El arte abstracto utiliza el lenguaje visual de la forma, el color y la línea para crear una composición que puede existir con un grado de independencia de las referencias visuales del mundo. [1]
El arte occidental , desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, se ha sustentado en la lógica de la perspectiva y en el intento de reproducir una ilusión de realidad visible. A finales del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que se estaban produciendo en la tecnología , la ciencia y la filosofía . Las fuentes de las que cada artista extrajo sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en ese momento. [2]
El arte abstracto, el arte no figurativo, el arte no objetivo y el arte no figurativo son términos estrechamente relacionados. Tienen significados similares, pero tal vez no idénticos.
La abstracción indica una desviación de la realidad en la representación de imágenes en el arte. Esta desviación de la representación precisa puede ser leve, parcial o completa. La abstracción existe a lo largo de un continuo. Incluso el arte que apunta a la verosimilitud del más alto grado puede decirse que es abstracto, al menos teóricamente, ya que la representación perfecta es imposible. Las obras de arte que se toman libertades, por ejemplo, alterando el color o la forma de maneras que son visibles, pueden decirse que son parcialmente abstractas. La abstracción total no tiene rastro de ninguna referencia a nada reconocible. En la abstracción geométrica , por ejemplo, es poco probable encontrar referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes . Pero el arte figurativo y el arte representativo (o realista ) a menudo contienen abstracción parcial.
Tanto la abstracción geométrica como la abstracción lírica suelen ser totalmente abstractas. Entre los numerosos movimientos artísticos que encarnan la abstracción parcial se encuentran, por ejemplo, el fauvismo, en el que el color se altera de forma notoria y deliberada en relación con la realidad, y el cubismo , que altera las formas de las entidades de la vida real representadas. [3] [4]
El mecenazgo de la iglesia disminuyó y el mecenazgo privado del público se volvió más capaz de proporcionar un sustento para los artistas. [7] [8] Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el Romanticismo , el Impresionismo y el Expresionismo . La independencia artística de los artistas avanzó durante el siglo XIX. Un interés objetivo en lo que se ve se puede discernir en las pinturas de John Constable , JMW Turner , Camille Corot y de ellos a los impresionistas que continuaron la pintura al aire libre de la escuela de Barbizon . Los primeros indicios de un nuevo arte fueron hechos por James McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturno en negro y oro: El cohete cayendo , (1872), puso mayor énfasis en la sensación visual que en la representación de objetos. Incluso antes, con sus dibujos "espirituales", la elección de Georgiana Houghton de trabajar con formas abstractas se correlaciona con la naturaleza antinatural de su tema, en una época en la que la abstracción todavía no era un concepto (organizó una exposición en 1871).
Los pintores expresionistas exploraron el uso audaz de la superficie de la pintura, dibujando distorsiones y exageraciones, y colores intensos. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas de emoción que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del siglo XIX. Los expresionistas cambiaron drásticamente el énfasis en el tema a favor de la representación de estados psicológicos del ser. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor se inspiraron principalmente en la obra de los postimpresionistas, fueron fundamentales para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX. Paul Cézanne había comenzado como impresionista, pero su objetivo -hacer una construcción lógica de la realidad basada en una vista desde un solo punto, [9] con color modulado en áreas planas- se convirtió en la base de un nuevo arte visual, que más tarde se desarrollaría en el cubismo .
Además, a finales del siglo XIX, en Europa del Este, el misticismo y la filosofía religiosa modernista temprana , expresados por la teósofa Mme. Blavatsky, tuvieron un profundo impacto en los artistas geométricos pioneros como Hilma af Klint y Wassily Kandinsky . La enseñanza mística de Georges Gurdjieff y PD Ouspensky también tuvo una influencia importante en las primeras formaciones de los estilos abstractos geométricos de Piet Mondrian y sus colegas a principios del siglo XX. [10] El espiritualismo también inspiró el arte abstracto de Kasimir Malevich y František Kupka . [11]
A principios del siglo XX, Henri Matisse y otros artistas jóvenes, entre ellos los precubistas Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy y Jean Metzinger, revolucionaron el mundo artístico parisino con paisajes y figuras "salvajes", multicolores y expresivos, que los críticos llamaron fauvismo . El lenguaje crudo del color desarrollado por los fauvistas influyó directamente en otro pionero de la abstracción, Wassily Kandinsky .
El cubismo , basado en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a cubo , esfera y cono, se convirtió, junto con el fauvismo , en el movimiento artístico que abrió directamente la puerta a la abstracción a principios del siglo XX.
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Durante el Salón de la Sección de Oro de 1912 , donde František Kupka exhibió su pintura abstracta Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores ) (1912), el poeta Guillaume Apollinaire nombró la obra de varios artistas, entre ellos Robert Delaunay , "orfismo" . [12] Lo definió como "el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que han sido creados completamente por el artista... es un arte puro". [13]
Desde principios de siglo, las relaciones culturales entre los artistas de las principales ciudades europeas se habían vuelto extremadamente activas, en su afán por crear una forma de arte a la altura de las altas aspiraciones del modernismo . Las ideas podían intercambiarse entre sí a través de libros de artista, exposiciones y manifiestos, de modo que muchas fuentes estaban abiertas a la experimentación y al debate, y formaban la base para una diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto de The World Backwards da una idea de la interconexión de la cultura en ese momento: " El conocimiento de David Burliuk sobre los movimientos de arte moderno debe haber sido extremadamente actualizado, ya que la segunda exposición de La Sota de Diamantes , celebrada en enero de 1912 (en Moscú) incluyó no solo pinturas enviadas desde Múnich, sino también algunos miembros del grupo alemán Die Brücke , mientras que desde París llegaron obras de Robert Delaunay , Henri Matisse y Fernand Léger , así como Picasso. Durante la primavera, David Burliuk dio dos conferencias sobre el cubismo y planeó una publicación polémica, que La Sota de Diamantes debía financiar. Viajó al extranjero en mayo y regresó decidido a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiter que había salido de las imprentas mientras estaba en Alemania". [14]
Entre 1909 y 1913, numerosos artistas crearon numerosas obras experimentales en busca de este «arte puro»: Francis Picabia pintó Caucho , c. 1909, [15] La primavera , 1912, [16] Danzas en la primavera [17] y La procesión, Sevilla , 1912; [18] Wassily Kandinsky pintó Sin título (primera acuarela abstracta) , 1913, [19] Improvisación 21A , la serie Impresiones y Cuadro con un círculo (1911); [20] František Kupka había pintado las obras orfistas Discos de Newton (Estudio para fuga en dos colores ), 1912 [21] y Amorpha, Fugue en deux couleurs ( Fuga en dos colores ), 1912; Robert Delaunay pintó una serie titulada Ventanas simultáneas y Formas circulares, Soleil n°2 (1912-13); [22] Léopold Survage creó Ritmo coloreado (estudio para la película), 1913; [23] Piet Mondrian , pintó Cuadro n.° 1 y Composición n.° 11 , 1913. [24]
Con su uso expresivo del color y su dibujo libre e imaginativo, Henri Matisse se acerca mucho a la abstracción pura en Ventana francesa en Collioure (1914), Vista de Notre-Dame (1914) y La cortina amarilla de 1915.
Y la búsqueda continuó: Los dibujos Rayistas (Luchismo) de Natalia Goncharova y Mikhail Larionov , usaban líneas como rayos de luz para hacer una construcción. Kasimir Malevich completó su primera obra enteramente abstracta, el Suprematista , Cuadrado Negro , en 1915. Otro del grupo Suprematista, Liubov Popova , creó las Construcciones Arquitectónicas y Construcciones de Fuerza Espacial entre 1916 y 1921. Piet Mondrian estaba desarrollando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el Neoplasticismo fue la estética con la que Mondrian, Theo van Doesburg y otros en el grupo De Stijl pretendían remodelar el medio ambiente del futuro.
Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convirtieron al constructivismo creyendo que el arte ya no era algo remoto, sino la vida misma. El artista debe convertirse en un técnico, aprendiendo a usar las herramientas y materiales de la producción moderna. ¡ El arte en la vida! fue el lema de Vladimir Tatlin , y el de todos los constructivistas futuros. Varvara Stepanova y Alexandre Exter y otros abandonaron la pintura de caballete y desviaron sus energías al diseño teatral y las obras gráficas. Del otro lado estaban Kazimir Malevich , Anton Pevsner y Naum Gabo . Sostuvieron que el arte era esencialmente una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido práctico y materialista. Durante ese tiempo, los representantes de la vanguardia rusa colaboraron con otros artistas constructivistas de Europa del Este, incluidos Władysław Strzemiński , Katarzyna Kobro y Henryk Stażewski .
Muchos de los que eran hostiles a la idea materialista de producción del arte abandonaron Rusia. Anton Pevsner se fue a Francia, Gabo fue primero a Berlín, luego a Inglaterra y finalmente a Estados Unidos. Kandinsky estudió en Moscú y luego se fue a la Bauhaus . A mediados de la década de 1920, el período revolucionario (1917 a 1921) en el que los artistas habían tenido libertad para experimentar había terminado; y en la década de 1930 solo se permitió el realismo socialista . [25]
A medida que el arte visual se vuelve más abstracto, desarrolla algunas características de la música [ cita requerida ] : una forma de arte que utiliza los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. Wassily Kandinsky , un músico aficionado, [26] [27] [28] se inspiró en la posibilidad de que las marcas y el color asociativo resuenen en el alma. La idea había sido presentada por Charles Baudelaire , de que todos nuestros sentidos responden a varios estímulos, pero los sentidos están conectados a un nivel estético más profundo.
En estrecha relación con esto, está la idea de que el arte tiene la dimensión espiritual y puede trascender la experiencia "cotidiana", alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India y China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian , Wassily Kandinsky, Hilma af Klint y otros artistas que trabajaban hacia un "estado sin objeto" se interesaron en lo oculto como una forma de crear un objeto "interior". Las formas universales y atemporales que se encuentran en la geometría : el círculo, el cuadrado y el triángulo se convierten en los elementos espaciales del arte abstracto; son, como el color, sistemas fundamentales que subyacen a la realidad visible.
La Bauhaus en Weimar, Alemania, fue fundada en 1919 por Walter Gropius . [29] La filosofía subyacente al programa de enseñanza era la unidad de todas las artes visuales y plásticas, desde la arquitectura y la pintura hasta el tejido y las vidrieras. Esta filosofía había surgido de las ideas del movimiento Arts and Crafts en Inglaterra y del Deutscher Werkbund . Entre los profesores estaban Paul Klee , Wassily Kandinsky , Johannes Itten , Josef Albers , Anni Albers y László Moholy-Nagy . En 1925 la escuela se trasladó a Dessau y, cuando el partido nazi ganó el control en 1932, la Bauhaus fue cerrada. En 1937, una exposición de arte degenerado , 'Entartete Kunst', contenía todo tipo de arte de vanguardia desaprobado por el partido nazi. Entonces comenzó el éxodo: no solo de la Bauhaus sino de Europa en general; a París, Londres y Estados Unidos. Paul Klee se fue a Suiza, pero muchos de los artistas de la Bauhaus se fueron a Estados Unidos.
Durante la década de 1930, París se convirtió en el anfitrión de artistas de Rusia, Alemania, los Países Bajos y otros países europeos afectados por el ascenso del totalitarismo . Sophie Tauber y Jean Arp colaboraron en pinturas y esculturas utilizando formas orgánicas/geométricas. La polaca Katarzyna Kobro aplicó ideas basadas en las matemáticas a la escultura. Los muchos tipos de abstracción ahora muy próximos llevaron a los artistas a intentar analizar las diversas agrupaciones conceptuales y estéticas. Una exposición de cuarenta y seis miembros del grupo Cercle et Carré organizada por Joaquín Torres-García [30] asistido por Michel Seuphor [31] contenía obras de los neoplasticistas, así como de abstraccionistas tan variados como Kandinsky, Anton Pevsner y Kurt Schwitters . Criticado por Theo van Doesburg por ser una colección demasiado indefinida, publicó la revista Art Concret en la que establecía un manifiesto que definía un arte abstracto en el que la línea, el color y la superficie solo son la realidad concreta. [32] Abstraction-Création, fundada en 1931 como un grupo más abierto, proporcionó un punto de referencia para los artistas abstractos, ya que la situación política empeoró en 1935 y los artistas volvieron a reagruparse, muchos en Londres. La primera exposición de arte abstracto británico se celebró en Inglaterra en 1935. Al año siguiente, la exposición más internacional Abstract and Concrete fue organizada por Nicolete Gray, que incluyó obras de Piet Mondrian , Joan Miró , Barbara Hepworth y Ben Nicholson . Hepworth, Nicholson y Gabo se mudaron a St. Ives en Cornualles para continuar con su trabajo constructivista . [33]
Durante el ascenso nazi al poder en la década de 1930, muchos artistas huyeron de Europa a los Estados Unidos. A principios de la década de 1940, los principales movimientos del arte moderno, el expresionismo, el cubismo, la abstracción, el surrealismo y el dadaísmo estaban representados en Nueva York: Marcel Duchamp , Fernand Léger , Piet Mondrian , Jacques Lipchitz , André Masson , Max Ernst y André Breton , fueron solo algunos de los europeos exiliados que llegaron a Nueva York. [35] Las ricas influencias culturales traídas por los artistas europeos fueron destiladas y desarrolladas por los pintores locales de Nueva York. El clima de libertad en Nueva York permitió que todas estas influencias florecieran. Las galerías de arte que principalmente se habían centrado en el arte europeo comenzaron a notar la comunidad artística local y el trabajo de artistas estadounidenses más jóvenes que habían comenzado a madurar. Ciertos artistas en este momento se volvieron claramente abstractos en su trabajo maduro. Durante este período, la pintura de Piet Mondrian Composición n.º 10 , 1939-1942, caracterizada por colores primarios, fondo blanco y líneas de cuadrícula negras, definió claramente su enfoque radical pero clásico del rectángulo y del arte abstracto en general. Algunos artistas de la época desafiaron la categorización, como Georgia O'Keeffe , quien, aunque era una abstraccionista modernista, era una inconformista pura en el sentido de que pintaba formas altamente abstractas sin unirse a ningún grupo específico del período.
Con el tiempo, los artistas estadounidenses que trabajaban en una gran diversidad de estilos comenzaron a fusionarse en grupos estilísticos cohesivos. El grupo más conocido de artistas estadounidenses se conoció como los expresionistas abstractos y la Escuela de Nueva York . En la ciudad de Nueva York había una atmósfera que alentaba el debate y había una nueva oportunidad para aprender y crecer. Los artistas y profesores John D. Graham y Hans Hofmann se convirtieron en importantes figuras puente entre los modernistas europeos recién llegados y los artistas estadounidenses más jóvenes que llegaban a la mayoría de edad. Mark Rothko , nacido en Rusia, comenzó con imágenes fuertemente surrealistas que luego se disolvieron en sus poderosas composiciones de color de principios de la década de 1950. El gesto expresionista y el acto de pintar en sí mismo, se volvieron de importancia primordial para Jackson Pollock , Robert Motherwell y Franz Kline . Mientras que durante la década de 1940, el trabajo figurativo de Arshile Gorky y Willem de Kooning evolucionó hacia la abstracción a fines de la década. La ciudad de Nueva York se convirtió en el centro y los artistas de todo el mundo gravitaron hacia ella; también de otros lugares de Estados Unidos. [36]
El arte digital , la pintura de bordes duros , la abstracción geométrica , el minimalismo , la abstracción lírica , el op art, el expresionismo abstracto, la pintura de campos de color, la pintura monocromática , el ensamblaje , el neo-Dada, la pintura sobre lienzo con formas , son algunas de las direcciones relacionadas con la abstracción en la segunda mitad del siglo XX.
En Estados Unidos, el arte como objeto , tal como se aprecia en la escultura minimalista de Donald Judd y las pinturas de Frank Stella, se considera hoy una nueva permutación. Otros ejemplos incluyen la abstracción lírica y el uso sensual del color que se observa en la obra de pintores tan diversos como Robert Motherwell , Patrick Heron , Kenneth Noland , Sam Francis , Cy Twombly , Richard Diebenkorn , Helen Frankenthaler , Joan Mitchell y Verónica Ruiz de Velasco .
Una explicación sociohistórica que se ha ofrecido para la creciente prevalencia de lo abstracto en el arte moderno —una explicación vinculada al nombre de Theodor W. Adorno— es que dicha abstracción es una respuesta a (y un reflejo de) la creciente abstracción de las relaciones sociales en la sociedad industrial . [37]
De manera similar, Frederic Jameson ve la abstracción modernista como una función del poder abstracto del dinero, equiparando todas las cosas por igual a valores de cambio. [38] El contenido social del arte abstracto es, entonces, precisamente la naturaleza abstracta de la existencia social (formalidades legales, impersonalización burocrática, información/poder) en el mundo de la modernidad tardía . [39]
Por el contrario, los postjunguianos considerarían que las teorías cuánticas, con su desintegración de las ideas convencionales de forma y materia, son la base del divorcio entre lo concreto y lo abstracto en el arte moderno. [40]
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