Sheldon " Shelly " Manne (11 de junio de 1920 - 26 de septiembre de 1984) fue un baterista de jazz estadounidense . Asociado con mayor frecuencia con el jazz de la Costa Oeste , era conocido por su versatilidad y también tocaba en varios otros estilos, incluidos Dixieland , swing , bebop , jazz de vanguardia y, más tarde, fusión . También contribuyó al trasfondo musical de cientos de películas y programas de televisión de Hollywood .
Sheldon "Shelly" Manne nació el 11 de junio de 1920 en Manhattan , Nueva York, Estados Unidos. El padre de Manne, Max Manne [1] y sus tíos eran bateristas . En su juventud, admiró a muchos de los bateristas de swing más destacados de la época, especialmente a Jo Jones y Dave Tough . [2] Billy Gladstone , un colega del padre de Manne y el percusionista más admirado de la escena teatral de Nueva York, le ofreció consejos y aliento al adolescente Shelly. [3]
A partir de ese momento, Manne desarrolló rápidamente su estilo en los clubes de la calle 52 de Nueva York a finales de la década de 1930 y en la de 1940. [4] Su primer trabajo profesional con una big band conocida fue con la orquesta de Bobby Byrne en 1940. [5] En esos años, como se hizo conocido, grabó con estrellas del jazz como Coleman Hawkins , Charlie Shavers y Don Byas . También trabajó con varios músicos asociados principalmente con Duke Ellington , como Johnny Hodges , Harry Carney , Lawrence Brown y Rex Stewart . [6]
En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial , Manne se unió a la Guardia Costera y sirvió hasta 1945. [7]
En 1943, Manne se casó con una Rockette llamada Florence Butterfield (conocida cariñosamente por familiares y amigos como "Flip"), [8] un matrimonio que duraría 41 años, hasta su muerte.
Cuando el movimiento bebop comenzó a cambiar el jazz en la década de 1940, a Manne le encantó y se adaptó al estilo rápidamente, actuando con Dizzy Gillespie y Charlie Parker . [9] En esta época también trabajó con estrellas en ascenso como Flip Phillips , Charlie Ventura , Lennie Tristano y Lee Konitz . [10]
Manne saltó al estrellato cuando se convirtió en parte de las bandas de trabajo de Woody Herman y, especialmente, Stan Kenton a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, ganando premios y desarrollando un grupo de seguidores en una época en la que el jazz era la música más popular en los Estados Unidos. [11] Unirse al grupo de Herman, de swing duro, le permitió a Manne tocar el bebop que amaba. La controvertida banda de Kenton, por otro lado, con su " jazz progresivo ", presentó obstáculos, y muchos de los arreglos complejos y sobrecargados hicieron que fuera más difícil tocar el swing. [12] Pero Manne apreció la libertad musical que Kenton le dio y la vio como una oportunidad para experimentar junto con lo que todavía era una banda altamente innovadora. [13] Aceptó el desafío, encontró nuevos colores y ritmos y desarrolló su capacidad para brindar apoyo en una variedad de situaciones musicales. [14]
A principios de la década de 1950, Manne dejó Nueva York y se instaló de forma permanente en un rancho en una zona periférica de Los Ángeles , donde él y su esposa criaron caballos. A partir de este momento, jugó un papel importante en la escuela de jazz de la Costa Oeste, actuando en la escena de jazz de Los Ángeles con Shorty Rogers , Hampton Hawes , Red Mitchell , Art Pepper , Russ Freeman , Frank Rosolino , Chet Baker , Leroy Vinnegar , Pete Jolly , Howard McGhee , Bob Gordon , Conte Candoli , Sonny Criss y muchos otros. [15] Muchas de sus grabaciones en esta época fueron para Contemporary Records de Lester Koenig , donde durante un período Manne tuvo un contrato como artista "exclusivo" (es decir, necesitaba permiso para grabar para otros sellos). [16]
Manne dirigió una serie de pequeños grupos que grabaron bajo su nombre y bajo su dirección. Uno de ellos, formado por Manne a la batería, el trompetista Joe Gordon , el saxofonista Richie Kamuca , el bajista Monty Budwig y el pianista Victor Feldman, actuó durante tres días en 1959 en el club Black Hawk de San Francisco . Su música se grabó en el acto y se publicaron cuatro LP . Muy valoradas como un ejemplo innovador de grabación de jazz "en directo", [17] las sesiones de Black Hawk se reeditaron en CD en forma aumentada años después.
Manne es a menudo asociado con la escuela de jazz de la Costa Oeste, que en su día fue criticada con frecuencia. [18] Se le ha considerado el baterista "por excelencia" de lo que se consideraba un movimiento de la Costa Oeste, aunque al propio Manne no le importaba que lo encasillaran de esa manera. [19] En la década de 1950, gran parte de lo que hacía podía considerarse parte del estilo de la Costa Oeste: tocaba en composiciones muy bien arregladas en lo que era un estilo cool , como en su álbum de 1953 llamado The West Coast Sound , para el que encargó varias composiciones originales. Parte del jazz de la Costa Oeste era música experimental y de vanguardia varios años antes de la forma de tocar más convencional de vanguardia de Cecil Taylor y Ornette Coleman (Manne también grabó con Coleman en 1959); gran parte del trabajo de Manne con Jimmy Giuffre era de este tipo. Los críticos condenarían gran parte de esta música por ser demasiado cerebral. [20]
Otro aspecto del jazz de la Costa Oeste que también fue objeto de críticas fue la música de estilo más ligero, destinada al consumo popular. [21] Manne también hizo contribuciones en este sentido. La más conocida es la serie de álbumes que grabó con el pianista André Previn y con miembros de sus grupos, basados en música de espectáculos populares de Broadway, películas y programas de televisión. (El primero y más exitoso de ellos fue el álbum My Fair Lady basado en canciones del musical, grabado por Previn, Manne y el bajista Leroy Vinnegar en 1956). Las grabaciones para el sello Contemporary , cada álbum dedicado a un solo musical, tienen un estilo ligero, de atractivo inmediato y dirigido al gusto popular. Esto no siempre fue bien recibido por los aficionados al jazz "serio", lo que puede ser una de las razones por las que a menudo se ha pasado por alto a Manne en los relatos de los principales bateristas de jazz del siglo XX. [22]
Gran parte de la música producida en la Costa Oeste en esos años, como reconoce Robert Gordon, era de hecho imitativa y "carecía del fuego y la intensidad asociados con las mejores interpretaciones de jazz". [23] Pero Gordon también señala que hay un nivel de sofisticación musical, así como una intensidad y "swing", en la música grabada por Manne con Previn y Vinnegar (y más tarde Red Mitchell) que falta en los muchos álbumes mediocres de este tipo producidos por otros en ese período. [24]
Sin embargo, el jazz de la Costa Oeste representaba sólo una pequeña parte de la música de Manne. En Los Ángeles, y ocasionalmente regresando a Nueva York y otros lugares, Manne grabó con músicos de todas las escuelas y estilos, desde los de la era del swing hasta el bebop y los desarrollos posteriores del jazz moderno, incluido el hard bop , generalmente visto como la antítesis del jazz cool que se asocia frecuentemente con la música de la Costa Oeste. [25]
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Desde las grabaciones de 78 rpm de la década de 1940 hasta los LP de la década de 1950 y más tarde, hasta los cientos de bandas sonoras de películas en las que apareció, la producción grabada de Manne fue enorme y, a menudo, difícil de precisar. [26] Según el escritor de jazz Leonard Feather , la batería de Manne se había escuchado en "más de mil LP", una declaración que Feather hizo en 1960, cuando Manne no había llegado ni siquiera a la mitad de su carrera de 45 años. [27]
Una lista extremadamente selectiva de aquellos con quienes Manne actuó incluye a Benny Carter , Earl Hines , Clifford Brown , Zoot Sims , Ben Webster , Maynard Ferguson , Wardell Gray , Lionel Hampton , Junior Mance , Jimmy Giuffre y Stan Getz . En la década de 1950, grabó dos sólidos álbumes con Sonny Rollins —Way Out West (Contemporary, 1957) recibió especial aclamación y ayudó a disipar la noción de que el jazz de la Costa Oeste siempre fue diferente del jazz hecho en la Costa Este [28] — y, en la década de 1960, dos con Bill Evans . Casi al mismo tiempo, en 1959, Manne grabó con el tradicional Benny Goodman y el iconoclasta Ornette Coleman, un ejemplo sorprendente de su versatilidad.
Una de las colaboraciones más audaces de Manne en los años 60 fue con Jack Marshall , el guitarrista y arreglista célebre por componer el tema y la música incidental del programa de televisión The Munsters en ese período. Dos álbumes de duetos ( Sounds Unheard Of!, 1962, y Sounds!, 1966) presentan a Marshall en la guitarra, acompañado por Manne tocando la batería y una amplia variedad de instrumentos de percusión inusuales en el jazz, desde "palitos de bambú hawaianos cortados", hasta un gong chino , pasando por castañuelas y el flautín Boo-Bam .
Otro ejemplo de la capacidad de Manne para trascender las estrechas fronteras de cualquier escuela en particular es la serie de álbumes de trío que grabó con el guitarrista Barney Kessel y el bajista Ray Brown como "The Poll Winners". (Todos habían ganado numerosas encuestas realizadas por las publicaciones populares de la época; las encuestas ahora se han olvidado, [29] pero los álbumes perduran, ahora reeditados en CD). Manne incluso incursionó en el Dixieland y la fusión , así como en la música de la " tercera corriente ". Participó en el resurgimiento de ese precursor del jazz, el ragtime (aparece en varios álbumes dedicados a la música de Scott Joplin ), y a veces grabó con músicos mejor asociados con la música clásica europea. Sin embargo, siempre regresó al jazz directo que más amaba.
Además de Dave Tough y Jo Jones , Manne admiró y aprendió de sus contemporáneos Max Roach y Kenny Clarke , y más tarde de bateristas más jóvenes como Elvin Jones y Tony Williams . Consciente o inconscientemente, tomó prestado un poco de todos ellos, siempre buscando extender su forma de tocar a nuevos territorios. [30]
Sin embargo, a pesar de estas y otras numerosas influencias, el estilo de batería de Shelly Manne siempre fue propio: personal, preciso, claro y, al mismo tiempo, multifacético, [31] utilizando una gama muy amplia de colores. [32] Manne era a menudo experimental y había participado en grupos musicalmente exploratorios de principios de los años 50, como los de Jimmy Giuffre y Teddy Charles . [33] Sin embargo, su forma de tocar nunca se volvió demasiado cerebral y nunca descuidó ese elemento generalmente considerado fundamental para todo el jazz: el tiempo. [34]
Ya sea tocando Dixieland, bebop o jazz de vanguardia , en grandes bandas o en pequeños grupos, el objetivo autoproclamado de Manne era hacer que la música tuviera swing. [35] Sus compañeros músicos dieron fe de que escuchaba con aprecio a quienes lo rodeaban y era ultrasensible a las necesidades y los matices de la música tocada por los demás en la banda, [36] siendo su objetivo hacer que ellos (y la música en su conjunto) sonaran mejor, en lugar de llamar la atención sobre sí mismo con solos dominantes. [37]
Manne se negó a tocar con un estilo potente, pero su batería discreta era apreciada por sus propias fortalezas. En 1957, el crítico Nat Hentoff llamó a Manne uno de los bateristas más "musicales" e "iluminativamente imaginativos". [38] El compositor y multiinstrumentista Bob Cooper lo llamó "el baterista más imaginativo con el que he trabajado". [39] En años posteriores, este tipo de apreciación por lo que Manne podía hacer fue repetida por notables del jazz como Louie Bellson , John Lewis , Ray Brown, Harry "Sweets" Edison y muchos otros que habían trabajado con él en varias ocasiones. El compositor, arreglista, director de banda y multiinstrumentista Benny Carter era "un gran admirador de su trabajo". "Podía leer cualquier cosa, conseguir cualquier tipo de efecto", dijo Carter, quien trabajó estrechamente con Manne durante muchas décadas. [40]
Aunque siempre insistió en la importancia del tiempo y el "swing", el concepto de Manne de su propio estilo de batería apuntaba típicamente a su enfoque basado en la melodía . [41] Contrastó su estilo con el de Max Roach: "Max toca melódicamente a partir de los ritmos que toca. Yo toco ritmos pensando melódicamente". [42]
Manne tenía fuertes preferencias en su elección de batería. Esas preferencias, sin embargo, cambiaron varias veces a lo largo de su carrera. Comenzó con las baterías Gretsch . En 1957, intrigado por el sonido de una especie de tambor fabricado por Leedy (entonces propiedad de Slingerland ), mandó a hacer una línea para él que también se hizo popular entre otros bateristas. En la década de 1970, después de probar y abandonar muchas otras por razones de sonido o facilidad de mantenimiento, se decidió por las Pearl Drums de fabricación japonesa . [43]
Manne también fue aclamado por los cantantes. Jackie Cain , del dúo vocal de Jackie y Roy ("Roy" es Roy Kral ), afirmó que "nunca había escuchado a un baterista tocar tan hermosamente detrás de un cantante". [44] Jackie y Roy fueron solo dos de los muchos cantantes con los que tocó, grabando varios álbumes con ese dúo de marido y mujer, con su contemporánea June Christy , [45] y con Helen Humes , originalmente famosa por cantar con la orquesta de Count Basie .
A lo largo de las décadas, Manne grabó álbumes adicionales, o en ocasiones simplemente se sentó a tocar la batería aquí y allá, con vocalistas de renombre como Ella Fitzgerald , [46] Mel Tormé , [47] Peggy Lee , Frank Sinatra , Ernestine Anderson , [48] Sarah Vaughan , [49] Lena Horne , [50] Blossom Dearie , [51] y Nancy Wilson . [52] No todos los cantantes a los que Manne acompañó eran principalmente artistas de jazz. Artistas tan diversos como Teresa Brewer , [53] Leontyne Price , [54] Tom Waits , [55] y Barry Manilow [56] incluyeron a Manne en sus sesiones de grabación.
Al principio, el jazz solo se escuchaba en las bandas sonoras de películas cuando la interpretación de una banda de jazz formaba parte de la historia. Al principio de su carrera, Manne apareció ocasionalmente en el cine, por ejemplo en la película Seven Days Leave de 1942 , como baterista de la muy popular orquesta de Les Brown (que pronto sería conocida como "Les Brown and His Band of Renown").
Sin embargo, en la década de 1950, el jazz comenzó a usarse en la totalidad o en partes de las bandas sonoras de películas, y Manne fue pionero en estos esfuerzos, comenzando con The Wild One (1953). A medida que el jazz asumió rápidamente un papel importante en el fondo musical de las películas, también asumió Manne un papel importante como baterista y percusionista en esas bandas sonoras. Un ejemplo temprano notable fue The Man with the Golden Arm (1955) ; Manne no solo tocó la batería en toda la película, sino que funcionó como asistente personal del director Otto Preminger y fue tutor de la estrella Frank Sinatra . [57] El LP de la banda sonora de Decca lo acredita de manera destacada por las "Secuencias de batería".
A partir de entonces, a medida que el jazz se hizo más importante en las películas, Manne se convirtió en el percusionista de referencia en la industria cinematográfica; [58] incluso apareció en la pantalla en algunos papeles menores. Un ejemplo importante es la banda sonora de jazz de Johnny Mandel para I Want to Live! en 1958. [59]
Pronto, Manne comenzó a contribuir a la música cinematográfica de una manera más amplia, a menudo combinando jazz, pop y música clásica . Henry Mancini en particular encontró mucho trabajo para él; los dos compartían un interés en experimentar con colores tonales, y Mancini llegó a confiar en Manne para dar forma a los efectos de percusión en su música. Desayuno con diamantes (1961), Hatari! (1962) y La pantera rosa (1963) son solo algunas de las películas de Mancini en las que se podían escuchar los tambores y los efectos de percusión especiales de Manne.
Manne colaboró frecuentemente con Mancini también en televisión, como en las series Peter Gunn (1958-1961) y Mr. Lucky (1959-1960). Aunque Mancini desarrolló una asociación tan estrecha con Manne que lo estaba utilizando para prácticamente todas sus partituras y otra música en este momento, [60] el baterista todavía encontró tiempo para actuar en bandas sonoras de películas y en programas de televisión con música de otros, incluida la serie Richard Diamond (música de Pete Rugolo , 1959-1960), y Checkmate (música de John Williams , 1959-1962), y la versión cinematográfica de West Side Story de Leonard Bernstein (1961).
A finales de los años 50, Manne empezó a componer sus propias bandas sonoras para películas, como la de The Proper Time (1959), música que también tocó su propio grupo, Shelly Manne and His Men, y que se publicó en un LP de Contemporary . En años posteriores, Manne dividió su tiempo tocando la batería, añadiendo efectos de percusión especiales y, a veces, escribiendo bandas sonoras completas tanto para cine como para televisión. Incluso proporcionó un escenario musical para una grabación del clásico infantil del Dr. Seuss Green Eggs and Ham (1960) y más tarde actuó y, a veces, escribió música para los fondos de numerosos dibujos animados. Por ejemplo, se unió a otros notables músicos de jazz (incluidos Ray Brown y Jimmy Rowles ) para tocar la música de Doug Goodwin para la serie de dibujos animados The Ant and the Aardvark (1969-1971). [61] Ejemplos notables de partituras posteriores que Manne escribió y en las que también actuó son, para las películas, Young Billy Young (1969) y Trader Horn (1973), y, para la televisión, Daktari , 1966-1969. Con estas y otras contribuciones a dibujos animados, cuentos infantiles, películas, programas de televisión (e incluso anuncios), la percusión de Manne se entretejió en la cultura popular de varias décadas. [62]
Manne fue copropietario del club nocturno de Los Ángeles Shelly's Manne-Hole, ubicado en 1608 North Cahuenga Boulevard desde 1960 hasta 1972, luego en una segunda ubicación en el restaurante Tetou's en Wilshire Boulevard [63] hasta que cerró en 1973. La banda de la casa en el club nocturno era Shelly Manne and His Men, que incluía a algunos de los acompañantes favoritos de Manne, como Russ Freeman , Monty Budwig , Richie Kamuca , Conte Candoli y más tarde Frank Strozier , John Morell y Mike Wofford , entre muchos otros notables músicos de jazz de la Costa Oeste. En el club también actuaron estrellas del jazz de distintas épocas y de todas las regiones, entre ellas Ben Webster , Rahsaan Roland Kirk , John Coltrane , Sonny Stitt , Thelonious Monk , Michel Legrand , Carmen McRae , Milt Jackson , Teddy Edwards , Monty Alexander , Lenny Breau y Miles Davis . Allí se grabaron una cantidad considerable de álbumes en directo , entre ellos Live! Shelly Manne & His Men at the Manne-Hole (1961), At Shelly's Manne-Hole (1963) de Bill Evans, Cannonball Adderley Live ! (1964) de Cannonball Adderley , Live at Shelly's Manne-Hole (1965) de Les McCann y Somewhere Before (1969) de Keith Jarrett .
A finales de 1973, Manne se vio obligado a cerrar el club por razones económicas. Stan Getz fue el último artista que actuó allí, en el segundo local, que estuvo ocupado durante un breve período. [64]
Tras el cierre de Shelly's Manne-Hole, Manne volvió a centrar su atención en su propia batería. Se podría decir que nunca tocó con más gusto, refinamiento y swing conmovedor que en la década de 1970, [65] cuando grabó numerosos álbumes con músicos como el trompetista Red Rodney , el pianista Hank Jones , los saxofonistas Art Pepper y Lew Tabackin , y el compositor, arreglista y saxofonista Oliver Nelson . [66]
De 1974 a 1977 se unió al guitarrista Laurindo Almeida , al saxofonista y flautista Bud Shank y al bajista Ray Brown para actuar como el grupo The LA Four , que grabó cuatro álbumes antes de que Manne dejara el conjunto. [67]
En la década de 1980, Manne grabó con estrellas como el trompetista Harry "Sweets" Edison , el saxofonista Zoot Sims , los guitarristas Joe Pass y Herb Ellis y el pianista John Lewis (famoso por ser el director musical del Modern Jazz Quartet ). [68]
Mientras tanto, continuó grabando con varios pequeños grupos propios. Un ejemplo representativo de su trabajo en este período es un concierto en vivo grabado en el club "Carmelo's" de Los Ángeles en 1980 con los pianistas Bill Mays y Alan Broadbent y el bajista Chuck Domanico . Con su entusiasmo y espontaneidad, y la sensación de que el público en el ambiente íntimo del club está participando en la música, estas actuaciones comparten las características que se habían celebrado más de dos décadas antes en las actuaciones más conocidas de Black Hawk. [69] Aunque esta fase de su carrera ha sido frecuentemente pasada por alto, Manne, en este momento, había refinado enormemente su capacidad para respaldar a otros músicos con simpatía, pero al mismo tiempo hacer que sus propios pensamientos musicales se escucharan claramente. [70]
La gran carga de trabajo de Manne en los estudios de Hollywood a veces le hizo desviar su atención de su interpretación del jazz convencional. Sin embargo, incluso en películas mediocres, a menudo logró hacer arte de lo que podría llamarse un trabajo de mala calidad. [71] Aun así, a pesar de todo su trabajo incansable en los estudios, la obra de amor de Manne fue su contribución al jazz como forma de arte estadounidense, al que se había dedicado desde su juventud y continuó trabajando casi hasta el último día de su vida. [72]
Manne murió poco antes de que el interés popular por el jazz hubiera cobrado impulso, pero en sus últimos años, su inmensa contribución a la música recuperó al menos cierto reconocimiento local y el papel que Manne había desempeñado en la cultura de su ciudad adoptiva comenzó a atraer el aprecio del público. [73] Dos semanas antes de su repentina muerte por un ataque cardíaco, fue homenajeado por la ciudad de Los Ángeles en colaboración con el Consejo de las Artes de Hollywood cuando el 9 de septiembre de 1984 se declaró el "Día de Shelly Manne". [74]