Francis Jean Marcel Poulenc ( francés: [fʁɑ̃sis ʒɑ̃ maʁsɛl pulɛ̃k] ; 7 de enero de 1899 - 30 de enero de 1963) fue un compositor y pianista francés. Sus composiciones incluyen canciones , obras para piano solo, música de cámara, piezas corales, óperas, ballets y música de concierto orquestal. Entre los más conocidos se encuentran la suite para piano Trois mouvements perpétuels (1919), el ballet Les biches (1923), el Concert champêtre (1928) para clavecín y orquesta, el Concierto para órgano (1938), la ópera Dialogues des Carmélites (1957) y el Gloria (1959) para soprano , coro y orquesta.
Como hijo único de un próspero fabricante, se esperaba que Poulenc siguiera a su padre en la empresa familiar y no se le permitió matricularse en una escuela de música. Estudió con el pianista Ricardo Viñes , quien se convirtió en su mentor tras la muerte de los padres del compositor. Poulenc también conoció a Erik Satie , bajo cuya tutela se convirtió en uno de un grupo de jóvenes compositores conocidos colectivamente como Les Six . En sus primeras obras, Poulenc se hizo conocido por su buen humor e irreverencia. Durante la década de 1930 surgió un lado mucho más serio de su naturaleza, particularmente en la música religiosa que compuso a partir de 1936, que alternó con sus obras más alegres.
Además de su trabajo como compositor, Poulenc fue un consumado pianista. Fue especialmente célebre por sus colaboraciones interpretativas con el barítono Pierre Bernac (quien también le asesoró en escritura vocal) y la soprano Denise Duval . Con ambos realizó giras por Europa y América y realizó numerosas grabaciones como pianista. Fue uno de los primeros compositores en ver la importancia del gramófono y grabó extensamente desde 1928 en adelante.
En sus últimos años, y durante décadas después de su muerte, Poulenc tuvo reputación, particularmente en su país natal, como un compositor ligero y humorístico, y su música religiosa a menudo era pasada por alto. En el siglo XXI, se ha prestado más atención a sus obras serias, con muchas producciones nuevas de Dialogues des Carmélites y La voix humaine en todo el mundo, y numerosas interpretaciones en vivo y grabadas de sus canciones y música coral.
Poulenc nació en el distrito 8 de París el 7 de enero de 1899, el hijo menor y único hijo de Émile Poulenc y su esposa, Jenny, de soltera Royer. [1] [2] Émile Poulenc era copropietario de Poulenc Frères , un exitoso fabricante de productos farmacéuticos (más tarde Rhône-Poulenc ). [3] Era miembro de una piadosa familia católica romana de Espalion en el departamento de Aveyron . Jenny Poulenc provenía de una familia parisina con amplios intereses artísticos. En opinión de Poulenc, los dos lados de su naturaleza surgieron de este trasfondo: una profunda fe religiosa de la familia de su padre y un lado mundano y artístico de la de su madre. [2] El crítico Claude Rostand describió más tarde a Poulenc como "mitad monje y mitad niño travieso". [n 1]
Poulenc creció en un hogar musical; su madre era una pianista capaz, con un amplio repertorio que iba desde obras clásicas hasta obras menos elevadas que le dieron un gusto de por vida por lo que él llamaba "adorable mala música". [12] [n 2] Tomó lecciones de piano desde los cinco años; cuando tenía ocho años escuchó por primera vez la música de Debussy y quedó fascinado por la originalidad del sonido. Otros compositores cuyas obras influyeron en su desarrollo fueron Schubert y Stravinsky : Winterreise del primero y La consagración de la primavera del segundo le causaron una profunda impresión. [14] Ante la insistencia de su padre, Poulenc siguió una carrera escolar convencional, estudiando en el Lycée Condorcet de París en lugar de en un conservatorio de música. [15]
En 1916, una amiga de la infancia, Raymonde Linossier (1897-1930), presentó a Poulenc la librería de Adrienne Monnier , la Maison des Amis des Livres . [16] Allí conoció a los poetas de vanguardia Guillaume Apollinaire , Max Jacob , Paul Éluard y Louis Aragon . Más tarde puso música a muchos de sus poemas. [17] En el mismo año se convirtió en alumno del pianista Ricardo Viñes . El biógrafo Henri Hell comenta que la influencia de Viñes en su alumno fue profunda, tanto en la técnica pianística como en el estilo de las obras para teclado de Poulenc. Poulenc dijo más tarde de Viñes:
Era un hombre de lo más encantador, un hidalgo estrafalario de enormes bigotes, sombrero de ala plana al más puro estilo español y botas con botones con las que me golpeaba las espinillas cuando no cambiaba lo suficiente el pedaleo. [18] ... Lo admiraba con locura, porque, en esta época, en 1914, era el único virtuoso que tocaba Debussy y Ravel . Aquel encuentro con Viñes fue primordial en mi vida: a él se lo debo todo... En realidad es a Viñes a quien le debo mis incipientes esfuerzos en la música y todo lo que sé sobre el piano. [19]
Cuando Poulenc tenía dieciséis años, su madre murió; su padre murió dos años después. Viñes se convirtió en algo más que un maestro: fue, en palabras de Myriam Chimènes en el Diccionario Grove de Música y Músicos , el "mentor espiritual" del joven. [2] Animó a su alumno a componer y más tarde estrenó tres de las primeras obras de Poulenc. [n 3] A través de él, Poulenc se hizo amigo de dos compositores que ayudaron a dar forma a su desarrollo inicial: Georges Auric y Erik Satie . [21]
Auric, que tenía la misma edad que Poulenc, fue uno de los primeros en desarrollarse musicalmente; Cuando los dos se conocieron, la música de Auric ya se había interpretado en importantes salas de conciertos parisinas. Los dos jóvenes compositores compartían una perspectiva musical y entusiasmos similares, y durante el resto de la vida de Poulenc, Auric fue su amigo y guía más confiable. [22] Poulenc lo llamó "mi verdadero hermano en espíritu". [20] Satie, una figura excéntrica, aislada del establishment musical francés, fue mentor de varios compositores jóvenes en ascenso, incluidos Auric, Louis Durey y Arthur Honegger . Después de descartar inicialmente a Poulenc como un aficionado burgués , cedió y lo admitió en el círculo de sus protegidos, a quienes llamó "Les Nouveaux Jeunes" . [23] Poulenc describió la influencia de Satie sobre él como "inmediata y amplia, tanto en el plano espiritual como en el musical". [24] El pianista Alfred Cortot comentó que los Trois mouvements perpétuels de Poulenc eran "reflejos de la perspectiva irónica de Satie adaptada a los sensibles estándares de los círculos intelectuales actuales". [22]
Poulenc hizo su debut como compositor en 1917 con su Rapsodie nègre , una pieza de diez minutos y cinco movimientos para barítono y grupo de cámara; [n 4] estuvo dedicado a Satie y se estrenó en uno de una serie de conciertos de nueva música dirigidos por la cantante Jane Bathori . En aquella época había en París una moda por las artes africanas, y Poulenc quedó encantado al toparse con algunos versos publicados supuestamente liberianos, pero llenos de jerga del boulevard parisino . Usó uno de los poemas en dos secciones de la rapsodia . El barítono contratado para la primera interpretación perdió los nervios en la plataforma y el compositor, aunque no era cantante, saltó. Este jeu d'esprit fue el primero de muchos ejemplos de lo que los críticos anglófonos llegaron a llamar "leg-Poulenc". [27] [n 5] A Ravel le divirtió la pieza y comentó sobre la capacidad de Poulenc para inventar su propio folclore. [29] Stravinsky quedó lo suficientemente impresionado como para usar su influencia para asegurarle a Poulenc un contrato con un editor, una amabilidad que Poulenc nunca olvidó. [30]
En 1917, Poulenc conoció a Ravel lo suficientemente bien como para tener serias conversaciones con él sobre música. Estaba consternado por los juicios de Ravel, que exaltaban a los compositores que Poulenc consideraba poco por encima de aquellos a los que admiraba mucho. [31] [n 6] Le contó a Satie sobre este infeliz encuentro; Satie respondió con un epíteto despectivo hacia Ravel quien, dijo, dijo "un montón de tonterías". [31] [n 7] Durante muchos años Poulenc se mostró ambiguo acerca de la música de Ravel, aunque siempre lo respetó como hombre. La modestia de Ravel acerca de su propia música atrajo particularmente a Poulenc, quien trató durante toda su vida de seguir el ejemplo de Ravel. [34] [n.8]
Desde enero de 1918 hasta enero de 1921, Poulenc fue recluta en el ejército francés durante los últimos meses de la Primera Guerra Mundial y el período inmediato de la posguerra. Entre julio y octubre de 1918 sirvió en el frente franco-alemán , tras lo cual le asignaron una serie de puestos auxiliares, terminando como mecanógrafo en el Ministerio de Aviación . [36] Sus deberes le permitieron tiempo para la composición; [2] los Trois mouvements perpétuels para piano y la Sonata para piano a dúo fueron escritos en el piano de la escuela primaria local de Saint-Martin-sur-le-Pré , y completó su primer ciclo de canciones , Le bestiaire , componiendo poemas de Apollinario. La sonata no causó una profunda impresión pública, pero el ciclo de canciones dio a conocer el nombre del compositor en Francia, y los Trois mouvements perpétuels se convirtieron rápidamente en un éxito internacional. [36] Las exigencias de la creación musical en tiempos de guerra enseñaron a Poulenc mucho sobre cómo escribir para cualquier instrumento disponible; Luego, y más tarde, algunas de sus obras fueron para combinaciones inusuales de jugadores. [37]
En esta etapa de su carrera, Poulenc era consciente de su falta de formación musical académica; El crítico y biógrafo Jeremy Sams escribe que fue una buena suerte para el compositor que el ánimo del público se volviera contra la exuberancia del romanticismo tardío en favor de la "frescura y el encanto despreocupado" de sus obras, por muy poco sofisticadas que fueran técnicamente. [38] Cuatro de las primeras obras de Poulenc se estrenaron en la Salle Huyghens de la zona de Montparnasse , donde entre 1917 y 1920 el violonchelista Félix Delgrange presentó conciertos de música de jóvenes compositores. Entre ellos se encontraban Auric, Durey, Honegger, Darius Milhaud y Germaine Tailleferre quienes, con Poulenc, llegaron a ser conocidos colectivamente como " Les Six " . [39] Después de uno de sus conciertos, el crítico Henri Collet publicó un artículo titulado "Los cinco rusos, los seis franceses y Satie". Según Milhaud:
Collet eligió de manera completamente arbitraria los nombres de seis compositores, Auric, Durey, Honegger, Poulenc, Tailleferre y yo, sólo por el hecho de que nos conocíamos, que éramos amigos y estábamos representados en los mismos programas, pero sin la la más mínima preocupación por nuestras diferentes actitudes y nuestras diferentes naturalezas. Auric y Poulenc seguían las ideas de Cocteau , Honegger era un producto del romanticismo alemán y mis inclinaciones eran hacia un arte lírico mediterráneo... El artículo de Collet causó tal impresión que el Groupe des Six había nacido. [40] [n.9]
Cocteau, aunque similar en edad a Les Six , era una especie de figura paterna para el grupo. [41] Su estilo literario, "paradójico y lapidario" en frase de Hell, era antirromántico, conciso e irreverente. [43] Atrajo mucho a Poulenc, quien hizo su primera adaptación de las palabras de Cocteau en 1919 y la última en 1961. [44] Cuando los miembros de Les Six colaboraban entre sí, aportaban sus propias secciones individuales al trabajo conjunto. Su suite para piano de 1920, L'Album des Six, consta de seis piezas separadas y no relacionadas. [45] Su ballet de 1921 Les mariés de la tour Eiffel contiene tres secciones de Milhaud, dos cada una de Auric, Poulenc y Tailleferre, una de Honegger y ninguna de Durey, que ya se estaba distanciando del grupo. [46]
A principios de la década de 1920, Poulenc seguía preocupado por su falta de formación musical formal. Satie sospechaba de las escuelas de música, pero Ravel aconsejó a Poulenc que tomara lecciones de composición; Milhaud sugirió al compositor y profesor Charles Koechlin . [47] [n 10] Poulenc trabajó con él de forma intermitente desde 1921 hasta 1925. [49]
Desde principios de la década de 1920, Poulenc fue bien recibido en el extranjero, particularmente en Gran Bretaña, tanto como intérprete como como compositor. En 1921, Ernest Newman escribió en The Manchester Guardian : "Estoy atento a Francis Poulenc, un joven que acaba de cumplir los veinte años. Debería convertirse en un farsante de primer orden". Newman dijo que rara vez había escuchado algo tan deliciosamente absurdo como partes del ciclo de canciones Cocardes de Poulenc , con su acompañamiento interpretado por una combinación poco ortodoxa de corneta , trombón, violín y percusión. [50] En 1922 Poulenc y Milhaud viajaron a Viena para encontrarse con Alban Berg , Anton Webern y Arnold Schönberg . Ninguno de los compositores franceses se vio influenciado por el revolucionario sistema dodecafónico de sus colegas austriacos , pero admiraban a los tres como sus principales defensores. [51] Al año siguiente, Poulenc recibió un encargo de Sergei Diaghilev para una partitura de ballet de larga duración. Decidió que el tema sería una versión moderna de la clásica fête galante francesa . Esta obra, Les biches , tuvo un éxito inmediato, primero en Montecarlo en enero de 1924 y luego en París en mayo, bajo la dirección de André Messager ; sigue siendo una de las partituras más conocidas de Poulenc. [52] La nueva celebridad de Poulenc después del éxito del ballet fue la causa inesperada de su distanciamiento de Satie: entre los nuevos amigos que hizo Poulenc estaba Louis Laloy , un escritor a quien Satie consideraba con una enemistad implacable. [53] Auric, que acababa de disfrutar de un triunfo similar con un ballet de Diaghilev, Les Fâcheux , también fue repudiado por Satie por hacerse amigo de Laloy. [53]
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A medida que avanzaba la década, Poulenc produjo una variedad de composiciones, desde canciones hasta música de cámara y otro ballet, Aubade . Hell sugiere que la influencia de Koechlin inhibió ocasionalmente el estilo simple y natural de Poulenc, y que Auric ofreció una guía útil para ayudarlo a aparecer en sus verdaderos colores. En un concierto de música de los dos amigos en 1926, las canciones de Poulenc fueron cantadas por primera vez por el barítono Pierre Bernac , de quien, según frase de Hell, "el nombre de Poulenc pronto sería inseparable". [54] Otro intérprete con el que el compositor llegó a estar estrechamente asociado fue la clavecinista Wanda Landowska . La escuchó como solista en El retablo de maese Pedro (1923) de Falla , un ejemplo temprano del uso de un clavecín en una obra moderna, e inmediatamente quedó cautivado por el sonido. A petición de Landowska, escribió un concierto, el Concert champêtre , que estrenó en 1929 con la Orquesta Sinfónica de París dirigida por Pierre Monteux . [55]
El biógrafo Richard DE Burton comenta que, a finales de la década de 1920, Poulenc podría haber parecido encontrarse en una posición envidiable: exitoso profesionalmente y acomodado de forma independiente, habiendo heredado una fortuna sustancial de su padre. [56] Compró una gran casa de campo, Le Grand Coteau , en Noizay , Indre-et-Loire, 140 millas (230 km) al suroeste de París, donde se retiró para componer en un entorno tranquilo. [56] Sin embargo, estaba preocupado y luchaba por aceptar su sexualidad, que era predominantemente homosexual. [ cita necesaria ] Su primera aventura seria fue con el pintor Richard Chanlaire , a quien envió una copia de la partitura del Concierto Champêtre con la inscripción:
Sin embargo, mientras este asunto estaba en marcha, Poulenc propuso matrimonio a su amiga Raymonde Linossier. Como ella no sólo era muy consciente de su homosexualidad, sino que también tenía un vínculo sentimental con otros lugares, lo rechazó y su relación se volvió tensa. [58] [59] Sufrió el primero de muchos períodos de depresión, que afectó su capacidad para componer, y quedó devastado en enero de 1930 cuando Linossier murió repentinamente a la edad de 32 años. Sobre su muerte, escribió: "Toda mi juventud Se va con ella, toda esa parte de mi vida que sólo le pertenecía a ella. Lloro... Ahora tengo veinte años más". [58] Su romance con Chanlaire terminó en 1931, aunque siguieron siendo amigos para toda la vida. [60]
A principios de la década, Poulenc volvió a escribir canciones, después de una pausa de dos años. Su "Epitafe", de un poema de Malherbe , fue escrito en memoria de Linossier, y el pianista Graham Johnson lo describe como "una canción profunda en todos los sentidos". [61] [n 11] Al año siguiente, Poulenc escribió tres conjuntos de canciones, con letra de Apollinaire y Max Jacob, algunas de las cuales tenían un tono serio y otras recordaban su estilo alegre anterior, al igual que otras de sus obras. de principios de los años 1930. [63] En 1932 su música estuvo entre las primeras en ser transmitida por televisión, en una transmisión de la BBC en la que Reginald Kell y Gilbert Vinter interpretaron su Sonata para clarinete y fagot . [64] Aproximadamente en esta época Poulenc comenzó una relación con Raymond Destouches, un chofer; Al igual que antes con Chanlaire, lo que comenzó como una aventura apasionada se convirtió en una amistad profunda y duradera. Destouches, que se casó en los años cincuenta, permaneció cerca de Poulenc hasta el final de la vida del compositor. [sesenta y cinco]
Dos acontecimientos no relacionados ocurridos en 1936 se combinaron para inspirar un despertar de la fe religiosa y una nueva profundidad de seriedad en la música de Poulenc. Su colega compositor Pierre-Octave Ferroud murió en un accidente automovilístico tan violento que fue decapitado, y casi inmediatamente después, mientras estaba de vacaciones, Poulenc visitó el santuario de Rocamadour . Más tarde explicó:
Unos días antes acababa de enterarme de la trágica muerte de mi colega... Mientras meditaba sobre la fragilidad de nuestra estructura humana, me sentí atraído una vez más por la vida del espíritu. Rocamadour tuvo el efecto de devolverme a la fe de mi infancia. Este santuario, sin duda el más antiguo de Francia... tenía todo para cautivarme... La misma noche de esta visita a Rocamadour, comencé mis Letanías a la Virgen Negra para voces femeninas y órgano. En esa obra intenté transmitir la atmósfera de "devoción campesina" que con tanta fuerza me había impactado en aquella elevada capilla. [66]
Otras obras que siguieron continuaron con la recién descubierta seriedad del compositor, incluidas muchas configuraciones de los poemas surrealistas y humanistas de Éluard. En 1937 compuso su primera obra litúrgica importante, la Misa en sol mayor para soprano y coro mixto a capella , que se ha convertido en la más interpretada de todas sus obras sacras. [67] No todas las nuevas composiciones de Poulenc estaban en esta línea seria; su música incidental para la obra La Reine Margot , protagonizada por Yvonne Printemps , era música de baile pastiche del siglo XVI y se hizo popular con el título Suite française . [68] Los críticos musicales en general continuaron definiendo a Poulenc por sus obras alegres, y no fue hasta la década de 1950 que su lado serio fue ampliamente reconocido. [69]
En 1936 Poulenc empezó a dar frecuentes recitales con Bernac. En la École Normale de París estrenaron los Cinq poèmes de Paul Éluard de Poulenc . Continuaron actuando juntos durante más de veinte años, en París e internacionalmente, hasta la jubilación de Bernac en 1959. Poulenc, que compuso 90 canciones para su colaborador, [70] lo consideró uno de los "tres grandes encuentros" de su carrera profesional, los otros dos son Éluard y Landowska. [71] [n 12] En palabras de Johnson, "durante veinticinco años Bernac fue el consejero y la conciencia de Poulenc", y el compositor confió en él para que le aconsejara no sólo sobre la composición de canciones, sino también sobre sus óperas y música coral. [73]
A lo largo de la década, Poulenc fue popular entre el público británico; Estableció una fructífera relación con la BBC de Londres, que transmitió muchas de sus obras. [74] Con Bernac, hizo su primera gira por Gran Bretaña en 1938. [75] Su música también fue popular en Estados Unidos, vista por muchos como "la quintaesencia del ingenio, la elegancia y el buen humor franceses". [76] En los últimos años de la década de 1930, las composiciones de Poulenc continuaron variando entre obras serias y alegres. Quatre motets pour un temps de pénitence (Cuatro motetes penitenciales, 1938-1939) y la canción "Bleuet" (1939), una meditación elegíaca sobre la muerte, contrastan con el ciclo de canciones Fiançailles pour rire (Esponsales alegres), que retoma el espíritu de Les biches , a juicio de Hell. [77]
Poulenc volvió a ser soldado brevemente durante la Segunda Guerra Mundial ; fue llamado a filas el 2 de junio de 1940 y sirvió en una unidad antiaérea en Burdeos . [78] Después de que Francia se rindiera a Alemania , Poulenc fue desmovilizado del ejército el 18 de julio de 1940. Pasó el verano de ese año con familiares y amigos en Brive-la-Gaillarde, en el centro-sur de Francia. [79] En los primeros meses de la guerra, había compuesto poca música nueva, en lugar de eso reorquestó Les biches y reelaboró su sexteto de 1932 para piano y vientos. En Brive-la-Gaillarde inició tres nuevas obras y, una vez de regreso a su casa de Noizay, en octubre, inició una cuarta. Se trataba de L'Histoire de Babar, le petit éléphant para piano y narrador, la Sonata para violonchelo , el ballet Les Animaux modèles y el ciclo de canciones Banalités . [77]
Durante la mayor parte de la guerra, Poulenc estuvo en París, dando recitales con Bernac, concentrándose en canciones francesas. [n 13] Bajo el régimen nazi se encontraba en una posición vulnerable, como homosexual conocido (Destouches evitó por poco el arresto y la deportación), pero en su música hizo muchos gestos de desafío a los alemanes. [80] Puso música a versos de poetas destacados de la Resistencia francesa , entre ellos Aragon y Éluard. En Les Animaux modèles , estrenada en la Ópera en 1942, incluyó la melodía, repetida varias veces, de la canción antialemana "Vous n'aurez pas l'Alsace et la Lorraine". [82] [83] [n 14] Fue miembro fundador del Frente Nacional (pour musique), que las autoridades nazis veían con sospecha por su asociación con músicos prohibidos como Milhaud y Paul Hindemith . [84] En 1943 escribió una cantata para coro doble no acompañado destinada a Bélgica, Figure humaine , con ocho de los poemas de Éluard. [85] La obra, que termina con "Liberté", no pudo presentarse en Francia mientras los alemanes estuvieran en control; su primera interpretación fue transmitida desde un estudio de la BBC en Londres en marzo de 1945, [86] y no se cantó en París hasta 1947. [87] El crítico musical de The Times escribió más tarde que la obra "se encuentra entre las mejores obras corales". de nuestro tiempo y en sí mismo elimina a Poulenc de la categoría de petit maître a la que la ignorancia generalmente se ha contentado con relegarlo". [88]
En enero de 1945, por encargo del gobierno francés, Poulenc y Bernac volaron de París a Londres, donde recibieron una entusiasta bienvenida. La Orquesta Filarmónica de Londres ofreció una recepción en honor del compositor; [89] él y Benjamin Britten fueron los solistas en una interpretación del Concierto para piano doble de Poulenc en el Royal Albert Hall ; [90] con Bernac dio recitales de melodías francesas y obras para piano en el Wigmore Hall y la National Gallery , y grabó para la BBC. [91] Bernac quedó abrumado por la respuesta del público; Cuando él y Poulenc subieron al escenario del Wigmore Hall, "el público se levantó y mi emoción fue tal que en lugar de empezar a cantar, comencé a llorar". [92] Después de su estancia de quince días, los dos regresaron a casa en el primer barco-tren que salió de Londres hacia París desde mayo de 1940. [93]
En París, Poulenc completó sus partituras para L'Histoire de Babar, le petit éléphant y su primera ópera, Les mamelles de Tirésias (Los pechos de Tiresias ), una breve ópera bouffe de aproximadamente una hora de duración. [94] La obra es un escenario de la obra de Apollinaire del mismo nombre, representada en 1917. Sams describe la ópera como "un caos alegre" que oculta "un tema más profundo y triste: la necesidad de repoblar y redescubrir una Francia devastada". por la guerra". [94] Se estrenó en junio de 1947 en la Opéra-Comique y fue un éxito de crítica, pero no resultó popular entre el público. [n 15] El papel femenino principal lo asumió Denise Duval , quien se convirtió en la soprano favorita del compositor , frecuente compañera de recitales y dedicatoria de parte de su música. [96] La llamó el ruiseñor que le hacía llorar ( "Mon rossignol à larmes" ). [97]
Poco después de la guerra, Poulenc tuvo un breve romance con una mujer, Fréderique ("Freddy") Lebedeff, con quien tuvo una hija, Marie-Ange, en 1946. La niña fue criada sin saber quién era su padre (Poulenc era supuestamente su "padrino") pero hizo generosas provisiones para ella, y ella fue la principal beneficiaria de su testamento. [72]
En el período de posguerra, Poulenc se enfrentó a compositores de la generación más joven que rechazaron el trabajo reciente de Stravinsky e insistieron en que sólo los preceptos de la Segunda Escuela Vienesa eran válidos. Poulenc defendió a Stravinsky y expresó su incredulidad porque "en 1945 hablamos como si la estética de los doce tonos fuera la única salvación posible para la música contemporánea". [69] Su opinión de que Berg había llevado el serialismo tan lejos como podía llegar y que la música de Schoenberg era ahora "desierto, sopa de piedra, música sucedánea o vitaminas poéticas" le valió la enemistad de compositores como Pierre Boulez . [n 16] Quienes no estaban de acuerdo con Poulenc intentaron pintarlo como una reliquia de la era anterior a la guerra, frívolo y poco progresista. Esto le llevó a centrarse en sus obras más serias y a intentar persuadir al público francés para que las escuchara. En Estados Unidos y Gran Bretaña, con sus fuertes tradiciones corales, su música religiosa se interpretaba con frecuencia, pero las actuaciones en Francia eran mucho más raras, de modo que el público y los críticos a menudo desconocían sus serias composiciones. [69] [99] [n 17]
En 1948 Poulenc realizó su primera visita a Estados Unidos, en una gira de conciertos de dos meses con Bernac. [99] Regresó allí frecuentemente hasta 1961, dando recitales con Bernac o Duval y como solista en el estreno mundial de su Concierto para piano (1949), encargado por la Orquesta Sinfónica de Boston . [2]
Poulenc comienza la década de 1950 con un nuevo socio en su vida privada, Lucien Roubert, un viajante de comercio. [100] Profesionalmente Poulenc fue productivo, escribiendo un ciclo de siete canciones con poemas de Éluard, La Fraîcheur et le feu (1950) y el Stabat Mater , en memoria del pintor Christian Bérard , compuesto en 1950 y estrenado al año siguiente. [101]
En 1953, La Scala y la editorial milanesa Casa Ricordi le ofrecieron a Poulenc un encargo para un ballet. Consideró la historia de Santa Margarita de Cortona , pero encontró impracticable una versión danzada de su vida. Prefería escribir una ópera de tema religioso; Ricordi sugirió Dialogues des Carmélites , un guión inédito de Georges Bernanos . El texto, basado en un cuento de Gertrud von Le Fort , representa a las Mártires de Compiègne , monjas guillotinadas durante la Revolución Francesa por sus creencias religiosas. Poulenc lo encontró "una obra tan conmovedora y noble", [35] ideal para su libreto, y comenzó a componer en agosto de 1953. [102]
Durante la composición de la ópera, Poulenc sufrió dos golpes. Se enteró de una disputa entre los herederos de Bernanos y el escritor Emmet Lavery , quien poseía los derechos de las adaptaciones teatrales de la novela de Le Fort; esto hizo que Poulenc dejara de trabajar en su ópera. [103] Casi al mismo tiempo, Roubert enfermó gravemente. [n 18] Una intensa preocupación empujó a Poulenc a un ataque de nervios y, en noviembre de 1954, se encontraba en una clínica de L'Haÿ-les-Roses , en las afueras de París, fuertemente sedado. [105] Cuando se recuperó y se resolvieron las disputas por derechos literarios y pagos de regalías con Lavery, reanudó el trabajo en Dialogues des Carmélites entre una extensa gira con Bernac en Inglaterra. Como su riqueza personal había disminuido desde la década de 1920, necesitaba los ingresos sustanciales obtenidos con sus recitales. [106]
Mientras trabajaba en la ópera, Poulenc compuso poco más; Las excepciones fueron dos melodías y un breve movimiento orquestal, "Bucolique" en una obra colectiva, Variations sur le nom de Marguerite Long (1954), a la que también contribuyeron sus viejos amigos de Les Six Auric y Milhaud. [107] Mientras Poulenc escribía las últimas páginas de su ópera en octubre de 1955, Roubert murió a la edad de cuarenta y siete años. El compositor le escribió a un amigo: "Lucien fue liberado de su martirio hace diez días y la copia final de Les Carmélites se completó (tome nota) en el mismo momento en que mi querido exhaló su último suspiro". [69]
La ópera se presentó por primera vez en enero de 1957 en La Scala en traducción italiana. [94] Entre entonces y el estreno francés, Poulenc presentó una de sus últimas obras más populares, la Sonata para flauta , que él y Jean-Pierre Rampal interpretaron en junio en el Festival de Música de Estrasburgo . [108] Tres días después, el 21 de junio, se produjo el estreno en París de Dialogues des Carmélites en la Ópera. Fue un éxito tremendo, para considerable alivio del compositor. [109] Alrededor de esta época, Poulenc comenzó su última relación romántica, con Louis Gautier, un ex soldado; siguieron siendo socios hasta el final de la vida de Poulenc. [110]
No es que me consuma la idea de ser un gran músico, [n 19] pero de todos modos me ha exasperado ser, para tanta gente, simplemente un petit maître erótico . ... Desde el Stabat Mater hasta La Voix humaine Debo decir que no ha sido tan divertido.
Poulenc en una carta de 1959 [111]
En 1958, Poulenc se embarcó en una colaboración con su viejo amigo Cocteau, en una versión operística del monodrama de 1930 de este último , La Voix humaine . [n 20] La obra fue producida en febrero de 1959 en la Opéra-Comique, bajo la dirección de Cocteau, con Duval como la trágica mujer abandonada que habla por teléfono con su antiguo amante. [112] En mayo, el 60 cumpleaños de Poulenc estuvo marcado, unos meses más tarde, por su último concierto con Bernac antes de que este último se retirara de las actuaciones públicas. [109]
Poulenc visitó los Estados Unidos en 1960 y 1961. Entre sus obras presentadas durante estos viajes se encuentran el estreno estadounidense de La Voix humaine en el Carnegie Hall de Nueva York, con Duval, [112] y el estreno mundial de su Gloria , una obra de gran escala. para soprano, coro mixto de cuatro voces y orquesta, dirigida en Boston por Charles Munch . [113] En 1961, Poulenc publicó un libro sobre Chabrier, un estudio de 187 páginas sobre el cual un crítico escribió en la década de 1980, "escribe con amor y perspicacia sobre un compositor cuyas opiniones compartía sobre cuestiones como la primacía de la melodía y lo esencial". seriedad del humor." [114] Las obras de los últimos doce meses de Poulenc incluyeron Sept répons des ténèbres para voces y orquesta, la Sonata para clarinete y la Sonata para oboe . [2]
El 30 de enero de 1963, en su piso frente al Jardín de Luxemburgo , Poulenc sufrió un infarto mortal. Su funeral tuvo lugar en la cercana iglesia de Saint-Sulpice . De conformidad con sus deseos, no se interpretó ninguna parte de su música; Marcel Dupré tocó obras de Bach en el gran órgano de la iglesia. [67] Poulenc fue enterrado en el cementerio Père Lachaise , junto a su familia. [109] [115]
La música de Poulenc es esencialmente diatónica . En opinión de Henri Hell , esto se debe a que la característica principal del arte musical de Poulenc es su don melódico. [116] En palabras de Roger Nichols en el diccionario Grove , "Para [Poulenc] el elemento más importante de todos era la melodía y encontró su camino hacia un vasto tesoro de melodías no descubiertas dentro de un área que, según los más actualizados -Mapas musicales actualizados, estudiados, trabajados y agotados. [2] El comentarista George Keck escribe: "Sus melodías son simples, agradables, fáciles de recordar y, en la mayoría de los casos, emocionalmente expresivas". [117]
Poulenc dijo que no tenía inventiva en su lenguaje armónico. El compositor Lennox Berkeley escribió sobre él: "A lo largo de su vida, se contentó con utilizar la armonía convencional, pero su uso era tan individual, tan inmediatamente reconocible como propio, que le dio a su música frescura y validez". [118] Keck considera el lenguaje armónico de Poulenc "tan hermoso, interesante y personal como su escritura melódica... armonías claras y simples que se mueven en áreas tonales obviamente definidas con un cromatismo que rara vez es más que pasajero". [117] Poulenc no tenía tiempo para teorías musicales; en una de sus muchas entrevistas radiofónicas pidió "¡una tregua para componer según la teoría, la doctrina y la regla!". [119] Despreció lo que consideraba el dogmatismo de los partidarios modernos de la dodecafonía , encabezados por René Leibowitz , [120] y lamentó mucho que la adopción de un enfoque teórico hubiera afectado la música de Olivier Messiaen , de quien antes había tenido grandes esperanzas. [n 22] Al infierno, casi toda la música de Poulenc está "inspirada directa o indirectamente en las asociaciones puramente melódicas de la voz humana". [123] Poulenc era un artesano minucioso, aunque creció el mito - "la légende de facilité" - de que su música le resultaba fácil; comentó: "El mito es excusable, ya que hago todo lo posible para ocultar mis esfuerzos". [124]
El pianista Pascal Rogé comentó en 1999 que ambos lados de la naturaleza musical de Poulenc eran igualmente importantes: "Debes aceptarlo como un todo. Si le quitas una de las partes, la seria o la no seria, lo destruyes. Si una parte es Cuando lo borras, sólo obtienes una pálida fotocopia de lo que realmente es". [125] Poulenc reconoció la dicotomía, [125] pero en todas sus obras quería música que fuera "sana, clara y robusta: música tan francamente francesa como la de Stravinsky es eslava". [126] [n.23]
Las principales obras de Poulenc para gran orquesta comprenden dos ballets, una Sinfonietta y cuatro conciertos para teclado. El primero de los ballets, Les biches , se estrenó en 1924 y sigue siendo una de sus obras más conocidas. Nichols escribe en Grove que la partitura clara y melodiosa no tiene un simbolismo profundo, o incluso superficial, un hecho "acentuado por un pequeño pasaje de metales simulados wagnerianos , completo con emotivas novenas menores ". [2] Los dos primeros de los cuatro conciertos están en la vena alegre de Poulenc. El Concierto champêtre para clavecín y orquesta (1927-28) evoca el campo visto desde un punto de vista parisino: Nichols comenta que las fanfarrias del último movimiento recuerdan las cornetas de los cuarteles de Vincennes en los suburbios de París. [2] El Concierto para dos pianos y orquesta (1932) es igualmente una obra destinada exclusivamente a entretener. Se basa en una variedad de fuentes estilísticas: el primer movimiento termina de una manera que recuerda al gamelán balinés , y el movimiento lento comienza en un estilo mozartiano, que Poulenc completa gradualmente con sus propios toques personales característicos. [127] El Concierto para órgano (1938) tiene un tono mucho más serio. Poulenc dijo que estaba "en las afueras" de su música religiosa, y hay pasajes que se inspiran en la música religiosa de Bach , aunque también hay interludios en un estilo popular y alegre. La segunda partitura de ballet, Les Animaux modèles (1941), nunca ha igualado la popularidad de Les biches , aunque tanto Auric como Honegger elogiaron el talento armónico y la ingeniosa orquestación del compositor. [128] Honegger escribió: "Las influencias que han trabajado en él, Chabrier, Satie, Stravinsky, ahora están completamente asimiladas. Al escuchar su música uno piensa: es Poulenc". [129] La Sinfonietta (1947) es una reversión a la frivolidad de antes de la guerra de Poulenc. Llegó a sentir: "Me vestí demasiado joven para mi edad... [es] una nueva versión de Les biches , pero chicas jóvenes [ biches ] que tienen cuarenta y ocho años, ¡eso es horrible!" [69] El Concierto para piano y orquesta (1949) inicialmente causó cierta decepción: muchos sintieron que no era un avance con respecto a la música de antes de la guerra de Poulenc, una opinión que él llegó a compartir. La pieza ha sido reevaluada en años más recientes y en 1996 la escritora Claire Delamarche la calificó como la mejor obra concertante del compositor. [130]
Poulenc, un pianista de gran talento, normalmente componía al piano y escribió muchas piezas para este instrumento a lo largo de su carrera. En opinión de Henri Hell, la escritura para piano de Poulenc se puede dividir en el estilo de percusión y el estilo más suave que recuerda al clavecín. Hell considera que lo mejor de la música para piano de Poulenc está en los acompañamientos de las canciones, opinión que comparte el propio Poulenc. [2] [131] La gran mayoría de las obras para piano son, en opinión del escritor Keith W Daniel, "lo que podrían llamarse 'miniaturas'". [132] Mirando retrospectivamente su música para piano en la década de 1950, el compositor la vio críticamente: "Tolero los Mouvements perpétuels , mi antigua Suite en ut [en do] y las piezas Trois . Me gustan mucho mis dos colecciones de Improvisaciones. , un Intermezzo en La bemol y ciertos Nocturnos . Condeno a Napoli y las Soirées de Nazelles sin tregua." [133]
De las piezas citadas con la aprobación de Poulenc, las quince Improvisaciones fueron compuestas a intervalos entre 1932 y 1959. [n 24] Todas son breves: la más larga dura poco más de tres minutos. Varían desde un lirismo rápido y balletístico hasta un lirismo tierno, una marcha a la antigua , un perpetuum mobile , un vals y un conmovedor retrato musical de la cantante Édith Piaf . [134] El Intermezzo favorito de Poulenc fue el último de tres. Los números uno y dos fueron compuestos en agosto de 1934; le siguió La bemol en marzo de 1943. Los comentaristas Marina y Victor Ledin describen la obra como "la encarnación de la palabra 'encantador'. La música parece simplemente deslizarse de las páginas, cada sonido sigue a otro de una manera tan honesta y natural, con elocuencia y un inconfundible carácter francés." [135] Los ocho nocturnos se compusieron a lo largo de casi una década (1929-1938). Independientemente de que Poulenc los concibiera originalmente como un conjunto integral o no, le dio al octavo el título "Para servir como Coda para el ciclo" ( Pour servir de Coda au Cycle ). Aunque comparten su título genérico con los nocturnos de Field , Chopin y Fauré, los de Poulenc no se parecen a los de los compositores anteriores, siendo "escenas nocturnas e imágenes sonoras de acontecimientos públicos y privados" más que poemas sinfónicos románticos . [135]
Las piezas que Poulenc encontró simplemente tolerables eran todas obras tempranas: Trois mouvements perpétuels data de 1919, la Suite en C de 1920 y las Trois pièces de 1928. Todas constan de secciones cortas, siendo la más larga el "Himno", la segunda de las tres. 1928 piezas, que dura unos cuatro minutos. [134] De las dos obras que su compositor destacó para censura, Napoli (1925) es un retrato de Italia en tres movimientos, y el compositor Geoffrey Bush describe Les Soirées de Nazelles como "el equivalente francés de las Variaciones Enigma de Elgar ". " – bocetos de personajes en miniatura de sus amigos. A pesar del desprecio de Poulenc por el trabajo, Bush lo considera ingenioso e ingenioso. [136] Entre la música para piano no mencionada, favorable o duramente, por Poulenc, las piezas más conocidas incluyen las dos Novelettes (1927-28), el conjunto de seis miniaturas para niños, Villageoises (1933), una versión para piano de las siete -movimiento Suite française (1935) y L'embarquement pour Cythère para dos pianos (1953). [137]
En Grove , Nichols divide las obras de cámara en tres periodos claramente diferenciados. Las primeras cuatro sonatas provienen del grupo inicial, todas escritas antes de que Poulenc cumpliera veintidós años. Son para dos clarinetes (1918), dúo de piano (1918), clarinete y fagot (1922) y trompa, trompeta y trombón (1922). [138] Son ejemplos tempranos de las muchas y variadas influencias de Poulenc, con ecos de divertimentos rococó junto con armonías no convencionales, algunas influenciadas por el jazz. Los cuatro se caracterizan por su brevedad -menos de diez minutos cada uno-, su picardía y su ingenio, que Nichols describe como ácido. Otras obras de cámara de este período son la Rapsodie nègre , FP 3, de 1917 (principalmente instrumental, con breves episodios vocales) y el Trío para oboe, fagot y piano (1926). [2]
Las obras de cámara del período medio de Poulenc fueron escritas en las décadas de 1930 y 1940. El más conocido es el Sexteto para piano y viento (1932), en la vena alegre de Poulenc, que consta de dos animados movimientos exteriores y un divertimento central ; esta fue una de varias obras de cámara con las que el compositor quedó insatisfecho y la revisó exhaustivamente algunos años después de su primera interpretación (en este caso, en 1939-1940). [139] [n 25] Las sonatas de este grupo son para violín y piano (1942–43) y para violonchelo y piano (1948). Escribir para cuerdas no le resultó fácil a Poulenc; estas sonatas se completaron después de dos intentos anteriores fallidos, [n 26] y en 1947 destruyó el borrador de un cuarteto de cuerda. [n 27] Ambas sonatas son predominantemente de carácter grave; el de violín está dedicado a la memoria de Federico García Lorca . [2] Comentaristas como Hell, Schmidt y el propio Poulenc la han considerado, y hasta cierto punto la sonata para violonchelo, menos efectiva que las de viento. [142] El "Concierto choréographique" de Aubade para piano y 18 instrumentos (1930) logra un efecto casi orquestal, a pesar de su modesto número de intérpretes. [n 28] Las otras obras de cámara de este período son arreglos para pequeños conjuntos de dos obras en la línea más ligera de Poulenc, la Suite francesa (1935) y los Trois mouvements perpétuels (1946). [144]
Las tres últimas sonatas son para instrumentos de viento y piano: para flauta (1956-1957), clarinete (1962) y oboe (1962). Según Grove , se han convertido en elementos fijos de sus repertorios debido a "su experiencia técnica y su profunda belleza". La Élégie para trompa y piano (1957) fue compuesta en memoria del trompetista Dennis Brain . [2] Contiene una de las raras incursiones de Poulenc en la dodecafonía, con el breve empleo de una fila de tonos de doce notas . [145]
Poulenc compuso canciones a lo largo de su carrera y su producción en el género es extensa. [n 29] En opinión de Johnson, la mayoría de los mejores fueron escritos en las décadas de 1930 y 1940. [147] Aunque de carácter muy variado, las canciones están dominadas por la preferencia de Poulenc por ciertos poetas. Desde el principio de su carrera prefirió los versos de Guillaume Apollinaire y, desde mediados de la década de 1930, el escritor cuya obra ambientó con mayor frecuencia fue Paul Éluard. Otros poetas cuyas obras ambientó con frecuencia fueron Jean Cocteau, Max Jacob y Louise de Vilmorin . [148] En opinión del crítico musical Andrew Clements, las canciones de Éluard incluyen muchos de los mejores escenarios de Poulenc; [149] Johnson llama al ciclo Tel Jour, Telle Nuit (1937) el "trabajo decisivo" del compositor, y Nichols lo considera "una obra maestra digna de estar junto a La Bonne Chanson de Fauré ". [2] Clements encuentra en los escenarios de Éluard una profundidad "a mundos alejados de las superficies frágiles y jocosas de la música orquestal e instrumental temprana de Poulenc". [149] Johnson describe el primero de los Deux poèmes de Louis Aragon (1943), titulado simplemente "C", como "una obra maestra conocida en todo el mundo; es la canción más inusual, y quizás la más conmovedora, sobre el los estragos de la guerra jamás compuestos." [150]
En un repaso de las canciones en 1973, la estudiosa musical Yvonne Gouverné dijo: "En Poulenc, la línea melódica se adapta tan bien al texto que parece de alguna manera completarlo, gracias al don que tiene la música para penetrar en lo más profundo esencia de un poema determinado; nadie ha elaborado mejor una frase que Poulenc, resaltando el color de las palabras." [151] Entre las piezas más ligeras, una de las canciones más populares del compositor es una adaptación de Les Chemins de l'amour para la obra de Jean Anouilh de 1940 como un vals parisino; [152] por el contrario, su "monólogo" "La Dame de Monte Carlo", (1961), una representación de una anciana adicta al juego, muestra la dolorosa comprensión del compositor de los horrores de la depresión. [153]
Aparte de una única obra temprana para coro sin acompañamiento ("Chanson à boire", 1922), Poulenc comenzó a escribir música coral en 1936. Ese año produjo tres obras para coro: Sept chansons (establecimientos de versos de Éluard y otros), Petites voix (para voces infantiles), y su obra religiosa Litanies à la Vierge Noire , para voces femeninas o infantiles y órgano. [154] Gouverné describe la Misa en sol mayor (1937) para coro no acompañado como de estilo barroco , con "vitalidad y clamor alegre en el que se expresa su fe". [151] El nuevo tema religioso de Poulenc continuó con Quatre motets pour un temps de pénitence (1938-39), pero entre sus obras corales más importantes se encuentra la cantata secular Figure humaine (1943). Al igual que la Misa, no está acompañada y para tener éxito en su ejecución requiere cantantes de la más alta calidad. [2] Otras obras a capella incluyen los Quatre motets pour le temps de Noël (1952), que exigen severamente la precisión rítmica y la entonación de los coros. [155]
Las principales obras de Poulenc para coro y orquesta son el Stabat Mater (1950), el Gloria (1959–60) y Sept répons des ténèbres (Siete responsorios para Tenebrae , 1961–62). Todas estas obras se basan en textos litúrgicos, originalmente ambientados en canto gregoriano . [67] En el Gloria , la fe de Poulenc se expresa de una manera exuberante y alegre, con intervalos de calma orante y sentimiento místico, y un final de serena tranquilidad. [67] Poulenc escribió a Bernac en 1962: "He terminado Les Ténèbres. Creo que es hermoso. Con el Gloria y el Stabat Mater, creo que tengo tres buenas obras religiosas. Que me ahorren unos días en el Purgatorio . si por poco evito ir al infierno." [67] Sept répons des ténèbres , que Poulenc no vivió para oírla, utiliza una gran orquesta, pero en opinión de Nichols muestra una nueva concentración de pensamiento. [2] Para el crítico Ralph Thibodeau, la obra puede considerarse como el propio réquiem de Poulenc y es "la más vanguardista de sus composiciones sagradas, la más exigente emocionalmente y la más interesante musicalmente, comparable sólo con su magnum opus sacrum . la ópera, Dialogues des Carmélites ." [67]
Poulenc se dedicó a la ópera sólo en la segunda mitad de su carrera. Habiendo alcanzado la fama cuando tenía poco más de veinte años, tenía cuarenta y tantos cuando intentó interpretar su primera ópera. Lo atribuyó a la necesidad de madurez antes de abordar los temas que eligió plantear. En 1958 le dijo a un entrevistador: "Cuando tenía 24 años pude escribir Les biches [pero] es obvio que a menos que un compositor de 30 años tenga el genio de Mozart o la precocidad de Schubert no podría escribir Las Carmelitas . Los problemas son demasiado profundos." [35] En opinión de Sams, las tres óperas de Poulenc muestran una profundidad de sentimiento muy distante del "estilista cínico de la década de 1920": Les Mamelles de Tirésias (1947), a pesar de la trama desenfrenada, está llena de nostalgia y una sensación de pérdida. En las dos óperas abiertamente serias, Dialogues des Carmélites (1957) y La Voix humaine (1959), en las que Poulenc describe el profundo sufrimiento humano, Sams ve un reflejo de las propias luchas del compositor contra la depresión. [2]
En términos de técnica musical, las óperas muestran cuán lejos había llegado Poulenc de sus comienzos ingenuos e inseguros. Nichols comenta en Grove que Les mamelles de Tirésias , despliega "solos líricos, dúos de golpeteos, corales, líneas de falsete para bebés tenor y bajo y... logra ser a la vez divertido y hermoso". [2] En las tres óperas, Poulenc se basó en compositores anteriores, al tiempo que mezclaba su influencia en una música inequívocamente suya. En la partitura impresa de Dialogues des Carmélites reconoció su deuda con Mussorgsky , Monteverdi , Debussy y Verdi . [156] El crítico Renaud Machart escribe que Dialogues des Carmélites es, junto con Peter Grimes de Britten , una de las óperas extremadamente raras escritas desde la Segunda Guerra Mundial que aparece en programas de ópera en todo el mundo. [157]
Incluso cuando escribía para una gran orquesta, Poulenc utilizaba todas sus fuerzas con moderación en sus óperas, a menudo componiendo para instrumentos de viento, metales o cuerdas únicamente. Con el inestimable aporte de Bernac demostró gran habilidad escribiendo para voz humana, adaptando la música a la tesitura de cada personaje. [156] En el momento de la última de las óperas, La Voix humaine , Poulenc se sintió capaz de dar a la soprano tramos de música sin ningún acompañamiento orquestal, aunque cuando la orquesta toca, Poulenc pide que la música esté "bañada en sensualidad". [158]
Poulenc fue uno de los compositores que reconoció en la década de 1920 el importante papel que desempeñaría el gramófono en la promoción de la música. [2] La primera grabación de su música se realizó en 1928, con la mezzosoprano Claire Croiza acompañada por el compositor al piano, en el ciclo completo de canciones La bestiaire para la Columbia Francesa . [159] Realizó numerosas grabaciones, principalmente para la división francesa de EMI . Con Bernac y Duval grabó muchas de sus propias canciones y las de otros compositores, incluidos Chabrier, Debussy, Gounod y Ravel. [160] Tocó la parte de piano en grabaciones de su Babar el elefante con Pierre Fresnay y Noël Coward como narradores. [161] En 2005, EMI publicó un DVD, "Francis Poulenc & Friends", que presenta interpretaciones filmadas de la música de Poulenc, interpretadas por el compositor, con Duval, Jean-Pierre Rampal , Jacques Février y Georges Prêtre . [162]
Una discografía de 1984 de la música de Poulenc enumera grabaciones de más de 1.300 directores, solistas y conjuntos, incluidos los directores Leonard Bernstein , Charles Dutoit , Milhaud, Charles Munch , Eugene Ormandy , Prêtre, André Previn y Leopold Stokowski . Entre los cantantes, además de Bernac y Duval, la lista incluye a Régine Crespin , Dietrich Fischer-Dieskau , Nicolai Gedda , Peter Pears , Yvonne Printemps y Gérard Souzay . Los solistas instrumentales incluyen a Britten, Jacques Février , Pierre Fournier , Emil Gilels , Yehudi Menuhin y Arthur Rubinstein . [163]
Gabriel Tacchino , que había sido el único alumno de piano de Poulenc (publicado con el sello EMI), Pascal Rogé ( Decca ) , Paul Crossley ( CBS ), Eric Parkin ( Chandos ) , han grabado conjuntos completos de música para piano solo de Poulenc . Éric Le Sage ( RCA ) y Olivier Cazal ( Naxos ). [164] [165] Conjuntos integrales de música de cámara han sido grabados por el Nash Ensemble ( Hyperion ), Éric Le Sage y varios solistas franceses ( RCA ) y una variedad de jóvenes músicos franceses (Naxos). [125] [166]
El estreno mundial de Dialogues des Carmélites (en italiano, como Dialoghi delle Carmelitane ) fue grabado y editado en CD. La primera grabación de estudio se realizó poco después del estreno en Francia, y desde entonces ha habido al menos diez grabaciones en vivo o de estudio en CD o DVD, la mayoría de ellas en francés, pero una en alemán y otra en inglés. [167]
Las dos facetas de la naturaleza musical de Poulenc provocaron malentendidos durante su vida y siguen haciéndolo. El compositor Ned Rorem observó: "Era profundamente devoto e incontrolablemente sensual"; [168] Esto todavía lleva a algunos críticos a subestimar su seriedad. [125] Su inquebrantable adhesión a la melodía, tanto en sus obras más ligeras como en sus obras serias, también ha provocado que algunos lo consideren poco progresista. Aunque no estuvo muy influenciado por los nuevos desarrollos en la música, Poulenc siempre estuvo muy interesado en las obras de las generaciones más jóvenes de compositores. Lennox Berkeley recordó: "A diferencia de algunos artistas, él estaba genuinamente interesado en el trabajo de otras personas y sorprendentemente apreciaba la música muy alejada de la suya. Recuerdo que me puso los discos de Le marteau sans maître de Boulez , que ya conocía cuando ese Su trabajo era mucho menos conocido de lo que es hoy." [118] Boulez no adoptó una visión recíproca y comentó en 2010: "Siempre hay personas que tomarán un camino intelectual fácil. Poulenc viene después del Sacre [du Printemps] . No fue progreso". [169] Otros compositores han encontrado más mérito en la obra de Poulenc; Stravinsky le escribió en 1931: "Eres verdaderamente bueno, y eso es lo que encuentro una y otra vez en tu música". [170]
En sus últimos años, Poulenc observó: "si la gente todavía está interesada en mi música dentro de 50 años, será por mi Stabat Mater y no por los Mouvements perpétuels ". En un homenaje al centenario en The Times, Gerald Larner comentó que la predicción de Poulenc estaba equivocada, y que en 1999 el compositor fue ampliamente celebrado por ambos lados de su carácter musical: "tanto el católico ferviente como el niño travieso, tanto por Gloria como por Les Biches". , tanto Les Dialogues des Carmélites como Les Mamelles de Tirésias." [125] Aproximadamente al mismo tiempo, la escritora Jessica Duchen describió a Poulenc como "una masa burbujeante y burbujeante de energía gala que puede hacerte reír y llorar en cuestión de segundos. Su lenguaje habla clara, directa y humanamente a cada generación". [171]
