntuación de Hair también tuvo éxito en las listas. The 5th Dimension lanzó " Aquarius/Let the Sunshine In " en 1969, que ganó el premio a Grabación del año en 1970 [128] y encabezó las listas durante seis semanas. La grabación de los Cowsills de la canción principal "Hair" subió al número 2 en el Billboard Hot 100 . [129] mientras que la interpretación de Oliver de "Good Morning Starshine" alcanzó el número 3. [130] La versión de "Easy to Be Hard" de Three Dog Night llegó al número 4. [131] El popurrí de 1968 de Nina Simone de " Ain't Got No, I Got Life " alcanzó el top 5 en las listas británicas. [132] En 1970, ASCAP anunció que "Aquarius" se reprodujo con más frecuencia en la radio y la televisión de EE. UU. que cualquier otra canción ese año. [133]
Producciones en Inglaterra, Alemania, Francia, Suecia, Japón, Israel, Países Bajos, Australia y otros lugares lanzaron álbumes de reparto, [134] y se han grabado más de 1.000 interpretaciones vocales y/o instrumentales de canciones individuales de Hair . [35] Se prestó tanta atención a las grabaciones de Hair que, después de una guerra de ofertas sin precedentes, ABC Records estuvo dispuesta a pagar una cantidad récord por la próxima adaptación de MacDermot a Broadway, Two Gentlemen of Verona . [135] La grabación de resurgimiento de 2009, lanzada el 23 de junio, debutó en el puesto número 1 en la lista "Top Cast Album" de Billboard y en el puesto 63 en el Top 200 , calificándolo como el álbum debut más alto en la historia de Ghostlight Records . [136]
La recepción de Hair en su estreno en Broadway fue, salvo excepciones, abrumadoramente positiva. Clive Barnes escribió en el New York Times : "¿Qué tiene de agradable Hair ...? Creo que es simplemente que es tan agradable. Tan nuevo, tan fresco y tan modesto, incluso en sus pretensiones". [75] John J. O'Connor de The Wall Street Journal dijo que el espectáculo fue "exuberantemente desafiante y la producción explota en cada rincón del Teatro Biltmore". [137] Richard Watts Jr. del New York Post escribió que "tiene un encanto sorprendente, aunque quizás involuntario, su buen humor es contagioso y su entusiasmo juvenil hace que sea difícil resistirse". [138]
Las críticas televisivas fueron aún más entusiastas. Allan Jeffreys de ABC dijo que los actores eran "los hippies más talentosos que jamás hayas visto... dirigidos de una manera maravillosamente salvaje por Tom O'Horgan". [139] Leonard Probst de NBC dijo: " El cabello es el único concepto nuevo en los musicales de Broadway en años y es más divertido que cualquier otro en esta temporada". [140] John Wingate de WOR TV elogió la "partitura dinámica" de MacDermot que "explota y se eleva", [141] y Len Harris de CBS dijo: "Finalmente encontré el mejor musical de la temporada de Broadway... es así de descuidado, vulgar y fantástico musical de rock de amor tribal Hair ". [142]
Un crítico de Variety , por otro lado, calificó el programa de "loco" y "sin historia, forma, música, baile, belleza o arte... Es imposible saber si [el elenco tiene] talento. Tal vez el talento sea irrelevante en este nuevo tipo de mundo del espectáculo". [143] Las críticas en los semanarios de noticias fueron mixtas; Jack Kroll en Newsweek escribió: "No se puede negar el puro impulso cinético de este nuevo Hair ... hay algo duro, atrapante, ligeramente corrupto en el virtuosismo de O'Horgan, como si Busby Berkeley se volviera perra". [144] Pero un crítico de Time escribió que aunque el programa "rebota de vitalidad [está] paralizado por ser un musical sin libros y, como un pez sin espinas, flota a la deriva cuando debería nadar". [145]
Las críticas fueron mixtas cuando Hair abrió en Londres. Irving Wardle en The Times escribió: "Su honestidad y pasión le dan la calidad de una verdadera celebración teatral: el sonido alegre de un grupo de personas que le dicen al mundo exactamente lo que sienten". En el Financial Times , BA Young estuvo de acuerdo en que Hair fue "no sólo una velada tremendamente agradable, sino también completamente moral". Sin embargo, en su reseña final antes de jubilarse después de 48 años, WA Darlington, de 78 años, de The Daily Telegraph, escribió que se había "esforzado mucho", pero encontró la velada "completamente aburrida: ruidosa, fea y desesperadamente divertida". [146]
Reconociendo a los críticos del programa, Scott Miller escribió en 2001 que "algunas personas no pueden ver más allá de la apariencia de caos y aleatoriedad, la construcción brillante y las imágenes sofisticadas que hay debajo". [65] Miller señala: "No sólo muchas de las letras no rimaban, sino que muchas de las canciones realmente no tenían finales, solo una desaceleración y una parada, por lo que el público no sabía cuándo aplaudir... El espectáculo rechazó todas las convenciones de Broadway, del teatro tradicional en general y del musical estadounidense en particular, y fue brillante". [sesenta y cinco]
El cabello desafió muchas de las normas de la sociedad occidental en 1968. El nombre en sí, inspirado en el nombre de una pintura de Jim Dine que representa un peine y algunos mechones de cabello, [5] [151] fue una reacción a las restricciones de la civilización. y el consumismo y la preferencia por el naturalismo. [152] Rado recuerda que el cabello largo "era una forma visible de conciencia en la expansión de la conciencia. Cuanto más largo se hacía el cabello, más expansiva era la mente. El cabello largo era impactante y era un acto revolucionario dejarse crecer el cabello. Era una especie de bandera, en realidad." [151]
El musical causó controversia cuando se representó por primera vez. El final del Acto I fue la primera vez que un espectáculo de Broadway vio actores y actrices totalmente desnudos, [1] y el espectáculo fue acusado de profanación de la bandera estadounidense y uso de lenguaje obsceno . [8] [153] Estas controversias, además del tema contra la guerra de Vietnam, atrajeron amenazas ocasionales y actos de violencia durante los primeros años del programa y se convirtieron en la base de acciones legales tanto cuando el espectáculo se estrenó en otras ciudades como durante la gira. Finalmente, dos casos llegaron a la Corte Suprema de Estados Unidos .
La compañía de gira de Hair encontró resistencia en todo Estados Unidos. En South Bend , Indiana, el Morris Civic Auditorium rechazó la reserva, [154] y en Evansville, Indiana , varios grupos religiosos protestaron contra la producción. [155] En Indianápolis, Indiana , los productores tuvieron dificultades para conseguir un teatro, y las autoridades de la ciudad sugirieron que el elenco usara medias corporales como un compromiso con la ordenanza de la ciudad que prohíbe la desnudez exhibida públicamente. [154] Las producciones se enfrentaron con frecuencia al cierre de los cines por parte del jefe de bomberos , como en Gladewater , Texas. [156] La negativa de Chattanooga en 1972 a permitir que la obra se proyectara en el Memorial Auditorium, propiedad de la ciudad , [157] [158] fue posteriormente considerada por la Corte Suprema de los Estados Unidos como una restricción previa ilegal . [159]
Las impugnaciones legales contra la producción de Boston fueron apeladas ante la Corte Suprema de Estados Unidos. El Jefe de la Oficina de Licencias se opuso a la representación de la bandera estadounidense en el artículo, [160] diciendo: "cualquiera que profane la bandera debería ser azotado en Boston Common ". [90] Aunque la escena fue retirada antes de la inauguración, la oficina del Fiscal de Distrito comenzó a planear detener el espectáculo, alegando que se estaban llevando a cabo acciones "lascivas y lascivas" en el escenario. El equipo legal de Hair obtuvo una orden judicial contra el procesamiento penal del Tribunal Superior, [161] y el fiscal del distrito apeló ante el Tribunal Judicial Supremo de Massachusetts . A petición de ambas partes, varios de los jueces vieron la producción y dictaron el fallo de que "cada miembro del elenco [debe] estar vestido en una medida razonable". El elenco desafiantemente representó la escena desnudo más tarde esa noche, afirmando que el fallo era vago en cuanto a cuándo entraría en vigor. [90] Al día siguiente, 10 de abril de 1970, la producción cerró y las salas de cine, temiendo la sentencia sobre desnudez, comenzaron a eliminar escenas de películas en su exhibición. Después de que el tribunal federal de apelaciones revocó el fallo del tribunal de Massachusetts, el fiscal del distrito apeló el caso ante la Corte Suprema de Estados Unidos. En una decisión de 4 a 4, el Tribunal confirmó la decisión del tribunal inferior, permitiendo que Hair reabriera el 22 de mayo. [91]
En abril de 1971, se arrojó una bomba contra el exterior de un teatro en Cleveland , Ohio, que había albergado una producción, rebotó en la marquesina y rompió las ventanas del edificio y de las tiendas cercanas. [162] Ese mismo mes, las familias del miembro del elenco Jonathon Johnson y el director de escena Rusty Carlson murieron en un incendio en el hotel de Cleveland donde se habían alojado 33 miembros de la compañía del programa. [163] [164] La noche de estreno de la producción de Sydney, Australia, fue interrumpida por una amenaza de bomba en junio de 1969. [165]
Las reacciones locales al controvertido material variaron mucho. La gran población hippie de San Francisco consideró el espectáculo como una extensión de las actividades callejeras allí, a menudo desdibujando la barrera entre el arte y la vida al meditar con el elenco y frecuentemente encontrándose en el escenario durante el espectáculo. [42] Una princesa Ana de 18 años fue vista bailando en el escenario en Londres, [166] y en Washington DC, asistió Henry Kissinger . En St. Paul , Minnesota, un clérigo que protestaba soltó 18 ratones blancos en el vestíbulo con la esperanza de asustar a la audiencia. [42] El capitán Jim Lovell y Jack Swigert , después de apodar el módulo lunar del Apolo 13 "Aquarius" después de la canción, abandonaron la producción en el Biltmore en protesta por el antiamericanismo percibido y la falta de respeto a la bandera. [167]
Una producción de Cabello , de Acapulco , México , dirigida por Castelli, [48] se presentó en 1969 por una noche. Después de la representación, el teatro, ubicado frente a un popular burdel local, fue cerrado con candado por el gobierno, que dijo que la producción era "perjudicial para la moral de la juventud". [89] El elenco fue arrestado poco después de la actuación y llevado a Inmigración, donde aceptaron abandonar el país, pero debido a complicaciones legales se vieron obligados a esconderse. [168] Fueron expulsados de México días después. [169] [170]
Hair marcó efectivamente el fin de la censura escénica en el Reino Unido . [146] El censor escénico de Londres, Lord Chamberlain , originalmente se negó a otorgar la licencia para el musical, y el estreno se retrasó hasta que el Parlamento aprobó un proyecto de ley que lo despojaba de su poder de concesión de licencias. [146] En Munich, las autoridades amenazaron con cerrar la producción si la escena del desnudo permanecía; sin embargo, después de que un portavoz local de Hair declarara que sus familiares habían sido llevados desnudos a Auschwitz , las autoridades cedieron. [48] En Bergen , Noruega, los ciudadanos locales formaron una barricada humana para tratar de impedir la actuación. [48]
La producción parisina encontró poca controversia y el elenco se desnudó para la escena del desnudo "casi religiosamente", según Castelli, ya que la desnudez es común en el escenario de París. [171] Sin embargo, incluso en París hubo oposición ocasional, como cuando un miembro del Ejército de Salvación local utilizó un altavoz portátil para exhortar a la audiencia a detener la presentación. [48] [172]
La primera producción universitaria tuvo lugar en 1970 en la Universidad Estatal de Memphis (ahora Universidad de Memphis ) en Tennessee, dirigida por el director del departamento de teatro Keith Kennedy. [173] [174] El elenco también participó en el Festival Internacional de Pop de Atlanta en 1970. [175] WMC-TV produjo un documental de 1971 que narra la producción. [176]
En 1977 se inauguró una reposición de Hair en Broadway con 43 funciones. Fue producida por Butler, dirigida por O'Horgan y representada en el Biltmore Theatre, donde se había presentado la producción original de Broadway. El elenco incluía a Ellen Foley , Annie Golden , Loretta Devine , Cleavant Derricks y Kristen Vigard . [177] El recién llegado Peter Gallagher dejó el conjunto durante los avances para asumir el papel de Danny Zuko en una gira de Grease . [178] Las críticas fueron en general negativas y los críticos acusaron a la producción de "mostrar su gris". [179] Pocos resurgimientos importantes de Hair siguieron hasta principios de los años 1990.
En mayo de 1988 se celebró un concierto por el vigésimo aniversario en la Asamblea General de las Naciones Unidas en beneficio de los niños con SIDA. [180] El evento fue patrocinado por la Primera Dama Nancy Reagan y Barbara Walters dio la introducción de apertura de la noche. [181] Rado, Ragni y MacDermot se reunieron para escribir nueve canciones nuevas para el concierto. El elenco de 163 actores incluía ex estrellas de varias producciones de todo el mundo: Moore, Vereen, Williams y Summer, así como los artistas invitados Bea Arthur , Frank Stallone y la Dra. Ruth Westheimer . Los precios de las entradas oscilaron entre 250 y 5.000 dólares y las ganancias se destinaron al Comité de Estados Unidos para UNICEF y al Fondo para Niños con SIDA de la Sociedad Creo. [181]
Según se informa , una producción de 1985 de Hair montada en Montreal fue la producción profesional número 70 del musical. [35] En noviembre de 1988, Michael Butler produjo Hair en el Vic Theatre de Chicago para celebrar el vigésimo aniversario del espectáculo. La producción fue bien recibida y estuvo en cartelera hasta febrero de 1989. [181] De 1990 a 1991, Pink Lace Productions realizó una gira nacional de Hair por Estados Unidos que incluyó paradas en Carolina del Sur , Georgia , Tennessee y Kentucky . [181] Después de la muerte de Ragni en 1991, MacDermot y Rado continuaron escribiendo nuevas canciones para avivamientos durante la década de 1990. Hair Sarajevo, 1992 d.C. se representó durante el asedio de Sarajevo como un llamamiento a la paz. [35] Rado dirigió una gira nacional de 11 ciudades por valor de un millón de dólares en 1994 que contó con el actor Luther Creek . Con MacDermot regresando para supervisar la música, la gira de Rado celebró el 25º aniversario del espectáculo. [182] Una pequeña producción de Hair en "autobús y camión" de 1990 realizó una gira por Europa durante más de 3 años, [182] y Rado dirigió varias producciones europeas de 1995 a 1999. [116]
Una producción se estrenó en Australia en 1992 [183] y una breve reposición en Londres protagonizada por John Barrowman y Paul Hipp se estrenó en el Old Vic de Londres en 1993, dirigida por Michael Bogdanov . [184] [185] Si bien la producción de Londres fue fiel al original, un miembro del personal de producción dijo que la razón por la que "fracaso" fue porque la tribu estaba formada por " los hijos de Thatcher que realmente no lo entendieron". [186] Otras producciones se montaron en todo el mundo, incluida Sudáfrica, donde el espectáculo había estado prohibido hasta la erradicación del apartheid . [187] En 1996, Butler trajo una producción de un mes de duración a Chicago, empleando el Pacific Musical Theatre, una compañía profesional residente en la Universidad Estatal de California, Fullerton . Butler dirigió el programa al mismo tiempo que la Convención Nacional Demócrata de 1996 , haciéndose eco de la última vez que el Comité Nacional Demócrata estuvo en Chicago: 1968 . [188] Se realizó una producción fuera de Broadway del 30 aniversario en Third Eye Repertory. Fue dirigida por Shawn Rozsa. [189]
En 2001, ¡Reprise! La compañía de teatro de Los Ángeles presentó Hair en el Wadsworth Theatre, protagonizada por Steven Weber como Berger, Sam Harris como Claude y Jennifer Leigh Warren como Sheila. [190] Ese mismo año, ¡Encores! Great American Musicals in Concert finalizó su temporada 2001 en City Center con una producción de Hair protagonizada por Luther Creek, Idina Menzel y Tom Plotkin , y con el compositor de Hair Galt MacDermot en el escenario tocando los teclados. [191] Un beneficio del espectáculo del Fondo de Actores se presentó durante una noche en el New Amsterdam Theatre de la ciudad de Nueva York en 2004. La Tribu incluía a Shoshana Bean , Raúl Esparza , Jim J. Bullock , Liz Callaway , Gavin Creel , Eden Espinosa. , Harvey Fierstein , Ana Gasteyer , Annie Golden, Jennifer Hudson , Julia Murney , Jai Rodríguez , RuPaul , Michael McKean , Laura Benanti y Adam Pascal . [192]
En 2005, se inauguró una producción londinense en el Gate Theatre, dirigida por Daniel Kramer. James Rado aprobó una actualización del guión del musical para ubicarlo en el contexto de la guerra de Irak en lugar de la guerra de Vietnam. [193] La interpretación modernizada de Kramer incluyó "Aquarius" cantada con un megáfono en Times Square y desnudez que recordaba imágenes de Abu Ghraib . [194] En marzo de 2006, Rado colaboró con el director Robert Prior para una producción de CanStage de Hair en Toronto, [195] y una reposición producida por Pieter Toerien realizó una gira por Sudáfrica en 2007. Dirigida por Paul Warwick Griffin, con coreografía de Timothy Le Roux. , el espectáculo se presentó en el Teatro Montecasino de Johannesburgo y en el Teatro on the Bay de Ciudad del Cabo. [196] Una presentación de dos semanas presentada en el Teatro Tapia en el Viejo San Juan , Puerto Rico , en marzo de 2010, dirigida por Yinoelle Colón. [197]
Michael Butler produjo Hair en el MET Theatre de Los Ángeles del 14 de septiembre al 30 de diciembre de 2007. El espectáculo fue dirigido y coreografiado por Bo Crowell, con dirección musical de Christian Nesmith . [198] [199] La producción de Butler de Hair ganó el premio LA Weekly Theatre al musical del año. [200]
Era un programa sobre ahora cuando lo hicimos. Ahora es un programa sobre entonces, pero sigue siendo sobre ahora.
James Rado , 2008 [151]
Durante tres noches de septiembre de 2007, Joe's Pub y el Public Theatre presentaron una producción del 40 aniversario de Hair en el Delacorte Theatre de Central Park. Esta versión de concierto, dirigida por Diane Paulus , contó con Jonathan Groff como Claude y Galt MacDermot en el escenario a los teclados. El elenco también incluyó a Karen Olivo como Sheila y Will Swenson como Berger. [201] Los actores de la producción original de Broadway se unieron al elenco en el escenario durante el bis de "Let the Sun Shine In". La demanda del espectáculo fue abrumadora, ya que las largas colas y las esperas nocturnas para conseguir entradas superaron con creces las de otras producciones de Delacorte como Mother Courage and Her Children, protagonizada por Meryl Streep y Kevin Kline . [202]
Nueve meses después, The Public Theatre presentó una producción completa de Hair en el Delacorte en una edición limitada del 22 de julio de 2008 al 14 de septiembre de 2008. [203] Paulus volvió a dirigir, con coreografía de Karole Armitage . Groff y Swenson regresaron como Claude y Berger, junto con otros miembros del elenco del concierto. [204] Caren Lyn Manuel interpretó a Sheila, y Christopher J. Hanke reemplazó a Groff como Claude el 17 de agosto. [205] Las críticas fueron en general positivas, y Ben Brantley de The New York Times escribió que "esta producción establece el programa como más que una vivaz pieza de época, Hair, al parecer, tiene raíces más profundas de lo que nadie recordaba". [206] La revista Time escribió: " Hair ... ha sido revitalizado y reclamado como uno de los grandes hitos en la historia del teatro musical... Hoy Hair parece, en todo caso, más atrevido que nunca". [3]
La producción del Public Theatre se transfirió a Broadway en el Teatro Al Hirschfeld , comenzando los avances el 6 de marzo de 2009, con una inauguración oficial el 31 de marzo de 2009. Paulus y Armitage nuevamente dirigieron y coreografiaron, y la mayor parte del elenco regresó de la producción en el parque. Todas las noches se llevó a cabo una lotería de boletos previa a la presentación por boletos de palco de $ 25. [207] El elenco de apertura incluyó a Gavin Creel como Claude, Will Swenson como Berger, Caissie Levy como Sheila, Megan Lawrence como Madre y Sasha Allen como Dionne. [208] Los diseñadores incluyeron a Scott Pask (decorados), Michael McDonald (vestuario) y Kevin Adams (iluminación). [209]
La respuesta crítica fue casi uniformemente positiva. [210] El titular del New York Daily News proclamaba " La gran diversión de Hair Revival". La reseña elogió la dirección atrevida, la coreografía "coloridamente cinética" y los logros técnicos del espectáculo, especialmente la iluminación, y comentó que "como una celebración de la vida y la libertad que induce a sonreír, [ Hair es] altamente comunicable"; pero advierte: "Si estás sentada en el pasillo, cuenta con que [el yeso] esté en tu cara o en tu regazo o... trenzándote el cabello". [211] El New York Post escribió que la producción "ha salido triunfante... En estos días, la nación está menos obsesionada con la guerra y más con la economía. Como resultado, las escenas que más resuenan son aquellas en las que el Los niños rechazan exultantemente la carrera de ratas." [212] Variety se entusiasmó: "La directora Diane Paulus y su elenco prodigiosamente talentoso se conectan con el material de maneras que llegan directamente al corazón del musical de rock de 1967, generando una tremenda energía que irradia hasta las vigas... Lo que podría haber sido mera nostalgia en su lugar. se convierte en un acontecimiento de inmersión total... Si esta producción explosiva no despierta algo en ti, puede que sea hora de tomarte el pulso". [213] El Boston Globe discrepó, diciendo que la producción "se sintió enlatada" y "exagerada" y que el resurgimiento "se siente insoportablemente ingenuo e imperdonablemente simplista". [214] Ben Brantley, escribiendo para The New York Times , reflejó la mayoría, sin embargo, entregando una reseña entusiasta:
Habiéndose mudado a Broadway desde el Teatro Delacorte... los jóvenes miembros del elenco... no muestran signos de domesticarse. Al contrario, están derribando la casa. ... Este resurgimiento emocionalmente rico ... ofrece lo que Broadway no ha sentido en esta temporada: la alegría y la angustia intensas y puras de ese estado bipolar llamado juventud. ... La alegre coreografía hippie de Karole Armitage, con sus manoseos grupales y contorsiones masivas, parece haber sido inventada en el acto. Pero hay una forma inteligente dentro de lo aparentemente informe. ... [Paulus encuentra] profundidades de carácter y sentimiento en [el programa de 1968 sobre niños] asustados de cómo el futuro los va a cambiar y de no saber qué viene después. ... Cada miembro del conjunto emerge como un individuo. ... Después del programa no podía dejar de pensar en qué pasaría con [los personajes]. La música del Sr. MacDermot, que siempre tuvo más pop que ácido, se mantiene maravillosamente, dada la vida contagiosa de la banda en el escenario y las voces sabrosamente mezcladas del elenco. [215]
El Public Theatre luchó por recaudar los 5,5 millones de dólares presupuestados para la transferencia de Broadway, debido a la gravedad de la recesión económica de finales de 2008 , pero alcanzó su objetivo añadiendo nuevos socios productores. La directora Diane Paulus ayudó a mantener los costos bajos utilizando un equipo económico. El programa recaudó unos saludables 822.889 dólares en su segunda semana. [216] [217] El 30 de abril de 2009, en el Late Show with David Letterman , el elenco recreó una actuación en el mismo escenario en el Teatro Ed Sullivan de la tribu original. [218] La producción ganó el premio Tony a la mejor reposición de un musical , [219] el premio Drama Desk a la mejor reposición de un musical [220] y el premio Drama League a la reposición distinguida de un musical. [221] En agosto de 2009, el resurgimiento había recuperado toda su inversión de $ 5,760,000, convirtiéndose en uno de los musicales de recuperación más rápida en la historia de Broadway. [222] Su álbum de reparto fue nominado al premio Grammy 2010 al Mejor Álbum de Espectáculo Musical. [223]
Cuando el elenco de Broadway se trasladó a Londres para el resurgimiento del West End en 2010, una tribu mayoritariamente nueva se hizo cargo de Broadway el 9 de marzo de 2010, incluidos los ex finalistas de American Idol, Ace Young como Berger y Diana DeGarmo como Sheila. Kyle Riabko asumió el papel de Claude, Annaleigh Ashford interpretó a Jeanie y Vanessa Ray fue Chrissie. Rachel Bay Jones luego interpretó a Madre y otros papeles. [224] Las ventas disminuyeron después de que el elenco original se transfirió a Londres y la reposición cerró el 27 de junio de 2010, después de 29 avances y 519 presentaciones regulares. [225] [226]
El 21 de octubre de 2010 comenzó una gira nacional de la producción por Estados Unidos. Los directores incluyeron a Steel Burkhardt como Berger, Paris Remillard como Claude y Caren Lyn Tackett como Sheila. [227] La gira recibió críticas en su mayoría positivas. [223] El espectáculo regresó a Broadway para un compromiso en el St. James Theatre del 5 de julio al 10 de septiembre de 2011. Después de esa parada, se reanudó la gira. [228] La gira finalizó el 29 de enero de 2012. [229]
La producción de Broadway de 2009 se duplicó en el Teatro Gielgud del West End de Londres . Las vistas previas comenzaron el 1 de abril de 2010, con una inauguración oficial el 14 de abril. Los productores fueron el Public Theatre, junto con Cameron Mackintosh y Broadway Across America . Casi todo el elenco de Nueva York se mudó a Londres, pero Luther Creek interpretó a Woof. [230] [231] El avivamiento de Londres cerró el 4 de septiembre de 2010. [232]
La producción recibió críticas en su mayoría entusiastas. Michael Billington de The Guardian lo describió como "una pieza de teatro vivo vibrante y alegre", escribiendo, "celebra un período en el que la alegría de la vida se enfrentó a las fuerzas de la intolerancia y el poder mortífero del complejo militar-industrial". . Como dijo una vez Shakespeare: 'Todavía no hay savia'". [233] Charles Spencer en The Daily Telegraph estuvo de acuerdo: "Este es un resurgimiento oportuno e irresistiblemente vital del más grande de todos los musicales de rock... El brío y el entusiasmo. La energía de la empresa... es irresistible." [234] Michael Coveney de The Independent escribió que Hair es "uno de los grandes musicales de todos los tiempos y un fenómeno que, me alivia descubrir, se erige como una pieza de época". [235] En The Times , Benedict Nightingale comentó que "es estimulante, además de extrañamente conmovedor, cuando un elenco multicolor vestido con todo tipo de prendas, desde caftanes ondulantes hasta chaquetas militares de Ruritania , corre hacia el escenario mientras ofrece ese melodioso saludo a una era de Acuario que todavía se niega a Amanecer." [236]
En agosto de 2014, la versión de Broadway de 2009 regresó para un compromiso de tres noches en el Hollywood Bowl . Dirigida por Adam Shankman , el elenco incluía a Kristen Bell como Sheila, Hunter Parrish como Claude, Benjamin Walker como Berger, Amber Riley como Dionne, Jenna Ushkowitz como Jeanie, Sarah Hyland como Crissy, Mario como Hud y Beverly D'Angelo y Kevin Chamberlin. como los padres de Claude. [237]
Una producción de 2016 en Manchester, Inglaterra, en el Hope Mill Theatre , dirigida por Jonathan O'Boyle y coreografiada por William Whelton, protagonizada por Robert Metson como Claude, Laura Johnson como Sheila y Ryan Anderson como Berger, obtuvo críticas positivas. [238] En 2017, en el 50 aniversario del musical, la puesta en escena se repitió en el West-End en el teatro The Vaults de Londres, con Metson y Johnson repitiendo sus papeles y Andy Coxon como Berger. [239] La producción ganó el premio WhatsOnStage a la mejor producción del Off-West End. [240] En marzo de 2019 comenzó una gira nacional de la producción en el Reino Unido, protagonizada por Jake Quickenden como Berger, Daisy Wood-Davis como Sheila, Paul Wilkins como Claude y Marcus Collins como Hud. [241]
El cabello se ha realizado en la mayoría de los países del mundo. [187] Después de la caída del Muro de Berlín , el espectáculo viajó por primera vez a Polonia, Líbano, República Checa y Sarajevo (presentado en Nightline de ABC con Ted Koppel , cuando Phil Alden Robinson visitó esa ciudad en 1996 y descubrió una producción de Hair allí en medio de la guerra). [187] En 1999, Michael Butler y el director Bo Crowell ayudaron a producir Hair in Russia en el Teatro Stas Namin ubicado en el Parque Gorky de Moscú . La producción de Moscú provocó una reacción similar a la del original 30 años antes porque los soldados rusos estaban luchando en Chechenia en ese momento. [242] [243]
Rado escribió en 2003 que los únicos lugares donde no se había representado el espectáculo eran "China, India, Vietnam, los continentes Ártico y Antártico, así como la mayoría de los países africanos". [187] Desde entonces, se ha montado una producción india. [244]
En 1979 se estrenó una adaptación cinematográfica musical del mismo nombre. Dirigida por Miloš Forman con coreografía de Twyla Tharp y guión de Michael Weller , la película está protagonizada por John Savage , Treat Williams y Beverly D'Angelo , con Golden, Moore, Dyson, Foley, Dorsey Wright , Don Dacus , Nell Carter y Cheryl Barnes . Estuvo nominada a dos Globos de Oro : Mejor Película - Musical o Comedia y Nueva Estrella del Año en una Película (por Williams), y Forman fue nominado a un Premio César . [245]
Se eliminaron varias canciones y la trama de la película se aleja significativamente del musical. El personaje de Claude se reescribe como un recluta inocente de Oklahoma , recién llegado a Nueva York para unirse al ejército, y Sheila es una debutante de la alta sociedad que llama su atención. Quizás en la mayor diversión, un error lleva a Berger a ir a Vietnam en lugar de Claude, donde lo matan. [246] Si bien la película recibió críticas generalmente positivas, Ragni y Rado dijeron que no logró capturar la esencia de Hair al retratar a los hippies como "bichos raros" sin ninguna conexión con el movimiento por la paz. [245]
El New York Times señaló, en 2007, que " Hair fue uno de los últimos musicales de Broadway que saturó la cultura como lo hacían regularmente los espectáculos de la edad de oro". [18] Las canciones del programa continúan siendo grabadas por artistas importantes. En la década de 1990, el grupo de Evan Dando , The Lemonheads, grabó "Frank Mills" para su álbum de 1992 It's a Shame About Ray , y Run DMC tomó una muestra de "Where Do I Go" para su sencillo de 1993 "Down With the King", que terminó en No. 1 en las listas de rap de Billboard y alcanzó el top 25 en la lista Billboard Hot 100. [247] [248] En 2004, "Aquarius", de la versión cinematográfica de 1979 , fue honrado en el puesto 33 en 100 años... 100 canciones de AFI . [249]
Las canciones del musical han aparecido en películas y episodios de televisión. Por ejemplo, en la película Charlie y la fábrica de chocolate de 2005 , el personaje Willy Wonka dio la bienvenida a los niños con la letra de "Good Morning Starshine". [250] "Aquarius" se representó en el episodio final de Laverne y Shirley en 1983, donde el personaje Carmine se muda a la ciudad de Nueva York para convertirse en actor y hace una audición para Hair . [251] "Aquarius/Let the Sunshine In" también se interpretó en la escena final de la película The 40-Year-Old Virgin , [252] y la grabación de Three Dog Night de "Easy to Be Hard" apareció en la primera parte. de la película Zodiac de David Fincher . [253] En el episodio de Los Simpson " The Springfield Files ", la gente del pueblo, Leonard Nimoy , Chewbacca , Dana Scully y Fox Mulder cantan "Good Morning Starshine". [254] El episodio " Hairography " del programa Glee incluye una mezcla muy criticada de las canciones "Hair" y " Crazy in Love " de Beyoncé . [255] Además, Head of the Class presentó un episodio de dos partes en 1990 en el que el jefe del departamento de inglés está decidido a interrumpir la presentación de Hair en la escuela . [256] La continua popularidad de Hair se ve en su ranking número diez en una encuesta de oyentes de BBC Radio 2 de 2006 sobre los "Musicales esenciales número uno del [Reino Unido]". [257]
Debido a la universalidad de su tema pacifista, Hair sigue siendo una opción popular para producciones de escuelas secundarias y universidades. [35] Las producciones amateur de Hair también son populares en todo el mundo. [258] En 2002, Peter Jennings presentó una producción de Hair de la escuela secundaria de Boulder, Colorado , para su serie documental de ABC In Search of America . [259] Una producción de teatro comunitario de septiembre de 2006 en el Count Basie Theatre con capacidad para 2000 asientos en Red Bank, Nueva Jersey , fue elogiada por el productor original Michael Butler, quien dijo que era "uno de los mejores Hair s que he visto en mucho tiempo". ". [260] Otro ejemplo de una producción amateur reciente a gran escala es la producción de Mountain Play en el anfiteatro Cushing Memorial con capacidad para 4.000 asientos en el Parque Estatal Mount Tamalpais en Mill Valley, California , en la primavera de 2007. [261]
Hair fue el "primer concepto musical completamente realizado" de Broadway , una forma que dominó el teatro musical de los años setenta, [262] incluyendo espectáculos como Company , Follies , Pacific Overtures y A Chorus Line . [262] Si bien el desarrollo del concepto musical fue una consecuencia inesperada de la permanencia de Hair en Broadway, la esperada revolución de la música rock en Broadway resultó no estar completa. [262]
MacDermot siguió a Hair con tres partituras de rock sucesivas: Two Gentlemen of Verona (1971); Amigo (1972), una segunda colaboración con Ragni; y Vía Galáctica (1972). Mientras Two Gentlemen of Verona encontró un público receptivo y un Tony al Mejor Musical, Dude fracasó después de sólo dieciséis funciones y Via Galactica fracasó después de un mes. [263] Según Horn, estos y otros "fracasos similares pueden haber sido el resultado de que los productores simplemente confiaron en la etiqueta 'rock musical' para atraer al público sin tener en cuenta la calidad del material presentado". [263] Jesucristo Superstar (1970) y Godspell (1971) fueron dos éxitos del género con temática religiosa. Grease (1971) volvió a los sonidos del rock de la década de 1950, y los musicales de temática negra como The Wiz (1975) estaban fuertemente influenciados por el gospel, el R&B y la música soul . A finales de la década de 1970, el género se había agotado. [263] Excepto por algunos puestos avanzados del rock, como Dreamgirls (1981) y Little Shop of Horrors (1982), los gustos del público en la década de 1980 recurrieron a megamusicales con partituras pop, como Les Misérables (1985) y El fantasma de la ópera ( 1986). [264] Algunos musicales de rock posteriores, como Rent (1996) y Spring Awakening (2006), así como musicales de máquina de discos con música rock, como We Will Rock You (2002) y Rock of Ages (2009), han tenido éxito. Pero el musical de rock no llegó rápidamente a dominar el escenario del teatro musical después de Hair . El crítico Clive Barnes comentó: "Realmente no hubo musicales de rock. Ningún músico de rock importante hizo jamás una partitura de rock para Broadway... Podrías pensar en el musical Tommy , pero nunca fue concebido como un espectáculo de Broadway... Y uno puede ver por qué. Hay mucho más dinero en discos y conciertos de rock. Quiero decir, ¿por qué molestarse en pasar por el dolor de un musical que puede cerrar en Filadelfia? [263] [265]
Por otro lado, Hair tuvo un profundo efecto no sólo en lo que era aceptable en Broadway, sino también como parte de los mismos movimientos sociales que celebraba. Por ejemplo, en 1970, Butler, Castelli y los distintos actores de Hair contribuyeron a la recaudación de fondos para la Asamblea Mundial de la Juventud , una organización patrocinada por las Naciones Unidas formada en relación con la celebración del 25º aniversario de las Naciones Unidas. [266] La Asamblea permitió que 750 jóvenes representantes de todo el mundo se reunieran en Nueva York en julio de 1970 para discutir cuestiones sociales. [267] [268] Durante aproximadamente una semana, los miembros del elenco de todo el mundo recaudaron donaciones en cada espectáculo para el fondo. Hair recaudó alrededor de 250.000 dólares y acabó siendo el principal financista de la Asamblea. [269] Los miembros del elenco y el equipo también contribuyeron con el salario de un día, y Butler contribuyó con las ganancias de un día de estas producciones. [266] [267] Además, como señaló Ellen Stewart , fundadora de La MaMa ETC:
El cabello vino con jeans, ropa cómoda, colores, colores lindos, sonidos, movimiento. ... Y puedes ir a AT&T y ver a una secretaria hoy, y ella lleva jeans azules. ... Puedes ir a donde quieras, y lo que hizo Hair , sigue haciéndolo veinte años después . ... Una especie de emancipación, una emancipación espiritual que surgió de la puesta en escena [de O'Horgan]. ... Hair hasta esta fecha ha influido en todo lo que ves en Broadway, fuera de Broadway, fuera de Broadway, en cualquier parte del mundo, verás elementos de las técnicas experimentales que Hair trajo no solo a Broadway, sino al mundo entero. [270]
Notas
Willy Wonka: Buenos días, brillo de estrellas... ¡la tierra te saluda!
Bibliografía