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El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia de principios del siglo XX que revolucionó la pintura y la escultura europeas e inspiró movimientos artísticos relacionados en la música , la literatura y la arquitectura . En las obras de arte cubistas, los temas se analizan, se dividen y se vuelven a ensamblar de forma abstracta; en lugar de representar los objetos desde una única perspectiva, el artista representa el tema desde múltiples perspectivas para representarlo en un contexto más amplio. [1] El cubismo ha sido considerado el movimiento artístico más influyente del siglo XX. [2] [3] El término cubismo se asocia ampliamente con una variedad de obras de arte producidas en París ( Montmartre y Montparnasse ) o cerca de París ( Puteaux ) durante la década de 1910 y a lo largo de la década de 1920.
El movimiento fue iniciado por Pablo Picasso y Georges Braque , y se unieron a él Jean Metzinger , Albert Gleizes , Robert Delaunay , Henri Le Fauconnier , Juan Gris y Fernand Léger . [4] Una influencia principal que condujo al cubismo fue la representación de formas tridimensionales en las últimas obras de Paul Cézanne . [2] Se llevó a cabo una retrospectiva de las pinturas de Cézanne en el Salón de Otoño de 1904, las obras actuales se exhibieron en el Salón de Otoño de 1905 y 1906 , seguidas de dos retrospectivas conmemorativas después de su muerte en 1907. [5]
En Francia se desarrollaron ramas del cubismo, incluido el orfismo , el arte abstracto y más tarde el purismo . [6] [7] El impacto del cubismo fue de gran alcance y alcance. En Francia y otros países el futurismo , el suprematismo , el dadaísmo , el constructivismo , el vorticismo , el De Stijl y el art déco se desarrollaron como respuesta al cubismo. [ cita necesaria ] Las primeras pinturas futuristas tienen en común con el cubismo la fusión del pasado y el presente, la representación de diferentes puntos de vista del tema representado al mismo tiempo o sucesivamente, también llamada perspectiva múltiple, simultaneidad o multiplicidad, [8] mientras El constructivismo estuvo influenciado por la técnica de Picasso de construir esculturas a partir de elementos separados. [9] Otros hilos comunes entre estos movimientos dispares incluyen el facetado o simplificación de formas geométricas y la asociación de la mecanización y la vida moderna.
Los historiadores han dividido la historia del cubismo en fases. En un esquema, la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico , frase acuñada a posteriori por Juan Gris , [10] fue a la vez radical e influyente como movimiento artístico breve pero muy significativo entre 1910 y 1912 en Francia. Una segunda fase, el cubismo sintético , siguió siendo vital hasta alrededor de 1919, cuando el movimiento surrealista ganó popularidad. El historiador de arte inglés Douglas Cooper propuso otro esquema, describiendo tres fases del cubismo en su libro The Cubist Epoch . Según Cooper existió el "Cubismo temprano", (de 1906 a 1908) cuando el movimiento se desarrolló inicialmente en los estudios de Picasso y Braque; denominándose la segunda fase "Alto Cubismo", (de 1909 a 1914) durante la cual Juan Gris emergió como un exponente importante (después de 1911); y finalmente Cooper se refirió al "cubismo tardío" (de 1914 a 1921) como la última fase del cubismo como movimiento de vanguardia radical . [11] El uso restrictivo que Douglas Cooper hizo de estos términos para distinguir la obra de Braque, Picasso, Gris (desde 1911) y Léger (en menor medida) implicó un juicio de valor intencionado. [12]
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El cubismo floreció entre 1907 y 1911. La pintura de Pablo Picasso de 1907, Les Demoiselles d'Avignon, ha sido a menudo considerada una obra protocubista .
En 1908, en su reseña de la exposición de Georges Braque en la galería Kahnweiler , el crítico Louis Vauxcelles calificó a Braque de hombre atrevido que desprecia la forma, "reduciéndolo todo, los lugares, las figuras y las casas, a esquemas geométricos, a cubos". [14] [15]
Vauxcelles relató cómo Matisse le dijo en ese momento: "Braque acaba de enviar [al Salón de Otoño de 1908 ] un cuadro hecho de pequeños cubos". [15] El crítico Charles Morice retransmitió las palabras de Matisse y habló de los pequeños cubos de Braque. El motivo del viaducto de l'Estaque había inspirado a Braque a realizar tres cuadros marcados por la simplificación de las formas y la deconstrucción de la perspectiva. [dieciséis]
Las Casas en L'Estaque de 1908 de Georges Braque (y obras relacionadas) llevaron a Vauxcelles, en Gil Blas , el 25 de marzo de 1909, a referirse a bizarreries cubiques (rarezas cúbicas). [17] Gertrude Stein se refirió a los paisajes realizados por Picasso en 1909, como el Embalse de Horta de Ebro , como las primeras pinturas cubistas. La primera exposición colectiva organizada por cubistas tuvo lugar en el Salon des Indépendants de París durante la primavera de 1911 en una sala llamada 'Salle 41'; Incluía obras de Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier , pero no se exhibieron obras de Picasso o Braque. [12]
En 1911, Picasso fue reconocido como el inventor del cubismo, mientras que más tarde se argumentó la importancia y precedencia de Braque con respecto a su tratamiento del espacio, el volumen y la masa en los paisajes de L'Estaque. Pero "esta visión del cubismo está asociada con una definición claramente restrictiva de qué artistas deben ser llamados propiamente cubistas", escribió el historiador del arte Christopher Green: "Marginar la contribución de los artistas que expusieron en el Salón de los Independientes en 1911 [.. .]" [12]
La afirmación de que la representación cubista del espacio, la masa, el tiempo y el volumen apoya (en lugar de contradecir) la planitud del lienzo fue hecha por Daniel-Henry Kahnweiler ya en 1920, [18] pero fue objeto de críticas en la década de 1950. y los años 1960, especialmente por Clement Greenberg . [19]
Las opiniones contemporáneas sobre el cubismo son complejas y se formaron hasta cierto punto en respuesta a los cubistas de la "Salle 41", cuyos métodos eran demasiado distintos de los de Picasso y Braque como para considerarlos meramente secundarios frente a ellos. Por tanto, se han desarrollado interpretaciones alternativas del cubismo. Las visiones más amplias del cubismo incluyen a artistas que más tarde se asociaron con los artistas de la "Salle 41", por ejemplo, Francis Picabia ; los hermanos Jacques Villon , Raymond Duchamp-Villon y Marcel Duchamp , que a partir de finales de 1911 formaron el núcleo de la Sección d'Or (o Grupo Puteaux ); los escultores Alexander Archipenko , Joseph Csaky y Ossip Zadkine , así como Jacques Lipchitz y Henri Laurens ; y pintores como Louis Marcoussis , Roger de La Fresnaye , František Kupka , Diego Rivera , Léopold Survage , Auguste Herbin , André Lhote , Gino Severini (después de 1916), María Blanchard (después de 1916) y Georges Valmier (después de 1918). Más fundamentalmente, Christopher Green sostiene que los términos de Douglas Cooper fueron "posteriormente socavados por interpretaciones de la obra de Picasso, Braque, Gris y Léger que enfatizan cuestiones iconográficas e ideológicas más que métodos de representación". [12]
John Berger identifica la esencia del cubismo con el diagrama mecánico. "El modelo metafórico del cubismo es el diagrama: el diagrama es una representación simbólica visible de procesos, fuerzas y estructuras invisibles. Un diagrama no necesita evitar ciertos aspectos de la apariencia, pero éstos también serán tratados como signos, no como imitaciones o recreaciones". [20]
Había una clara diferencia entre los cubistas de Kahnweiler y los cubistas de salón. Antes de 1914, Picasso, Braque, Gris y Léger (en menor medida) obtuvieron el apoyo de un único marchante de arte comprometido en París, Daniel-Henry Kahnweiler, que les garantizaba unos ingresos anuales por el derecho exclusivo de comprar sus obras. Kahnweiler se vendió sólo a un pequeño círculo de conocedores. Su apoyo dio a sus artistas la libertad de experimentar en relativa privacidad. Picasso trabajó en Montmartre hasta 1912, mientras que Braque y Gris permanecieron allí hasta después de la Primera Guerra Mundial. Léger tenía su base en Montparnasse. [12]
Por el contrario, los Salon Cubists construyeron su reputación principalmente exponiendo regularmente en el Salon d'Automne y el Salon des Indépendants, ambos importantes salones no académicos de París. Inevitablemente, eran más conscientes de la respuesta del público y de la necesidad de comunicarse. [12] Ya en 1910 comenzó a formarse un grupo que incluía a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. Se reunían periódicamente en el estudio de Henri le Fauconnier, cerca del bulevar de Montparnasse . Estas veladas incluían a menudo a escritores como Guillaume Apollinaire y André Salmon . Junto con otros artistas jóvenes, el grupo quería enfatizar una investigación sobre la forma, en oposición al énfasis neoimpresionista en el color. [21]
Louis Vauxcelles, en su reseña del 26º Salón de los Independientes (1910), hizo una referencia pasajera e imprecisa a Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger y Le Fauconnier como "geómetras ignorantes, que reducen el cuerpo humano, el lugar, a cubos pálidos. " [22] [23] En el Salón de Otoño de 1910 , unos meses más tarde, Metzinger exhibió su muy fracturado Nu à la cheminée (Desnudo) , que posteriormente fue reproducido tanto en Du "Cubisme" (1912) como en Les Peintres Cubistes ( 1913). [24]
La primera controversia pública generada por el cubismo resultó de las exhibiciones del Salón de los Indépendants durante la primavera de 1911. Esta exhibición de Metzinger, Gleizes, Delaunay, le Fauconnier y Léger atrajo la atención del público en general por primera vez sobre el cubismo. Entre las obras cubistas presentadas, Robert Delaunay expuso su Torre Eiffel, Tour Eiffel (Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York). [25]
En el Salón de Otoño del mismo año, además del grupo Indépendants de la Salle 41 , se exhibieron obras de André Lhote , Marcel Duchamp , Jacques Villon, Roger de La Fresnaye , André Dunoyer de Segonzac y František Kupka . La exposición fue reseñada en la edición del 8 de octubre de 1911 de The New York Times . Este artículo fue publicado un año después de Los hombres salvajes de París de Gelett Burgess , [26] y dos años antes del Armory Show , que introdujo a los asombrados estadounidenses, acostumbrados al arte realista, a los estilos experimentales de la vanguardia europea, incluido el fauvismo. , Cubismo y Futurismo. El artículo del New York Times de 1911 retrataba obras de Picasso, Matisse, Derain, Metzinger y otros fechadas antes de 1909; no expuesto en el Salón de 1911. El artículo se tituló Los "cubistas" dominan el salón de otoño de París y el subtítulo La excéntrica escuela de pintura aumenta su boga en la exposición de arte actual: lo que sus seguidores intentan hacer. [27] [28]
Entre todas las pinturas expuestas en el Salón de Otoño de París, ninguna atrae tanto la atención como las extraordinarias producciones de la llamada escuela "cubista". De hecho, los despachos desde París sugieren que estas obras son fácilmente la característica principal de la exposición. [...]
A pesar del carácter disparatado de las teorías "cubistas", el número de quienes las profesan es bastante respetable. Georges Braque, André Derain, Picasso, Czobel, Othon Friesz, Herbin, Metzinger: estos son algunos de los nombres firmados en lienzos ante los cuales París ha permanecido y ahora permanece nuevamente asombrado.
¿Qué quieren decir? ¿Han perdido el juicio sus responsables? ¿Es arte o locura? ¿Quién sabe? [27] [28]
El posterior Salón de los Independientes de 1912, celebrado en París (del 20 de marzo al 16 de mayo de 1912), estuvo marcado por la presentación del Desnudo descendiendo una escalera, nº 2 de Marcel Duchamp , que a su vez provocó un escándalo, incluso entre los cubistas. De hecho, fue rechazada por el comité de ejecución, que incluía a sus hermanos y otros cubistas. Aunque la obra se mostró en el Salón de la Sección de Oro en octubre de 1912 y en el Armory Show de Nueva York de 1913, Duchamp nunca perdonó a sus hermanos y antiguos colegas por censurar su obra. [21] [29] Juan Gris, una nueva incorporación a la escena del Salón, exhibió su Retrato de Picasso (Instituto de Arte de Chicago), mientras que las dos exhibiciones de Metzinger incluyeron La Femme au Cheval (Mujer con un caballo) 1911-1912 ( Galería Nacional de Dinamarca ). [30] También se exhibieron la monumental La Ville de Paris (Musée d'art moderne de la Ville de Paris) de Delaunay y La Noce , La boda de Léger (Musée National d'Art Moderne, París).
En 1912, las Galerías Dalmau presentaron la primera exposición colectiva declarada del cubismo a nivel mundial ( Exposició d'Art Cubista ), [31] [32] [33] con una controvertida muestra de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Juan Gris, Marie Laurencin y Marcel Duchamp. (Barcelona, 20 de abril al 10 de mayo de 1912). La exposición de Dalmau estuvo compuesta por 83 obras de 26 artistas. [34] [35] [36] La asociación de Jacques Nayral con Gleizes le llevó a escribir el Prefacio de la exposición cubista, [31] que fue traducido y reproducido íntegramente en el periódico La Veu de Catalunya . [37] [38] Desnudo descendiendo una escalera, n.° 2 de Duchamp se exhibió por primera vez. [39]
Una amplia cobertura mediática (en periódicos y revistas) antes, durante y después de la exposición lanzó las Galerías Dalmau como una fuerza en el desarrollo y la propagación del modernismo en Europa. [39] Si bien la cobertura de prensa fue extensa, no siempre fue positiva. Se publicaron artículos en los periódicos Esquella de La Torratxa [40] y El Noticiero Universal [41] atacando a los cubistas con una serie de caricaturas acompañadas de textos despectivos. [41] El historiador del arte Jaime Brihuega escribe sobre la muestra de Dalmau: "Sin duda la exposición produjo una fuerte conmoción en el público, que la recibió con mucho recelo. [42]
La contribución cubista al Salón de Otoño de 1912 generó un escándalo en relación con el uso de edificios de propiedad gubernamental, como el Grand Palais , para exhibir dichas obras de arte. La indignación del político Jean Pierre Philippe Lampué apareció en la portada de Le Journal del 5 de octubre de 1912. [43] La polémica se extendió al Consejo Municipal de París, dando lugar a un debate en la Cámara de los Députés sobre el uso de fondos públicos para proporcionar el lugar para tal arte. [44] Los cubistas fueron defendidos por el diputado socialista Marcel Sembat . [44] [45] [46]
Fue en este contexto de ira pública que Jean Metzinger y Albert Gleizes escribieron Du "Cubisme" (publicado por Eugène Figuière en 1912, traducido al inglés y al ruso en 1913). [47] Entre las obras expuestas se encontraba la vasta composición de Le Fauconnier Les Montagnards attaqués par des ours (Montañeros atacados por osos) ahora en el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island, Deux Femme, Two Women de Joseph Csaky (una escultura ahora perdida) , además de las pinturas altamente abstractas de Kupka, Amorpha (Galería Nacional, Praga) y Picabia , La Source (La Primavera) (Museo de Arte Moderno, Nueva York).
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Las formas más extremas del cubismo no fueron las practicadas por Picasso y Braque, quienes se resistieron a la abstracción total. Otros cubistas, por el contrario, especialmente František Kupka , y los considerados orfistas por Apollinaire (Delaunay, Léger, Picabia y Duchamp), aceptaron la abstracción eliminando por completo el tema visible. Las dos entradas de Kupka en el Salón de Otoño de 1912, Amorpha-Fugue à deux couleurs y Amorpha chromatique chaude , eran muy abstractas (o no representativas) y de orientación metafísica. Tanto Duchamp en 1912 como Picabia de 1912 a 1914 desarrollaron una abstracción expresiva y alusiva dedicada a complejos temas emocionales y sexuales. A partir de 1912, Delaunay pintó una serie de pinturas tituladas Ventanas simultáneas , seguida de una serie titulada Formes Circulaires , en la que combinaba estructuras planas con brillantes tonos prismáticos; basándose en las características ópticas de los colores yuxtapuestos, su alejamiento de la realidad en la representación de imágenes fue casi completo. En 1913-14, Léger produjo una serie titulada Contrastes de formas , dando un énfasis similar al color, la línea y la forma. Su cubismo, a pesar de sus cualidades abstractas, estuvo asociado con temas de mecanización y vida moderna. Apollinaire apoyó estos primeros desarrollos del cubismo abstracto en Les Peintres cubistes (1913), [24] escribiendo una nueva pintura "pura" en la que el tema estaba vacío. Pero a pesar de su uso del término orfismo, estas obras eran tan diferentes que desafían los intentos de ubicarlas en una sola categoría. [12]
Marcel Duchamp, también calificado de orfista por Apollinaire, fue responsable de otro desarrollo extremo inspirado en el cubismo. El ready-made surgió de una consideración conjunta de que la obra en sí es considerada un objeto (al igual que una pintura), y que utiliza los detritos materiales del mundo (como collage y papel collé en la construcción y el ensamblaje cubistas). El siguiente paso lógico, para Duchamp, fue presentar un objeto ordinario como una obra de arte autosuficiente que sólo se representa a sí misma. En 1913 colocó una rueda de bicicleta en un taburete de la cocina y en 1914 seleccionó un estante para secar botellas como escultura por derecho propio. [12]
La Sección de Oro , también conocida como Groupe de Puteaux , fundada por algunos de los cubistas más destacados, fue un colectivo de pintores, escultores y críticos asociados con el cubismo y el orfismo, activo desde 1911 hasta aproximadamente 1914, y que saltó a la fama a raíz de de su controvertida presentación en el Salon des Indépendants de 1911 . El Salón de la Sección de Oro de la Galerie La Boétie de París, en octubre de 1912, fue posiblemente la exposición cubista más importante anterior a la Primera Guerra Mundial; exponer el cubismo a una amplia audiencia. Se exhibieron más de 200 obras, y el hecho de que muchos de los artistas mostraran obras de arte representativas de su desarrollo entre 1909 y 1912 le dio a la exposición el atractivo de una retrospectiva cubista. [48]
El grupo parece haber adoptado el nombre de Sección de Oro para distinguirse de la definición más estrecha de cubismo desarrollada paralelamente por Pablo Picasso y Georges Braque en el barrio de Montmartre de París, y para mostrar que el cubismo, en lugar de ser un arte aislado. forma, representaba la continuación de una gran tradición (de hecho, la proporción áurea había fascinado a intelectuales occidentales de diversos intereses durante al menos 2.400 años). [49]
La idea de la Sección de Oro surgió de las conversaciones entre Metzinger, Gleizes y Jacques Villon. El título del grupo fue sugerido por Villon, después de leer una traducción de 1910 del Trattato della Pittura de Leonardo da Vinci realizada por Joséphin Péladan .
A finales del siglo XIX y principios del XX, los europeos descubrieron el arte africano , polinesio, micronesio y nativo americano . Artistas como Paul Gauguin , Henri Matisse y Pablo Picasso estaban intrigados e inspirados por el poder absoluto y la simplicidad de los estilos de esas culturas extranjeras. Hacia 1906, Picasso conoció a Matisse a través de Gertrude Stein , en una época en la que ambos artistas habían adquirido recientemente interés por el primitivismo , la escultura ibérica , el arte africano y las máscaras tribales africanas . Se convirtieron en rivales amistosos y compitieron entre sí a lo largo de sus carreras, lo que quizás llevó a Picasso a entrar en un nuevo período en su obra en 1907, marcado por la influencia del arte griego, ibérico y africano. Las pinturas de Picasso de 1907 han sido caracterizadas como protocubismo , como se ve notablemente en Les Demoiselles d'Avignon , el antecedente del cubismo. [13]
El historiador del arte Douglas Cooper afirma que Paul Gauguin y Paul Cézanne "fueron particularmente influyentes en la formación del cubismo y especialmente importantes para las pinturas de Picasso durante 1906 y 1907". [50] Cooper continúa diciendo: "Las señoritas generalmente se conoce como el primer cuadro cubista. Esto es una exageración, porque aunque fue un primer paso importante hacia el cubismo, todavía no es cubista. El elemento perturbador y expresionista que contiene "Es incluso contrario al espíritu del cubismo, que miraba el mundo con un espíritu distante y realista. Sin embargo, Las señoritas es el cuadro lógico que debe tomarse como punto de partida del cubismo, porque marca el nacimiento de un nuevo lenguaje pictórico, porque en él Picasso derribó violentamente las convenciones establecidas y porque todo lo que siguió surgió de ello." [13]
La objeción más seria a considerar a Las Señoritas como el origen del cubismo, con su evidente influencia del arte primitivo, es que "tales deducciones no son históricas", escribió el historiador del arte Daniel Robbins . Esta explicación familiar "no da la consideración adecuada a las complejidades de un arte floreciente que existió justo antes y durante el período en que se desarrolló la nueva pintura de Picasso". [51] Entre 1905 y 1908, una búsqueda consciente de un nuevo estilo provocó rápidos cambios en el arte en Francia, Alemania, Países Bajos, Italia y Rusia. Los impresionistas habían utilizado un doble punto de vista, y tanto Les Nabis como los simbolistas (que también admiraban a Cézanne) aplanaron el plano del cuadro, reduciendo a sus sujetos a simples formas geométricas. La estructura y los temas neoimpresionistas , que se ven más notablemente en las obras de Georges Seurat (por ejemplo, Parade de Cirque , Le Chahut y Le Cirque ), fueron otra influencia importante. También hubo paralelos en el desarrollo de la literatura y el pensamiento social. [51]
Además de en Seurat, las raíces del cubismo se encuentran en las dos tendencias distintas de la obra posterior de Cézanne: primero, su división de la superficie pintada en pequeñas áreas multifacéticas de pintura, enfatizando así el punto de vista plural dado por la visión binocular , y segundo, su interés en la simplificación de formas naturales en cilindros, esferas y conos. Sin embargo, los cubistas exploraron este concepto más allá que Cézanne. Representaban todas las superficies de los objetos representados en un solo plano pictórico, como si los objetos tuvieran todas sus caras visibles al mismo tiempo. Este nuevo tipo de representación revolucionó la forma en que se podían visualizar los objetos en la pintura y el arte.
El estudio histórico del cubismo comenzó a finales de la década de 1920, basándose al principio en fuentes de datos limitados, a saber, las opiniones de Guillaume Apollinaire . Llegó a depender en gran medida del libro de Daniel-Henry Kahnweiler Der Weg zum Kubismus (publicado en 1920), que se centró en los desarrollos de Picasso, Braque, Léger y Gris. Los términos "analítico" y "sintético" que surgieron posteriormente han sido ampliamente aceptados desde mediados de los años treinta. Ambos términos son imposiciones históricas que se produjeron con posterioridad a los hechos que identifican. Ninguna de las fases fue designada como tal en el momento de realización de las obras correspondientes. "Si Kahnweiler considera el cubismo como Picasso y Braque", escribió Daniel Robbins, "nuestro único defecto es someter las obras de otros cubistas a los rigores de esa definición limitada". [51]
La interpretación tradicional del "cubismo", formulada post facto como un medio para comprender las obras de Braque y Picasso, ha afectado nuestra apreciación de otros artistas del siglo XX. Es difícil aplicarlo a pintores como Jean Metzinger , Albert Gleizes, Robert Delaunay y Henri Le Fauconnier , cuyas diferencias fundamentales con el cubismo tradicional obligaron a Kahnweiler a preguntarse si debía llamarlos cubistas. Según Daniel Robbins , "Sugerir que simplemente porque estos artistas se desarrollaron de manera diferente o variaron del patrón tradicional merecían ser relegados a un papel secundario o satélite en el cubismo es un profundo error". [51]
La historia del término "cubismo" suele subrayar el hecho de que Matisse se refirió a "cubos" en relación con una pintura de Braque en 1908, y que el término fue publicado dos veces por el crítico Louis Vauxcelles en un contexto similar. Sin embargo, la palabra "cubo" fue utilizada en 1906 por otro crítico, Louis Chassevent, no en referencia a Picasso o Braque sino a Metzinger y Delaunay:
El uso crítico de la palabra "cubo" se remonta al menos a mayo de 1901, cuando Jean Béral, reseñando la obra de Henri-Edmond Cross en los Indépendants in Art et Littérature , comentó que "utiliza un puntillismo grande y cuadrado, dando la impresión del mosaico. Uno incluso se pregunta por qué el artista no ha utilizado cubos de materia sólida de diversos colores: servirían como bonitos revestimientos." (Robert Herbert, 1968, pág. 221) [53]
El término cubismo no se generalizó hasta 1911, principalmente en referencia a Metzinger, Gleizes, Delaunay y Léger. [51] En 1911, el poeta y crítico Guillaume Apollinaire aceptó el término en nombre de un grupo de artistas invitados a exponer en los Indépendants de Bruselas. Al año siguiente, en preparación para el Salón de la Sección de Oro , Metzinger y Gleizes escribieron y publicaron Du "Cubisme" [54] en un esfuerzo por disipar la confusión que reinaba en torno a la palabra y como una importante defensa del cubismo (que había provocado un escándalo público tras el Salón de los Independientes de 1911 y el Salón de Otoño de 1912 en París). [55] Al aclarar sus objetivos como artistas, esta obra fue el primer tratado teórico sobre el cubismo y sigue siendo el más claro e inteligible. El resultado, no sólo una colaboración entre sus dos autores, reflejó las discusiones del círculo de artistas que se reunieron en Puteaux y Courbevoie . Reflejaba las actitudes de los "artistas de Passy", que incluían a Picabia y los hermanos Duchamp, a quienes se les leyeron secciones antes de su publicación. [12] [51] El concepto desarrollado en Du "Cubisme" de observar un sujeto desde diferentes puntos en el espacio y el tiempo simultáneamente, es decir, el acto de moverse alrededor de un objeto para captarlo desde varios ángulos sucesivos fusionados en una sola imagen (múltiples puntos de vista, perspectiva móvil, simultaneidad o multiplicidad), es un recurso generalmente reconocido utilizado por los cubistas. [56]
Al manifiesto de 1912 Du "Cubisme" de Metzinger y Gleizes le siguió en 1913 Les Peintres Cubistes , una colección de reflexiones y comentarios de Guillaume Apollinaire. [24] Apollinaire había estado estrechamente relacionado con Picasso a partir de 1905 y con Braque a partir de 1907, pero prestó tanta atención a artistas como Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia y Duchamp. [12]
El hecho de que la exposición de 1912 hubiera sido comisariada para mostrar las sucesivas etapas por las que había transitado el cubismo, y que Du "Cubisme" hubiera sido publicado para la ocasión, indica la intención de los artistas de hacer comprensible su obra a un amplio público (críticos de arte , coleccionistas de arte, marchantes de arte y público en general). Sin duda, debido al gran éxito de la exposición, el cubismo se convirtió en un movimiento de vanguardia reconocido como un género o estilo en el arte con una filosofía u objetivo común específico. [48]
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Una modificación significativa del cubismo entre 1914 y 1916 estuvo marcada por un cambio hacia un fuerte énfasis en grandes planos geométricos superpuestos y actividad en superficies planas. Esta agrupación de estilos de pintura y escultura, especialmente significativa entre 1917 y 1920, fue practicada por varios artistas; en particular los que tienen contrato con el marchante y coleccionista de arte Léonce Rosenberg . El endurecimiento de las composiciones, la claridad y el sentido de orden reflejados en estas obras, llevaron a que el crítico Maurice Raynal se refiriera a ellas como cubismo "cristalino". Las consideraciones manifestadas por los cubistas antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial (como la cuarta dimensión , el dinamismo de la vida moderna, lo oculto y el concepto de duración de Henri Bergson ) habían quedado ahora abandonadas y reemplazadas por un marco de referencia puramente formal. [57]
El cubismo de cristal, y su rappel asociativo en el orden , se ha relacionado con una inclinación (por parte de quienes sirvieron en las fuerzas armadas y de quienes permanecieron en el sector civil) a escapar de las realidades de la Gran Guerra, tanto durante como inmediatamente después. el conflicto. La purificación del cubismo desde 1914 hasta mediados de la década de 1920, con su unidad cohesiva y limitaciones voluntarias, ha estado vinculada a una transformación ideológica mucho más amplia hacia el conservadurismo tanto en la sociedad como en la cultura francesa . [12]
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El período más innovador del cubismo fue antes de 1914. [ cita necesaria ] Después de la Primera Guerra Mundial, con el apoyo del marchante Léonce Rosenberg , el cubismo volvió a ser un tema central para los artistas y continuó como tal hasta mediados de la década de 1920, cuando sus vanguardias El estatus de vanguardia se volvió cuestionable por el surgimiento de la abstracción geométrica y el surrealismo en París . Muchos cubistas, incluidos Picasso, Braque, Gris, Léger, Gleizes, Metzinger y Emilio Pettoruti , mientras desarrollaban otros estilos, regresaron periódicamente al cubismo, incluso mucho después de 1925. El cubismo resurgió durante las décadas de 1920 y 1930 en la obra del estadounidense Stuart Davis y el inglés Ben Nicholson . En Francia, sin embargo, el cubismo experimentó un declive a partir de 1925 aproximadamente. Léonce Rosenberg expuso no sólo a los artistas varados por el exilio de Kahnweiler sino también a otros como Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin y Severini. En 1918, Rosenberg presentó una serie de exposiciones cubistas en su Galerie de l'Effort Moderne de París. Louis Vauxcelles intentó argumentar que el cubismo estaba muerto, pero estas exposiciones, junto con una muestra cubista bien organizada en el Salon des Indépendants de 1920 y un resurgimiento del Salon de la Sección d'Or en el mismo año, lo demostraron. Aún estaba vivo. [12]
El resurgimiento del cubismo coincidió con la aparición, aproximadamente entre 1917 y 1924, de un cuerpo coherente de escritos teóricos de Pierre Reverdy, Maurice Raynal y Daniel-Henry Kahnweiler y, entre los artistas, de Gris, Léger y Gleizes. El retorno ocasional al clasicismo –obra figurativa, ya sea exclusivamente o junto con el trabajo cubista– experimentado por muchos artistas durante este período (llamado Neoclasicismo ) se ha relacionado con la tendencia a evadir las realidades de la guerra y también con el dominio cultural de una corriente clásica o latina. Imagen de Francia durante e inmediatamente después de la guerra. El cubismo posterior a 1918 puede verse como parte de un amplio cambio ideológico hacia el conservadurismo tanto en la sociedad como en la cultura francesa . Sin embargo, el cubismo en sí siguió siendo evolutivo tanto dentro de la obra de artistas individuales, como Gris y Metzinger, como en el trabajo de artistas tan diferentes entre sí como Braque, Léger y Gleizes. El cubismo, como movimiento debatido públicamente, se volvió relativamente unificado y abierto a definiciones. Su pureza teórica lo convirtió en un indicador con el que se podían comparar tendencias tan diversas como el realismo o el naturalismo , el dadaísmo , el surrealismo y la abstracción. [12]
Japón y China estuvieron entre los primeros países de Asia en verse influenciados por el cubismo. El contacto se produjo por primera vez a través de textos europeos traducidos y publicados en revistas de arte japonesas en la década de 1910. En la década de 1920, los artistas japoneses y chinos que estudiaron en París, por ejemplo los matriculados en la École nationale supérieure des Beaux-Arts , trajeron consigo una comprensión de los movimientos del arte moderno, incluido el cubismo. Las obras notables que exhiben cualidades cubistas fueron Autorretrato con ojos rojos (1912) de Tetsugorō Yorozu y Melodía en otoño (1934) de Fang Ganmin . [59] [60]
El cubismo de Picasso y Braque tuvo más que un significado técnico o formal, y las distintas actitudes e intenciones de los cubistas del Salón produjeron diferentes tipos de cubismo, en lugar de un derivado de su trabajo. "En cualquier caso, no está nada claro", escribió Christopher Green, "hasta qué punto estos otros cubistas dependieron de Picasso y Braque para el desarrollo de técnicas como el facetado, el 'pasaje' y la perspectiva múltiple; bien podrían haber llegado a a tales prácticas con poco conocimiento del 'verdadero' cubismo en sus primeras etapas, guiados sobre todo por su propia comprensión de Cézanne". Las obras expuestas por estos cubistas en los Salones de 1911 y 1912 se extendieron más allá de los temas convencionales tipo Cézanne (el modelo posado, la naturaleza muerta y el paisaje) favorecidos por Picasso y Braque para incluir temas de la vida moderna a gran escala. Dirigidas a un gran público, estas obras enfatizaron el uso de perspectivas múltiples y facetas planas complejas para lograr un efecto expresivo, preservando al mismo tiempo la elocuencia de temas dotados de connotaciones literarias y filosóficas. [12]
En Du "Cubisme", Metzinger y Gleizes relacionaron explícitamente el sentido del tiempo con una perspectiva múltiple, dando expresión simbólica a la noción de "duración" propuesta por el filósofo Henri Bergson según la cual la vida se experimenta subjetivamente como un continuo, con el pasado fluyendo hacia el presente y el presente fusionándose en el futuro. Los cubistas de salón utilizaron el tratamiento facetado del sólido y el espacio y los efectos de múltiples puntos de vista para transmitir una sensación física y psicológica de fluidez de la conciencia, borrando las distinciones entre pasado, presente y futuro. Una de las principales innovaciones teóricas realizadas por los cubistas del Salón, independientemente de Picasso y Braque, fue la de la simultaneidad , [12] basándose en mayor o menor medida en las teorías de Henri Poincaré , Ernst Mach , Charles Henry , Maurice Princet y Henri Bergson. . Con la simultaneidad, el concepto de dimensiones espaciales y temporales separadas fue cuestionado de manera integral. La perspectiva lineal desarrollada durante el Renacimiento quedó desocupada. El tema ya no se consideraba desde un punto de vista específico en un momento determinado, sino que se construía siguiendo una selección de puntos de vista sucesivos, es decir, como si se viera simultáneamente desde numerosos ángulos (y en múltiples dimensiones) con el ojo libre para vagar de uno a otro. uno al otro. [56]
Esta técnica de representar la simultaneidad, múltiples puntos de vista (o movimiento relativo ) alcanza un alto grado de complejidad en Nu à la cheminée de Metzinger , expuesta en el Salón de Otoño de 1910; El monumental Le Dépiquage des Moissons (La trilla de la cosecha) de Gleizes , expuesto en el Salon de la Sección de Oro de 1912; La Abundancia de Le Fauconnier mostrada en los Indépendants de 1911; y La ciudad de París de Delaunay , expuesta en los Indépendants en 1912. Estas ambiciosas obras son algunas de las pinturas más grandes de la historia del cubismo. La boda de Léger , también expuesta en el Salón de los Independientes en 1912, dio forma a la noción de simultaneidad al presentar diferentes motivos como si ocurrieran dentro de un marco temporal único, donde las respuestas al pasado y al presente se interpenetran con fuerza colectiva. La conjunción de este tema con la simultaneidad alinea el cubismo de salón con las primeras pinturas futuristas de Umberto Boccioni , Gino Severini y Carlo Carrà ; ellos mismos hicieron en respuesta al cubismo temprano. [8]
El cubismo y el arte europeo moderno se introdujeron en los Estados Unidos en el ahora legendario Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York , que luego viajó a Chicago y Boston . En la exposición de la Armería, Pablo Picasso exhibió La Femme au pot de moutarde (1910), la escultura Cabeza de mujer (Fernande) (1909-10), Les Arbres (1907), entre otras obras cubistas. Jacques Villon expuso siete importantes y grandes puntas secas, mientras que su hermano Marcel Duchamp sorprendió al público estadounidense con su cuadro Desnudo descendiendo una escalera, n.° 2 (1912). Francis Picabia expuso sus abstracciones La Danse à la source y La Procession, Sevilla (ambas de 1912). Albert Gleizes expuso La Femme aux phlox (1910) y L'Homme au balcon (1912), dos obras cubistas muy estilizadas y facetadas. Georges Braque , Fernand Léger , Raymond Duchamp-Villon , Roger de La Fresnaye y Alexander Archipenko también contribuyeron con ejemplos de sus obras cubistas.
Al igual que la pintura, la escultura cubista tiene sus raíces en la reducción de Paul Cézanne de los objetos pintados a planos componentes y sólidos geométricos (cubos, esferas, cilindros y conos). Y al igual que en la pintura, se convirtió en una influencia omnipresente y contribuyó fundamentalmente al constructivismo y al futurismo .
La escultura cubista se desarrolló paralelamente a la pintura cubista. Durante el otoño de 1909, Picasso esculpió una Cabeza de mujer (Fernande) con los rasgos positivos representados por el espacio negativo y viceversa. Según Douglas Cooper: "La primera escultura cubista verdadera fue la impresionante Cabeza de mujer de Picasso , modelada en 1909-10, una contraparte en tres dimensiones de muchas cabezas analíticas y facetadas similares en sus pinturas de la época". [11] Estas inversiones positivas/negativas fueron explotadas ambiciosamente por Alexander Archipenko en 1912-13, por ejemplo en Woman Walking . [12] Joseph Csaky , después de Archipenko, fue el primer escultor en París que se unió a los cubistas, con quienes expuso a partir de 1911. Les siguieron Raymond Duchamp-Villon y luego, en 1914, Jacques Lipchitz , Henri Laurens y Ossip Zadkine . [63] [64]
De hecho, la construcción cubista fue tan influyente como cualquier innovación pictórica cubista. Fue el estímulo detrás del trabajo protoconstructivista tanto de Naum Gabo como de Vladimir Tatlin y, por tanto, el punto de partida de toda la tendencia constructiva de la escultura modernista del siglo XX. [12]
El cubismo formó un vínculo importante entre el arte y la arquitectura de principios del siglo XX. [65] Las relaciones históricas, teóricas y sociopolíticas entre las prácticas de vanguardia en pintura, escultura y arquitectura tuvieron ramificaciones tempranas en Francia, Alemania, los Países Bajos y Checoslovaquia . Aunque hay muchos puntos de intersección entre el cubismo y la arquitectura, sólo se pueden establecer unos pocos vínculos directos entre ellos. La mayoría de las veces, las conexiones se establecen mediante referencia a características formales compartidas: facetas de la forma, ambigüedad espacial, transparencia y multiplicidad. [sesenta y cinco]
El interés arquitectónico en el cubismo se centró en la disolución y reconstitución de la forma tridimensional, utilizando formas geométricas simples, yuxtapuestas sin las ilusiones de la perspectiva clásica. Se podrían superponer diversos elementos, hacerlos transparentes o penetrarse unos en otros, manteniendo sus relaciones espaciales. El cubismo se había convertido en un factor influyente en el desarrollo de la arquitectura moderna a partir de 1912 ( La Maison Cubiste , de Raymond Duchamp-Villon y André Mare ), desarrollándose en paralelo con arquitectos como Peter Behrens y Walter Gropius , con la simplificación del diseño de los edificios, el uso de materiales apropiados para la producción industrial y el mayor uso del vidrio. [66]
El cubismo fue relevante para una arquitectura que buscaba un estilo que no necesitaba referirse al pasado. Así, lo que se había convertido en una revolución tanto en la pintura como en la escultura se aplicó como parte de "una profunda reorientación hacia un mundo cambiado". [66] [67] Las ideas cubofuturistas de Filippo Tommaso Marinetti influyeron en las actitudes de la arquitectura de vanguardia. El influyente movimiento De Stijl abrazó los principios estéticos del neoplasticismo desarrollado por Piet Mondrian bajo la influencia del cubismo en París. Gino Severini también vinculó a De Stijl con la teoría cubista a través de los escritos de Albert Gleizes. Sin embargo, la vinculación de las formas geométricas básicas con la belleza inherente y la facilidad de aplicación industrial, que había sido prefigurada por Marcel Duchamp desde 1914, quedó en manos de los fundadores del purismo , Amédée Ozenfant y Charles-Édouard Jeanneret (más conocido como Le Corbusier ). quienes expusieron pinturas juntos en París y publicaron Après le cubisme en 1918. [66] La ambición de Le Corbusier había sido traducir las propiedades de su propio estilo del cubismo a la arquitectura. Entre 1918 y 1922, Le Corbusier concentró sus esfuerzos en la teoría y la pintura puristas. En 1922, Le Corbusier y su prima Jeanneret abrieron un estudio en París, en el número 35 de la rue de Sèvres. Sus estudios teóricos pronto avanzaron hacia muchos proyectos arquitectónicos diferentes. [68]
En el Salón de Otoño de 1912 se exhibió una instalación arquitectónica que rápidamente pasó a ser conocida como Maison Cubiste (Casa Cubista), con arquitectura de Raymond Duchamp-Villon y decoración interior de André Mare junto con un grupo de colaboradores. Metzinger y Gleizes en Du "Cubisme" , escrito durante el montaje de la "Maison Cubiste", escribieron sobre la naturaleza autónoma del arte, enfatizando el hecho de que las consideraciones decorativas no deben gobernar el espíritu del arte. Para ellos, el trabajo decorativo era la "antítesis del cuadro". "El verdadero cuadro", escribieron Metzinger y Gleizes, "lleva en sí mismo su razón de ser . Puede trasladarse de una iglesia a un salón , de un museo a un estudio. Esencialmente independiente, necesariamente completo, no necesita inmediatamente satisfacer la mente: al contrario, debe conducirla, poco a poco, hacia las profundidades ficticias en las que reside la luz coordinante. No armoniza con tal o cual conjunto; armoniza con las cosas en general, con el universo: es un organismo...". [69]
La Maison Cubiste era una casa modelo completamente amueblada, con fachada, escalera, barandillas de hierro forjado y dos habitaciones: una sala de estar, el Salón Bourgeois , donde se exhibían pinturas de Marcel Duchamp, Metzinger ( Mujer con ventilador ), Gleizes, Laurencin y Léger fueron colgados, y un dormitorio. Era un ejemplo de L'art decoratif , una casa en la que se podía exhibir el arte cubista con la comodidad y el estilo de la vida burguesa moderna. Los espectadores del Salón de Otoño atravesaron la fachada de yeso, diseñada por Duchamp-Villon, hasta las dos salas amuebladas. [70] Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , Nueva York, Chicago y Boston, [71] figurada en el catálogo de la exposición de Nueva York como Raymond Duchamp-Villon, número 609, y titulada "Fachada arquitectónica, yeso " ( Fachada arquitectónica ). [72] [73]
Los muebles, el papel pintado, la tapicería y las alfombras del interior fueron diseñados por André Mare y fueron ejemplos tempranos de la influencia del cubismo en lo que se convertiría en el Art Déco . Estaban compuestos por rosas de colores muy brillantes y otros motivos florales en formas geométricas estilizadas.
Mare llamó Salón Burgués al salón en el que se colgaban cuadros cubistas . Léger describió este nombre como "perfecto". En una carta a Mare antes de la exposición, Léger escribió: "Su idea es absolutamente espléndida para nosotros, realmente espléndida. La gente verá el cubismo en su contexto doméstico, lo cual es muy importante" .
"Los conjuntos de Mare fueron aceptados como marcos para las obras cubistas porque permitían a las pinturas y esculturas su independencia", escribió Christopher Green, "creando un juego de contrastes, de ahí la participación no sólo de los propios Gleizes y Metzinger, sino también de Marie Laurencin, los hermanos Duchamp. (Raymond Duchamp-Villon diseñó la fachada) y los viejos amigos de Mare, Léger y Roger La Fresnaye". [74]
En 1927, los cubistas Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , el escultor Gustave Miklos y otros colaboraron en la decoración de una Casa Estudio, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , diseñada por el arquitecto Paul Ruaud y propiedad del diseñador de moda francés Jacques Doucet , también coleccionista de pinturas postimpresionistas y cubistas (entre ellas Les Demoiselles d'Avignon , que compró directamente en el estudio de Picasso). Laurens diseñó la fuente, Csaky diseñó la escalera de Doucet, [75] Lipchitz hizo la repisa de la chimenea y Marcoussis hizo una alfombra cubista. [76] [77] [78]
La arquitectura cubista original es muy rara. El cubismo se aplicó a la arquitectura sólo en Bohemia (hoy República Checa ) y especialmente en su capital, Praga . [79] [80] Los arquitectos checos fueron los primeros y únicos en diseñar edificios cubistas originales. [81] La arquitectura cubista floreció en su mayor parte entre 1910 y 1914, pero los edificios cubistas o de influencia cubista también se construyeron después de la Primera Guerra Mundial . Después de la guerra, se desarrolló en Praga el estilo arquitectónico llamado Rondocubismo, fusionando la arquitectura cubista con formas redondas. [82]
En sus reglas teóricas, los arquitectos cubistas expresaron la exigencia de dinamismo, que superara la materia y la calma contenida en ella, a través de una idea creativa, de modo que el resultado evocara sentimientos de dinamismo y plasticidad expresiva en el espectador. Esto debería lograrse mediante formas derivadas de pirámides, cubos y prismas, mediante disposiciones y composiciones de superficies oblicuas, principalmente triangulares, fachadas esculpidas en unidades salientes a modo de cristal, que recuerdan a la llamada talla de diamante , o incluso cavernosas que recuerdan a la arquitectura del gótico tardío . De esta manera se esculpen todas las superficies de las fachadas, incluidos los frontones y las buhardillas. Las rejas, así como otros adornos arquitectónicos, adquieren una forma tridimensional. Así también se crearon nuevas formas de ventanas y puertas, por ejemplo, ventanas hexagonales . [82] Los arquitectos cubistas checos también diseñaron muebles cubistas.
Los principales arquitectos cubistas fueron Pavel Janák , Josef Gočár , Vlastislav Hofman , Emil Králíček y Josef Chochol . [82] Trabajaron principalmente en Praga, pero también en otras ciudades de Bohemia. El edificio cubista más conocido es la Casa de la Virgen Negra en la Ciudad Vieja de Praga , construida en 1912 por Josef Gočár con el único café cubista del mundo, el Grand Café Orient. [79] Vlastislav Hofman construyó los pabellones de entrada del cementerio de Ďáblice en 1912-1914, Josef Chochol diseñó varias casas residenciales bajo Vyšehrad . Cerca de la Plaza de Wenceslao también se conserva una farola cubista , diseñada por Emil Králíček en 1912, quien también construyó la Casa del Diamante en la Ciudad Nueva de Praga hacia 1913.
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La influencia del cubismo se extendió a otros campos artísticos, además de la pintura y la escultura. En literatura, las obras escritas de Gertrude Stein emplean repeticiones y frases repetitivas como bloques de construcción tanto en pasajes como en capítulos completos. La mayoría de las obras importantes de Stein utilizan esta técnica, incluida la novela The Making of Americans (1906–08). No sólo fueron los primeros patrocinadores importantes del cubismo, Gertrude Stein y su hermano Leo también fueron importantes influencias en el cubismo. A su vez, Picasso fue una influencia importante en la escritura de Stein. En el campo de la ficción estadounidense, la novela de William Faulkner de 1930 Mientras agonizo puede leerse como una interacción con el modo cubista. La novela presenta narrativas de las diversas experiencias de 15 personajes que, en conjunto, producen un solo cuerpo cohesivo.
Los poetas generalmente asociados con el cubismo son Guillaume Apollinaire , Blaise Cendrars , Jean Cocteau , Max Jacob , André Salmon y Pierre Reverdy . Como explica el poeta estadounidense Kenneth Rexroth , el cubismo en poesía "es la disociación y recombinación consciente y deliberada de elementos en una nueva entidad artística que se vuelve autosuficiente gracias a su rigurosa arquitectura. Esto es muy diferente de la libre asociación de los surrealistas y la combinación de expresión inconsciente y nihilismo político del dadaísmo". [83] No obstante, la influencia de los poetas cubistas tanto en el cubismo como en los movimientos posteriores del dadaísmo y el surrealismo fue profunda; Louis Aragon , miembro fundador del surrealismo, dijo que para Breton, Soupault, Éluard y para él mismo, Reverdy era "nuestro mayor inmediato, el poeta ejemplar". [84] Aunque no tan bien recordados como los pintores cubistas, estos poetas continúan influyendo e inspirando; Los poetas estadounidenses John Ashbery y Ron Padgett han realizado recientemente nuevas traducciones de la obra de Reverdy . También se dice que " Trece maneras de mirar a un mirlo " de Wallace Stevens demuestra cómo las múltiples perspectivas del cubismo pueden traducirse en poesía. [85]
John Berger dijo: "Es casi imposible exagerar la importancia del cubismo. Fue una revolución en las artes visuales tan grande como la que tuvo lugar a principios del Renacimiento . Sus efectos en el arte posterior, el cine y la arquitectura ya son Tan numerosos que apenas los notamos." [86]
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