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Mascarón (arquitectura)

Mascarón Art Déco sobre la puerta de la calle Mademoiselle n.º 40, París, c. 1930

En arquitectura y artes decorativas , un adorno de mascarón es un rostro, generalmente humano, a veces aterrador o quimérico , cuya supuesta función era originalmente ahuyentar a los malos espíritus para que no entraran en el edificio. [1] El concepto fue posteriormente adaptado para convertirse en un elemento puramente decorativo. Los estilos arquitectónicos más recientes en emplear ampliamente mascarones fueron Beaux Arts y Art Nouveau . [2] [3] Además de la arquitectura, los mascarones se utilizan en las otras artes aplicadas .

Tipos

Hombre verde

En el siglo XI, los canteros europeos comenzaron a añadir mascarones tallados con hojas, conocidos como Hombres Verdes, a la decoración de las iglesias, una imagen que los estudiosos de principios del siglo XX sugirieron que representaba en secreto a un dios precristiano superviviente. Hoy en día, pocos estudiosos creen en esta idea. El Hombre Verde se interpreta principalmente como un símbolo de renacimiento, que representa el ciclo de nuevo crecimiento que ocurre cada primavera . [4]

Bucráneo

Un bucranium (plural: bucrania ) es un mascarón de cráneo de buey, usado habitualmente en la Antigüedad para decorar monumentos funerarios y conmemorativos. El motivo tiene su origen en una ceremonia en la que se colgaba una cabeza de buey de las vigas de madera que sostenían el techo del templo; esta escena fue posteriormente representada, en piedra, en el friso, o dinteles de piedra, sobre las columnas de los templos dóricos . El cráneo de buey suele estar decorado con cintas y festones . El motivo fue reutilizado durante el Renacimiento , perdiendo su antiguo simbolismo, quedando reducido únicamente a un simple adorno. Posteriormente dejó de usarse hasta el siglo XVIII, cuando las excavaciones de Pompeya y Herculano dan lugar al Neoclasicismo , un movimiento que intentó revivir la estética de la Grecia y Roma clásicas. [8] [9]

Historia

En la Antigüedad, la Edad Media y el Renacimiento , los mascarones se utilizaban principalmente como decoración, pero en ocasiones también para amenazar a los malos espíritus. A partir del Barroco , se utilizaban únicamente como adorno, generalmente colocados en la parte superior de diversos objetos ( clavijas de ventanas o puertas , tiradores, cartelas , etc.).

Antigüedad

Antiguo Oriente Próximo y Egipto

Los mascarones eran poco comunes en el Próximo Oriente antiguo. Los que se utilizaban normalmente tenían forma de cabeza de toro o de león. Se pueden ver buenos ejemplos en las liras de Ur .

En el antiguo Egipto, Hathor era la diosa suprema del amor, identificada por los griegos con Afrodita . Su rostro se utilizaba para decorar múltiples objetos. La mayoría de las veces se la representaba como una mujer que llevaba un tocado con cuernos y un disco solar. Los espejos y la sistra (un instrumento musical utilizado en el antiguo Egipto) presentan un mascarón de Hathor en el mango. Algunos espejos la presentan porque en Egipto a menudo estaban hechos de oro o bronce y, por lo tanto, simbolizaban el disco solar, y porque estaban conectados con la belleza y la feminidad. [12] Hathor a veces se representaba como un rostro humano con orejas de bovino. Este rostro similar a una máscara se colocó en los capiteles de las columnas a partir del final del Imperio Antiguo . Las columnas de este estilo se usaron en muchos templos de Hathor y otras diosas. [13] Los mascarones también estaban presentes en los vasos canopos egipcios . Estos eran recipientes utilizados para almacenar los órganos internos extraídos durante la momificación . Los primeros jarrones eran sencillos, pero durante el Primer Periodo Intermedio , las tapas de los jarrones comenzaron a modelarse en forma de cabezas humanas. A partir de la Dinastía XVIII , se diseñaron cada uno con un mascarón diferente, por lo que se asemejan a los cuatro hijos de Horus ( babuino , chacal , halcón y humano). [14]

Mundo grecorromano

En la antigua Grecia , Roma y la arquitectura de la civilización etrusca , los mascarones de león se usaban a menudo para decorar las cornisas de los templos . Los extremos de las tejas en los bordes de un techo se ocultaban mediante bloques ornamentales conocidos como antefixae , que a veces estaban decorados con mascarones humanos. [16]

En ocasiones, los mascarones se utilizaban con fines amenazadores. Medusa decora el arquitrabe del templo de Dídima y está destinada a asustar a los enemigos de Apolo , estilizada de forma que se la pueda ver desde lejos y permita el juego de luces y sombras.

Además de los rostros, los mascarones a veces adoptaban la forma de máscaras de teatro. Las manifestaciones teatrales son inicialmente una ceremonia sagrada vinculada al culto de Dioniso . Estas ceremonias sagradas se reflejan en frisos decorativos con los rostros de Dioniso ( también conocido como Baco), ménades (bacantes entre los romanos), sátiros y Sileno , todos con festones entre ellos, que decoran los edificios religiosos.

Un cierto tipo de mascarón utilizado en el mundo grecorromano era el bucranium , una cabeza o cráneo de toro, que luego sería redescubierto en el Renacimiento y utilizado en estilos que utilizan el vocabulario clásico de decoración y diseño.

Posteriormente, el Imperio Romano tomó todos estos elementos decorativos, ya que incorporó muchos elementos culturales de la Antigua Grecia.

Mesoamérica precolombina

Porcelana

En el Neolítico , en China, se crearon pequeños objetos de jade . La dureza del jade le confiere durabilidad, lo que contribuyó a su conservación a lo largo de milenios. Algunos de estos objetos, como el cong , un tubo recto con un interior circular y una sección exterior cuadrada, estaban decorados con mascarones muy estilizados.

Durante la Edad del Bronce china (las dinastías Shang y Zhou ), las intercesiones de la corte y la comunicación con el mundo espiritual eran realizadas por un chamán (posiblemente el propio rey). En la dinastía Shang ( c. 1600-1050 a. C.), la deidad suprema era Shangdi , pero las familias aristocráticas preferían contactar con los espíritus de sus antepasados. Preparaban para ellos elaborados banquetes de comida y bebida, calentados y servidos en vasijas rituales de bronce . Estas vasijas de bronce tenían muchas formas, dependiendo de su propósito: para vino, agua, cereales o carne, y algunas de ellas estaban marcadas con caracteres legibles, lo que muestra el desarrollo de la escritura. Uno de los motivos más utilizados en estas vasijas era el taotie , un mascarón estilizado dividido simétricamente, con fosas nasales, ojos, cejas, mandíbulas, mejillas y cuernos, rodeados de patrones incisos. [23]

Edad media

El uso de mascarones continuó durante la Edad Media. Se encuentran en la arquitectura gótica , especialmente en el siglo XIV [24] . Los mascarones también se utilizaron en la arquitectura medieval rusa .

Renacimiento

Los artistas del Renacimiento releen los mitos de la Antigüedad grecorromana, que les proporcionan nuevos temas y ornamentos. Descubrimientos arqueológicos como las excavaciones de las Termas de Caracalla por los Farnesio o el Laocoonte y sus hijos , inspiran a escultores y arquitectos de los siglos XV y XVI. La Villa del emperador Adriano y el Panteón de Roma ofrecen modelos de construcción radicalmente diferentes del estilo gótico . Las formas de la Antigüedad vuelven a ponerse de moda: columnas , pilastras , frontones , cúpulas y estatuas decoran los edificios de esta época.

En el Quattrocento las últimas influencias góticas tendieron a desaparecer; no fue hasta principios del siglo XVI cuando los rostros decorativos de la Antigüedad volvieron a tomar su lugar en forma de mascarones.

La moda renacentista se extendió al resto de Europa occidental. Llegó a Francia con las guerras italianas . Rosso Fiorentino (nacido en Florencia en 1494, fallecido en Fontainebleau en 1540) y Le Primatice (nacido en Bolonia en 1504 y fallecido en París en 1570) llegaron a trabajar en Fontainebleau para el rey de Francia Francisco I. Rosso, que trabajó en Italia hasta el saqueo de la ciudad de Roma en 1527 , dominaba la técnica del estuco . Le Primatice había colaborado en Mantua con Giulio Romano .

Barroco y rococó

El arte barroco , que sucedió al manierismo y se desarrolló como resultado de las tensiones religiosas entre católicos y protestantes en toda Europa, surgió a finales del siglo XVI. El nombre puede derivar de "barocco", la palabra portuguesa para perla deformada, y describe un arte que combinaba emoción, dinamismo y dramatismo con colores potentes, realismo y fuertes contrastes tonales. Entre 1545 y 1563, en el Concilio de Trento , se decidió que el arte religioso debía fomentar la piedad, el realismo y la precisión y, al atraer la atención y la empatía de los espectadores, glorificar a la Iglesia católica y fortalecer la imagen del catolicismo. Dado que la arquitectura y el diseño barrocos ampliaron el vocabulario clásico del Renacimiento, los mascarones siguieron utilizándose. Durante los siglos XVII y XVIII, eran con mayor frecuencia claves decoradas sobre puertas o ventanas arqueadas, dentro de un cartucho . Estaban presentes especialmente en el primer piso de muchos palacios, que a menudo tenían ventanas y puertas arqueadas continuas. Otro uso frecuente fue en la parte superior de los cartuchos.

Al barroco le siguió el rococó , que mantuvo algunas de las características del barroco, como la monumentalidad y las formas curvas, pero llegó con características nuevas, como los colores pastel, la ornamentación foliar, la asimetría y el énfasis en la arquitectura secular. El rococó también se asocia principalmente con la arquitectura palaciega y doméstica, en comparación con cómo el barroco a menudo se ve como un estilo principalmente eclesiástico. Una de las características más notables es su delicadeza. Además del uso de líneas curvas y flores, la fantasía del estilo también es visible en las muchas obras de arte que muestran escenas de la vida aristocrática. Las personas en la pintura rococó de artistas como Antoine Watteau , Jean-Baptiste van Loo , François Boucher o Jean Siméon Chardin tienen caras de cupido. Por supuesto, esta característica también está presente en la escultura, incluidos los mascarones. Como en el caso de la arquitectura barroca, la mayoría de los mascarones rococó se colocan en las claves de puertas o ventanas arqueadas. Buenos ejemplos de ellos están presentes en la mayoría de los hoteles particulares desde el reinado de Luis XV (1715-1774).

Las interacciones entre las naciones de Europa occidental y el resto del mundo provocadas por la exploración colonialista han tenido un impacto en la estética. En raras ocasiones, para hacer que un edificio o un objeto fuera más exagerado, se añadieron mascarones de nativos americanos , mostrándolos con tocados de plumas estereotipados. De manera similar, se añadieron mascarones de africanos subsaharianos en edificios de la Place de la Bourse en Burdeos , Francia. Son el resultado del hecho de que la colonización y la esclavitud contribuyeron a la riqueza de la ciudad de Burdeos, tanto a través del comercio de esclavos, el comercio de bienes producidos por esclavos y la posesión de plantaciones. De todas estas formas de exotismo , la más popular fue la chinoiserie , un estilo en bellas artes , arquitectura y diseño, popular durante el siglo XVIII, que se inspiró en gran medida en el arte chino, pero también en el rococó al mismo tiempo. Como viajar a China u otros países del Lejano Oriente era algo difícil en esa época y, por lo tanto, seguía siendo un misterio para la mayoría de los occidentales, la imaginación europea se alimentó de las percepciones de Asia como un lugar de riqueza y lujo, y en consecuencia, los mecenas, desde los emperadores hasta los comerciantes, compitieron entre sí para adornar sus viviendas con productos asiáticos y decorarlas en estilos asiáticos. Donde los objetos asiáticos eran difíciles de obtener, los artesanos y pintores europeos dieron un paso adelante para satisfacer la demanda, creando una mezcla de formas rococó y figuras, motivos y técnicas asiáticas. Como resultado, algunos aristócratas europeos construyeron pabellones de jardín inspirados en lo que los arquitectos imaginaban que sería la arquitectura china. Por supuesto, muchos de sus elementos están mucho más cerca del rococó que de los palacios de la dinastía Qing . Algunas de estas estructuras presentan mascarones de personas del Lejano Oriente , como en el caso de la Casa China del Parque Sanssouci en Potsdam , Alemania, o el Pabellón Chino de los jardines del Palacio Drottningholm en Suecia . [31]

Neoclassicism and historicism

Excavations during the 18th century at Pompeii and Herculaneum, which had both been buried under volcanic ash during the 79 AD eruption of Mount Vesuvius, inspired a return to order and rationality.[37] In the mid-18th century, antiquity was upheld as a standard for architecture as never before. Neoclassical architecture focused on Ancient Greek and Roman details, plain, white walls and grandeur of scale. Compared to the previous styles, Baroque and Rococo, Neoclassical exteriors tended to be more minimalist, featuring straight and angular lines, but being still ornamented.

Neoclassicism was the status quo from the mid to late 18th century, until the middle of the 19th. The transition from Rococo to Neoclassicism was not dramatic. The Louis XVI style in France shows clearly the strong interest of architects and designers for the volumes, proportions and motifs of ancient Greece and Rome, but their creations still have the aristocratic and cozy vibe of the Rococo. Similarly, some of the creations of Robert Adam, one of the most well known British architects who designed in the Neoclassical style, still have the delicacy of Rococo, like in the case of the Eating Room from the Osterley Park in London.

After the French Revolution, Neoclassical architecture and design advocated a return to austerity after the "excesses" of the Rococo and thus limited the use of mascarons. The Empire style of the First French Empire (1800-1815) didn't feature many human mascarons, since they are rare in Ancient Greek and Roman architecture and design, but buildings and designs from this period feature lion mascarons, since these are present in Antiquity. Bucrania were also present, but mostly under the form of a head rather than a skull. The keystone often decorated in the past centuries was left empty at the beginning of the 19th century. The interest for Ancient Greece and Rome also led to an appetite for the Ancient Egypt. After the French campaign in Egypt and Syria, Egyptian art was brought to European collections, and the history, nature and life in Egypt were documented by scientists. Sometimes, Neoclassical buildings and designs mix Greco-Roman elements with Egyptian motifs.

In parallel with Neoclassicism, Romanticism was another movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. Romanticism was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration.[38] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795-1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later. Mascarons are not very common in the Gothic Revival, since in the Middle Ages they were mainly present on corbels.[39]

Besides the Middle Ages, thanks to Romanticism, interest appeared for other periods too, like the Renaissance, Baroque, and Rococo. Without a single overreaching authority in style, pluralism became widespread. The Gothic Revival coexisted with a revival of the Rococo and revivals of other historic styles, some being non-Western.

Beaux Arts and Art Nouveau

The revivalism of the 19th century led in time to Eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects usually revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. In France, they were usually mixes of elements taken from the Renaissance until Napoleon (including Neoclassicism and its forms). The most famous building of this type is the Opéra Garnier in Paris, which combines for example double columns taken from Baroque with rooflines of mascarons and festoons taken from Neoclassicism, on the main facade. Alone, these elements are reminiscent of a specific period, but they are put together in a coherent and harmonious way. Many of the mascarons from Eclectic architecture and designs of the 19th and very early 20th centuries are inspired by those found in Baroque and Rococo, and just like in the 17th and 18th centuries, they are often on a keystone and in a cartouche.

The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volues on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like the one of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. Because of the ethereal vibe of the style, many Beaux Arts mascarons have a calm and confident expression, most of them being female. Male mascarons were also sometimes present in decoration, but usually as faces of Hermes, Poseidon or Hercules.

Besides Beaux Arts, another movement that was popular during the Belle Époque was Art Nouveau. Rejecting eclecticism, Art Nouveau was one of the first styles of Modernism. It had multiple versions in different countries. The Belgian and French form is characterized by organic shapes, ornaments taken from the plant world, sinuous lines, asymmetry (especially when it comes to objects design), the whiplash motif, the femme fatale, and other elements of nature. In Austria, Germany and the UK, it took a more stylized geometric form, as a form of protest towards revivalism and eclecticism. The geometric ornaments found in Gustav Klimt's paintings and in the furniture of Koloman Moser are representative of the Vienna Secession (Austrian Art Nouveau).[43] Art Nouveau mascarons consist often of faces of young women, showing the preference of many Art Nouveau artists for the femme fatale, a typology of the mysterious, beautiful, and seductive woman whose charms ensnare her lovers, often leading them into compromising, deadly traps. She is often shown as a creature of the night, fused with the natural world. Just like Beaux Arts ones, many Art Nouveau mascarons have calm and confident expressions. Some of the most impressive are found in jewelry. Art Nouveau mascarons were sometimes maximalist, the face having different accessories and/or foliage around it.

Interwar period

Art Deco is a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Because of this, mascarons are more angular and stylized, mask-like, clearly influenced by Cubism, a fine art movement with highly stylized and geometrized human figures, like those found in Les Demoiselles d'Avignon painted by Pablo Picasso. Painters, sculptors, designers and architects also found inspiration in non-Western regions, like East Asia, Pre-Columbian Americas or Sub-Saharian African art.[50] Art Deco had four phases: early, mature, late, and Streamline Moderne. The buildings of the 1910s and early 1930s are compositionally and stylistically similar with the Beaux-Arts ones from the 1900s and 1910s, but highly stylized and with a refined geometry. Pilasters and other Classical elements are used during this decade, but geometrized, together with simple floral motifs and abstract ornaments. An example of early Art Deco is the Central Social Insurance Company Building (now the Asirom Building) on Bulevardul Carol I, Bucharest, by Ion Ionescu, 1930s. Most Art Deco mascarons are present on early Art Deco buildings and designs. Mature Art Deco, highly associated with the 1930s, was more modern and exuberant compared to the early form. Stepped setbacks are a key feature of this period. Late Art Deco, from the late 1930s and the 1940s, paves the way for the International Style, but without completely abandoning ornamentation. More complex ornaments like mascarons or foliage disappear completely during this period, being seen as out of fashion. Facades with 90° angle corners and decorated minimally only with simple cornices at each level are key features of this phase. However, this doesn't mean that these buildings are banal or dull. Materials of bright colours were used inside, especially marble and granite, and the exteriors usually had lightning rods. At the same time, Streamline Moderne was also popular in the 1930s and 40s, characterized by rounded corners and overall dynamism.

Although Modernism was mainstream under the form of Art Deco during the interwar period, revivals of historic or local styles continued. In Romania for example, Mediterranean Revival architecture was one of the main styles of the 1930s, together with Art Deco and Romanian Revival (the national style). Of course, some of these styles used mascarons for ornamentation.

At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation, led to the complete abandonment of any ornaments, including mascarons.

Postmodernism

Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs. An early text questioning Modernism was by architect Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), in which he recommended a revival of the 'presence of the past' in architectural design. He tried to include in his own buildings qualities that he described as 'inclusion, inconsistency, compromise, accommodation, adaptation, superadjacency, equivalence, multiple focus, juxtaposition, or good and bad space.'[56] Venturi encouraged 'quotation', which means reusing elements of the past in new designs. Part manifesto, part architectural scrapbook accumulated over the previous decade, the book represented the vision for a new generation of architects and designers who had grown up with Modernism but who felt increasingly constrained by its perceived rigidities. Multiple Postmodern architects and designers put simplified reinterpretations of the elements found in Classical decoration on their creations. However, they were in most cases highly simplified, and more reinterpretations than true reuses of the elements intended. Because of their complexity, mascarons were very rarely used in Postmodern architecture and design.[57]

See also

Notes

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References

Enlaces externos

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