El manierismo del norte es la forma de manierismo que se encuentra en las artes visuales al norte de los Alpes en el siglo XVI y principios del XVII. [1] Estilos derivados en gran medida del manierismo italiano se encontraron en los Países Bajos y en otros lugares alrededor de mediados de siglo, especialmente los ornamentos manieristas en la arquitectura; Este artículo se concentra en aquellas épocas y lugares donde el manierismo norteño generó su obra más original y distintiva.
Los tres centros principales del estilo estaban en Francia, especialmente en el período 1530-1550, en Praga desde 1576 y en los Países Bajos desde la década de 1580; las dos primeras fases estuvieron en gran medida dirigidas por el patrocinio real. En los últimos quince años del siglo, el estilo, que para entonces estaba obsoleto en Italia, se extendió por todo el norte de Europa, difundiéndose en gran parte a través de grabados. En pintura tendió a retroceder rápidamente en el nuevo siglo, bajo la nueva influencia de Caravaggio y el Barroco temprano, pero en arquitectura y artes decorativas su influencia fue más sostenida. [2]
El sofisticado arte del manierismo italiano comienza durante el Alto Renacimiento de la década de 1520 como un desarrollo, una reacción contra y un intento de superar los triunfos serenamente equilibrados de ese estilo. Como explica el historiador del arte Henri Zerner: "El concepto de manierismo, tan importante para la crítica moderna y, en particular, para el renovado gusto por el arte de Fontainebleau, designa un estilo que se opone al clasicismo del Renacimiento italiano encarnado sobre todo por Andrea del Sarto en Florencia y Rafael en Roma". [3]
El Alto Renacimiento fue un fenómeno puramente italiano, y el manierismo italiano requería artistas y un público altamente capacitado en los estilos renacentistas anteriores, cuyas convenciones a menudo eran ignoradas de manera consciente. En el norte de Europa, sin embargo, difícilmente se podían encontrar tales artistas y tal público. El estilo predominante siguió siendo el gótico , y en las primeras décadas del siglo XVI artistas de mayor conciencia internacional, como Alberto Durero , Hans Burgkmair y otros en Alemania, y la engañosamente llamada escuela de manierismo de Amberes , realizaron diferentes síntesis de este y del estilo italiano. de hecho, no tiene relación con el manierismo italiano y es anterior al mismo. [4] El romanismo estuvo más influenciado por el arte italiano del Alto Renacimiento y aspectos del manierismo, y muchos de sus principales exponentes habían viajado a Italia. La pintura holandesa había sido en general la más avanzada del norte de Europa desde antes de 1400, y los mejores artistas holandeses estaban en mejores condiciones que los de otras regiones para seguir el ritmo de los avances italianos, aunque rezagados a distancia.
Para cada generación sucesiva de artistas, el problema se agudizó, a medida que gran parte de la obra del Norte seguía asimilando gradualmente aspectos del estilo renacentista, mientras que el arte italiano más avanzado había caído en una atmósfera de sofisticación y complejidad conscientes de sí misma que debía haber parecido un mundo entero. aparte de los mecenas y artistas del Norte, pero gozaba de una reputación y un prestigio que no podían ignorarse. [5]
Francia recibió una inyección directa de estilo italiano con la primera Escuela de Fontainebleau , donde a partir de 1530 se contrataron varios artistas florentinos de calidad para decorar el Palacio Real de Fontainebleau , con algunos asistentes franceses. Las importaciones más notables fueron Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo di Gaspare, 1494-1540), Francesco Primaticcio ( c. 1505-1570 ), Niccolò dell'Abbate ( c. 1509-1571 ), todos los cuales permanecieron en Francia hasta su fallecidos. Esta conjunción logró generar un estilo nativo francés con fuertes elementos manieristas que luego pudo desarrollarse en gran medida por sí solo. Jean Cousin el Viejo , por ejemplo, produjo pinturas, como Eva Prima Pandora y Caridad , que, con sus desnudos sinuosos y alargados, se basaban palpablemente en los principios artísticos de la escuela de Fontainebleau. [6]
El hijo de Cousin, Jean el Joven , la mayoría de cuyas obras no han sobrevivido, y Antoine Caron siguieron esta tradición, produciendo una versión agitada de la estética manierista en el contexto de las guerras de religión francesas . La iconografía de las obras figurativas era principalmente mitológica, con un fuerte énfasis en Diana , diosa de la caza que era la función original de Fontainebleau, y homónima de Diana de Poitiers , amante y musa de Enrique II , y también entusiasta cazadora. Su figura esbelta, de piernas largas y atlética "quedó fijada en el imaginario erótico". [7]
Otras partes del norte de Europa no tuvieron la ventaja de un contacto tan intenso con los artistas italianos, pero el estilo manierista hizo sentir su presencia a través de grabados y libros ilustrados, las compras de obras italianas por parte de gobernantes y otros, [8] viajes de artistas a Italia. , y el ejemplo de artistas italianos individuales que trabajan en el Norte.
Gran parte del trabajo más importante en Fontainebleau se realizó en forma de relieves de estuco , a menudo ejecutados por artistas franceses a partir de dibujos de los italianos (y luego reproducidos en grabados), y el estilo de Fontainebleau afectó más a la escultura francesa que a la pintura francesa. Los enormes marcos de estuco que dominan sus pinturas insertadas con audaces correas en alto relieve , guirnaldas de frutas y un generoso conjunto de figuras desnudas parecidas a ninfas, fueron muy influyentes en el vocabulario de la ornamentación manierista en toda Europa, difundido por libros de ornamentación y grabados de Androuet du Cerceau y otros: Rosso parece haber sido el creador del estilo.
Al estilo se unieron numerosos sectores de las artes decorativas, especialmente allí donde había clientes de la corte. Muebles de nogal de alto estilo fabricados en centros metropolitanos como París y Dijon, empleaban marcos de correas y soportes escultóricos en tocadores y buffets . La misteriosa y sofisticada cerámica de Saint-Porchaire , de la que sólo sobreviven unas sesenta piezas, aportó una estética similar a la cerámica, y gran parte de ella lleva cifras reales. A esto le siguió la cerámica "rústica" de Bernard Palissy , con vasijas cubiertas con animales y plantas en relieve elaboradamente modelados. El esmalte pintado de Limoges adoptó el estilo con entusiasmo alrededor de 1540, y muchos talleres produjeron pinturas muy detalladas hasta aproximadamente la década de 1580.
Aparte del propio Palacio de Fontainebleau, otros edificios importantes decorados con este estilo fueron el Castillo de Anet (1547-1552) para Diane de Poitiers y partes del Palacio del Louvre . El patrocinio de las artes por parte de Catalina de Médicis promovió el estilo manierista, excepto en el retrato, y sus festividades de la corte fueron las únicas regulares del norte que rivalizaron con los intermedios y entradas de la corte de los Medici en Florencia; todo lo cual dependía en gran medida de las artes visuales. Después de un interludio en el que se abandonó el trabajo en Fontainebleau en el apogeo de las Guerras de Religión francesas, en la década de 1590 se formó una "Segunda Escuela de Fontainebleau" a partir de artistas locales.
Maximiliano II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (que reinó entre 1564 y 1576), que estableció su base en Viena , tenía gustos humanistas y artísticos, y patrocinó a varios artistas, en su mayoría famosos Giambologna y Giuseppe Arcimboldo , cuyos retratos de fantasía compuestos por objetos eran un poco más serios en el mundo de la filosofía del Renacimiento tardío de lo que parecen ahora. Al final de su reinado ideó un proyecto para un nuevo palacio y poco antes de morir el joven pintor flamenco Bartholomeus Spranger había sido llamado desde Roma, donde había hecho una exitosa carrera. El hijo de Maximiliano, Rodolfo II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, resultó ser un mecenas aún mejor que su padre, y Spranger nunca dejó su servicio. La corte pronto se trasladó a Praga , más segura de las habituales invasiones turcas, y durante su reinado de 1576 a 1612, Rodolfo se convertiría en un coleccionista obsesivo de arte antiguo y nuevo, y sus artistas se mezclaban con astrónomos, relojeros, botánicos y "magos". alquimistas y cabalistas", a quienes Rudolf también reunió a su alrededor. [9]
Las preferencias artísticas de Rudolf eran escenas mitológicas con desnudos, así como piezas de propaganda alegóricas que ensalzaban sus virtudes como gobernante. Una obra que combina elementos de erotismo y propaganda es Minerva triunfa sobre la ignorancia ( Kunsthistorisches Museum ), que muestra a Minverva (la diosa romana de la guerra, la sabiduría, las artes y el comercio) con los senos expuestos y un casco pisoteando a la ignorancia, simbolizada por un hombre con las orejas de un asno. Bellona , otra diosa romana de la guerra, y las nueve Musas rodean a Minerva. El mensaje propagandístico es que el imperio está a salvo con Rudolf al mando para que las artes y el comercio puedan florecer. [11] : 68–69 El escultor flamenco Hans Mont también trabajó para Rodolfo y diseñó el arco triunfal para la entrada formal de Rodolfo II en Viena en 1576. [12]
Las obras de la Praga de Rudolf estaban muy acabadas y refinadas, y la mayoría de las pinturas eran relativamente pequeñas. El alargamiento de las figuras y las poses sorprendentemente complejas de la primera ola del manierismo italiano continuaron, y la distancia elegante de las figuras de Bronzino estuvo mediada por las obras del ausente Giambologna, que representaba el ideal del estilo.
Los grabados fueron esenciales para difundir el estilo en Europa, Alemania y los Países Bajos en particular, y algunos grabadores, como el más grande de la época, Hendrik Goltzius , trabajaron a partir de dibujos enviados desde Praga, mientras que otros, como Aegidius Sadeler , que vivía en la casa de Spranger. , había sido tentado a ir a la ciudad misma. Rodolfo también encargó obras a Italia, sobre todo a Giambologna, a quien los Médicis no permitieron salir de Florencia, y cuatro grandes alegorías mitológicas fueron enviadas por Paolo Veronese . [13] La influencia del Emperador afectó al arte en otras cortes alemanas, especialmente en Múnich y Dresde , donde residía el orfebre y artista Johann Kellerthaler.
Rodolfo no estaba muy interesado en la religión, y "en la Praga de Rodolfo II se produjo una explosión de imaginería mitológica que no se había visto desde Fontainebleau". [14] Las diosas solían estar desnudas, o casi, y prevalece una atmósfera de erotismo más abierta que la que se encuentra en la mayoría de las obras mitológicas del Renacimiento, lo que evidentemente refleja los "intereses especiales" de Rudolf. [15]
La figura dominante era Hércules , identificado con el emperador, como lo había sido anteriormente con los anteriores monarcas Habsburgo y Valois . [16] Pero los otros dioses no fueron descuidados; sus conjunciones y transformaciones tuvieron importancia en el neoplatonismo y el hermetismo renacentistas , que fueron tomados más en serio en la Praga de Rodolfo que en cualquier otra corte del Renacimiento. [17] Sin embargo, parece que las alegorías pintadas de Praga no contienen significados complicados muy específicos ni recetas ocultas de alquimia. Giambologna frecuentemente eligió, o dejó que otra persona eligiera, un título para sus esculturas una vez terminadas; para él sólo importaban las formas. [18]
Mientras que a los artistas de Fontainebleau y Praga se les proporcionó en su mayoría un hogar tan agradable en términos intelectuales y físicos que se quedaron hasta el final de sus vidas, para los artistas de la última fase holandesa del movimiento el manierismo fue muy a menudo una fase a través de la cual pasaron antes de pasar a un estilo influenciado por Caravaggio .
Para Hendrik Goltzius , el mayor grabador de la época, su fase más manierista bajo la influencia de Spranger sólo duró cinco años entre 1585, cuando grabó su primera estampa a partir de uno de los dibujos de Spranger traídos de Praga por Karel van Mander , a su viaje a Roma en 1590, del que "regresó como un artista cambiado". A partir de ese momento ya no realizó más grabados después de las extravagancias de Spranger. Los monstruosos hombres musculosos y los desnudos femeninos demasiado alargados con cabezas diminutas... fueron reemplazados por figuras. con proporciones y movimientos más normales." [20] El trabajo de Spranger "tuvo un efecto amplio e inmediato en el norte de los Países Bajos", [20] y el grupo conocido como los "manieristas de Haarlem", principalmente Goltzius, van Mander y Cornelis van Haarlem, fue igualado por artistas de otras ciudades.
En parte porque la mayoría de sus seguidores holandeses sólo habían visto el trabajo de Spranger a través de grabados y sus dibujos, en su mayoría muy libres, no se adoptó su manejo más pictórico y conservaron la técnica más estricta y realista en la que habían sido entrenados. Muchos pintores manieristas holandeses podían cambiar de estilo según el tema o el encargo, y continuaron produciendo retratos y escenas de género en estilos basados en las tradiciones locales al mismo tiempo que trabajaban en pinturas altamente manieristas. Después de su regreso de Italia, Goltzius pasó a un clasicismo protobarroco más tranquilo, y su trabajo en ese estilo influyó en muchos.
Joachim Wtewael , que se instaló en Utrecht después de regresar de Italia en 1590, recibió más influencia de los manieristas italianos que de Praga, y también continuó produciendo escenas de cocina y retratos junto a sus deidades desnudas. A diferencia de muchos, en particular su compañero de Utrechter Abraham Bloemaert , una vez que se formó el repertorio de estilos de Wtewael, nunca lo cambió hasta su muerte en 1631. [21]
Para los pintores de los Países Bajos también existía la alternativa de los estilos realistas tradicionales del Norte, que continuaron desarrollándose a través de Pieter Bruegel el Viejo (muerto en 1567) y otros artistas, y que en el siglo siguiente dominarían la pintura de los Países Bajos. Edad . A pesar de su visita a Italia, Brughel ciertamente no puede ser llamado manierista, pero así como Rudolf coleccionó con entusiasmo sus pinturas, los artistas manieristas, incluidos Gillis van Coninxloo y Jan, el hijo de Bruegel, lo siguieron en el desarrollo del paisaje como tema.
La pintura de paisajes fue reconocida como una especialidad holandesa en Italia, donde se establecieron varios paisajistas del Norte, como Matthijs y Paul Bril , y los alemanes Hans Rottenhammer y Adam Elsheimer , este último una figura importante del Barroco temprano. La mayoría todavía pintaba panoramas holandeses desde un punto de vista elevado, con pequeñas figuras que formaban un tema específico, pero Gillis van Coninxloo siguió a la anterior Escuela del Danubio y a Albrecht Altdorfer en el desarrollo del paisaje forestal puro y "de cerca" en sus obras de aproximadamente 1600. , que fue retomado por su alumno Roelandt Savery y otros. [22] Bloemaert pintó muchos paisajes que reconciliaban estos tipos combinando árboles en primer plano, con figuras y una pequeña vista lejana desde arriba hacia un lado (ejemplo a continuación). [23] Los primeros paisajes de Paul Brill eran claramente manieristas por su artificialidad y sus recargados efectos decorativos, pero después de la muerte de su hermano, evolucionó gradualmente hacia un estilo más económico y realista, quizás influenciado por Annibale Carracci . [24]
La pintura de bodegones , generalmente de flores e insectos, también surgió como género durante el período, reutilizando la tradición heredada de las fronteras en miniatura de los Países Bajos tardíos ; Jan Brueghel el Viejo también los pintó. Estos temas atraían tanto a los mecenas aristocráticos como al mercado burgués, que era mucho mayor en los Países Bajos. Esto fue especialmente cierto en el norte protestante, después del movimiento de población durante la revuelta, donde la demanda de obras religiosas estuvo en gran medida ausente. [25]
Joris Hoefnagel , pintor de la corte de Rodolfo II, jugó un papel importante en el desarrollo de la naturaleza muerta como género independiente, y en particular de las naturalezas muertas de flores. Una pieza floral sin fecha ejecutada por Hoefnagel en forma de miniatura es la primera naturaleza muerta independiente conocida. Hoefnagel animó sus piezas florales con insectos y atención al detalle típica de sus estudios de la naturaleza. Esto se puede ver en su Amoris Monumentum Matri Chariss(imae) de 1589 (ex-Nicolaas Teeuwisse 2008). [26]
Karel van Mander ahora es recordado principalmente como un escritor de arte más que como un artista. Aunque respaldaba la jerarquía italiana de géneros , con la pintura de historia en la cima, estaba más dispuesto que Vasari y otros teóricos italianos (sobre todo Miguel Ángel , que despreciaba bruscamente las formas de arte "inferiores") a aceptar el valor de otros géneros especializados. del arte, y aceptar que muchos artistas deberían especializarse en ellas, si es que ahí reside su talento. [27] La especialización de muchos artistas en los diversos géneros estaba muy avanzada a finales de siglo, tanto en los Países Bajos como en Praga, ejemplificada por los dos hijos de Bruegel, Jan y Pieter , aunque también era típica del período en el que ambos tenían más de una especialidad durante su carrera. Aunque los comerciantes podían comprar paisajes, escenas de la vida campesina, paisajes marinos y naturalezas muertas, y siempre había buena demanda de buenos retratos, la demanda de pintura histórica no era igual a la oferta potencial, y muchos artistas, como Cornelius Ketel , se vieron obligados a especializarse en retratos; "Los artistas recorren este camino sin deleitarse", según van Mander. [28]
Los pintores manieristas de las provincias meridionales de la Flandes Habsburgo , ahora permanentemente separadas , de hecho estaban menos influenciados por Praga que los de las Provincias Unidas . Tuvieron un acceso más fácil a Italia, donde Denis Calvaert vivió desde los veinte años en Bolonia , aunque vendió gran parte de su obra a Flandes. Tanto Marten de Vos como Otto van Veen habían viajado allí; Van Veen, que en realidad había trabajado en la Praga de Rudolf, fue el fundador del Gremio de Romanistas , un club de Amberes para artistas que habían visitado Roma. Eran más conscientes de las tendencias recientes en el arte italiano y del surgimiento del estilo barroco , que en manos del alumno de Van Veen de 1594 a 1598, Rubens , pronto se apoderaría del arte flamenco. [29] En las obras religiosas, los artistas flamencos también estuvieron sujetos a los decretos del Concilio de Trento , lo que provocó una reacción contra los virtuosismos más extremos del manierismo y un estilo más claro y monumental similar a la maniera grande italiana . [30] En los retablos de De Vos, por ejemplo, "un manierismo moderado se combina con una preferencia por una narrativa más acorde con la tradición holandesa". [30]
En Flandes, aunque no en las Provincias Unidas, las exhibiciones, en su mayoría temporales, para las entradas reales, brindaron oportunidades ocasionales para suntuosas exhibiciones públicas de estilo manierista. Los libros del festival registraron las entradas en Amberes de los príncipes franceses y los archiduques de los Habsburgo. [31]
El manierismo dominó en Polonia-Lituania entre 1550 y 1650, cuando finalmente fue reemplazado por el barroco. [33] El estilo incluye diversas tradiciones manieristas, [33] que están estrechamente relacionadas con la diversidad étnica y religiosa del país, así como con su situación económica y política en ese momento. [34] [35] El período comprendido entre 1550 y 1650 fue una Edad de Oro de la Commonwealth polaco-lituana (creada en 1569) y una Edad de Oro de Polonia. [36] La primera mitad del siglo XVII está marcada por una fuerte actividad de los jesuitas y la Contrarreforma , que llevó al destierro de los arrianos progresistas ( hermanos polacos ) en 1658. Véase más abajo para el pintor germano-sileso Bartholomeus Strobel , corte polaca. artista de 1639.
Ya se ha mencionado la importancia de los grabados como medio de difusión del estilo manierista; El manierismo norteño "fue un estilo que se prestó admirablemente al grabado e inspiró la producción de una sucesión de obras maestras del arte del grabado". [37] Goltzius ya era el grabador más célebre de los Países Bajos cuando apareció el virus manierista y, a pesar de los trastornos de la guerra, él y otros grabadores holandeses estaban conectados con la bien engrasada maquinaria de distribución en toda Europa que se había construido durante el período anterior. cincuenta años, originalmente centrado en Amberes .
No ocurrió lo mismo con el grabado en Fontainebleau, y los grabados realizados allí (inusualmente para la época, todos en aguafuerte ) fueron técnicamente bastante toscos, producidos en cantidades menores y principalmente influyentes en Francia. Fueron realizados en un intenso período de actividad aproximadamente de 1542 a 1548. [38] Los realizados en París fueron grabados y de mayor calidad; producidos desde aproximadamente 1540 hasta aproximadamente 1580, tuvieron una distribución más amplia. [39]
Muchos de los grabados de Fontainebleau aparentemente se hicieron directamente a partir de diseños dibujados para las decoraciones del palacio, y consistían en gran parte o enteramente en marcos o cartelas ornamentales , aunque la escala de Fontainebleau era tal que podían contener varias figuras de cuerpo entero. Las variaciones de los elaborados marcos, como si estuvieran hechos de pergamino cortado, perforado y enrollado, se plasmaron en esquemas de marcos decorativos, portadas grabadas y muebles tallados e incrustados hasta el siglo XVII. [40]
El ornamento manierista impreso, en un sentido algo más amplio de la palabra, era mucho más fácil de producir que la arriesgada aplicación de un estilo manierista extremo a grandes composiciones de figuras, y se había extendido por Europa mucho antes que la pintura en forma de marcos. hasta grabados de retratos, frontispicios de libros , como las elaboradas puertas y chimeneas de la arquitectura manierista, [41] libros de adornos para artistas y artesanos, y libros de emblemas . A partir de estos y de obras en su propio medio, los orfebres, los fabricantes de marcos y muebles y los trabajadores de muchos otros oficios desarrollaron el vocabulario del ornamento manierista.
Las ilustraciones de patrones que se muestran en el libro Architectura de Wendel Dietterlin de 1593-1594, producidas en el relativamente apartado lugar de Estrasburgo , fueron algunas de las aplicaciones más extremas del estilo al ornamento arquitectónico. [37] El estilo manierista del norte fue especialmente influyente en las casas prodigiosas construidas en Inglaterra por los cortesanos isabelinos.
El ingenio visual y la sofisticación del manierismo en manos del norte, que lo convirtieron en un estilo eminentemente cortesano , encontraron vehículos naturales en el trabajo de los orfebres, [42] resaltados por gemas y esmaltes de colores, en los que las perlas deformes que llamamos " barrocas " "podría formar torsos humanos y animales, tanto como joyería para adorno personal como en objetos hechos para la Wunderkammer . Los aguamaniles y los jarrones adoptaron formas fantásticas, al igual que las copas de pie con cuencos de ónix o ágata, y elaborados saleros como la Saliera de Benvenuto Cellini , la cúspide de la orfebrería manierista, terminada en 1543 para Francisco I y posteriormente entregada al tío de Rodolfo , otro gran coleccionista . Wenzel Jamnitzer y su hijo Hans, orfebres de una sucesión de emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, incluido Rodolfo, no tenían rival en el norte. [43] Los plateros fabricaban tazas cubiertas y jarras y fuentes ricamente forjadas, estrictamente para exhibición, incorporando quizás las grandes conchas marinas que ahora se traen de los trópicos, que eran "apreciadas como arte producido por la naturaleza". [44] En los Países Bajos, la familia de plateros van Vianen desarrolló un " estilo auricular " singularmente anamórfico, que emplea motivos cartilaginosos retorcidos y antiarquitectónicos. [45]
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Aunque los escultores manieristas produjeron bronces de tamaño natural, la mayor parte de su producción por unidad consistió en ediciones de pequeños bronces, a menudo versiones reducidas de las grandes composiciones, que estaban destinadas a ser apreciadas sosteniéndolas y girándolas en las manos, cuando los mejores "daban la mano". un estímulo estético de ese tipo involuntario que a veces surge al escuchar música". [46] Las plaquetas , pequeños paneles en bajo relieve de bronce, a menudo dorados, se utilizaron en diversos entornos, como en la corona de Rodolfo. [47]
Esfinges femeninas con cuellos extravagantemente alargados y pechos prominentes sostienen un gabinete de nogal de Borgoña en la Colección Frick , Nueva York; pronto Amberes se especializó en gabinetes ricamente tallados y enchapados con incrustaciones de carey, ébano [48] y marfil, con interiores arquitectónicos, reflejados para multiplicar los reflejos en espacios fingidos. En Inglaterra, los excesos manieristas de los muebles jacobeos se expresaron en patas extremas giradas para imitar tazas apiladas y cubiertas y en una proliferación de superficies planas cubiertas con correas entrelazadas. [49] Tras el éxito de los tapices de Bruselas tejidos a partir de los cartones de Rafael , se pidió a pintores manieristas como Bernard van Orley y Perino del Vaga que diseñaran cartones en estilo manierista para los talleres de tapices de Bruselas y Fontainebleau. Las composiciones pictóricas de gusto manierista también aparecieron en los esmaltes de Limoges , adaptando sus composiciones y cenefas ornamentadas a partir de grabados. Moriscos , guirnaldas y adornos de frutas inspirados en adornos grotescos de la antigua Roma redescubiertos , exhibidos por primera vez en la escuela de Rafael Vatican Stanze , se difundieron a través de estampados de adornos . Este vocabulario ornamental se expresó en el Norte menos en tales frescos y más en tapices y cenefas de manuscritos iluminados .
En Francia, la cerámica de Saint-Porchaire con formas y decoración manieristas se produjo en cantidades limitadas para una clientela restringida y preocupada por la moda desde la década de 1520 hasta la década de 1540, mientras que las composiciones abarrotadas y desconcertantemente realistas de serpientes y sapos caracterizan los platos de barro pintados manieristas de Bernard. Palissy . Al igual que los Jamnitzers en ocasiones, [50] Palissy hizo moldes a partir de pequeñas criaturas y plantas reales para aplicarlos a sus creaciones.
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El norte de Europa en el siglo XVI, y especialmente aquellas áreas donde el manierismo era más fuerte, se vio afectada por agitaciones masivas que incluyeron la Reforma protestante , la Contrarreforma , las guerras de religión francesas y la revuelta holandesa . La relación entre manierismo, religión y política era muy compleja. Aunque se produjeron obras religiosas, el arte manierista del Norte restó importancia a los temas religiosos, y cuando los trató, por lo general fue en contra del espíritu tanto del intento de la Contrarreforma de controlar el arte católico como de las opiniones protestantes sobre la imaginería religiosa. [51]
En el caso del arte praguense y francés de Rudolf posterior a mediados de siglo, el arte manierista secular y mitológico parece haber sido en parte un intento deliberado de producir un arte que atrajera más allá de las divisiones religiosas y políticas. [52] Al mismo tiempo, el manierismo en su forma más extrema solía ser un estilo cortesano, a menudo utilizado para hacer propaganda de la monarquía, [53] y corría el riesgo de desacreditarse debido a su asociación con gobernantes impopulares. Si bien la genuina tolerancia de Rodolfo parece haber evitado esto en Alemania y Bohemia , a finales de siglo los protestantes calvinistas y otros patriotas de Francia y los Países Bajos habían asociado el manierismo con sus impopulares gobernantes católicos. [54] Pero, al menos antes, muchos de los artistas que produjeron el estilo manierista extremo eran protestantes y, en Francia, calvinistas, por ejemplo Bernard Palissy y una alta proporción de los maestros de los talleres de esmalte de Limoges.
Ciertas obras manieristas parecen hacerse eco de la violencia de la época, pero vestidas con ropajes clásicos. Antoine Caron pintó el insólito tema de Las masacres bajo el triunvirato (1562, Louvre), durante las guerras de religión, cuando las masacres eran frecuentes, sobre todo en la masacre del día de San Bartolomé de 1572, seis años después del cuadro. [55] Según el historiador de arte Anthony Blunt , Caron produjo "lo que es quizás el tipo de manierismo más puro conocido en su forma elegante, apropiada para una sociedad aristocrática exquisita pero neurótica". [56] Sus cartones para los Tapices de Valois , que se remontan a los tapices triunfalistas de la Historia de Escipión diseñados para Francisco I por Giulio Romano , [57] fueron un ejercicio de propaganda en nombre de la monarquía Valois, enfatizando su esplendor cortesano en la época de su amenaza de destrucción a través de una guerra civil. El único cuadro conservado de Jean Cousin el Joven , El juicio final , también comenta la guerra civil, traicionando una "inclinación típicamente manierista a la miniaturización". [58] Pequeños seres humanos desnudos "pululan sobre la tierra como gusanos", mientras Dios mira hacia abajo para juzgar desde arriba. [56]
La Masacre de los inocentes de Cornelis van Haarlem (1590, Rijksmuseum ), más barroca que manierista, puede implicar sus recuerdos infantiles de las matanzas (de hecho sólo de la guarnición) después del asedio de Haarlem en 1572-1573, que él vivió. La versión completamente poco manierista de Brughel del mismo tema fue comprada por Rudolf, quien hizo que alguien convirtiera a muchos de los niños masacrados en gansos, terneros, quesos y otros despojos menos perturbadores. [59] En general, la pintura manierista enfatiza la paz y la armonía, y elige con menos frecuencia temas de batalla que el Alto Renacimiento o el Barroco.
Otro tema popularizado por Brughel, San Juan predicando en el desierto , recibió tratamientos manieristas por parte de varios artistas, como un tema de paisaje exuberante. Pero para los protestantes holandeses el tema les recordó los años anteriores y durante su revuelta, cuando se vieron obligados a congregarse para los servicios religiosos en campo abierto, fuera de las ciudades controladas por los españoles. [54]
Enrique VIII de Inglaterra había sido estimulado a emular a Fontainebleau para importar su propio equipo, bastante menos estelar, de artistas italianos y franceses para trabajar en su nuevo Palacio Nonsuch , que también dependía en gran medida de estucos y fue decorado aproximadamente desde 1541. Pero Enrique murió antes de que estuviera terminado y una década más tarde fue vendido por su hija Mary sin haber tenido un uso importante por parte de la corte. El palacio fue destruido antes de 1700 y sólo han sobrevivido pequeños fragmentos de obras asociadas con él, así como una leve onda de influencia detectable en el arte inglés posterior , por ejemplo en los grandes pero sencillos estucos de Hardwick Hall .
Algunas (pero no todas) de las casas prodigio de la arquitectura isabelina hicieron uso de adornos derivados de los libros de Wendel Dietterlin y Hans Vredeman de Vries dentro de un estilo general distintivo derivado de muchas fuentes.
El retratista miniaturista Isaac Oliver muestra una influencia tentativa del manierismo tardío, [60] que también aparece en algunos retratistas inmigrantes, como William Scrots , pero en general Inglaterra fue uno de los países menos afectados por el movimiento, excepto en el área de ornamentación.
Aunque el manierismo norteño logró un estilo paisajístico, el retrato permaneció sin equivalentes norteños de Bronzino o Parmigianino , a menos que el notable pero algo ingenuo Retrato de Isabel I se considere como tal.
Uno de los últimos florecimientos del manierismo del Norte se produjo en Lorena , cuyo pintor de la corte Jacques Bellange (c.1575-1616) ahora es conocido sólo por sus extraordinarios grabados , aunque también fue pintor. Su estilo deriva del manierismo holandés, aunque su técnica de los grabadores italianos, especialmente Barocci y Ventura Salimbeni . [61] Inusualmente, sus temas eran principalmente religiosos y, aunque los trajes son a menudo extravagantes, sugieren intensos sentimientos religiosos de su parte.
Incluso más tarde, el pintor germano- silesiense Bartholomeus Strobel , que había pasado los últimos años del reinado de Rudolf como joven artista en Praga, continuó el estilo Rudolfino hasta la década de 1640, a pesar de los horrores que la Guerra de los Treinta Años azotó a Silesia , en obras como como su enorme Fiesta de Herodes con la Decapitación de San Juan Bautista en el Prado . A partir de 1634 se retiró a la seguridad de Polonia como artista de la corte. [62]
Artistas franceses influenciados por la primera Escuela de Fontainebleau:
La continua tradición francesa:
Trabajando para Rudolf:
En los Paises Bajos:
Flamenco:
Alemán:
En otra parte:
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![Hans von Aachen, Alegoría de la paz y las artes, 1602.[19]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cb/Allegorie_des_Friedens_und_des_%C3%9Cberflusses_by_Hans_von_Aachen_001.jpg/1280px-Allegorie_des_Friedens_und_des_%C3%9Cberflusses_by_Hans_von_Aachen_001.jpg)
