Station to Station es el décimo álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 23 de enero de 1976 a través de RCA Records . Considerado como uno de sus trabajos más importantes, el álbum fue el vehículo para el personaje interpretativo de Bowie, Thin White Duke . Coproducida por Bowie y Harry Maslin , Station to Station se grabó principalmente en los Cherokee Studios de Los Ángeles, California, a finales de 1975, después de que Bowie completara el rodaje de la película The Man Who Fell to Earth ; la portada presentaba una imagen fija de la película. Durante las sesiones, Bowie era adicto a las drogas, especialmente a la cocaína , y luego dijo que no recordaba casi nada de la producción.
El éxito comercial de su anterior lanzamiento, Young Americans (1975), permitió a Bowie mayor libertad cuando comenzó a grabar su siguiente álbum. Las sesiones establecieron la formación del guitarrista Carlos Alomar , el bajista George Murray y el baterista Dennis Davis que Bowie usaría durante el resto de la década, y también contaron con contribuciones del guitarrista Earl Slick y el pianista Roy Bittan . Musicalmente, Station to Station fue un álbum de transición para Bowie, que desarrolló el funk y el soul de Young Americans al tiempo que presentaba una nueva dirección influenciada por la música electrónica y el género musical alemán krautrock , particularmente bandas como Neu! y Kraftwerk . La letra reflejaba las preocupaciones de Bowie por Friedrich Nietzsche , Aleister Crowley , la mitología y la religión.
Precedido por el sencillo " Golden Years ", Station to Station fue un éxito comercial, alcanzando el top cinco en las listas del Reino Unido y Estados Unidos. Después de desechar una banda sonora para The Man Who Fell to Earth , Bowie apoyó el álbum con el Isolar Tour a principios de 1976, durante el cual generó controversia con declaraciones que sugerían apoyo al fascismo . Al final de la gira, se mudó a Europa para alejarse de la cultura de las drogas de Los Ángeles. Los estilos explorados en Station to Station culminaron en algunos de los trabajos más aclamados de Bowie con la Trilogía de Berlín durante los siguientes tres años. Recibido positivamente por los críticos musicales tras su lanzamiento, Station to Station ha aparecido en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. Ha sido reeditado varias veces y remasterizado en 2016 como parte de Who Can I Be Now? (1974-1976) caja.
Pagué con la peor depresión maníaca de mi vida. Mi psique se disparó, simplemente se fracturó en pedazos. Estaba alucinando las 24 horas del día... Sentía como si hubiera caído en las entrañas de la tierra. [1]
– Bowie sobre su adicción a la cocaína
David Bowie desarrolló una adicción a la cocaína en el verano de 1974, tras el lanzamiento del álbum Diamond Dogs . [2] El documental Cracked Actor de Alan Yentob representó a Bowie en el Diamond Dogs Tour en septiembre de 1974 y mostró su estado mental. [3] Bowie dijo en una entrevista de 1987: "Estaba tan bloqueado... tan drogado... Es un caso bastante fortuito, ¿no? Me sorprende haber salido de ese período, sinceramente. Cuando veo "Ahora no puedo creer que haya sobrevivido. Estuve tan cerca de deshacerme físicamente, por completo". [4] Después de ver una proyección avanzada de la película a principios de 1975, el director Nicolas Roeg se puso en contacto con Bowie para discutir un papel en su próxima adaptación de la novela de Walter Tevis de 1963 , El hombre que cayó a la Tierra . [5] Bowie aceptó el papel y se mudó de Nueva York a Los Ángeles, California, donde se llevaría a cabo el rodaje. [6] [7]
A su llegada a Los Ángeles, Bowie se quedó con Glenn Hughes , el bajista de la banda de rock inglesa Deep Purple . [7] También visitó a su viejo amigo, el cantante Iggy Pop , en rehabilitación. [a] Los dos intentarían grabar algo de material en mayo de 1975, pero las sesiones fueron improductivas debido a la adicción a la heroína de Pop . [10] Hughes le dijo al biógrafo Marc Spitz que Bowie vivía en un estado cada vez más paranoico, recordando que se negaba a usar los ascensores debido a su miedo a las alturas . Su adicción cortó amistades con los músicos Keith Moon , John Lennon y Harry Nilsson ; Más tarde dijo: "Si realmente quieres perder a todos tus amigos y todas las relaciones que alguna vez apreciaste, [la cocaína es] la droga para hacerlo". [11]
Según el biógrafo David Buckley, la dieta de Bowie ahora consistía principalmente en pimientos rojos y verdes, leche y cocaína. [12] Bowie admitió más tarde que sólo pesaba alrededor de 80 libras y que estaba "enloquecido la mayor parte del tiempo". [13] Hughes dijo que Bowie no dormía durante "tres o cuatro días seguidos". [14] Circulaban historias, en su mayoría de una entrevista, partes de las cuales llegaron a Playboy y Rolling Stone , sobre el cantante viviendo en una casa llena de artefactos del antiguo Egipto, encendiendo velas negras, viendo cuerpos caer frente a su ventana, recibiendo su semen. robado por brujas, recibiendo mensajes secretos de los Rolling Stones y viviendo con un miedo morboso al guitarrista de Led Zeppelin , Jimmy Page . [15] En una entrevista con Melody Maker en 1977, Bowie describió su vida en Los Ángeles: "Hay una inquietud subyacente... Puedes sentirla en todos los sentidos... Siempre he sido consciente de lo dudosa que es la posición de permanecer aquí por cualquier período de tiempo." [16] Tres años más tarde, le diría a NME que la ciudad "debería ser borrada de la faz de la tierra". [17] En abril de 1975, Bowie anunció su retiro de la música, afirmando: "He sacudido mi rollo. Es un callejón sin salida aburrido. No habrá más discos de rock'n'roll ni giras mías. Lo último que "Quiero ser es un maldito cantante de rock inútil". El biógrafo Nicholas Pegg atribuye esta cita al decadente estado mental de Bowie; su "jubilación" duró menos de seis meses. [18] [19] El rodaje de El hombre que cayó a la Tierra comenzó en junio de 1975. [20]
El consumo excesivo de drogas por parte de Bowie continuó durante el rodaje. Recordó en 1993: "Mi única instantánea de esa película es no tener que actuar... Simplemente ser yo, ya que era perfectamente adecuado para el papel. No era de esta tierra en ese momento en particular". [20] Cuando el rodaje tuvo lugar en Nuevo México, se informó que se encontraba en un estado mucho más saludable en comparación con su estancia en Los Ángeles. [21] Durante sus días libres del rodaje, comenzó a escribir una colección de cuentos llamados El regreso del delgado duque blanco , [22] que describió como "en parte autobiográfico, principalmente ficción, con mucha magia"; También recordó que se llevó "400 libros" para el rodaje. [23] [21] Comenzó a escribir canciones durante el rodaje, [24] incluidas dos: " TVC 15 " y " Word on a Wing ", que terminarían en su próximo álbum. [25] [26] Además de esto, estaba en la fila para componer la banda sonora de la película. [27]
En la película, Bowie interpreta el papel principal de Thomas Jerome Newton, un extraterrestre que viaja a la Tierra en busca de materiales para su planeta moribundo y que finalmente es corrompido por los humanos. Roeg advirtió a la estrella que el papel de Newton probablemente permanecería con él durante algún tiempo después del rodaje. Con el acuerdo de Roeg, Bowie desarrolló su propio aspecto para la película, y esto se trasladó a su imagen pública durante los siguientes doce meses, al igual que el aire de fragilidad y distanciamiento de Newton. [24] Newton sirvió como una gran influencia en el siguiente personaje de Bowie en el escenario, el Duque Blanco Delgado . [28]
El sencillo de Bowie de 1975, " Fame ", una colaboración con John Lennon, [29] [30] fue un gran éxito comercial, encabezando las listas de éxitos en Estados Unidos. [31] El sello de Bowie, RCA Records, estaba ansioso por una continuación. [26] Después de completar su trabajo en El hombre que cayó a la Tierra en septiembre, [28] regresó a Los Ángeles; Su asistente Coco Schwab le había comprado recientemente una casa. En parte debido a su adicción a las drogas, su matrimonio con su esposa, Angie , comenzó a desmoronarse. Después de grabar coros para "Real Emotion" de Keith Moon, [18] estaba listo para grabar su próximo álbum. [26]
Station to Station se grabó principalmente en Cherokee Studios en Los Ángeles. [32] El estudio abrió sus puertas en enero de 1975 y rápidamente se convirtió en uno de los estudios más concurridos de la ciudad, atrayendo a artistas como Rod Stewart y Frank Sinatra . Cherokee era más avanzado que los Sigma Sound Studios de Filadelfia , donde Bowie había grabado Young Americans (1975); Contaba con cinco salas de estudio, consolas de mezclas de 24 pistas , horarios de sesión de 24 horas, más espacio y un lounge bar. Al llegar a Cherokee, Bowie cantó algunas notas en Studio One, tocó un acorde de piano y dijo: "Esto funcionará muy bien". [26] El productor Harry Maslin dijo que se eligió el estudio porque era nuevo y tranquilo, con menos paparazzi y atención de los medios. [33] Con un estudio más avanzado y sin limitaciones de tiempo, el espíritu de las sesiones se convirtió en experimentación. [34]
Bowie contrató a Maslin, quien coprodujo "Fame" y " Across the Universe " en Young Americans , para producir. Tony Visconti , quien después de una ausencia de tres años había regresado recientemente al redil de Bowie mezclando Diamond Dogs y coproduciendo David Live y Young Americans , no participó debido a horarios competitivos. [36] También regresaron de las sesiones de Young Americans los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick , el baterista Dennis Davis y el viejo amigo de Bowie, Geoff MacCormick (ahora conocido como Warren Peace ). El bajista George Murray , un músico del grupo de Weldon Irvine , fue reclutado para tocar el bajo. [26] [18] Bowie usaría la alineación de Alomar, Murray y Davis durante el resto de la década. [32] A mediados de octubre, el pianista Roy Bittan , miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen , se unió al conjunto por sugerencia de Slick. Bittan recordó: "David sabía que íbamos a venir a la ciudad y quería un teclista. Debieron ser sólo unos tres días. Es uno de mis proyectos favoritos en los que he trabajado". Tras la salida de Mike Garson , [b] Bowie elogió las contribuciones de Bittan. [18]
Aunque los editores de NME, Roy Carr y Charles Shaar Murray , supusieron que se cortó "en 10 días de actividad febril", [32] estudios más recientes sostienen que el álbum se grabó durante un par de meses, y que las sesiones comenzaron a finales de septiembre de 1975 [39 ] o principios de octubre [18] [40] y finaliza a finales de noviembre. [39] Los títulos de trabajo iniciales del álbum incluían The Return of the Thin White Duke y Golden Years , [24] que lleva el nombre de la primera pista grabada. [18] Según O'Leary, " Golden Years ", que Bowie comenzó a escribir antes de comenzar a filmar The Man Who Fell to Earth , se completó en diez días y se publicó como single mientras el álbum aún se estaba terminando. La grabación de "TVC 15" comenzó poco después de la finalización de "Años Dorados". [26]
Durante las sesiones se grabó una versión de " Wild Is the Wind ", escrita por Dimitri Tiomkin y Ned Washington e interpretada por primera vez por Johnny Mathis en la película de 1957 del mismo nombre . Bowie se inspiró para grabarla después de conocer a la cantante Nina Simone , quien había grabado su propia versión en 1966. Recordó en 1993: "Su interpretación de ["Wild Is the Wind]" realmente me afectó. Pensé que era simplemente tremenda. así que lo grabé como un homenaje a Nina". [41] Un invitado durante las sesiones fue Frank Sinatra, quien elogió la grabación de Bowie de "Wild Is the Wind". Sus comentarios llevaron a Bowie a incluirlo como tema de cierre del álbum. [42] Si bien había comenzado a escribir "Word on a Wing" durante el rodaje, tanto " Stay " como la canción principal fueron escritas y grabadas íntegramente en el estudio. Las tres pistas se compusieron a lo largo de octubre y noviembre, en lugar de hacerlo de una sola vez. [26] Slick declaró: "Tenía una o dos canciones escritas, pero las cambiaron tan drásticamente que no las reconocerías la primera vez de todos modos, así que básicamente escribió todo en el estudio". [43]
Creo que está mucho más avanzado que el productor promedio. Sabe mucho sobre cosas técnicas. No lo sabe todo, no es ingeniero, pero sabe más de arreglar una canción, sabe más de cómo relacionarse con la gente y conseguir de ellos lo que quiere... Si escuchas los ritmos específicamente en este álbum, hay cosas muy extrañas sucediendo rítmicamente entre todos los instrumentos... Al menos, David es un genio cuando se trata de desarrollar sensaciones rítmicas. Él era el pilar detrás de todo. [43]
– Harry Maslin sobre el papel de Bowie como productor, 1976
Para álbumes anteriores, Bowie había mantenido un proceso de grabación relativamente sencillo. Llegó al estudio con temas completamente escritos y ensayados, grabados a un ritmo rápido y las sesiones concluyeron rápidamente. [44] Con el éxito comercial masivo de Young Americans y una reedición de " Space Oddity " convirtiéndose en su primer sencillo número uno en el Reino Unido, Bowie no se sintió obligado a apresurar el proceso en Los Ángeles. [45] Llegó a Cherokee con fragmentos de canciones en lugar de composiciones terminadas, cambiándolas a medida que avanzaba la grabación. [46] Luego le dio las ideas a Alomar, quien trabajó en los arreglos con Murray y Davis. Después de las pistas de acompañamiento vinieron las sobregrabaciones de saxofón, teclado y guitarra solista, seguidas de pistas vocales y terminando con efectos de producción. Bowie utilizaría este nuevo proceso durante el resto de la década. [45] [47] Alomar recordó: "Fue uno de los álbumes más gloriosos que he hecho... Experimentamos mucho en él". [47] Maslin añadió: "Me encantaron esas sesiones porque éramos totalmente abiertos y experimentales en nuestro enfoque". [18] Slick contribuyó con numerosos efectos de guitarra a lo largo de las sesiones. Según Bowie, "obtuve algunas cosas bastante extraordinarias de Slick. Creo que capturó su imaginación para hacer ruidos en la guitarra y texturas, en lugar de tocar las notas correctas". [48] Tanto Slick como Maslin elogiaron el "enfoque inmediato" de Bowie. Slick no encontró ventajosos los ensayos, lo que resultó en una actuación más limpia. [43]
Debido a su elevado consumo de cocaína, Bowie recordó haber recordado "sólo destellos" de la producción del álbum, ni siquiera el estudio, y luego admitió: "Sé que fue en Los Ángeles porque he leído que así fue". [15] Buckley dice que el único recuerdo de Bowie de las sesiones fue "estar con Earl Slick en el estudio y pedirle que tocara un riff de Chuck Berry en el mismo tono durante la apertura de 'Station to Station'". El cantante no fue el único que consumió cocaína durante las sesiones; Alomar dijo, "si hay una línea de coca que te va a mantener despierto hasta las 8 am para que puedas hacer tu parte de guitarra, haces la línea de coca... el uso de coca es impulsado por la inspiración". Al igual que Bowie, Slick sólo tenía vagos recuerdos de la grabación: "Ese álbum es un poco confuso, ¡por razones obvias! Estábamos en el estudio y fue una locura: muchas horas, muchas noches trasnochadas". [47] Pegg dice que hubo varias sesiones ininterrumpidas de 24 horas; Un día, el trabajo empezó a las 7 am y terminó a las 9 am del día siguiente. [15] Según Spitz, en un momento Bowie trasladó una cama al estudio. [42] Un día, la grabación se trasladó a los estudios Record Plant cercanos porque Cherokee ya estaba reservada y Bowie no quería perder impulso durante la sesión. [15] [45] Maslin recordó: "[A Bowie] le gustaba trabajar cuatro días aproximadamente, horas muy extenuantes, y luego tomarse unos días libres para descansar y recargarse para otro sprint". [15] El copropietario de Cherokee, Bruce Robb, le dijo a Spitz: "Llegué al día siguiente y todos todavía estaban trabajando desde la noche anterior. Me iba y ellos todavía estaban trabajando". [42]
Al mezclar Station to Station , Maslin encontró que usar las consolas de mezcla de 24 pistas era un desafío, pero permitían flexibilidad. Richard Cromelin de Circus escribe que tener una gran cantidad de pistas le permitió a Maslin "desperdiciar" un canal en un efecto de sonido que luego podría ser "alterado", dejando otras pistas para uso de instrumentos y voces de doble pista. [43] Bowie admitió haberle dado al disco una ventaja comercial: "Me comprometí en la mezcla. Quería hacer una mezcla muerta... En todo momento, sin eco... Me rendí y agregué ese toque comercial extra. Ojalá no lo hubiera hecho". [49] En declaraciones a la revista Creem en 1977, Bowie proclamó que el álbum estaba "desprovisto de espíritu... Incluso las canciones de amor son indiferentes, pero creo que es fascinante". [50]
Station to Station se cita a menudo como un álbum de transición en la carrera de Bowie. [51] Desarrollando el sonido funk , disco y soul de Young Americans , el álbum también refleja las influencias de la electrónica y el género musical alemán krautrock , particularmente de bandas como Neu! y Kraftwerk . Bowie había exhibido elementos de vanguardia en los temas de 1973 " Aladdin Sane (1913–1938–197?) " y " Time ". [32] [49] Según Robert Christgau , la experimentación de Bowie con estilos musicales afroamericanos había madurado cuando grabó Station to Station , ya que el disco se apropió de ellos "en un contexto decididamente espacioso y abrasivo"; [52] dijo que añadió alma a la "elegancia mecánica, fragmentada y más bien de segunda mano" explorada en Aladdin Sane (1973). [53] Las revisiones iniciales de Station to Station lo consideraron un álbum " bailable ". [54] [55]
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En general, los críticos han clasificado la música de Station to Station como " funk-rock glacial y sintetizado ", [56] " art-rock de vanguardia ", [57] rock espacial , [58] "un híbrido de R&B electrónico ". ", [59] "espeluznante avant-pop ", [60] "art-funk", [61] y "ice-funk". [62] Stephen Thomas Erlewine , de AllMusic , escribe que incluye "de todo, desde baladas épicas y música disco hasta avant pop sintetizado", al tiempo que extiende "el alma plástica indiferente de los jóvenes estadounidenses a un extremo elegante y robótico". [57] Chris Randle de The Village Voice etiquetó el álbum como "R&B robótico". [63] Maslin dijo a la revista Circus : "No había ningún sonido específico en mente. No creo que [Bowie] tuviera ninguna dirección específica en cuanto a si debería ser R&B, o con un sonido más inglés, o más comercial o menos comercial. . Creo que esta vez salió más a hacer un disco que a preocuparse por lo que iba a resultar". [43] Bowie comentó en 1999 que la música del álbum tiene "una cierta cualidad carismática... que realmente te devora". [64]
Se ha descrito que la canción principal de diez minutos presagia "una nueva era de experimentalismo" para Bowie. [50] [65] La canción se divide en dos partes: una marcha lenta e hipnótica, introducida por un ruido parecido a un tren, creado por Slick en la guitarra usando Flangers y efectos de retardo, antes de que cambie abruptamente a lo que Alan Light de Rolling Stone llama un "ritmo de celebración", que dura el resto de la pista. [32] [66] [67] Pitchfork y Rolling Stone definieron la pista como una " suite disco progresiva trascendental " y una "obra disco krautrock", respectivamente. [68] [69] Con su influencia krautrock, es el anticipo más claro del álbum de la posterior Trilogía de Berlín de Bowie . [50] [70]
El estilo musical de "Golden Years" y "Stay" se basa en el funk y el soul de Young Americans , pero con un toque más áspero y afilado. [51] Bowie dijo que "Golden Years" fue escrita y rechazada por el cantante estadounidense Elvis Presley , mientras que Angie Bowie afirmó que fue escrita para ella. [71] [72] Según Pegg, la canción carece del "paisaje musical más acerado" del resto del álbum. [73] El autor James Perone sostiene que "Stay" representa una fusión de hard rock y funk de ojos azules. [51] "TVC 15", la pista más alegre del álbum, [74] ha sido comparada con la música de la banda de rock inglesa Yardbirds . [32] "Wild Is the Wind" contiene elementos funky en la guitarra eléctrica, mientras que la sección rítmica y la guitarra acústica añaden un sabor de jazz . [75] Donald A. Guarisco de AllMusic compara la música de "Word on a Wing" con el gospel y el soul; [76] Perone lo compara con el sonido del músico estadounidense Roy Orbison . [51] Ambas pistas han sido categorizadas como himnos y baladas. [77] [78]
Mientras vivía en su estado paranoico inducido por la cocaína, Bowie no dormía durante días y a menudo leía libros uno tras otro. [26] Durante un enfrentamiento con Jimmy Page en febrero de 1975, Page discutió con él las obras del ocultista inglés Aleister Crowley . [79] Bowie, cuyos temas " Oh! You Pretty Things " y " Quicksand " de Hunky Dory de 1971 habían exhibido influencias ocultas, [80] se sumergió en las obras de Crowley. [79] Revisó conceptos vistos en " The Supermen " (1970) de Hunky Dory y El hombre que vendió el mundo, como la teoría del Übermensch , o "Superman", del filósofo alemán Friedrich Nietzsche , [80] y estudió nuevos conceptos. como la fascinación nazi por la mitología del Santo Grial y la Cabalá . [32] Bowie usaría todas estas ideas a lo largo de Station to Station , y Pegg describió el tema del álbum como un choque de "ocultismo y cristianismo ". [64]
La canción principal presenta la nueva personalidad de Bowie, el Thin White Duke, quien se convirtió en el portavoz de Station to Station y, a menudo, durante los siguientes seis meses, del propio Bowie. [65] [32] [67] El personaje, inspirado en Thomas Jerome Newton, [28] vestía impecablemente con camisa blanca, pantalón negro y chaleco. Carr y Murray lo describieron como un hombre hueco que cantaba canciones románticas con una intensidad agonizante, pero no sentía nada, "hielo disfrazado de fuego", [ 32] exuberantemente "lanzando dardos a los ojos de los amantes". [51] Los comentaristas han etiquetado al personaje como "un aristócrata loco", [32] "un zombi amoral", [81] y "un superhombre ario sin emociones". [49] Para el propio Bowie, el Duque era "un personaje realmente desagradable". [82]
A pesar del ruido de un tren en los primeros momentos, Bowie dijo que el título de "Station to Station" no se refiere tanto a las estaciones de ferrocarril como al Viacrucis , la serie de 14 imágenes que representan el camino de Cristo hacia su crucifixión. , cada uno de los cuales simboliza un punto de parada para la oración . [70] Añadió que se trataba del Árbol de la Vida Cabalístico , evidente en la línea "de Kether a Malkuth ", que remata el Árbol de la Vida: [83] "así que para mí todo el álbum fue simbólico y representativo del viaje a través de el arbol de la Vida". [49] Pegg cree que la canción muestra una combinación de alusiones cristianas y judías. [70] La canción hace referencia a la obra de William Shakespeare La tempestad . [84] La fijación con lo oculto era evidente en frases como " manchas blancas ", el nombre de un libro de poesía de Crowley. También se hace referencia directa a la cocaína en la línea: "No son los efectos secundarios de la cocaína / Estoy pensando que debe ser amor". [85]
Spitz interpreta Station to Station como "un álbum de canciones de amor", específicamente "del tipo que escribes cuando no tienes amor en tu propia vida". [86] De hecho, Perone considera "Golden Years" el tipo de canción de amor que no incluye la palabra "amor" . El personaje de la canción le asegura a su compañera que siempre la protegerá pase lo que pase y le promete un futuro mejor. [51] Carr y Murray escriben que conlleva "un aire de arrepentimiento por las oportunidades perdidas y los placeres pasados". [32] La letra de "Stay" ha sido interpretada como una reflexión sobre "la incertidumbre de la conquista sexual", [87] y como un ejemplo del "espurio romanticismo del duque". [32]
Los temas religiosos, así como la creencia en la espiritualidad , prevalecen en "Station to Station", "Word on a Wing", "Golden Years" y "TVC 15"; [49] [51] para Carr y Murray la religión, como el amor, era simplemente otra forma para que el Duque "probara su entumecimiento". [32] Bowie ha afirmado que en "Word on a Wing", al menos, "la pasión es genuina". [17] Hay un sabor cómico en "TVC 15", [87] que varios comentaristas describen como una "comedia surrealista". [25] [88] Se trata de la novia de un personaje siendo devorada por un televisor. [51] La canción se inspiró en un sueño de Iggy Pop que presentaba una premisa similar, así como en una escena de El hombre que cayó a la Tierra donde Newton llena una habitación con pantallas de televisión, cada una sintonizada en un canal diferente. Pegg lo llama el "hombre extraño" del álbum. [25]
La portada del álbum es una fotografía en blanco y negro tomada por Steve Schapiro [89] en el set de la película El hombre que cayó a la Tierra , en la que Bowie, como Newton, sube a la cápsula espacial que lo devolverá a su hogar. planeta. [90] [49] Bowie había insistido en la imagen monocromática recortada, sintiendo que en la imagen original en color a tamaño completo el cielo parecía artificial; [32] se colocó un borde completamente blanco alrededor de la imagen, que Pegg cree que refleja la "estética monocromática marcada" tanto del personaje de Thin White Duke como de la gira de 1976. También sostiene que la portada monocromática coincide con el "tono austero" del álbum. [49] La versión en color de tamaño completo se utilizó para algunas reediciones posteriores del álbum. [49] La fotografía de la contraportada fue tomada en Los Ángeles en 1974, también por Schapiro, [91] y mostraba a Bowie dibujando la Cábala Sephirot con tiza. Fue el primer LP de Bowie que no incluía hojas con letras en el empaque, [92] lo que fue criticado en reseñas contemporáneas por Street Life y NME . [54] [93]
RCA lanzó "Golden Years" como sencillo principal del álbum el 21 de noviembre de 1975, con la canción de Young Americans " Can You Hear Me? " como cara B. [94] El 4 de noviembre, Bowie apareció en el programa de televisión estadounidense Soul Train , imitando "Fame" y el entonces inédito "Golden Years". Bowie fue el segundo artista blanco en aparecer en el programa, después de Elton John seis meses antes. [95] Durante la actuación y la entrevista, estaba visiblemente borracho y, [96] según Pegg, estaba en un "nuevo nivel bajo de coherencia". Más tarde, Bowie se sintió avergonzado por su comportamiento, recordando en 1999 que no había aprendido el nuevo sencillo y después fue regañado por el DJ del programa . [95] El clip de película resultante se utilizó como vídeo musical no oficial de la canción para promocionar el sencillo en todo el mundo. Comercialmente, "Golden Years" alcanzó el top ten en el Reino Unido y Estados Unidos pero, al igual que la relación de " Rebel Rebel " con Diamond Dogs (1974), fue un adelanto poco representativo del álbum por venir. [97]
Después de Soul Train , Bowie apareció en The Cher Show el 23 de noviembre, interpretando "Fame" y un dueto de "Can You Hear Me?" con la cantante Cher . [95] Luego apareció vía satélite en Russell Harty Plus de ITV cinco días después. [98] [99] A principios de año nuevo, el 3 de enero de 1976, Bowie y su banda aparecieron en el programa de variedades Dinah! presentado por Dinah Shore . e interpretó "Stay", [100] , el debut público de la canción. [101] RCA lanzó Station to Station el 23 de enero, con el número de catálogo APLI 1327. [26] Fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número tres en la lista Billboard Top LPs & Tape de EE. UU ., permaneciendo en la lista durante 32 semanas. [102] Se convirtió en el álbum de Bowie con las listas más altas en los EE. UU. [103] hasta The Next Day , que alcanzó el número dos en 2013. [104] Station to Station fue certificado oro por la Recording Industry Association of America el 26 de febrero de 1976. [ 105] En el Reino Unido, estuvo en las listas durante diecisiete semanas, alcanzando el puesto número cinco, [106] la última vez que uno de los álbumes de estudio de Bowie estuvo más bajo en su país de origen que en Estados Unidos. [103] En otros lugares, el álbum alcanzó su punto máximo entre los tres primeros en Canadá, Francia y los Países Bajos, [107] [108] [109] y entre los diez primeros en Australia, Japón, Noruega y Nueva Zelanda. [110] [111] [112] [113]
La canción principal fue lanzada en Francia como sencillo promocional de 7 pulgadas en enero de 1976. Presentaba una versión abreviada de la canción, que duraba poco más de tres minutos y medio, con "TVC 15" como cara B. [114] "TVC 15" fue lanzado en forma editada como el segundo sencillo del álbum el 30 de abril de 1976, respaldado por la pista de Diamond Dogs "We Are the Dead". [94] Su lanzamiento coincidió con la etapa europea de la gira Isolar. Alcanzó el puesto 33 en el Reino Unido. [25] "Stay" se publicó por primera vez, en su formato completo, como cara B del sencillo " Suffragette City " en el verano de 1976 para promocionar la compilación Changesonebowie . Posteriormente se lanzó una versión editada en julio como cara A en los EE. UU. y otros territorios, respaldada por "Word on a Wing". [115] No logró trazar. [19] La canción, sin embargo, no apareció en la compilación. ( Changesonebowie se presentó como una edición uniforme de Station to Station , con una portada en blanco y negro y letras similares). [116] En noviembre de 1981, cuando la relación de Bowie con RCA estaba llegando a su fin, "Wild Is the Wind" se publicó como sencillo para promocionar la compilación Changestwobowie . La versión completa de "Golden Years" respaldó el sencillo británico. [41] [117] Acompañado de un nuevo video musical filmado específicamente para el lanzamiento, alcanzó el puesto 24 en el Reino Unido y estuvo en las listas durante diez semanas. [118]
Station to Station recibió críticas positivas de los críticos musicales tras su lanzamiento. Paul Trynka dice que, en general, los críticos reconocieron que Bowie estaba explorando nuevos territorios. [44] Ian MacDonald destacó el crecimiento musical de Bowie en la revista británica Street Life , reconociéndolo como uno de sus mejores álbumes hasta ese momento. Creía que era el primer álbum que lanzaba en el que sentía que tenía el control total. [93] Escribiendo para NME , Charles Murray elogió la música a lo largo del disco, pero criticó la interpretación vocal de Bowie, particularmente en "Word on a Wing" y "Wild Is the Wind". [54] Otro crítico de NME encontró el álbum "un remolino musical extraño y confuso donde nada es lo que parece", y finalmente lo calificó como "uno de los álbumes más importantes lanzados en los últimos cinco años". [119] La revista lo nombró el segundo mejor álbum del año, detrás de Desire de Bob Dylan . [120] John Ingham de la revista Sounds elogió inmensamente el álbum, nombrando "Golden Years", "TVC 15" y "Stay" algunas de las mejores canciones de Bowie hasta ese momento y, en general, "un gran disco de nuestro tiempo". Musicalmente, lo vio como un cruce entre El hombre que vendió el mundo y Jóvenes americanos . [121] Algunos críticos encontraron difícil de comprender el significado de la letra, [119] e Ingham citó "TVC 15" como ejemplo. Sin embargo, sintió que era parte del encanto del LP. [121]
En Estados Unidos, Billboard sintió que Bowie había "encontrado su nicho musical" con canciones como "Fame" y "Golden Years", pero que "el corte del título de 10 minutos se hace largo". [55] La escritora de Rolling Stone, Teri Moris, aplaudió los momentos 'más rockeros' del álbum, pero percibió un alejamiento del género, considerándolo "el esfuerzo cuidadosamente profesional de un artista consciente del estilo cuya capacidad para escribir e interpretar rock & roll exigente coexiste cómodamente con su fascinación por las diversas formas... si bien hay pocas dudas sobre su habilidad, uno se pregunta cuánto tiempo seguirá luchando con el rock". [122] El crítico Dave Marsh fue extremadamente negativo y lo calificó como "el avance más significativo en el relleno de LP desde Metal Machine Music de Lou Reed [1975]". Considerando "Word on a Wing" el "único éxito completo" del LP, consideró las pistas demasiado largas, aburridas y poco interesantes, argumentando además que "es bastante espantoso que lo mejor que [Bowie] pueda pensar en hacer con su talento actualmente es una tontería." [123]
El crítico de rock Lester Bangs , que valoró negativamente el trabajo de Bowie durante la década de 1970, elogió Station to Station en la revista Creem , señalando la presencia de "un gemido y un latido que no cesa" y "una melancolía hermosa, creciente e intensamente romántica". , llamándola su "(primera) obra maestra". [92] En Circus , Cromelin, señalando que Bowie "nunca fue alguien que mantuviera la continuidad en su trabajo o en su vida", declaró que Station to Station "ofrece vislumbres crípticos y expresionistas que nos permiten sentir los contornos y palpitaciones del alma del enmascarado. pero nunca revelar completamente su rostro". Cromelin también encontró alusiones a esfuerzos anteriores de Bowie, como la "densidad" de The Man Who Sold the World , la "sensación pop" de Hunky Dory , la "disonancia y angustia" de Aladdin Sane , la "percusión convincente" de Young Americans. , y el "misticismo juvenil" de " Wild Eyed Boy de Freecloud " (1969), que concluye "muestra a Bowie emprendiendo el tramo más desafiante de su sinuoso viaje". [43] Ben Edmonds no consideró que el LP fuera uno de los mejores trabajos de Bowie en Phonograph Record , sino que creía que Station to Station es simplemente una "parada" donde puede reflexionar y planificar su próximo viaje musical, "que sus seguidores siempre esperan". que él haga". Sin embargo, notó la cohesión general del álbum y elogió a la banda de acompañamiento, calificándola de la mejor de Bowie desde Spiders from Mars . [124]
Station to Station fue votado como el decimotercer mejor álbum de 1976 en Pazz & Jop , una encuesta anual de críticos estadounidenses a nivel nacional, publicada por The Village Voice . [125] Al revisar el disco para el periódico, Robert Christgau expresó algunas reservas sobre la duración de las canciones y la calidad indiferente de la voz de Bowie, pero consideró "TVC 15" su "pieza de rock and roll favorita en mucho tiempo" y escribió, "la espacialidad siempre ha sido su truco, y cualquiera que pueda fusionar Lou Reed , la música disco y Dr. John ... merece seguir haciéndolo durante cinco minutos y 29 segundos". [126] Lo clasificó como el cuarto mejor del año en su papeleta para la encuesta. [127]
Con las sesiones Station to Station terminadas en diciembre de 1975, Bowie comenzó a trabajar en una banda sonora para The Man Who Fell to Earth con Paul Buckmaster , con quien Bowie trabajó en Space Oddity (1969), como su colaborador. [128] Bowie esperaba ser totalmente responsable de la música de la película, pero descubrió que "cuando terminé cinco o seis piezas, me dijeron que si quería enviar mi música junto con la de otras personas... y yo Simplemente dije: 'Mierda, no vas a entender nada de esto'. Estaba tan furioso que había trabajado mucho en ello". [17] No obstante, Maslin argumentó que Bowie estaba "agotado" y no podía completar el trabajo en ningún caso. El cantante finalmente se desplomó y admitió más tarde: "Había pedazos de mí tirados por todo el suelo". [128] Cuando Bowie presentó su material para la película a Roeg, el director decidió que no era adecuado. Prefería un sonido más folk, aunque John Phillips (el compositor elegido para la banda sonora) describió las contribuciones de Bowie como "inquietantes y hermosas". [129] Al final, sólo un instrumental compuesto para la banda sonora vio la luz, evolucionando hacia " Subterraneans " en su siguiente álbum de estudio, Low . [17]
Con el álbum de la banda sonora abandonado, Bowie decidió que estaba listo para liberarse de la cultura de las drogas de Los Ángeles y regresar a Europa. [130] [128] En enero de 1976, comenzó los ensayos para el Isolar Tour para promover Station to Station , que comenzó el 2 de febrero de 1976 y finalizó el 18 de mayo. [131] [132] Iggy Pop, quien, como Bowie, estaba listo para dejar su adicción a las drogas, lo acompañó en la gira. [c] [133] [134] Debido a desacuerdos con la gerencia de Bowie, Stacy Heydon reemplazó a Slick en la guitarra principal. [d] [26] [132] " Radiactividad " de Kraftwerk se utilizó como obertura de los espectáculos, acompañando imágenes de la película surrealista Un Chien Andalou (1929) de Luis Buñuel y Salvador Dalí . [137] La puesta en escena presentaba a Bowie, vestido con el habitual chaleco y pantalones negros del Duque, un paquete de Gitanes colocado ostentosamente en su bolsillo, moviéndose rígidamente entre "cortinas de luz blanca", [32] un efecto que generó el apodo de 'el Blanco'. Gira ligera'. [137] En 1989, Bowie reflexionó: "Quería volver a una especie de aspecto expresionista del cine alemán ... y a la iluminación de, digamos, Fritz Lang o Pabst . Un aspecto de película en blanco y negro, pero con una intensidad que era algo agresiva. Creo que para mí, personalmente y teatralmente, esa fue la gira más exitosa que he hecho". [39] El Isolar Tour fue la fuente de uno de los piratas más conocidos del artista , extraído de una transmisión de radio FM de su concierto del 23 de marzo de 1976 en el Nassau Coliseum . [137] Un álbum en vivo , Live Nassau Coliseum '76 , fue lanzado oficialmente años después. [138]
Bowie fue criticado durante la gira por sus supuestas opiniones profascistas. En una entrevista de 1974, declaró: " Adolf Hitler fue una de las primeras estrellas de rock... tan bueno como Jagger ... Puso en escena un país", [139] pero logró evitar la condena. En el Isolar Tour, sin embargo, una serie de incidentes atrajeron publicidad, comenzando en abril de 1976 con su detención en la aduana de Europa del Este por posesión de recuerdos nazis. El mismo mes, en Estocolmo , fue citado diciendo que "Gran Bretaña podría beneficiarse de un líder fascista". [139] Bowie culparía a sus adicciones y a la personalidad del Thin White Duke por sus errores de juicio. [140] La controversia culminó el 2 de mayo de 1976, poco antes de que terminara la gira, en el llamado ' incidente de la estación Victoria ' en Londres, cuando Bowie llegó en un Mercedes descapotable y aparentemente hizo un saludo nazi a la multitud que Fue capturado en película y publicado en NME . Bowie afirmó que el fotógrafo simplemente lo captó en mitad de una ola, [141] una afirmación respaldada por un joven Gary Numan que estaba entre la multitud ese día: "Piénselo. Si un fotógrafo toma una película completa con un motor de alguien haciendo un saludo, recibirás un saludo nazi al final de cada movimiento del brazo. Todo lo que necesitas es un imbécil en un periódico musical o lo que sea para convertirlo en un tema ...". [139]
[ Station to Station ] divide efectivamente los años 70 para David Bowie. Cierra la era de Ziggy Stardust y el soul plástico , e introduce la primera muestra de la nueva música que seguiría con Low . [32]
– Roy Carr y Charles Shaar Murray, 1981
Station to Station fue un hito en la transición de Bowie hacia su Trilogía de Berlín de finales de los años 70. [e] Pegg lo llama "el punto medio exacto del viaje desde los jóvenes estadounidenses hasta Low ". [49] El propio Bowie dijo: "En lo que respecta a la música, Low y sus hermanos fueron una continuación directa de la canción principal [de Station to Station ]". [70] Para la Trilogía de Berlín, Bowie colaboró con Tony Visconti y el ex teclista y conceptualista de Roxy Music Brian Eno . [142] Eno también sintió que Low era "en gran medida una continuación" de Station to Station , al que llamó "uno de los grandes discos de todos los tiempos" en 1999. [143] En una entrevista con la revista Q en 1997, Bowie consideró Station to Station es un álbum "genial, muy bueno", pero "extremadamente oscuro". Debido a su estado de desconexión durante la grabación, lo escuchó como "una obra de una persona completamente diferente". [144]
El álbum ha sido descrito como "enormemente influyente en el post-punk ". [57] Carr y Murray escribieron en 1981: "Si Low era el álbum de Bowie de Gary Numan, entonces Station to Station era el de Magazine ". [32] Ian Mathers de la revista Stylus opinó en 2004 que "así como pocos habían anticipado el enfoque de Bowie, pocos lo copiaron... en su mayor parte, este es un estilo huérfano y abandonado". [145] Diez años más tarde, Jem Aswad de NPR describió el álbum como "ice-funk pionero" que "allanó el camino no sólo para miles de artistas que fueron influenciados por él, sino también para la brillante ola de experimentación que siguió a lo largo de los siguientes cinco años: Low , "Heroes" (ambas de 1977), Lodger (1979) y Scary Monsters (and Super Creeps) (1980)". [62]
Los biógrafos de Bowie han descrito Station to Station como uno de sus mejores discos. En su libro Strange Fascination , David Buckley lo llama una "obra maestra de invención" que "algunos críticos dirían, quizás pasada de moda, que es su mejor disco". [146] Considera que la interpretación vocal de Bowie en "Wild Is the Wind" es una de las mejores de su carrera. [50] Paul Trynka quedó impresionado por la innovación del álbum, notando "una extraña mezcla de temas vivaces y monumentales", y sostiene que "marca el punto en el que David Bowie pasó de músico pop a fenómeno". [147] Marc Spitz reconoce Station to Station como un "gigantesco salto creativo", similar al de Hunky Dory cinco años antes. Elogia la sensación atemporal del disco, las actuaciones y la atmósfera general, y lo considera el primer disco verdaderamente new wave . [148] James Perone lo cita como uno de los registros más "estructuralmente coherentes y ampliamente accesibles" de la época. [149] Peter Doggett sostiene que el nuevo proceso de grabación que Bowie utilizó en el disco le permitió elevarlo a una única visión unificadora, como lo había resumido en Hunky Dory y Ziggy Stardust . Aunque Bowie usaría este proceso para discos posteriores como Lodger y Scary Monsters , Doggett cree que estos registros están más fragmentados que cohesivos, al estilo de Station to Station . [46]
Retrospectivamente, Station to Station se considera una de las mejores y más importantes obras de Bowie. [61] Erlewine escribió: "No es un álbum fácil de aceptar, pero su estructura épica y su sonido clínico fueron un logro impresionante e individualista". [57] Alan Light lo llamó "musicalmente accesible y líricamente elíptico". [67] En Spin Alternative Record Guide (1995), Rob Sheffield consideró Station to Station el mejor álbum de Bowie: "[Es] el álbum donde Major Tom aprende a bailar, mientras el ataque hábil y robótico de la canción principal teutónica se desvanece en el ritmos complicados de "Stay" y "Golden Years". En "TVC 15", digno de Velvet, Major Tom aparece como una mujer que se transmite a un satélite, dejando al pobre David varado en la tierra. Muy recomendado para los devotos del MUD y del sexo por computadora. aficionados." [157] Sheffield más tarde lo consideró una "obra maestra del rock espacial" en The Rolling Stone Album Guide (2004), escribiendo que Bowie había grabado "la música más intensa de su vida". [58]
En 2010, Paul Morley del Financial Times elogió su cohesión y lo calificó de "álbum fascinante" que no sólo es uno de los mejores de Bowie, sino "quizás" uno de los mejores del rock. Argumentó que funciona como una cápsula que muestra la mentalidad del artista y dónde estaba la música rock en el momento en que la hizo. [158] En una retrospectiva de 2013 de Rock's Backpages , Barney Hoskyns calificó de Station to Station como "una de las uniones musicales más impresionantes: intensa, apasionada, enfocada, emergente y urgentemente funky". [77] En The Guardian , Alex Needham dijo que el álbum "logra incorporar casi todo lo fantástico de la música pop" en sólo seis pistas: "es dramático, elegante, emotivo y bailable". [78]
Al igual que sus biógrafos, los críticos han reconocido la posición del álbum en la discografía general de Bowie como la transición entre los estilos de Young Americans y la Trilogía de Berlín. [67] [151] [153] Frank Mojica de Consequence of Sound estuvo de acuerdo y dijo que ofrece "un retrato intrigante" del período de transición de un artista, a la vez que es un "álbum excelente por derecho propio". [159] Michael Gallucci de Ultimate Classic Rock lo describió como "el momento en el que su movimiento comercial más descarado dio paso a su período experimental más indiferente", argumentando que el álbum marcó la transición de Bowie "de estrella de rock a Artista". [61] En una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone , Station to Station fue votado como el tercer mejor álbum de Bowie. La revista lo llamó un "álbum profundamente extraño que mejora con la edad". [160] Tras la muerte de Bowie en 2016 , Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock incluyó a Station to Station como su cuarto mejor álbum, afirmando que, aunque hizo mejores álbumes en los años siguientes, "hizo este fascinante álbum primero". [161]
Station to Station ha aparecido con frecuencia en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos por múltiples publicaciones. En 1995, ocupó el puesto 21 en la lista de la revista Mojo de los 100 mejores álbumes jamás realizados, el álbum de Bowie mejor clasificado en la lista. [162] En 2003, Rolling Stone lo ubicó en el puesto 323 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , [163] 324 en la lista revisada de 2012, [164] y 52 en la lista revisada de 2020. [165] En 2004, The Observer clasificó el álbum en el puesto 80 en su lista de los 100 mejores álbumes británicos. [166] La revista Vibe colocó el álbum en su lista de 100 álbumes esenciales del siglo XX. [167] En 2013, NME clasificó el álbum en el puesto 53 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [168] La revista Uncut clasificó el álbum en el puesto 30 en su lista de los 200 mejores álbumes de todos los tiempos en 2015. [169] Un año después, la revista Classic Rock, con sede en el Reino Unido , clasificó el álbum en el puesto número cinco en su lista de los 100 mejores álbumes. de los años 1970. [170]
El escritor inglés Colin Larkin incluyó Station to Station en la segunda edición de su libro All Time Top 1000 Albums (1998) en el número 305. [171] El álbum también se incluyó en la edición de 2018 del libro de Robert Dimery 1001 álbumes que debes escuchar antes de ti. Morir . [172]
El álbum ha sido lanzado varias veces en CD a partir de 1984 por RCA, [173] con la portada original en blanco y negro. [174] El álbum fue relanzado en 1991 por Rykodisc con dos pistas extra: versiones en vivo de "Word on a Wing" y "Stay"; [175] esta reedición se ubicó en el puesto 57 en la lista de álbumes del Reino Unido durante una semana. [176] Una reedición de 1999 de EMI incluía sonido remasterizado digitalmente de 24 bits, pero carecía de pistas extra. [177] Ambas reediciones utilizaron la portada original en color de tamaño completo. [175] [177] En 2007, la remasterización del álbum de 1999 se reeditó en Japón como parte de la "Serie David Bowie Paper Jacket", que empaquetaba los álbumes de estudio de Bowie desde Space Oddity hasta Tin Machine en fundas mini-LP; Este lanzamiento volvió a la portada de 1976, que se convertiría en estándar para reediciones posteriores. [178]
Station to Station fue reeditado en 2010 en ediciones especiales y de lujo. [179] [180] La edición especial incluía un "master analógico original" del álbum (un master digital recién preparado procedente de las cintas originales) y el concierto completo del Nassau Coliseum de 1976 en dos CD. La edición de lujo incluyó el contenido de la edición especial, tanto en vinilo como en CD, junto con un disco de ediciones individuales y tres mezclas más del álbum: una mezcla de sonido envolvente Dolby 5.1 y una nueva mezcla estéreo, ambas creadas por el coproductor Harry Maslin. y el CD master RCA de 1985. [128] Ambas ediciones se lanzaron en septiembre de 2010. [181] En The Complete David Bowie , Pegg critica el remix de Maslin. Escribe que "renuncia a toda la sutileza de la [mezcla] original a favor de llevar todo sin imaginación al frente", lo que resulta en un "alboroto desordenado", particularmente evidente en los coros de "TVC 15". Aunque señala que hay una versión diferente de la voz principal de "Wild Is the Wind", considera que la nueva mezcla es drásticamente inferior a la original. [128]
En 2016, el álbum fue remasterizado para Who Can I Be Now? (1974-1976) caja , [182] con lanzamientos en CD y vinilo independientes el año siguiente. [183] La caja incluía tanto la mezcla original de 1976 como el remix estéreo de 2010 de Station to Station , empaquetados individualmente. La portada que contenía la mezcla de 1976 usó la portada original, mientras que la portada que contenía la mezcla de 2010 usó una versión corregida en color de la portada de 1991; La contraportada de la portada de la mezcla de 2010 era una variante de la contraportada de 1976, con texto burdeos en lugar de rojo brillante. [184]
Todas las canciones escritas por David Bowie, excepto "Wild Is the Wind"; letra de Ned Washington y música de Dimitri Tiomkin .
Lado uno
Lado dos
Créditos del álbum según las notas y el biógrafo Nicholas Pegg. [185] [186]
Producción
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