Emilio Pettoruti (1892-1971) fue un pintor argentino, que causó escándalo con su exposición cubista de vanguardia en 1924 en Buenos Aires . A principios del siglo XX, Buenos Aires era una ciudad llena de desarrollo artístico. La carrera de Pettoruti prosperó durante la década de 1920, cuando "Argentina fue testigo de una década de actividad artística dinámica; fue una era de euforia, una época en la que se desarrolló la definición de modernidad". [1] Si bien Pettoruti fue influenciado por el cubismo , el futurismo , el constructivismo y la abstracción , no afirmó pintar en ninguno de esos estilos en particular. Emilio Pettoruti, que expone en toda Europa y Argentina, es recordado como uno de los artistas más influyentes de la Argentina del siglo XX por su estilo y visión únicos.
Emilio Pettoruti nació en La Plata , el 1 de octubre de 1892, en el seno de una próspera familia italiana de clase media. El arte de Pettoruti estaría influenciado por el trazado moderno y geométrico de la ciudad, con el "color plateado de tonalidades cambiantes". [2] Cuando Pettoruti tenía sólo catorce años, se matriculó en la Academia de Bellas Artes local, pero abandonó poco después porque sintió que podía aprender más por su cuenta. Luego estudió con Emilio Coutaret, arquitecto y profesor en la Escuela de Dibujo del Museo de Historia Natural, donde desarrolló un estilo partidario de los retratos caricaturescos. Fue una de estas caricaturas, concretamente de Rodolfo Sarrat, la que le proporcionó los medios para estudiar en el extranjero. En 1913, recibió una beca de viaje a Italia , donde estudió pintores del Renacimiento en Florencia , entre ellos Fra Angelico , Masaccio y Giotto . Estuvo fuertemente influenciado por el arte florentino del siglo XIV: "la inevitable influencia del arte y la arquitectura grecorromanos, su interés por la proporción geométrica de los artistas anónimos del mosaico medieval y el equilibrio de las pinturas del Renacimiento temprano que copió inevitablemente encontraron su lugar". camino hacia su propio trabajo." [3]
Mientras estuvo en Europa, interactuó con varios artistas de vanguardia europeos y descubrió el creciente estilo del futurismo. También desarrolló una fuerte amistad con el escritor peruano José Carlos Mariátegui que se extendió a una relación de larga data. Comenzó a leer Lacerba , una revista futurista florentina que incluía literatura y obras de arte inspiradas en el movimiento. Conoció a artistas futuristas y también expuso en la galería Der Sturm de Herwarth Walden en Berlín . En París conoció a Juan Gris , quien lo influyó para pintar en estilo cubista. De todos los intereses que Pettoruti podría haber elegido seguir, seleccionó el arte después de que su abuelo materno, José Casaburi, descubriera su potencial talento artístico. En 1913, por encargo del congresista Rodolfo Sarrat, Pettoruti viajó a Europa para estudiar arte. El tema de las calles verticales de la ciudad es recurrente en su arte de 1917, en Mi Ventana en Florencia. [4]
En Italia, Pettoruti desarrolló un creciente sentido del modernismo europeo y estudió el arte renacentista italiano del siglo XIV. En 1924, Pettoruti regresó a Argentina con la esperanza de popularizar el género en su propio país. Pettoruti, que expuso tanto en su país natal como en el extranjero, fue un gran éxito. En 1930 fue nombrado director del Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata. Su fama se extendió incluso a América del Norte y, en 1942, Pettoruti visitó San Francisco para su primera exposición importante en los Estados Unidos. Esta muestra amplió el nombre de Pettoruti, provocando que más museos demandaran sus exposiciones. Pettoruti se casó con María Rosa González, quien luego se convirtió en tema de muchas de sus pinturas. [5]
Pettoruti decidió renunciar como director del museo, lo que se limitó a una dirección más conservadora durante la administración del presidente Juan Perón . En medio de continuos acosos y despidos de personal universitario, Pettoruti regresó a Europa en 1952 y continuó pintando. Escribió su autobiografía, Un Pintor Ante el Espejo en París en 1968 , y Pettoruti permaneció allí hasta su muerte el 16 de octubre de 1971.
En 1924, cuando Pettoruti regresó a Buenos Aires, el modernismo europeo aún no había sido aceptado por los críticos de arte allí. Su primera exposición no fue muy bien recibida por los conservadores, sin embargo, respecto a la obra de Pettoruti, su buen amigo Xul Solar escribió que "el público porteño puede admirarlo o despreciarlo. Pero todos reconocerán su arte como una gran fuerza estimulante y un punto de partida para nuestra propia evolución artística futura." [6] Su obra fue considerada impactante ya que "los temas de gauchos, paisajes, ganado vacuno, ovino y equino eran en aquellos tiempos el deleite de los grandes terratenientes que imponían su gusto pictórico". [7]
El modernismo y el futurismo no fueron ampliamente aceptados. Cuando Pettoruti regresó a su país natal, no era desconocido, ya que muchos artículos habían sido escritos específicamente para publicaciones locales argentinas. Las composiciones creadas por Pettoruti "insisten en referencias a temas locales, específicamente latinoamericanos, dentro de un contexto estilístico completamente moderno de inspiración europea". [8] Aunque su estilo se desarrolló a partir de su cultura nativa, Buenos Aires se adaptó mucho más a su estilo moderno. "Fue, para el Buenos Aires de la década de 1920, un faro de inventiva artística que abrió muchas puertas para que otros, tanto artistas como el público, ingresaran a territorios nuevos e inexplorados". [9] El enfoque modernista e ilimitado de Pettoruti hacia las artes tuvo un efecto duradero en el mundo del arte en Argentina.
La obra de Emilio Pettoruti fue "un prototipo del concepto moderno de armonía, de orden y de precisión geométrica, casi científico en su severidad, pero oscilando entre lo lírico y lo puramente espiritual". [10] Preocupado por la técnica, la luz, el color y el movimiento, Pettoruti logró incluir la armonía en sus obras de arte a lo largo de sus fases cambiantes. Después de presenciar el avance estilístico de Pettoruti, Xul Solar escribió que "cada etapa de su desarrollo, incluso cada avance técnico, corresponde a una nueva etapa de su alma". [11]
El principio
En su juventud, Pettoruti, mientras descubría su potencial artístico, trabajó en dibujos y caricaturas de personas. Creó varias caricaturas, suficientes para exhibir cuarenta y seis en la sala de exposiciones del periódico local de Buenos Aires. [12]
Período europeo temprano
Mientras estuvo en Italia, Pettoruti fue influenciado por el creciente movimiento futurista, así como por el Renacimiento italiano del siglo XIV. Si bien su arte reflejó en diferentes momentos cualidades futuristas, cubistas y abstractas, Pettoruti "rechazó cualquier categorización de su arte". [13] No quería que él mismo o su obra de arte se asociaran con ningún movimiento específico, ya que estaba constantemente alterando su estilo. Trabajó el espacio y la forma en sus composiciones, considerando el color como secundario en sus pinturas. Pettoruti también jugó con varios médiums. Extendió su talento artístico al vestuario teatral, escenografías y vidrieras. [14] Se interesó por los mosaicos, explorando el potencial que los mosaicos podrían tener en la expansión de sus ideas. Sin limitarse a un solo medio, Pettoruti incorporó en su mosaico varios materiales encontrados en basureros para agregar textura y captar la luz de diversas maneras. En sus primeros años como artista, experimentó con "deconstruir objetos cotidianos y ordinarios, reconstruirlos según sus propias reglas y luego proyectarlos en su propio universo artístico". [2] Este enfoque del arte se aplicó a todos sus medios, incluidos los mosaicos y la pintura por igual.
Años posteriores en Italia: política y arte
En 1922, Pettoruti viajó a Milán, donde su obra de arte fue influenciada por algunos amigos que eran miembros del Novecento Italiano . Este grupo deseaba representar "una 'purificación' del arte italiano, una reafirmación de los principios tradicionales de la pintura, la escultura y la arquitectura". [15] Sin embargo, Sironi y Sarfatti, dos miembros del Novecento Italiano, también influyeron en los principios fascistas de Mussolini. El malestar de Pettoruti con el ascenso del fascismo tal vez influyó en su decisión de abandonar Italia y regresar a Argentina.
Músicos y arlequines
La elección de músicos por parte de Pettoruti como motivo recurrente en su obra de arte comenzó en Europa, pero continuó representándolos durante la década de 1920 en Buenos Aires. Los músicos aparecen solos o en grupos, y sus ojos siempre están ocultos. Los músicos retratados por Pettoruti tienen un vínculo cultural, ya que estaban "directamente asociados con el tango, expresión cultural inimitable de la capital argentina". [16] Un ejemplo de este motivo en su pintura es Quinteto (1927), que representa a cinco músicos callejeros en el estilo cubista abstracto. En 1927, pasó de representar a músicos a representar arlequines, quienes del mismo modo siempre tenían los ojos tapados mientras miraban a través de máscaras. Para Pettoruti, los arlequines eran un "dispositivo útil para representar la figura humana, pero como una forma anónima, remota, generalizada, no como un individuo". [17] De las muchas pinturas en las que trabajó Pettoruti, una de las primeras se titula Arlequín (1928), que muestra a un arlequín con una máscara sobre los ojos y tocando un instrumento musical parecido a un acordeón.
Bodegones
En sus primeras naturalezas muertas, Pettoruti incluyó varios motivos similares, como botellas, vasos y, a menudo, instrumentos musicales. Luego pasó a su serie de Copa que era "casi abstracta". [18] Estas composiciones estaban "compuestas por áreas de color brillantes y sin matices que tienden a aplanar la forma. La copa se observa desde todos los ángulos posibles, representando la parte superior, inferior y los lados simultáneamente". [19] En sus naturalezas muertas posteriores, Pettoruti se centró en la luz, incorporándola como un "elemento concreto de la imagen", [20] y no simplemente incluyéndola para iluminar la escena. Su uso de la luz es evidente en muchas de sus naturalezas muertas, como Sol Argentino (1941), donde la luz del sol actúa como "un elemento esencial dador de vida" [21] y es obviamente un efecto sólido para la pintura.
Abstracción
En los últimos años de su vida, el estilo de Pettoruti avanzó hacia la abstracción absoluta. Después de regresar a Europa en 1952, su interés "por los efectos del patrón y el diseño" se hizo evidente a partir de su "dedicación a la geometría, con sus patrones construidos a partir de formas de bordes duros". [22] Muchas de sus pinturas consistían en composiciones completamente geométricas, ya que "adoptaba una forma de pintura no objetiva que se concentraba en el poder comunicativo del color y la organización controlada de las formas". [23] Pettoruti nombró estas obras abstractas con nombres muy románticos, como Invierno en París (1955) y Noche de verano (1953).
Retrato de Cleto Ciochini (1913), Tinta sobre cartulina fina, Colección privada
El Sifón (1915), Collage, Museo Nacional de Bellas Artes , Buenos Aires [1]
La Grotta Azzurra di Capri (1918), Óleo sobre lienzo, Colección Privada, Buenos Aires
Pensierosa (1920), Óleo sobre lienzo, Córdova Iturburu, Buenos Aires
El Flautista Ciego (1920), óleo sobre tabla, Colección Privada, Nueva York
La Canción del Pueblo (1927), Óleo sobre tabla, Malba Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires [2]
Quinteto (1927), Óleo sobre contrachapado, Colección Privada, Buenos Aires
Arlequín (1928), Óleo sobre lienzo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires
El Improvisador (1937), Óleo sobre lienzo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires [3]
La Ultima Serenata (1937), Óleo sobre lienzo, International Business Machines, Nueva York
Sol Argentino (1941), Óleo sobre lienzo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires [4]
Invierno en París (1955), Óleo sobre lienzo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires
Farfalla (1961), Óleo sobre lienzo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires [5]
En 1915, Pettoruti realizó su primera exposición individual en la Galería Gonelli de Florencia. Mostró treinta y cinco obras, entre ellas nueve dibujos, quince pinturas y ocho bocetos para mosaicos. [24]
En 1923, expuso treinta y cinco obras en la galería Der Sturm de Berlín, que "provocaron críticas positivas de varios escritores". [25]
En 1924 realizó su primera exposición unipersonal en Buenos Aires, en la Galería Witcomb de la calle Florida. La muestra, considerada escandalosa, incluyó ochenta y seis obras. No fue ampliamente aceptado porque el modernismo aún no se había extendido en Argentina como lo había hecho en Europa. Pettoruti consideró la exposición como un "grito de guerra para quienes tienen una visión diferente" [26] , alentando a los argentinos a abrazar el nuevo período artístico.
En 1938, Pettoruti expuso en el Museo Municipal de Bellas Artes de Buenos Aires en una exposición titulada "Tres Expresiones de la Pintura Contemporánea". La muestra incluyó obras de Pettoruti, Badii y Spilimbergo.
En 1942, Pettoruti viajó a San Francisco para su primera exposición norteamericana en el Museo de Arte de San Francisco. El museo compró su Coparmonica (1937) y su Quinteto (1927). Fue una muestra influyente para su carrera, ya que inició su difusión en Norteamérica, donde otros museos y coleccionistas privados indagaron sobre su obra.
El 1 de octubre de 2013, Google celebró a Emilio Pettoruti con un garabato. [27] [28]
