Las artes visuales son manifestaciones artísticas como la pintura , el dibujo , el grabado , la escultura , la cerámica , la fotografía , el vídeo , el cine , el cómic , el diseño , la artesanía y la arquitectura . Muchas disciplinas artísticas , como las artes escénicas , el arte conceptual y las artes textiles , también implican aspectos de las artes visuales, así como artes de otros tipos. También se incluyen dentro de las artes visuales [1] las artes aplicadas [2], como el diseño industrial , el diseño gráfico , el diseño de moda , el diseño de interiores y las artes decorativas . [3]
El uso actual del término "artes visuales" incluye tanto las bellas artes como las artes decorativas o aplicadas y la artesanía , pero este no siempre fue el caso. Antes del Movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña y en otros lugares a principios del siglo XX, el término " artista " había estado restringido durante algunos siglos a una persona que trabajaba en las bellas artes (como la pintura, la escultura o el grabado) y no en las artes decorativas, la artesanía o los medios de las artes visuales aplicadas. La distinción fue enfatizada por los artistas del Movimiento Arts and Crafts, que valoraban las formas de arte vernáculas tanto como las formas elevadas. [4] Las escuelas de arte hicieron una distinción entre las bellas artes y la artesanía, sosteniendo que un artesano no podía ser considerado un practicante de las artes .
La creciente tendencia a privilegiar la pintura, y en menor grado la escultura, por encima de otras artes ha sido una característica del arte occidental y del arte del este de Asia . En ambas regiones, se ha considerado que la pintura depende en gran medida de la imaginación del artista y es la más alejada del trabajo manual: en la pintura china , los estilos más valorados eran los de la "pintura académica", al menos en teoría practicada por aficionados. La jerarquía occidental de géneros reflejaba actitudes similares.
La formación en artes visuales se ha realizado generalmente a través de variantes de los sistemas de aprendizaje y de taller. En Europa, el movimiento renacentista para aumentar el prestigio del artista condujo al sistema de academias para la formación de artistas, y hoy en día la mayoría de las personas que buscan una carrera en las artes se forman en escuelas de arte de nivel terciario . Las artes visuales se han convertido en una asignatura optativa en la mayoría de los sistemas educativos. [5] [6]
En Asia Oriental , la educación artística para artistas no profesionales se centraba típicamente en la pincelada; la caligrafía se contaba entre las seis artes de los caballeros en la dinastía Zhou china , y la caligrafía y la pintura china se contaban entre las cuatro artes de los funcionarios eruditos en la China imperial. [7] [8] [9]
País líder en el desarrollo de las artes en América Latina , en 1875 creó la Sociedad Nacional de Estímulo de las Artes, fundada por los pintores Eduardo Schiaffino , Eduardo Sívori , y otros artistas. Su gremio fue reautorizado como Academia Nacional de Bellas Artes en 1905 y, en 1923, por iniciativa del pintor y académico Ernesto de la Cárcova , como departamento de la Universidad de Buenos Aires , la Escuela Superior de Arte de la Nación. Actualmente, la principal organización educativa para las artes en el país es la UNA Universidad Nacional de las Artes . [10]
El dibujo es un medio para hacer una imagen , ilustración o gráfico utilizando cualquiera de una amplia variedad de herramientas y técnicas disponibles en línea y fuera de línea. Por lo general, implica hacer marcas en una superficie aplicando presión con una herramienta o moviendo una herramienta a lo largo de una superficie utilizando medios secos como lápices de grafito , pluma y tinta , pinceles entintados , lápices de cera de colores , crayones , carboncillos , pasteles y marcadores . También se utilizan herramientas digitales, incluidos bolígrafos y lápices ópticos , que simulan los efectos de estos. Las principales técnicas utilizadas en el dibujo son: dibujo lineal, rayado , rayado cruzado, rayado aleatorio, sombreado , garabato, punteado y mezcla. Un artista que sobresale en el dibujo se conoce como dibujante o dibujante . [11]
El dibujo y la pintura se remontan a decenas de miles de años. El arte del Paleolítico superior incluye arte figurativo que comenzó hace unos 40.000 a 35.000 años. Las pinturas rupestres no figurativas, que consisten en plantillas hechas a mano y formas geométricas simples, son aún más antiguas. Se encuentran representaciones rupestres de animales en áreas como Lascaux, Francia y Altamira, España en Europa, Maros, Sulawesi en Asia y Gabarnmung , Australia.
En el antiguo Egipto , los dibujos a tinta sobre papiro , que a menudo representaban personas, se utilizaban como modelos para la pintura o la escultura. Los dibujos sobre vasos griegos , inicialmente geométricos, evolucionaron más tarde hacia la forma humana con la cerámica de figuras negras durante el siglo VII a. C. [12]
A medida que el papel se volvió común en Europa en el siglo XV, el dibujo fue adoptado por maestros como Sandro Botticelli , Rafael , Miguel Ángel y Leonardo da Vinci , quienes a veces trataban el dibujo como un arte en sí mismo en lugar de una etapa preparatoria para la pintura o la escultura.
La pintura, tomada literalmente, es la práctica de aplicar pigmento suspendido en un portador (o medio ) y un agente aglutinante (un pegamento ) a una superficie (soporte) como papel , lienzo o una pared. Sin embargo, cuando se utiliza en un sentido artístico, significa el uso de esta actividad en combinación con el dibujo , la composición u otras consideraciones estéticas para manifestar la intención expresiva y conceptual del practicante. La pintura también se utiliza para expresar motivos e ideas espirituales; los sitios de este tipo de pintura varían desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica hasta la Capilla Sixtina , pasando por el propio cuerpo humano. [13]
Al igual que el dibujo, la pintura tiene su origen documentado en cuevas y paredes rocosas. Los mejores ejemplos, que algunos creen que tienen 32.000 años de antigüedad, se encuentran en las cuevas de Chauvet y Lascaux , en el sur de Francia. En tonos de rojo, marrón, amarillo y negro, las pinturas de las paredes y los techos representan bisontes, vacas, caballos y ciervos.
En las tumbas del antiguo Egipto se pueden encontrar pinturas de figuras humanas. En el gran templo de Ramsés II , Nefertari , su reina, está representada siendo guiada por Isis . [14] Los griegos contribuyeron a la pintura, pero gran parte de su trabajo se ha perdido. Una de las mejores representaciones que quedan son los retratos de momias helenísticas de Fayum . Otro ejemplo es el mosaico de la Batalla de Issos en Pompeya , que probablemente se basó en una pintura griega. El arte griego y romano contribuyó al arte bizantino en el siglo IV a. C., lo que inició una tradición en la pintura de iconos. [15]
Aparte de los manuscritos iluminados producidos por monjes durante la Edad Media , la siguiente contribución significativa al arte europeo provino de los pintores renacentistas de Italia . Desde Giotto en el siglo XIII hasta Leonardo da Vinci y Rafael a principios del siglo XVI, este fue el período más rico del arte italiano , ya que se utilizaron técnicas de claroscuro para crear la ilusión de un espacio tridimensional. [16]
Los pintores del norte de Europa también se vieron influidos por la escuela italiana. Entre los pintores más exitosos de la época se encuentran Jan van Eyck de Bélgica, Pieter Bruegel el Viejo de los Países Bajos y Hans Holbein el Joven de Alemania. Utilizaban la técnica de veladuras con óleo para lograr profundidad y luminosidad.
El siglo XVII fue testigo del surgimiento de grandes maestros holandeses, como el versátil Rembrandt , quien fue especialmente recordado por sus retratos y escenas bíblicas, y Vermeer , quien se especializó en escenas interiores de la vida holandesa.
El barroco comenzó después del Renacimiento, desde finales del siglo XVI hasta finales del siglo XVII. Entre los principales artistas del barroco se encuentran Caravaggio , que hizo un uso intensivo del tenebrismo . Peter Paul Rubens , un pintor flamenco que estudió en Italia, trabajó para iglesias locales en Amberes y también pintó una serie para María de Médici . Annibale Carracci tomó influencias de la Capilla Sixtina y creó el género de la pintura ilusionista de techos . Gran parte del desarrollo que ocurrió en el barroco se debió a la Reforma protestante y la Contrarreforma resultante . Gran parte de lo que define al barroco es la iluminación dramática y las imágenes generales. [17]
El impresionismo comenzó en Francia en el siglo XIX con una asociación informal de artistas que incluía a Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne, quienes aportaron un nuevo estilo de pinceladas libres a la pintura, a menudo eligiendo pintar escenas realistas de la vida moderna al aire libre en lugar de en el estudio. Esto se logró a través de una nueva expresión de características estéticas demostradas por pinceladas y la impresión de realidad. Lograron una intensa vibración de color mediante el uso de colores puros, sin mezclar y pinceladas cortas. El movimiento influyó en el arte como algo dinámico, moviéndose a través del tiempo y ajustándose a nuevas técnicas y percepción del arte. La atención al detalle dejó de ser una prioridad para lograrlo, mientras que se exploraba una visión sesgada de los paisajes y la naturaleza a los ojos del artista. [18] [19]
Hacia finales del siglo XIX, varios pintores jóvenes llevaron el impresionismo un paso más allá, utilizando formas geométricas y colores antinaturales para representar emociones mientras buscaban un simbolismo más profundo. Cabe destacar a Paul Gauguin , quien estuvo fuertemente influenciado por el arte asiático, africano y japonés, Vincent van Gogh , un holandés que se mudó a Francia donde se inspiró en la fuerte luz solar del sur, y Toulouse-Lautrec , recordado por sus vívidas pinturas de la vida nocturna en el distrito parisino de Montmartre . [20]
Edvard Munch , artista noruego, desarrolló su enfoque simbolista a finales del siglo XIX, inspirado por el impresionista francés Manet . El grito (1893), su obra más famosa, se interpreta ampliamente como una representación de la ansiedad universal del hombre moderno. En parte como resultado de la influencia de Munch, el movimiento expresionista alemán se originó en Alemania a principios del siglo XX, cuando artistas como Ernst Kirschner y Erich Heckel comenzaron a distorsionar la realidad para lograr un efecto emocional.
En paralelo, en Francia se desarrolló el estilo conocido como cubismo , en el que los artistas se centraron en el volumen y el espacio de las estructuras nítidas dentro de una composición. Pablo Picasso y Georges Braque fueron los principales defensores del movimiento. Los objetos se descomponen, se analizan y se vuelven a ensamblar en una forma abstracta. En la década de 1920, el estilo había evolucionado hasta convertirse en surrealismo con Dalí y Magritte . [21]
El grabado es la creación, con fines artísticos, de una imagen sobre una matriz que luego se transfiere a una superficie bidimensional (plana) mediante tinta (u otra forma de pigmentación). Salvo en el caso de un monotipo , la misma matriz puede utilizarse para producir muchos ejemplares de la estampa.
Históricamente, las principales técnicas (también llamadas medios) implicadas son la xilografía , el grabado lineal , el aguafuerte , la litografía y la serigrafía (serigrafía, serigrafía), pero existen muchas otras, incluidas las técnicas digitales modernas. Normalmente, la impresión se realiza sobre papel , pero otros medios van desde la tela y el pergamino hasta materiales más modernos.
Los grabados de la tradición occidental producidos antes de 1830 se conocen como grabados de maestros antiguos . En Europa, desde alrededor de 1400 d. C. , la xilografía se utilizó para impresiones maestras sobre papel mediante el uso de técnicas de impresión desarrolladas en los mundos bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejoró la xilografía alemana a partir de 1475 aproximadamente, y Erhard Reuwich , un holandés, fue el primero en utilizar el rayado cruzado. A finales de siglo, Alberto Durero llevó la xilografía occidental a un nivel que nunca ha sido superado, aumentando el estatus de la xilografía de una sola hoja. [22]
En China, el arte del grabado se desarrolló hace unos 1100 años como ilustraciones junto con textos cortados en xilografías para imprimir en papel. Al principio, las imágenes eran principalmente religiosas, pero en la dinastía Song , los artistas comenzaron a cortar paisajes. Durante las dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1616-1911), la técnica se perfeccionó tanto para grabados religiosos como artísticos. [23] [24]
La xilografía en Japón (en japonés: 木版画, moku hanga) es una técnica más conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e ; sin embargo, también se utilizó ampliamente para imprimir libros ilustrados en el mismo período. La xilografía se había utilizado en China durante siglos para imprimir libros, mucho antes de la llegada de los tipos móviles, pero solo se adoptó ampliamente en Japón durante el período Edo (1603-1867). [25] [26] Aunque similar a la xilografía en la impresión occidental en algunos aspectos, el moku hanga difiere en gran medida en que se utilizan tintas a base de agua (a diferencia de la xilografía occidental, que utiliza tintas a base de aceite), lo que permite una amplia gama de colores vivos, esmaltes y transparencia de color.
Tras la decadencia del ukiyo-e y la introducción de las tecnologías de impresión modernas, la impresión en madera continuó como método para imprimir textos y para producir arte, tanto dentro de los modos tradicionales como el ukiyo-e como en una variedad de formas más radicales u occidentales que podrían interpretarse como arte moderno . A principios del siglo XX, el shin-hanga que fusionaba la tradición del ukiyo-e con las técnicas de las pinturas occidentales se hizo popular, y las obras de Hasui Kawase e Hiroshi Yoshida ganaron popularidad internacional. [27] [28] Institutos como el "Instituto Adachi de Grabados en Madera" y "Takezasado" siguen produciendo grabados ukiyo-e con los mismos materiales y métodos que se utilizaban en el pasado. [29] [30]
La fotografía es el proceso de tomar fotografías mediante la acción de la luz. Los patrones de luz reflejados o emitidos por los objetos se registran en un medio sensible o chip de almacenamiento mediante una exposición temporizada . El proceso se realiza mediante obturadores mecánicos o exposición temporizada electrónicamente de fotones en dispositivos de procesamiento químico o digitalización conocidos como cámaras .
La palabra proviene del griego φως phos ("luz"), y γραφις graphis ("estilete", "pincel") o γραφη graphê , que juntos significan "dibujo con luz" o "representación por medio de líneas" o "dibujo". Tradicionalmente, el producto de la fotografía se ha denominado fotografía . El término foto es una abreviatura; mucha gente también las llama imágenes. En fotografía digital, el término imagen ha comenzado a reemplazar a fotografía. (El término imagen es tradicional en óptica geométrica ).
La arquitectura es el proceso y el producto de la planificación , el diseño y la construcción de edificios o cualquier otra estructura. Las obras arquitectónicas, en forma material de edificios, suelen percibirse como símbolos culturales y obras de arte. Las civilizaciones históricas suelen identificarse con sus logros arquitectónicos supervivientes.
La obra escrita más antigua que se conserva sobre el tema de la arquitectura es De architectura , del arquitecto romano Vitruvio a principios del siglo I d. C. Según Vitruvio, un buen edificio debería satisfacer los tres principios de firmitas, utilitas, venustas, conocidos comúnmente por la traducción original: firmeza, comodidad y deleite . Un equivalente en inglés moderno sería:
La construcción surgió en un principio de la dinámica entre necesidades (vivienda, seguridad, culto, etc.) y medios ( materiales de construcción disponibles y habilidades correspondientes). A medida que las culturas humanas se desarrollaron y el conocimiento comenzó a formalizarse a través de tradiciones y prácticas orales, la construcción se convirtió en un oficio , y "arquitectura" es el nombre que se le da a las versiones más formalizadas y respetadas de ese oficio.
La realización cinematográfica es el proceso de hacer una película , desde una concepción inicial e investigación, pasando por la escritura del guión, el rodaje y la grabación, la animación u otros efectos especiales, la edición, el trabajo de sonido y música y, finalmente, la distribución a una audiencia; se refiere ampliamente a la creación de todo tipo de películas, abarcando el documental, las corrientes del teatro y la literatura en el cine y las prácticas poéticas o experimentales, y a menudo se utiliza también para referirse a procesos basados en vídeo.
Los artistas visuales ya no se limitan a los medios tradicionales de las artes visuales . Las computadoras se han utilizado como una herramienta cada vez más común en las artes visuales desde la década de 1960. Los usos incluyen la captura o creación de imágenes y formas, la edición de esas imágenes (incluida la exploración de múltiples composiciones ) y la representación o impresión final (incluida la impresión 3D ). El arte por computadora es cualquier arte en el que las computadoras desempeñaron un papel en la producción o exhibición. Tal arte puede ser una imagen, sonido, animación , video , CD-ROM , DVD , videojuego , sitio web , algoritmo , actuación o instalación de galería.
Muchas disciplinas tradicionales integran ahora tecnologías digitales , por lo que las líneas divisorias entre las obras de arte tradicionales y las obras de nuevos medios creadas con ordenadores se han difuminado. Por ejemplo, un artista puede combinar la pintura tradicional con el arte algorítmico y otras técnicas digitales. Como resultado, puede resultar difícil definir el arte informático por su producto final. No obstante, este tipo de arte está empezando a aparecer en las exposiciones de los museos de arte, aunque todavía tiene que demostrar su legitimidad como forma en sí misma y esta tecnología se considera en general en el arte contemporáneo más como una herramienta que como una forma, como ocurre con la pintura. Por otro lado, hay obras de arte basadas en ordenadores que pertenecen a una nueva corriente conceptual y posdigital , que asume las mismas tecnologías y su impacto social como objeto de investigación.
El uso de la computadora ha desdibujado las distinciones entre ilustradores , fotógrafos , editores de fotos , modeladores 3D y artistas de artesanías. El sofisticado software de renderizado y edición ha dado lugar a desarrolladores de imágenes con múltiples habilidades. Los fotógrafos pueden convertirse en artistas digitales . Los ilustradores pueden convertirse en animadores . La artesanía puede ser asistida por computadora o utilizar imágenes generadas por computadora como plantilla. El uso de imágenes prediseñadas por computadora también ha hecho que la clara distinción entre las artes visuales y el diseño de páginas sea menos obvia debido al fácil acceso y edición de imágenes prediseñadas en el proceso de paginación de un documento, especialmente para el observador no experto.
El término artes plásticas se refiere a las formas de arte que implican la manipulación física de un medio plástico mediante el moldeado o modelado, como la escultura o la cerámica . El término también se ha aplicado a todas las artes visuales (no literarias ni musicales) . [31] [32]
Los materiales que se pueden tallar o dar forma, como la piedra o la madera, el hormigón o el acero, también se han incluido en la definición más estricta, ya que, con las herramientas adecuadas, dichos materiales también son capaces de modulación. [ cita requerida ] Este uso del término "plástico" en las artes no debe confundirse con el uso de Piet Mondrian , ni con el movimiento que denominó, en francés e inglés, " neoplasticismo ".
La escultura es una obra de arte tridimensional creada mediante la modelación o combinación de material duro o plástico , sonido o texto y/o luz, comúnmente piedra (ya sea roca o mármol ), arcilla , metal , vidrio o madera . Algunas esculturas se crean directamente al encontrarlas o tallarlas ; otras se ensamblan, se construyen juntas y se cuecen , se sueldan , se moldean o se funden . Las esculturas a menudo se pintan . [33] A una persona que crea esculturas se le llama escultor.
Los primeros ejemplos indiscutibles de escultura pertenecen a la cultura auriñaciense , que se localizó en Europa y el sudoeste de Asia y estuvo activa a principios del Paleolítico superior . Además de producir algunas de las primeras obras de arte rupestre conocidas , los habitantes de esta cultura desarrollaron herramientas de piedra finamente elaboradas, fabricaron colgantes, brazaletes, cuentas de marfil y flautas de hueso, así como figurillas tridimensionales. [34] [35] [36]
Debido a que la escultura implica el uso de materiales que se pueden moldear o modular, se considera una de las artes plásticas . La mayoría del arte público es escultura. Muchas esculturas juntas en un entorno de jardín pueden denominarse jardín de esculturas . Los escultores no siempre hacen esculturas a mano. Con el aumento de la tecnología en el siglo XX y la popularidad del arte conceptual sobre el dominio técnico, más escultores recurrieron a los fabricantes de arte para producir sus obras de arte. Con la fabricación, el artista crea un diseño y paga a un fabricante para que lo produzca. Esto permite a los escultores crear esculturas más grandes y complejas a partir de materiales como cemento, metal y plástico, que no podrían crear a mano. Las esculturas también se pueden hacer con tecnología de impresión 3D .
En Estados Unidos, la ley que protege los derechos de autor sobre una obra de arte visual ofrece una definición más restrictiva de “arte visual”. [37]
Una "obra de arte visual" es:
(1) una pintura, dibujo, grabado o escultura, existente en una sola copia, en una edición limitada de 200 copias o menos que estén firmadas y numeradas consecutivamente por el autor, o, en el caso de una escultura, en múltiples esculturas fundidas, talladas o fabricadas de 200 o menos que estén numeradas consecutivamente por el autor y lleven la firma u otra marca de identificación del autor; o
(2) una imagen fotográfica fija producida solo con fines de exhibición, existente en una sola copia que esté firmada por el autor, o en una edición limitada de 200 copias o menos que estén firmadas y numeradas consecutivamente por el autor.
Una obra de arte visual no incluye:
(A)(i) cualquier cartel, mapa, globo terráqueo, gráfico, dibujo técnico , diagrama, modelo, arte aplicado, película u otra obra audiovisual, libro, revista, periódico, publicación periódica, base de datos, servicio de información electrónica, publicación electrónica o publicación similar;
(ii) cualquier artículo de comercialización o material o contenedor publicitario, promocional, descriptivo, de cobertura o empaque;
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