Eugene Curran Kelly (23 de agosto de 1912 - 2 de febrero de 1996) fue un bailarín, actor, cantante, director y coreógrafo estadounidense. Era conocido por su estilo de baile enérgico y atlético y buscó crear una nueva forma de danza estadounidense accesible al público en general, a la que llamó "danza para el hombre común". [2] [3] Protagonizó, coreografió y codirigió con Stanley Donen algunas de las películas musicales más reconocidas de las décadas de 1940 y 1950.
Kelly es mejor conocido por sus actuaciones en An American in Paris (1951), que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película, Singin' in the Rain (1952), que él y Donen dirigieron y coreografiaron, y otras películas musicales de esa época como como Cover Girl (1944) y Anchors Aweigh (1945), por la que fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Actor . On the Town (1949), que codirigió con Donen, fue su debut como director. Más tarde, en la década de 1950, cuando los musicales perdieron popularidad, protagonizó Brigadoon (1954) y It's Always Fair Weather (1955), la última película que dirigió con Donen. Su debut como director en solitario fue Invitation to the Dance (1956), uno de los últimos musicales de MGM, que fue un fracaso comercial.
Kelly hizo su debut cinematográfico en For Me and My Gal (1942) con Judy Garland , con quien también apareció en The Pirate (1948) y Summer Stock (1950). También apareció en los dramas Black Hand (1950) y Inherit the Wind (1960), [4] por los que recibió elogios de la crítica.
Continuó como director en la década de 1960, con créditos que incluyen Una guía para el hombre casado (1967) y ¡Hola, muñequita! (1969), [5] [6] [7] que recibió una nominación al Oscar a la Mejor Película . [8] [9] Fue coanfitrión y apareció en Ziegfeld Follies (1946), ¡Eso es entretenimiento! (1974), Eso es entretenimiento, Parte II (1976), ¡ Eso es bailar! (1985) y Eso es entretenimiento, Parte III (1994).
Sus muchas innovaciones transformaron el musical de Hollywood, y se le atribuye haber hecho, casi sin ayuda de nadie, que la forma del ballet fuera comercialmente aceptable para el público cinematográfico. [10] Según la historiadora de la danza y el arte Beth Genné, trabajando con su codirector Donen en Singin' in the Rain y en películas con el director Vincent Minnelli , "Kelly... afectó fundamentalmente la forma en que se hacen las películas y la forma en que nos vemos". hacia ellos. Y lo hizo con ojos de bailarín y desde la perspectiva de un bailarín". [2] Kelly recibió un Premio Honorífico de la Academia en 1952 por sus logros profesionales; El mismo año, Un americano en París ganó seis premios de la Academia, incluida la de Mejor Película. Posteriormente recibió premios a la trayectoria en el Kennedy Center Honors (1982) y del Screen Actors Guild y el American Film Institute . En 1999, el American Film Institute también lo clasificó como la decimoquinta leyenda masculina más grande de la pantalla del cine clásico de Hollywood .
Kelly nació en el barrio East Liberty de Pittsburgh . Tenía cinco hijos de James Patrick Joseph Kelly, un vendedor de fonógrafos , y su esposa, Harriet Catherine Curran. [11] Su padre nació en Peterborough , Ontario, Canadá, en una familia canadiense irlandesa. Su abuelo materno era un inmigrante de Derry , Irlanda, y su abuela materna era de ascendencia alemana. [12] Cuando tenía ocho años, la madre de Kelly lo inscribió a él y a su hermano James en clases de baile, junto con sus hermanas. Como recordó Kelly, ambos se rebelaron: "No nos gustaba mucho y continuamente nos peleábamos a puñetazos con los chicos del barrio que nos llamaban mariquitas ... No volví a bailar hasta los 15 años". [13] Hubo un tiempo en que su sueño de infancia era jugar como campocorto para los Piratas de Pittsburgh de su ciudad natal . [14]
Cuando decidió bailar, era un deportista consumado y capaz de defenderse. Asistió a la escuela primaria St. Raphael [15] en el vecindario Morningside de Pittsburgh y se graduó de la escuela secundaria Peabody a los 16 años. Ingresó al Pennsylvania State College para estudiar periodismo, pero después de la crisis de 1929 dejó la escuela y encontró trabajo en orden. para ayudar económicamente a su familia. Creó rutinas de baile con su hermano menor Fred para ganar premios en metálico en concursos de talentos locales. También actuaron en clubes nocturnos locales. [13]
En 1931, Kelly se matriculó en la Universidad de Pittsburgh para estudiar economía y se unió a la fraternidad Theta Kappa Phi (más tarde conocida como Phi Kappa Theta después de fusionarse con Phi Kappa). [16] Se involucró en el club de toga y birrete de la universidad , que presentaba producciones musicales originales. [17] Después de graduarse en 1933, continuó activo en el Club de toga y birrete, sirviendo como director de 1934 a 1938. Kelly fue admitido en la Facultad de Derecho de la Universidad de Pittsburgh . [18]
Su familia abrió un estudio de danza en el barrio Squirrel Hill de Pittsburgh. En 1932, lo rebautizaron como Estudio de Danza Gene Kelly y abrieron una segunda ubicación en Johnstown, Pensilvania en 1933. Kelly se desempeñó como profesor en el estudio durante sus años universitarios y de estudiante de derecho en Pitt. En 1931, la sinagoga Beth Shalom de Pittsburgh se acercó a él para enseñar danza y organizar la Kermesse anual . La empresa resultó un éxito y Kelly fue contratado durante siete años hasta su partida a Nueva York. [19]
Kelly finalmente decidió seguir una carrera como profesor de danza y artista de tiempo completo, por lo que abandonó la facultad de derecho después de dos meses. Aumentó su enfoque en la actuación y luego dijo: "Con el tiempo me desilusioné de la enseñanza porque la proporción de niñas y niños era más de diez a uno, y una vez que las niñas alcanzaron los 16 años, la tasa de deserción era muy alta". [13] En 1937, después de haber gestionado y desarrollado con éxito el negocio de la escuela de danza de la familia, se mudó a la ciudad de Nueva York en busca de trabajo como coreógrafo. [13] Kelly regresó a Pittsburgh, a la casa de su familia en 7514 Kensington Street, en 1940, y trabajó como actor de teatro. [20]
Después de una búsqueda infructuosa de trabajo en Nueva York, Kelly regresó a Pittsburgh para ocupar su primer puesto como coreógrafo en la revista musical de Charles Gaynor Hold Your Hats en el Pittsburgh Playhouse en abril de 1938. Kelly apareció en seis de los bocetos, uno de los cuales, La cumparsita , se convirtió en la base de un número español ampliado en la película Levantan anclas ocho años después.
Su primer encargo en Broadway , en noviembre de 1938, fue como bailarín en Leave It to Me! de Cole Porter . —como la secretaria del embajador estadounidense que apoya a Mary Martin mientras canta " My Heart Belongs to Daddy ". Lo había contratado Robert Alton , quien había montado un espectáculo en el Pittsburgh Playhouse donde quedó impresionado por las habilidades docentes de Kelly. Cuando Alton pasó a coreografiar el musical One for the Money , contrató a Kelly para actuar, cantar y bailar en ocho rutinas. En 1939, fue seleccionado para una revista musical, One for the Money , producida por la actriz Katharine Cornell , conocida por encontrar y contratar actores jóvenes con talento.
El primer gran avance de Kelly fue en el premio Pulitzer , The Time of Your Life , que se estrenó el 25 de octubre de 1939, en el que, por primera vez en Broadway, bailó su propia coreografía. Ese mismo año, recibió su primer encargo como coreógrafo de Broadway, para Diamond Horseshoe de Billy Rose . Comenzó a salir con una miembro del elenco, Betsy Blair , y se casaron el 16 de octubre de 1941.
En 1940, obtuvo el papel principal en Pal Joey de Rodgers and Hart , nuevamente coreografiada por Robert Alton. Este papel lo impulsó al estrellato. Durante su presentación, dijo a los periodistas: "No creo en la conformidad con ninguna escuela de danza. Creo lo que el drama y la música exigen. Si bien estoy cien por ciento dedicado a la técnica del ballet, sólo uso lo que puedo adaptarme. mi propio uso. Nunca dejo que la técnica se interponga en el estado de ánimo o la continuidad." [13] Sus colegas en este momento notaron su gran compromiso con el ensayo y el trabajo duro. Van Johnson —quien también apareció en Pal Joey— recordó: “Lo vi ensayar y me pareció que no había margen de mejora posible. Sin embargo, no quedó satisfecho. Era medianoche y estábamos ensayando desde las 8 de la noche. Por la mañana. Estaba bajando somnoliento el largo tramo de escaleras cuando escuché pasos entrecortados que venían del escenario... Podía ver sólo una lámpara encendida. Debajo de ella, una figura bailaba... Gene." [13]
Empezaron a llegar ofertas de Hollywood, pero Kelly no tenía prisa por abandonar Nueva York. Finalmente, firmó con David O. Selznick , aceptando ir a Hollywood al finalizar su compromiso con Pal Joey , en octubre de 1941. Antes de su contrato, también logró encajar en la coreografía de la producción teatral de Best Foot Forward . [21]
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Selznick vendió la mitad del contrato de Kelly a Metro-Goldwyn-Mayer para su primera película: For Me and My Gal (1942), protagonizada por Judy Garland . Kelly dijo que estaba "horrorizado al verme explotado 20 veces. Tuve la terrible sensación de que había sido un tremendo fracaso". For Me and My Gal tuvo un muy buen desempeño y, ante mucha resistencia interna, Arthur Freed de MGM asumió la otra mitad del contrato de Kelly. [13] Después de aparecer en una película dramática de serie B , Pilot No. 5 (1943) y en Christmas Holiday (1944), asumió el papel principal masculino en Du Barry Was a Lady (1943) de Cole Porter con Lucille Ball (en un papel originalmente destinado a Ann Sothern ). Su primera oportunidad de bailar con su propia coreografía llegó en su siguiente película, Thousands Cheer (1943), en la que realizaba un baile de amor simulado con un trapeador. Inusualmente, en Pilot No. 5 , Kelly interpretó al antagonista .
Logró un avance significativo como bailarín cinematográfico cuando MGM lo prestó a Columbia para trabajar con Rita Hayworth en Cover Girl (1944), película que presagiaba lo mejor de su trabajo futuro. [22] Creó una rutina memorable bailando con su propio reflejo. A pesar de esto, el crítico Manny Farber se sintió impulsado a elogiar la "actitud", la "claridad" y el "sentimiento" de Kelly como actor y concluyó de manera desfavorable: "Las dos cosas que hace peor (cantar y bailar) son las que se le dan de manera más consistente". hacer." [23]
En la siguiente película de Kelly, Anchors Aweigh (1945), MGM le dio vía libre para idear una variedad de rutinas de baile, incluidos sus duetos con su coprotagonista Frank Sinatra y el célebre baile animado con Jerry Mouse , cuya animación fue supervisada por William Hanna y Joseph Barbera . Esa actuación fue suficiente para que Farber revirtiera por completo su evaluación anterior de las habilidades de Kelly. Al revisar la película, Farber se mostró entusiasmado: "Kelly es la bailarina más emocionante que ha aparecido en las películas de Hollywood". [24] Anchors Aweigh se convirtió en una de las películas más exitosas de 1945 y Kelly fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Actor . En Ziegfeld Follies (1946), que se produjo en 1944 pero se retrasó su lanzamiento, Kelly colaboró con Fred Astaire , por quien sentía la mayor admiración, en la rutina de baile desafiante "The Babbitt and the Bromide".
Kelly fue aplazado del reclutamiento en 1940 [25] por el Sistema de Servicio Selectivo de Estados Unidos a petición de sus empleadores, pero fue clasificado 1-A, elegible para el reclutamiento, en octubre de 1944 después de una apelación al presidente Franklin Delano Roosevelt por parte del jefe de el Servicio Selectivo en la ciudad de Nueva York. [26] Roosevelt personalmente confirmó la apelación. [25] Fue incluido en las fuerzas armadas un mes después y, a petición suya, fue asignado a la Marina de los EE. UU. [27] [28] Sirvió en el Servicio Aéreo Naval de EE. UU . y fue comisionado como teniente, grado junior . Estuvo destinado en la Sección Fotográfica de Washington, DC, donde ayudó a escribir y dirigir una serie de documentales, lo que estimuló su interés en la producción cinematográfica. [16] [29] Fue dado de alta en 1946. [30]
Después de que Kelly regresó del servicio naval, MGM no tenía nada planeado y lo utilizó en una película rutinaria en blanco y negro: Living in a Big Way (1947). La película se consideró tan débil que el estudio le pidió a Kelly que diseñara e insertara una serie de rutinas de baile; notaron su capacidad para llevar a cabo tales asignaciones. Esto lo llevó a un papel principal en su siguiente película, con Judy Garland y el director Vincente Minnelli , una versión cinematográfica musical de la obra de SN Behrman , The Pirate (1948), con canciones de Cole Porter. El Pirata dio rienda suelta al atletismo de Kelly. Presenta el trabajo de Kelly con los hermanos Nicholas , los principales bailarines negros de su época, en una rutina de baile virtuosa. Ahora considerada un clásico, la película se adelantó a su tiempo, pero fracasó en taquilla.
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MGM quería que Kelly volviera a vehículos más seguros y comerciales, pero él luchó incesantemente por la oportunidad de dirigir su propia película musical. Mientras tanto, aprovechó su imagen de capa y espada como D'Artagnan en Los tres mosqueteros (también 1948) y también apareció con Vera-Ellen en el ballet Slaughter on Tenth Avenue en Words and Music (nuevamente 1948). Debía interpretar el papel principal masculino junto a Garland en Easter Parade (1948), pero se rompió el tobillo jugando voleibol. Se retiró de la película y convenció a Fred Astaire de que saliera de su retiro para reemplazarlo. [31] Siguió Take Me Out to the Ball Game (1949), su segunda película con Sinatra, donde Kelly rindió homenaje a su herencia irlandesa en la rutina "El sombrero que mi padre llevaba en el día de San Patricio". Esta película musical convenció a Arthur Freed para que Kelly hiciera On the Town (también de 1949), en la que se asoció con Frank Sinatra por tercera y última vez. Un gran avance en el género del cine musical, ha sido descrito como "el musical más inventivo y efervescente producido hasta ahora en Hollywood". [13]
Stanley Donen , traído a Hollywood por Kelly para ser su coreógrafo asistente, recibió el crédito de codirector por On the Town . Según Kelly: "Cuando estás involucrado en una coreografía para una película, debes contar con asistentes expertos. Necesitaba uno para ver mi actuación y otro para trabajar con el camarógrafo en el tiempo... sin personas como Stanley, Carol Haney , y Jeanne Coyne Nunca podría haber hecho estas cosas. Cuando vinimos a hacer On the Town , supe que era hora de que Stanley obtuviera crédito en pantalla porque ya no éramos jefe-asistente sino co-creadores". [13] [32] Juntos, abrieron la forma musical, sacando la película musical del estudio y llevándola a lugares reales, con Donen asumiendo la responsabilidad de la puesta en escena y Kelly a cargo de la coreografía. Kelly fue mucho más lejos que antes al introducir el ballet moderno en sus secuencias de danza, llegando tan lejos en la rutina "Día en Nueva York" que sustituyó a Sinatra, Munshin, Garrett y Miller por cuatro destacados especialistas en ballet. [dieciséis]
Kelly pidió al estudio un papel de actuación directo y asumió el papel principal en el melodrama de la mafia Black Hand (1950). Esta exposición del crimen organizado se desarrolla en la " Pequeña Italia " de Nueva York a finales del siglo XIX y se centra en Black Hand , un grupo que extorsiona dinero bajo amenaza de muerte. En los incidentes de la vida real en los que se basa esta película, fue la mafia, no la Mano Negra, quien actuó como el villano. Los cineastas tenían que actuar con cautela cuando se enfrentaban a grandes delitos, ya que era más seguro perseguir una organización criminal "muerta" que una "viva". Siguió Summer Stock (1950), la última película musical de Garland para MGM, en la que Kelly interpretó la rutina en solitario "You, You Wonderful You" con un periódico y una tabla del suelo chirriante. En su libro Easy the Hard Way , Joe Pasternak , director de otra de las unidades musicales de MGM, destacó a Kelly por su paciencia y voluntad de dedicar todo el tiempo necesario para permitir que la enferma Garland pudiera completar su papel. [13]
Luego siguieron en rápida sucesión dos musicales que aseguraron la reputación de Kelly como una figura importante del cine musical estadounidense. Primero, Un americano en París (1951) y, probablemente el más admirado de todos los musicales cinematográficos, Singin' in the Rain (1952). Como codirectora, estrella principal y coreógrafa, Kelly fue la fuerza impulsora de ambas películas. Johnny Green , director musical de MGM en ese momento, dijo de él:
Gene es tolerante siempre y cuando sepas exactamente lo que estás haciendo cuando trabajas con él. Es un capataz duro y le encanta el trabajo duro. Si quieres jugar en su equipo, será mejor que también trabajes duro. No es cruel, pero sí duro, y si Gene creía en algo, no le importaba con quién hablaba, ya fuera Louis B. Mayer o el portero. Nadie lo impresionaba y tenía un buen historial de conseguir lo que quería. [13]
Un americano en París ganó seis premios de la Academia, incluida la de Mejor Película . La película también marcó el debut de la bailarina Leslie Caron , de 19 años , a quien Kelly había visto en París y trajo a Hollywood. Su secuencia de ballet de ensueño, con una duración sin precedentes de 17 minutos, fue el número de producción más caro jamás filmado en ese momento. Bosley Crowther lo describió como "whoop-de-doo... uno de los mejores jamás presentados en la pantalla". [16] También en 1951, Kelly recibió un Premio de la Academia honorario por su contribución al cine musical y al arte de la coreografía.
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Al año siguiente, Singin' in the Rain presentó la célebre y muy imitada rutina de baile solista de Kelly para la canción principal, junto con la rutina "Moses Suppposes" con Donald O'Connor y el final de "Broadway Melody" con Cyd Charisse . Aunque la película no generó inicialmente el mismo entusiasmo que generó Un americano en París , posteriormente superó a la película anterior para ocupar su actual lugar preeminente en la estima de los críticos.
En la cima de sus poderes creativos, Kelly cometió lo que, en retrospectiva, algunos ven como un error profesional. [16] En diciembre de 1951, firmó un contrato con MGM que lo envió a Europa durante 19 meses para utilizar los fondos de MGM congelados en Europa para hacer tres películas mientras se beneficiaba personalmente de exenciones fiscales. Sólo una de estas películas era un musical, [ aclarar ] Invitation to the Dance , un proyecto favorito de Kelly para llevar el ballet moderno al público cinematográfico convencional. Sufrió retrasos y problemas técnicos, y fracasó cuando finalmente se publicó en 1956.
Cuando Kelly regresó a Hollywood en 1953, la película musical empezaba a sentir las presiones de la televisión, y MGM recortó el presupuesto para su siguiente película Brigadoon (1954), con Cyd Charisse, lo que le obligó a hacer la película en platós de estudio en lugar de en ubicación en Escocia. Este año también apareció como estrella invitada con su hermano Fred en la rutina "I Love to Go Swimmin' with Wimmen" en Deep in My Heart (1954). La negativa de MGM a prestarlo para Guys and Dolls y Pal Joey puso aún más tensión en su relación con el estudio. Negoció una salida de su contrato que implicaba realizar tres películas más para MGM. El primero de ellos, It's Always Fair Weather (1955), codirigido con Donen, fue una sátira musical sobre televisión y publicidad, e incluye su rutina de baile en patines para I Like Myself y un trío de baile con Michael Kidd y Dan. Dailey que Kelly solía experimentar con las posibilidades de pantalla ancha de Cinemascope . MGM había perdido la fe en el atractivo de taquilla de Kelly y, como resultado, It's Always Fair Weather se estrenó en 17 autocines alrededor del metroplex de Los Ángeles. A continuación siguió la última película musical de Kelly para MGM, Les Girls (1957), en la que se unió a Mitzi Gaynor , Kay Kendall y Taina Elg . La tercera película que completó fue una coproducción entre MGM y él mismo, una película de serie B, The Happy Road (1957), ambientada en su amada Francia, su primera incursión en un nuevo papel como productor-director-actor. Después de dejar MGM, Kelly volvió a trabajar en el escenario.
En 1958, Kelly dirigió la obra musical de Rodgers y Hammerstein Flower Drum Song . [33] A principios de 1960, AM Julien, el administrador general de la Ópera de París y de la Opéra-Comique , invitó a Kelly, un ferviente francófilo y francófono fluido , [13] a seleccionar su propio material y crear un ballet moderno para la empresa, la primera vez que un estadounidense recibía un encargo de este tipo. El resultado fue Pas de Dieux , basado en la mitología griega , combinado con la música del Concierto en fa de George Gershwin . Fue un gran éxito y le llevó a ser honrado con el Caballero de la Legión de Honor por parte del gobierno francés.
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Kelly continuó haciendo algunas apariciones en películas, como Hornbeck en la producción de Hollywood de Inherit the Wind (1960) y como él mismo en Let's Make Love (también 1960). Sin embargo, la mayor parte de sus esfuerzos se concentraron ahora en la producción y dirección cinematográfica. En París, dirigió a Jackie Gleason en Gigot (1962), pero la película fue reeditada drásticamente por Seven Arts Productions y fracasó. [16] Otro esfuerzo francés, el homenaje de Jacques Demy al musical de MGM, Las jóvenes de Rochefort ( Les Demoiselles de Rochefort , 1967), en el que apareció Kelly, fue un éxito de taquilla en Francia y fue nominado a los Premios de la Academia por Mejor música y partitura de una película musical (original o adaptación), pero tuvo un mal desempeño en otros lugares.
Le pidieron que dirigiera la versión cinematográfica de The Sound of Music , que ya había sido rechazada por Stanley Donen. Acompañó a Ernest Lehman , el guionista, fuera de su casa y le dijo: "Ve a buscar a alguien más para dirigir este pedazo de mierda". [34]
Su primera incursión en la televisión fue un documental para Omnibus de NBC , Dancing is a Man's Game (1958), en el que reunió a un grupo de los mejores deportistas de Estados Unidos, incluidos Mickey Mantle , Sugar Ray Robinson y Bob Cousy , y reinterpretó sus movimientos. coreográficamente, como parte de su búsqueda de toda la vida para eliminar el estereotipo afeminado del arte de la danza, al tiempo que articula la filosofía detrás de su estilo de danza. [16] Obtuvo una nominación al Emmy por coreografía y ahora se erige como el documento clave que explica el enfoque de Kelly hacia la danza moderna.
Kelly apareció con frecuencia en programas de televisión durante la década de 1960, incluido Going My Way (1962-63), que se basó en la película de 1944 del mismo nombre . Gozó de gran popularidad en los países católicos romanos fuera de Estados Unidos. [16] También apareció en tres especiales de televisión importantes: The Julie Andrews Show (1965), New York, New York (1966) y Jack and the Beanstalk (1967), un programa que produjo y dirigió y que nuevamente combinó animación de dibujos animados y danza en vivo, lo que le valió un premio Emmy al mejor programa infantil.
En 1963, Kelly se unió a Universal Pictures por un período de dos años. Se unió a 20th Century Fox en 1965, pero tenía poco que hacer, en parte debido a su decisión de rechazar asignaciones fuera de Los Ángeles por razones familiares. Su perseverancia finalmente dio sus frutos, con el gran éxito de taquilla Una guía para el hombre casado (1967), en la que dirigió Walter Matthau . Entonces, surgió una gran oportunidad cuando Fox, animada por los retornos de The Sound of Music (1965), encargó a Kelly que dirigiera Hello, Dolly. (1969), dirigiendo nuevamente Matthau junto a Barbra Streisand . La película fue nominada a siete premios de la Academia y ganó tres .
En 1966, Kelly protagonizó un especial de televisión musical para CBS titulado Gene Kelly en Nueva York, Nueva York . [35] El especial se centra en Gene Kelly en una gira musical por Manhattan , bailando junto a lugares emblemáticos como el Rockefeller Center , el Plaza Hotel y el Museo de Arte Moderno , que sirven como telón de fondo para los entretenidos números de producción del programa. [36] El especial fue escrito por Woody Allen , quien también protagoniza junto a Kelly. Las estrellas invitadas incluyeron al coreógrafo Gower Champion , la estrella de la comedia musical británica Tommy Steele y la cantante Damita Jo DeBlanc . [37]
En 1970, hizo otro especial de televisión: Gene Kelly y 50 Girls , y fue invitado a llevar el espectáculo a Las Vegas , lo que hizo durante un período de ocho semanas con la condición de que le pagaran más de lo que le habían pagado a cualquier artista allí. . [16] Dirigió a los actores veteranos James Stewart y Henry Fonda en la comedia occidental The Cheyenne Social Club (1970), que tuvo un mal desempeño en taquilla. En 1973, volvió a trabajar con Frank Sinatra como parte del especial de televisión de Sinatra nominado al Emmy , Magnavox Presents Frank Sinatra . Apareció como uno de los muchos narradores especiales en el éxito sorpresa ¡Eso es entretenimiento! (1974). Dirigió y coprotagonizó con su amigo Fred Astaire la secuela That's Entertainment, Part II (1976). Fue una medida de su poder de persuasión que logró convencer a Astaire, de 77 años, que había insistido en que su contrato descartaba cualquier baile, ya que se había retirado hacía mucho tiempo, para que interpretara una serie de duetos de canto y baile. evocando una poderosa nostalgia por los días de gloria del cine musical estadounidense.
Kelly fue invitado al especial de televisión de 1975 protagonizado por Steve Lawrence y Eydie Gormé, "Our Love Is Here to Stay", donde apareció con su hijo Tim y su hija Bridget. Protagonizó la película de acción Viva Knievel, que tuvo una mala recepción. (1977), con el entonces destacado especialista Evel Knievel . Kelly continuó haciendo frecuentes apariciones en televisión. Su último papel cinematográfico fue en Xanadu (1980), un fracaso sorpresa a pesar de una banda sonora popular que generó cinco éxitos Top 20 de la Electric Light Orchestra , Cliff Richard y la coprotagonista de Kelly, Olivia Newton-John . [16] En opinión de Kelly, "el concepto era maravilloso, pero simplemente no funcionó". [13] Ese mismo año, Francis Ford Coppola lo invitó a contratar personal de producción para One from the Heart (1982) de American Zoetrope. Aunque la ambición de Coppola era establecer una unidad de producción que rivalizara con la Unidad Liberados de MGM, el fracaso de la película puso fin a esta idea. [16] En noviembre de 1983 realizó su primera actuación de variedades reales ante Su Majestad la Reina Isabel II, en el Teatro Real de Londres. Kelly se desempeñó como productora ejecutiva y copresentadora de That's Dancing! (1985), una celebración de la historia de la danza en el musical estadounidense. La última aparición de Kelly en pantalla fue para presentar ¡Eso es entretenimiento! III (1994). Su último proyecto cinematográfico fue la película animada Cats Don't Dance , que no se estrenó hasta 1997, para la que Kelly actuó como consultor coreográfico no acreditado. Estaba dedicado a su memoria.
Cuando comenzó su trabajo cinematográfico colaborativo, fue influenciado por Robert Alton y John Murray Anderson , esforzándose por crear estados de ánimo y una percepción de los personajes con sus bailes. Coreografió su propio movimiento, junto con el del conjunto, con la ayuda de Jeanne Coyne , Stanley Donen, Carol Haney y Alex Romero. [10] Experimentó con iluminación, técnicas de cámara y efectos especiales para lograr una verdadera integración de la danza con el cine, y fue uno de los primeros en utilizar pantallas divididas, imágenes dobles y acción en vivo con animación, y se le acredita como la persona que hizo que la forma de ballet fuera comercialmente aceptable para el público cinematográfico. [10]
Fue evidente una clara progresión en su desarrollo, desde una concentración temprana en el claqué y el estilo de comedia musical hasta una mayor complejidad utilizando formas de ballet y danza moderna. [38] El propio Kelly se negó a categorizar su estilo: "No tengo un nombre para mi estilo de baile... Es ciertamente híbrido... He tomado prestado de la danza moderna, de la clásica, y ciertamente de la Danza folclórica estadounidense: claqué, jitterbugging... Pero he tratado de desarrollar un estilo que sea autóctono del entorno en el que crecí". [38] Reconoció especialmente la influencia de George M. Cohan : "Tengo mucho de Cohan en mí. Es una cualidad irlandesa, una arrogancia que sobresale la mandíbula y que se pone en los dedos de los pies, lo cual es una buena cualidad para un bailarín masculino". [13] También estuvo fuertemente influenciado por un bailarín afroamericano, Robert Dotson , a quien vio actuar en el Loew's Penn Theatre alrededor de 1929. Frank Harrington, un especialista en tap afroamericano de Nueva York, le enseñó brevemente. [39] Sin embargo, su principal interés era el ballet, que estudió con Kotchetovsky a principios de la década de 1930. El biógrafo Clive Hirschhorn escribe: "Cuando era niño, solía correr kilómetros a través de parques, calles y bosques, en cualquier lugar, siempre que pudiera sentir el viento contra su cuerpo y a través de su cabello. El ballet le daba la misma sensación de euforia. , y en 1933, estaba convencido de que era la forma más satisfactoria de autoexpresión." [16] También estudió danza española con Ángel Cansino, el tío de Rita Hayworth . [16] En términos generales, tendía a usar tap y otros modismos de baile populares para expresar alegría y exuberancia, como en la canción principal de Singin' in the Rain o "I Got Rhythm" en An American in Paris , mientras que los sentimientos pensativos o románticos se expresaban con mayor frecuencia a través del ballet o la danza moderna, como en "Heather on the Hill" de Brigadoon o " Our Love Is Here to Stay " de An American in Paris . [38]
Según Delamater, el trabajo de Kelly "parece representar el cumplimiento de la integración danza-cine en las décadas de 1940 y 1950". Mientras Fred Astaire había revolucionado la filmación de danza en la década de 1930 al insistir en la fotografía de figuras completas de los bailarines, permitiendo sólo un grado modesto de movimiento de la cámara, Kelly liberó la cámara, haciendo un mayor uso del espacio, el movimiento de la cámara, los ángulos de la cámara, y edición, creando una asociación entre el movimiento de danza y el movimiento de la cámara sin sacrificar el encuadre de la figura completa. El razonamiento de Kelly detrás de esto fue que sentía que la fuerza cinética de la danza en vivo a menudo se evaporaba cuando se llevaba al cine, y trató de superar esto parcialmente involucrando a la cámara en movimiento y dándole al bailarín un mayor número de direcciones en las que moverse. Ejemplos de esto abundan en el trabajo de Kelly y están bien ilustrados en la secuencia "El hombre prehistórico" de On the Town y "El sombrero que mi padre usó en el día de San Patricio" de Llévame al juego de pelota . [38] En 1951, resumió su visión de la siguiente manera: "Si la cámara ha de hacer una contribución a la danza, este debe ser el punto focal de su contribución; el fondo fluido, que brinda a cada espectador una vista sin distorsiones y completamente similar". del bailarín y del fondo. Para lograrlo, la cámara se vuelve fluida, moviéndose con el bailarín, de modo que la lente se convierte en el ojo del espectador, su ojo ". [10]
El atletismo de Kelly le dio a sus movimientos una cualidad distintiva, amplia y musculosa, [38] y esto fue una elección deliberada de su parte, como explicó: "Existe un fuerte vínculo entre los deportes y el baile, y mi propio baile surge de mis primeros días como atleta... Creo que bailar es un juego de hombres y si lo hace bien lo hace mejor que una mujer." [13] Caron dijo que mientras bailaba con Astaire sentía como si estuviera flotando, Kelly bailaba cerca del suelo. [40] Criticó lo que vio como un afeminamiento generalizado en el baile masculino, que, en su opinión, estigmatizó "trágicamente" el género, alejando a los niños de ingresar al campo:
El baile atrae a jóvenes afeminados. No me opongo a eso mientras no bailen afeminadamente. Sólo digo que si un hombre baila afeminadamente, baila mal, como si una mujer saliera al escenario y se pusiera a cantar el bajo. Desafortunadamente, la gente confunde gracia con suavidad. John Wayne es un hombre elegante y también lo son algunos de los grandes jugadores... pero, por supuesto, no corren el riesgo de que los llamen mariquitas. [13]
En su opinión, "uno de nuestros problemas es que gran parte del baile lo enseñan mujeres. Se puede identificar a muchos bailarines que reciben esta enseñanza por los movimientos de sus brazos: son suaves, flácidos y femeninos". [13] Reconoció que a pesar de sus esfuerzos, en programas de televisión como Dancing: A Man's Game (1958), por ejemplo, la situación cambió poco a lo largo de los años. [13] También buscó romper con las convenciones de conciencia de clase de los años 1930 y principios de los 40, cuando el sombrero de copa y el frac o los esmoquin eran la norma, bailando con ropa de trabajo informal o cotidiana, para que su baile fuera más relevante para el público cinéfilo. Su primera esposa, la actriz y bailarina Betsy Blair, dijo:
Un traje de marinero o sus calcetines blancos y mocasines, o las camisetas en su torso musculoso, daban a todos la sensación de que era un tipo normal, y tal vez ellos también podrían expresar amor y alegría bailando en la calle o pisando fuerte. charcos... democratizó el baile en el cine. [41]
En particular, quería crear una imagen completamente diferente de la que se asocia con Fred Astaire, entre otras cosas porque creía que su físico no se adaptaba a una elegancia tan refinada: "Solía envidiar su estilo fresco y aristocrático, tan íntimo y contenido. Fred viste Sombrero de copa y frac para los nacidos en Manor; me los pongo y parezco un camionero". [13]
Desde mediados de la década de 1940 hasta principios de la de 1950, su esposa Betsy Blair y él organizaron fiestas semanales en su casa de Beverly Hills , y a menudo jugaban una versión intensamente competitiva y física de charadas , conocida como "El Juego". [42]
Sus artículos se encuentran en el Centro de Investigación de Archivos Howard Gotlieb de la Universidad de Boston .
Al final de su vida, Kelly recibió la ciudadanía irlandesa en el marco del programa de ciudadanía por nacimiento en el extranjero de Irlanda. La solicitud fue iniciada en su nombre por su esposa Patricia Ward Kelly. [43]
El 22 de diciembre de 1983 se incendió la mansión del actor en Beverly Hills. [44] Se culpó al cableado defectuoso del árbol de Navidad. Su familia y sus mascotas escaparon y sufrió una quemadura en la mano.
Kelly se casó tres veces. Su primer matrimonio fue con la actriz Betsy Blair en 1941. Tuvieron un hijo, Kerry (n. 1942), y se divorciaron en abril de 1957. [45]
En 1960, Kelly se casó con su asistente coreográfica Jeanne Coyne , quien anteriormente había estado casada con Stanley Donen entre 1948 y 1951. Kelly y Coyne tuvieron dos hijos, Timothy (n. 1962) y Bridget (n. 1964). Este matrimonio duró hasta que Coyne murió en 1973.
Kelly se casó con Patricia Ward en 1990 (cuando él tenía 77 años y ella 30). [46] Su matrimonio duró hasta su muerte seis años después y ella no se ha vuelto a casar. [47]
Kelly fue un partidario del Partido Demócrata durante toda su vida . Su período de mayor prominencia coincidió con la era McCarthy en Estados Unidos. En 1947, formó parte del Comité para la Primera Enmienda , la delegación de Hollywood que voló a Washington para protestar en las primeras audiencias oficiales del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes . Su primera esposa, Betsy Blair, era sospechosa de ser simpatizante comunista, y cuando United Artists , que había ofrecido a Blair un papel en Marty (1955), estaban considerando retirarla bajo presión de la American Legion , Kelly amenazó con éxito la influencia de MGM en United. Artistas que se retiraron de It's Always Fair Weather a menos que su esposa regresara al papel. [16] [42] Utilizó su puesto en la junta directiva del Writers Guild of America West en varias ocasiones para mediar en disputas entre los sindicatos y los estudios de Hollywood.
Se crió como católico romano y fue miembro de la parroquia del Buen Pastor y del Catholic Motion Picture Guild en Beverly Hills, California . [48] Sin embargo, después de desencantarse por el apoyo de la Iglesia Católica Romana a Francisco Franco contra la Segunda República Española durante la Guerra Civil Española , [49] cortó oficialmente sus vínculos con la iglesia en septiembre de 1939. Esta separación fue provocada, en parte , por un viaje que Kelly hizo a México en el que quedó convencido de que la iglesia no había logrado ayudar a los pobres en ese país. [49] Después de su salida de la Iglesia católica, Kelly se volvió agnóstico, como se había descrito a sí mismo anteriormente. [50]
La salud de Kelly decayó constantemente a finales de los 80 y principios de los 90. En julio de 1994, sufrió un derrame cerebral y permaneció en el hospital del Centro Médico Ronald Reagan de la UCLA durante siete semanas. A principios de 1995, sufrió otro derrame cerebral que lo dejó gravemente discapacitado. Kelly murió el 2 de febrero de 1996. [51]
Kelly apareció como actor, cantante y bailarín en películas musicales. Siempre coreografió sus propias rutinas de baile y, a menudo, las rutinas de baile de otros y utilizó asistentes. Como era costumbre en ese momento, rara vez se le acreditaba formalmente en los títulos de las películas. [10]
1994-Gene Kelly – bailarín, cantante, actor.Un sitio web, Movie Treasures Archivado el 14 de julio de 2011 en Wayback Machine , se refiere a este premio como la "Medalla Nacional de la Libertad", lo que hace que algunas personas confundan el premio con la "Medalla Presidencial de la Libertad", que no tiene ninguna relación. El premio que recibió Gene Kelly fue la Medalla Nacional de las Artes. El nombre de Kelly no aparece en la lista de ganadores de la Medalla Presidencial de la Libertad Archivado el 14 de julio de 2004 en Wayback Machine .
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