La pintura victoriana se refiere a los estilos distintivos de pintura en el Reino Unido durante el reinado de la reina Victoria (1837-1901). El reinado temprano de Victoria se caracterizó por un rápido desarrollo industrial y un cambio social y político, que convirtió al Reino Unido en una de las naciones más poderosas y avanzadas del mundo. La pintura en los primeros años de su reinado estuvo dominada por la Royal Academy of Arts y por las teorías de su primer presidente, Joshua Reynolds . Reynolds y la academia estaban fuertemente influenciados por el pintor renacentista italiano Rafael y creían que el papel de un artista era hacer que el tema de su trabajo pareciera lo más noble e idealizado posible. Este había demostrado ser un enfoque exitoso para los artistas en el período preindustrial, donde los principales temas de los encargos artísticos eran retratos de la nobleza y escenas militares e históricas. En el momento de la ascensión de Victoria al trono, este enfoque estaba comenzando a verse como obsoleto y obsoleto. El ascenso de la clase media adinerada había cambiado el mercado del arte, y una generación que había crecido en una era industrial creía en la importancia de la precisión y la atención al detalle, y que el papel del arte era reflejar el mundo, no idealizarlo.
A finales de la década de 1840 y principios de la de 1850, un grupo de jóvenes estudiantes de arte formó la Hermandad Prerrafaelita como reacción contra las enseñanzas de la Royal Academy. Sus obras se basaban en pintar lo más fielmente posible del natural cuando era posible y, cuando pintaban escenas imaginarias, asegurarse de mostrar lo más fielmente posible la escena tal como habría aparecido, en lugar de distorsionar el tema de la pintura para que pareciera noble. También creían que era el papel del artista dar lecciones morales y eligieron temas que el público de la época habría entendido como cuentos morales. Estaban particularmente fascinados por los recientes avances científicos que parecían refutar la cronología bíblica , ya que se relacionaban con la atención de los científicos a los detalles y la voluntad de desafiar sus propias creencias existentes. Aunque la Hermandad Prerrafaelita duró relativamente poco, sus ideas fueron muy influyentes.
La guerra franco-prusiana de 1870 hizo que varios artistas impresionistas franceses influyentes se mudaran a Londres, trayendo consigo nuevos estilos de pintura. Al mismo tiempo, una grave depresión económica y la creciente difusión de la mecanización hicieron de las ciudades británicas un lugar cada vez más desagradable para vivir, y los artistas se volvieron en contra del énfasis en reflejar la realidad. Una nueva generación de pintores y escritores conocida como el movimiento estético sintió que el dominio de la compra de arte por parte de la clase media con poca educación, y el énfasis prerrafaelita en reflejar la realidad de un mundo feo, estaba llevando a un declive en la calidad de la pintura. El movimiento estético se concentró en crear obras que representaran la belleza y las acciones nobles, como una distracción de la desagradable realidad. A medida que la calidad de vida en Gran Bretaña continuó deteriorándose, muchos artistas recurrieron a la pintura de escenas del pasado preindustrial, mientras que muchos artistas dentro del movimiento estético, independientemente de sus propias creencias religiosas, pintaron arte religioso porque les daba una razón para pintar escenas y retratos idealizados e ignorar la fealdad e incertidumbre de la realidad.
La era victoriana terminó en 1901, cuando muchos de los artistas victorianos más destacados ya habían muerto. A principios del siglo XX, las actitudes y las artes victorianas se volvieron extremadamente impopulares. El movimiento modernista , que llegó a dominar el arte británico, se inspiró en las tradiciones europeas y tuvo poca conexión con las obras británicas del siglo XIX. Debido a que los pintores victorianos habían sido en general extremadamente hostiles hacia estas tradiciones europeas, fueron objeto de burlas o ignorados por los pintores y críticos modernistas en la primera mitad del siglo XX. En la década de 1960, algunas obras prerrafaelitas volvieron a ponerse de moda entre los elementos de la contracultura de la década de 1960 , que las vieron como predecesoras de las tendencias de la década de 1960. Una serie de exposiciones en las décadas de 1960 y 1970 restablecieron aún más su reputación, y una importante exposición de obras prerrafaelitas en 1984 fue una de las exposiciones de mayor éxito comercial en la historia de la Tate Gallery . Si bien el arte prerrafaelita volvió a ganar popularidad, la pintura victoriana no prerrafaelita sigue en general pasada de moda, y la falta de colecciones significativas en los Estados Unidos ha restringido un conocimiento más amplio de ella.
Cuando Alejandrina Victoria, de 18 años, heredó el trono del Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda como reina Victoria en 1837, el país había disfrutado de una paz ininterrumpida desde la victoria final sobre Napoleón en 1815. [4] En 1832, la Ley de Representación del Pueblo (comúnmente conocida como la Ley de Reforma) y sus equivalentes en Escocia e Irlanda habían abolido muchas de las prácticas corruptas del sistema político británico, dando al país un gobierno estable y relativamente representativo. [5] La Revolución Industrial estaba en marcha, y en 1838 se inauguró el ferrocarril de Londres y Birmingham , que unía el norte industrial de Inglaterra con las ciudades y puertos del sur; [6] en 1850, más de 6200 millas (10 000 km) de ferrocarriles estaban en funcionamiento y la transformación de Gran Bretaña en una superpotencia industrial estaba completa. [7] El triunfo percibido de la tecnología, el progreso y el comercio pacífico se celebró en la Gran Exposición de 1851 , organizada por el esposo de Victoria , Alberto , que atrajo a más de 40.000 visitantes por día para ver las más de 100.000 exhibiciones de manufactura, agricultura e ingeniería en exhibición. [8]
Aunque la economía británica había estado tradicionalmente dominada por la aristocracia terrateniente del campo, la Revolución Industrial y las reformas políticas habían reducido en gran medida su influencia y creado una floreciente clase media de comerciantes, fabricantes e ingenieros en Londres y las ciudades industriales del norte. [9] Los nuevos ricos generalmente estaban ansiosos por mostrar su riqueza a través de la exhibición de arte, [10] y eran lo suficientemente ricos como para pagar precios altos por las obras de arte, pero generalmente tenían poco interés en los viejos maestros , prefiriendo obras modernas de artistas locales. [9] En 1844, el Parlamento declaró legales los sindicatos de arte , que encargaban obras de arte a artistas famosos, pagándolas mediante una lotería en la que la obra de arte terminada era el premio; esto no solo ofrecía una entrada al mundo del arte para personas que tal vez no hubieran podido permitirse comprar una pintura importante, sino que estimuló un mercado creciente de grabados . [11]
La pintura británica había sido fuertemente influenciada por Joshua Reynolds (1723-1792), el primer presidente de la Real Academia de las Artes , quien creía que el propósito del arte era "concebir y representar sus temas de una manera poética, no confinada a meros hechos", y que los artistas deberían aspirar a emular al pintor renacentista italiano Rafael al hacer que sus temas parezcan lo más cercanos a la perfección posible. [12]
En el momento de la ascensión al trono de Victoria, la Real Academia dominaba el arte británico, y la Exposición de Verano anual de la Real Academia era el evento más importante del mundo de las artes. [13] La Real Academia también controlaba las prestigiosas escuelas de arte de la Real Academia, que enseñaban con un enfoque muy estrecho en las técnicas aprobadas. [13] La pintura en el estilo de Rafael había demostrado ser comercialmente exitosa para los artistas que servían a una nobleza interesada principalmente en retratos familiares, escenas militares y escenas de la historia, la religión y la mitología clásica, pero en el momento de la ascensión al trono de Victoria estaba empezando a ser vista como un callejón sin salida. [9] La destrucción de las Cámaras del Parlamento a fines de 1834 y los concursos posteriores para seleccionar artistas para decorar su reemplazo, pusieron de relieve la falta de artistas británicos competentes capaces de pintar temas históricos y literarios, [14] que en ese momento se consideraban la forma más importante de pintura. [10] [C] A partir de 1841, la nueva y muy influyente revista satírica Punch ridiculizó cada vez más a la Real Academia y a los artistas británicos contemporáneos. [15]
En su obra fundamental Modern Painters (Pintores modernos), publicada en 1843, John Ruskin sostenía que el propósito del arte era representar el mundo y permitir al espectador formar sus propias opiniones sobre el tema, no idealizarlo. [2] Ruskin creía que solo representando la naturaleza con la mayor precisión posible el artista podía reflejar las cualidades divinas del mundo natural. [15] Una nueva generación de jóvenes artistas, la primera que creció en una era industrial en la que la representación precisa de los detalles técnicos se consideraba una virtud y una necesidad, llegó a estar de acuerdo con esta visión. [2] En 1837, Charles Dickens comenzó a publicar novelas que intentaban reflejar la realidad de los problemas de la actualidad, en lugar del pasado o un presente idealizado; sus escritos fueron muy admirados por muchos de la nueva generación de artistas. [13]
En 1837, el pintor Richard Dadd y un grupo de amigos formaron The Clique , un grupo de artistas que rechazaban la tradición de la Academia de temas históricos y retratos en favor de la pintura de género populista . [16] Si bien la mayoría de The Clique regresó a la Royal Academy en la década de 1840, [16] después del encarcelamiento de Dadd tras el asesinato de su padre en 1843, fueron el primer grupo de artistas importantes en desafiar las posiciones de la Royal Academy. [13]
En el momento de la ascensión al trono de Victoria, el artista británico vivo más importante era J. M. W. Turner . Turner se había hecho un nombre a finales del siglo XVIII con una serie de acuarelas de paisajes muy valoradas y expuso su primera pintura al óleo en 1796. [17] Fue un fiel aliado de la Royal Academy durante toda su vida y fue elegido académico real de pleno derecho en 1802, a la edad de 27 años. [17] En 1837 dimitió de su puesto de profesor de perspectiva en la Royal Academy y en 1840 conoció a John Ruskin. El primer volumen de los Pintores modernos de Ruskin era una defensa de Turner, argumentando que la grandeza de Turner se había desarrollado a pesar de la influencia de Reynolds, no gracias a ella, y un consiguiente deseo de idealizar los temas de sus pinturas. [2]
En la década de 1840, Turner estaba pasando de moda. A pesar de la defensa que Ruskin hizo de su obra, que en última instancia era "una transcripción completa de todo el sistema de la naturaleza", [15] Turner (que en 1845 se había convertido en el académico de mayor edad y vicepresidente de la Royal Academy [18] ) había llegado a ser visto por los artistas más jóvenes como la encarnación de la grandilocuencia y la obstinación, y como un producto de un período romántico anterior, alejado de la era moderna. [2]
En 1848, tres jóvenes estudiantes de las escuelas de arte de la Royal Academy, [19] William Holman Hunt , John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti , formaron la Hermandad Prerrafaelita (PRB). La PRB rechazó las ideas de Joshua Reynolds y tenía una filosofía basada en trabajar a partir de la naturaleza con la mayor precisión posible siempre que fuera posible y, cuando fuera necesario pintar a partir de la imaginación, esforzarse por mostrar el evento como lo más probable es que hubiera sucedido, no de la manera que parecería más atractiva o noble. [20]
El PRB se inspiró en las exposiciones científicas y consideró que este enfoque científico era en sí mismo un instrumento de bien moral. [20] El detalle intensamente trabajado y la atención a la precisión mostraron que se había puesto mucho trabajo y dedicación en sus pinturas y, por lo tanto, ilustraron la virtud del trabajo, en contraste con el "manejo suelto e irresponsable" de las técnicas de los viejos maestros o la "indolencia desafiante" del impresionismo . [21] Además de esto, sintieron que era el deber del artista elegir temas que ilustraran lecciones morales de algún tipo. [21] Las primeras obras del PRB se destacaron por la inclusión de flores, que se adaptaban bien a su propósito. Las flores se podían usar en casi cualquier escena, se podían usar para transmitir mensajes en el lenguaje popular de las flores en ese entonces , y la ilustración precisa de ellas mostraba la dedicación del artista a la precisión científica. [21]
La era victoriana se caracterizó por un rápido avance científico y por un cambio rápido de actitudes hacia la religión, a medida que los avances en geología, astronomía y química refutaban la cronología bíblica . La PRB encontró fascinantes estos avances, basados en la atención al detalle y la voluntad de desafiar las creencias existentes sobre la base de los hechos observados. El fundador de la PRB, William Holman Hunt, lideró una revolución en el arte religioso inglés, visitando Tierra Santa y estudiando evidencias arqueológicas y la vestimenta y apariencia de la gente local para pintar escenas bíblicas con la mayor precisión posible. [23]
En 1854, el PRB se había derrumbado como organización, pero su estilo continuó dominando la pintura británica. [19] Una exhibición de obras prerrafaelitas en la Exposición Universal de París de 1855 fue bien recibida. [24] La Exposición de Tesoros de Arte de 1857 en Manchester, que exhibió las obras de artistas contemporáneos junto con 2000 obras de maestros europeos, recibió 1.300.000 visitantes, lo que aumentó aún más el conocimiento de los estilos de pintura modernos. [24] En 1856, el coleccionista de arte John Sheepshanks presentó su colección de pinturas modernas a la nación, que junto con las exhibiciones de la Gran Exposición formó el Museo de South Kensington en junio de 1857 (más tarde dividido en el Museo Victoria y Alberto de artes visuales y el Museo de Ciencias de ingeniería y tecnología de fabricación). [24]
En esa época, la pintura seguía siendo un campo dominado por artistas masculinos. En 1859, se envió una petición de 38 artistas femeninas a todos los académicos reales solicitando la apertura de la Academia a las mujeres. [25] Más tarde, ese mismo año, Laura Herford presentó un dibujo de calificación a la Academia firmado simplemente "AL Herford"; cuando la Academia lo aceptó, la Academia la aceptó como su primera alumna en 1860. [26] [D] La Escuela de Bellas Artes Slade , fundada en 1871, reclutó activamente alumnas. [25]
En la década de 1860, el movimiento prerrafaelita se fragmentó y algunos de sus seguidores abandonaron el realismo estricto en favor de la poesía y el atractivo. En el caso particular de Rossetti, esto tendió a plasmarse en pinturas de mujeres. [27] Al igual que muchos otros artistas y escritores de la época, a medida que su fe religiosa se desvanecía, Rossetti vio cada vez más el amor como el tema más importante. [28]
Este movimiento hacia la representación de los efectos del amor se hizo explícito en Venus Verticordia ("Venus la que gira los corazones"), pintada por Rossetti a mediados de la década de 1860. [28] [E] El título y el tema provienen de la Bibliotheca Classica de John Lemprière , y se refieren a una oración a Venus para alejar los corazones de las mujeres romanas del libertinaje y la lujuria y regresarlos hacia la modestia y la virtud. [30] Alrededor de Venus, las rosas representan el amor, la madreselva representa la lujuria y el pájaro representa la brevedad de la vida humana. Ella sostiene la Manzana Dorada de la Discordia y la flecha de Cupido , que se cree que es una referencia a la Guerra de Troya y la destructividad del amor. [31]
A John Ruskin le disgustó profundamente la pintura. Aunque ahora se cree que su aversión por la pintura se debía a que no le gustaba la representación de la forma femenina desnuda, [32] afirmó que sus problemas con la pintura se debían a la representación de las flores, y le escribió a Rossetti para advertirle que "me parecían maravillosas, en su realismo; horribles -no puedo usar otra palabra- en su tosquedad: mostraban un enorme poder, mostraban ciertas condiciones de falta de sentimiento que subyacen a todo lo que estás haciendo ahora". [33] La hostilidad de Ruskin hacia la pintura condujo a una disputa entre Ruskin y Rossetti, y Rossetti se alejó del pensamiento prerrafaelita y se acercó a la nueva doctrina del arte por el arte expuesta por Algernon Charles Swinburne . [34] [35]
Desde la época de George Stubbs (1724-1806), Gran Bretaña ha tenido una fuerte tradición de pintura de animales , un campo que había ganado respeto debido a las pinturas de animales altamente competentes de James Ward de principios del siglo XIX. [36] La cría selectiva de ganado, particularmente perros, se había vuelto muy popular, lo que llevó a un mercado lucrativo en dibujos y pinturas de animales premiados. [36] A principios del siglo XIX, las Tierras Altas de Escocia experimentaron un aumento dramático en popularidad entre los ricos de Gran Bretaña, particularmente por las oportunidades que ofrecían para la caza . [36] Un pintor en particular, Edwin Landseer (1802-1873), aprovechó la oportunidad que le ofreció el auge de los viajes escoceses, viajando a Escocia por primera vez en 1824 y regresando cada año para cazar, disparar, pescar y dibujar. [37]
Landseer se hizo muy conocido por sus pinturas de paisajes, personas y particularmente la vida salvaje de Escocia, hasta el punto de que sus pinturas, junto con las novelas de Sir Walter Scott , se convirtieron en el principal medio a través del cual la gente del resto del Reino Unido llegó a imaginar Escocia. [39] [F] Sus obras tenían tanta demanda que los derechos de grabado (el derecho a hacer duplicados impresos de una obra) generalmente se vendían por al menos tres o cuatro veces el costo de venta de cada obra, y era raro que una obra suya se vendiera por menos de £ 1000. [36] En 1840, Landseer sufrió un ataque de enfermedad mental y sufrió alcoholismo y enfermedades mentales durante el resto de su vida, aunque continuó trabajando con éxito. [41] En años posteriores, se hizo más conocido como el diseñador de los leones de bronce en la base de la Columna de Nelson , inaugurada en 1867. [41]
Landseer y otros pintores de animales como Briton Rivière también se hicieron famosos por sus sentimentales pinturas de perros. El doliente jefe del viejo pastor de Landseer , que muestra a un perro pastor sentado junto a un ataúd, fue particularmente bien considerado por John Ruskin, quien lo describió como "un poema conmovedor sobre lienzo, que, no se puede dudar, ha hecho que muchos corazones valientes 'jueguen a ser mujeres' conmoviéndolos hasta las lágrimas". [39] Muchos de los artistas de la época eran cazadores entusiastas y aceptaban como un hecho que la naturaleza era inherentemente cruel y que aprender a aceptar esta crueldad era una marca de hombría. [42] En este contexto, los perros que mostraban emociones eran un tema muy popular en una época de rápida decadencia de la fe religiosa, lo que sugería la posibilidad de una nobleza dentro de la naturaleza que trascendía la crueldad y la voluntad de vivir como fuerza impulsora. [43]
En la década de 1870, la Gran Depresión destruyó la economía y la confianza de Gran Bretaña, y el espíritu de progreso simbolizado por la Gran Exposición comenzó a desvanecerse, hasta el punto de que en 1904 GK Chesterton describió el Crystal Palace como "el templo de un credo olvidado". [46] Algunos artistas en ascenso, como George Frederic Watts, se quejaron de que el creciente mecanicismo de la vida cotidiana y la importancia de la prosperidad material para la clase media cada vez más dominante de Gran Bretaña, estaban haciendo que la vida moderna fuera cada vez más desalmada. [47] La guerra franco-prusiana de 1870 provocó que un gran número de artistas franceses, como Claude Monet y Camille Pissarro , se trasladaran a Londres, trayendo consigo nuevos estilos de pintura. [48] El Renacimiento del crítico de arte Walter Pater , publicado en 1873, encabezó una reacción contra el prerrafaelismo, argumentando que la única forma digna de conducir la propia vida era a través de la búsqueda del placer y el amor por el arte y la belleza por sí mismos. [49]
En este contexto, una nueva generación de pintores, como Frederic Leighton y James Abbott McNeill Whistler, se apartó de las tradiciones de narración y moralización, pintando obras diseñadas para el atractivo estético en lugar de por su narrativa o tema. [49] Whistler menospreció la obsesión prerrafaelita por la precisión y el realismo, quejándose de que su público había desarrollado "el hábito de mirar no un cuadro, sino a través de él". [50] Los prerrafaelitas y sus campeones restantes protestaron vigorosamente contra este nuevo estilo de arte, [50] al igual que la Royal Academy, lo que llevó a Sir Coutts Lindsay a establecer la Grosvenor Gallery en 1877 para mostrar el trabajo de artistas ignorados por la Royal Academy. [51]
Las cosas llegaron a un punto crítico en 1877, cuando John Ruskin visitó una exposición de las pinturas Nocturnas de Whistler en la Grosvenor Gallery. Escribió sobre la pintura Nocturno en negro y dorado: el cohete que cae , que Whistler estaba "pidiendo doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público". Whistler demandó por difamación, y el caso llegó a los tribunales en 1878. [52] El juez del caso provocó risas en el tribunal cuando, refiriéndose a Nocturno: azul y dorado: el antiguo puente de Battersea , preguntó a Whistler "¿Qué parte del cuadro es el puente?"; el caso terminó con Whistler recibiendo una indemnización simbólica de un cuarto de penique , [53] los costos del juicio lo llevaron a la quiebra. [51]
El movimiento estético , como se conoció a Pater y sus sucesores, se volvió cada vez más influyente; fue defendido por Whistler y Oscar Wilde y hasta su muerte en 1883 por el ex prerrafaelita Dante Gabriel Rossetti, y fue popularizado entre el público por la exitosa ópera cómica de Gilbert y Sullivan Patience . [51] El movimiento consideró que el ascenso de la clase media de compradores de arte en Birmingham y Manchester, lo suficientemente ricos como para comprar arte pero insuficientemente educados para mostrar buen gusto, había llevado al declive de la calidad en el arte británico. [54] Junto con esto, sentían que, dado que la industrialización y el capitalismo estaban haciendo que el mundo fuera cada vez más poco atractivo, el énfasis de los pintores prerrafaelitas y aquellos influenciados por ellos en reflejar la realidad lo más fielmente posible estaba conduciendo a la pérdida de belleza del arte. [47] En consecuencia, los artistas del movimiento estético vieron la tarea del artista como la de proporcionar una distracción de la fealdad de la realidad para sus espectadores, lectores y oyentes, [47] y de tratar de resaltar y enfatizar la belleza del mundo y la nobleza de las buenas acciones, incluso si el artista ya no creía en tales cosas. [55] [G] La elección en 1878 de Frederick Leighton como presidente de la Royal Academy contribuyó en cierta medida a sanar la brecha dentro del mundo del arte británico, ya que Leighton se esforzó por garantizar que la Exposición de Verano estuviera abierta a artistas jóvenes y artistas que trabajaran en nuevos estilos. [51]
Los pintores del movimiento estético se enorgullecían de su desapego de la realidad, trabajaban en estudios y rara vez se mezclaban con el público. [54] Del mismo modo, los sujetos de sus pinturas rara vez realizaban actividad de ningún tipo; las figuras humanas normalmente estaban de pie, sentadas o acostadas, generalmente con expresiones faciales en blanco. [57]
A medida que avanzaba el siglo y la combinación de mecanización, decadencia económica, caos político y fe religiosa hacían de Gran Bretaña un lugar cada vez más desagradable para vivir, la población empezó a considerar cada vez más la época preindustrial como una edad de oro . Como parte de esta tendencia, los artistas se sintieron atraídos por temas y técnicas preindustriales, y los compradores de arte se sintieron particularmente atraídos por los artistas que podían hacer conexiones entre el presente y estos tiempos idealizados, como la Edad Media , que se consideraba el período en el que habían comenzado las instituciones clave de la Gran Bretaña moderna y que se había popularizado en la imaginación pública gracias a las novelas de Sir Walter Scott. [55]
En este contexto surgió una gran moda de pinturas sobre temas medievales, en particular leyendas artúricas y temas religiosos. Muchos de los artistas más notables de la época, en particular del movimiento estético, eligieron trabajar sobre tales temas a pesar de su falta de fe religiosa, ya que les daba una excusa legítima para pintar figuras y escenas idealizadas y evitar reflejar la realidad de la Gran Bretaña industrial. [59] ( Edward Burne-Jones , quien a pesar de su falta de creencia cristiana fue el pintor más importante de imágenes religiosas en el período, le dijo a Oscar Wilde que "Cuanto más materialista se vuelva la ciencia, más ángeles pintaré". [60] ) [H] Otros pintores se dedicaron a pintar diferentes períodos del pasado idealizado; Lawrence Alma-Tadema pintó escenas de la Antigua Roma , [55] el ex prerrafaelita John Everett Millais se dedicó a pintar al estilo de los pintores del período inmediatamente anterior a la Revolución Industrial, como Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough , [55] y Frederic Leighton se especializó en escenas altamente idealizadas de la Antigua Grecia . [63] [Yo]
Si bien ya había habido modas para las pinturas históricas en la historia británica, la de finales del siglo XIX fue única. En los resurgimientos anteriores, que datan desde el Renacimiento hasta finales del siglo XVIII, el mundo antiguo simbolizaba grandeza, dinamismo y virilidad. En contraste, el movimiento estético y sus seguidores buscaron emular las obras más pasivas (y generalmente femeninas) del mundo clásico, como la Venus de Milo . [65] Los pintores de este período enfatizaron la pasividad y el drama interno, en lugar del dinamismo visto en obras anteriores que representaban el mundo clásico. [65] También, nuevamente a diferencia de los resurgimientos clásicos anteriores, trabajaron principalmente en colores brillantes, en lugar de tratar de sugerir la apariencia brillante pero sombría de la piedra clásica. [65] [J]
No todos los miembros del movimiento estético compartieron la reacción contra el presente en favor de un pasado idealizado. Whistler, en particular, criticó duramente esta visión, desestimando el sentimiento como "ese gesto de desprecio por el presente, ese patetismo en referencia al pasado". [55]
Incluso entre los artistas que no pintaron cuadros del pasado, la influencia de la reacción contra la modernidad a menudo tuvo un efecto. En la pintura de paisajes en particular, los artistas generalmente abandonaron el esfuerzo de pintar representaciones realistas de vistas y, en cambio, se centraron en los efectos de la iluminación y en la captura de elementos del campo preindustrial que sentían que probablemente serían destruidos. [68] [K] Las escenas campestres y las imágenes de la gente del campo (en particular, granjeros y pescadores y sus familias), se convirtieron en un tema muy popular tanto en Gran Bretaña como en toda la Europa industrializada. [68] Las colonias de arte comenzaron a abrirse en lugares considerados particularmente pintorescos, lo que permitió a los artistas y estudiantes trabajar en el campo y conocer a la gente del campo genuina, mientras seguían estando en compañía de personas de ideas afines. [69] La más influyente de estas colonias fue la Escuela Newlyn en el oeste de Cornualles , que estuvo fuertemente influenciada por el estilo de Jules Bastien-Lepage en el que las pinceladas individuales permanecen visibles, lo que sugiere la simplicidad burda de la vida rural idealizada. [66] Las técnicas introducidas por la Escuela de Newlyn y otros estilos impresionistas franceses similares como los de Edgar Degas fueron a su vez adoptadas por pintores de otras partes del país como Walter Sickert , mientras que John William Waterhouse fusionó fondos pintados en el estilo de Bastien-Lepage con imágenes prerrafaelitas de leyendas históricas y clásicas. [66]
La generación anterior de pintores vio con profundo escepticismo esta difusión de las técnicas francesas. Históricamente, los pintores británicos se habían enorgullecido de tener cada uno un estilo distinto y fácilmente reconocible, y consideraban que los pintores franceses y los de influencia francesa eran excesivamente similares entre sí en cuanto a estilo, y como dijo John Everett Millais "se conformaban con perder su identidad en su imitación de sus maestros franceses". [66] George Frederic Watts vio el auge del estilo francés como un reflejo de una creciente cultura de la pereza dentro de Gran Bretaña en su conjunto, mientras que William Holman Hunt estaba preocupado por la falta de importancia de los temas de las pinturas. [70] A pesar de las reformas de Leighton a la Royal Academy, la Exposición de Verano permaneció principalmente cerrada a estos pintores, lo que llevó a la fundación en 1886 del New English Art Club como un espacio de exposición en Londres para pintores de influencia francesa. [71] El New English Art Club a su vez sufrió un cisma en 1889 entre aquellos pintores que pintaban la vida rural y la naturaleza, y una facción liderada por Walter Sickert que se sentía más influenciado por el impresionismo y las técnicas experimentales. [72]
La apertura de la Tate Gallery en 1897, abierta para exhibir la colección de arte victoriano del comerciante de azúcar Sir Henry Tate , resultó ser el último triunfo de la pintura victoriana. [73] Leighton y Millais habían muerto el año anterior; Burne-Jones murió en 1898, seguido por Ruskin en 1900 y la propia Victoria en 1901. [73]
En la década de 1910, los estilos victorianos de arte y literatura pasaron drásticamente de moda en Gran Bretaña, y en 1915 la palabra " victoriano " se había convertido en un término despectivo. [74] Mucha gente culpó del estallido de la Primera Guerra Mundial , que devastó Gran Bretaña y Europa, al legado de la era victoriana, y las artes y la literatura asociadas con el período se volvieron profundamente impopulares. [74] Victorianos eminentes (1918) de Lytton Strachey y Rossetti y su círculo (1922) de Max Beerbohm , ambos extremadamente exitosos e influyentes, trajeron la parodia de la era victoriana y los artistas victorianos a la corriente literaria dominante, mientras que el movimiento modernista cada vez más influyente , que llegó a dominar el arte británico en el siglo XX, se inspiró en Paul Cézanne y tuvo poco respeto por la pintura británica del siglo XIX. [74] [L]
A lo largo del siglo XX, la obra de los impresionistas y postimpresionistas franceses del siglo XIX fue cobrando valor e importancia. Debido a que los prerrafaelistas y los miembros del movimiento estético, que entre ellos habían dominado la pintura victoriana, se habían unido a fines del siglo XIX para condenar la influencia francesa y la percepción de pereza e insignificancia del impresionismo y el postimpresionismo, muchos pintores y críticos modernistas de la primera mitad del siglo XX se burlaron de ellos o los descartaron. [70] [M]
En la década de 1940, La tragedia prerrafaelita de William Gaunt , junto con un deseo general durante la guerra de celebrar los logros de la cultura británica, condujo a un renacimiento del interés en el arte victoriano. [76] Varios museos británicos importantes celebraron eventos y exhibiciones en 1948 para conmemorar el centenario de la Hermandad Prerrafaelita, [76] pero los críticos de arte de moda como Wyndham Lewis se burlaron de la PRB como una irrelevancia pretenciosa. [10]
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Una importante exposición celebrada en 1951-52 en la Royal Academy of Arts , Los primeros cien años de la Royal Academy 1769-1868, acercó una serie de obras británicas del siglo XIX a un público más amplio, [76] pero la opinión general sobre el arte victoriano siguió siendo baja. [77]
En la década de 1960, algunos aspectos del arte victoriano se hicieron populares en la contracultura de la década de 1960 , ya que el prerrafaelismo en particular comenzó a ser visto como un precursor del arte pop y otras tendencias contemporáneas. [76] Una serie de exposiciones sobre artistas individuales prerrafaelistas e influenciados por el PRB en las décadas de 1960 y 1970 impulsaron aún más su reputación, y una gran exposición en 1984 en lo que entonces era la Tate Gallery (ahora Tate Britain) que mostraba todo el movimiento prerrafaelita fue una de las exposiciones de mayor éxito comercial en la historia de la galería. [76]
El arte victoriano no prerrafaelita siguió siendo en gran medida pasado de moda. En 1963, Flaming June , una de las piezas clasicistas más significativas de Sir Frederic Leighton , salió al mercado en Londres por sólo 50 libras esterlinas (unas 1.300 libras esterlinas en términos actuales), [76] [78] [N] y en 1967 el historiador de arte Quentin Bell se sintió capaz de escribir que el arte victoriano era "estéticamente y, por lo tanto, históricamente insignificante". [79] Aunque el arte victoriano no prerrafaelita ha experimentado un ligero resurgimiento en los años posteriores, sigue siendo pasado de moda, y la falta de colecciones significativas en los Estados Unidos ha frenado el interés mundial en el tema. [80]