El indie rock es un subgénero de la música rock que se originó en el Reino Unido, Estados Unidos y Nueva Zelanda a principios y mediados de la década de 1980. Aunque el término se utilizó originalmente para describir la música rock lanzada a través de sellos discográficos independientes , en la década de 1990 se asoció más ampliamente con la música que producían dichas bandas.
El sonido del indie rock tiene sus orígenes en el sonido neozelandés de Dunedin de The Chills , Sneaky Feelings , Tall Dwarfs , [1] The Clean [2] y The Verlaines , y en las estaciones de radio de rock universitario de principios de los 80 que frecuentemente tocaban bandas de jangle pop como The Smiths y REM . El género se consolidó a mediados de los 80 con el casete C86 de NME en el Reino Unido y el éxito underground de Sonic Youth , Dinosaur Jr. y Unrest en los Estados Unidos. Durante la década, bandas de indie rock como Sonic Youth, Pixies y Radiohead lanzaron álbumes en importantes sellos y comenzaron subgéneros como slowcore , Midwest emo , slacker rock y space rock . En ese momento, "indie" había evolucionado para referirse a las bandas cuya música se lanzaba en sellos discográficos independientes, además de los propios sellos discográficos. A medida que avanzaba la década, muchas escenas locales individuales desarrollaron sus propias versiones distintivas del género: baggy en Manchester ; grebo en Stourbridge y Leicester ; y shoegaze en Londres y el valle del Támesis .
Durante la década de 1990, el éxito general del grunge y el britpop , dos movimientos influenciados por el rock indie, atrajo una mayor atención al género y vio a las discográficas utilizar su estatus independiente como una táctica de marketing. Esto llevó a una división dentro del rock indie: un lado se ajustaba a la radio convencional; el otro se volvía cada vez más experimental. En este punto, "rock indie" se refería al estilo musical en lugar de a los vínculos con la escena musical independiente. En la década de 2000, el rock indie volvió a entrar en la corriente principal a través del garage rock y el resurgimiento del post-punk y la influencia de The Strokes y The Libertines . Este éxito se vio exacerbado a mediados de la década por Bloc Party , The Arctic Monkeys y The Killers y el rock indie proliferó en el movimiento indie de vertedero.
El término indie rock, que proviene de "independiente", describe los sellos pequeños y de presupuesto relativamente bajo en los que se publica y la actitud de "hazlo tú mismo" de las bandas y artistas involucrados. Aunque los acuerdos de distribución a menudo se cierran con grandes empresas, estos sellos y las bandas que albergan han intentado conservar su autonomía, lo que les deja libertad para explorar sonidos, emociones y temas de atractivo limitado para audiencias grandes y convencionales. [3] Las influencias y estilos de los artistas han sido extremadamente diversos, incluyendo el punk , la psicodelia , el post-punk y el country . [4]
El sonido lo-fi , experimental y art rock de Velvet Underground [5] así como el punk de finales de los años 70 y bandas post-punk como The Fall , [6] Buzzcocks , Wire , Television y Joy Division [7] [8] serían influyentes para el género. [9]
Allmusic identifica al indie rock como un conjunto de "enfoques musicales variados [no] compatibles con los gustos de la corriente principal". [10] Vinculado por un ethos más que por un enfoque musical, el movimiento indie rock abarcó una amplia gama de estilos, desde bandas de estilo duro con influencia grunge, pasando por bandas experimentales de bricolaje como Pavement , hasta cantantes de punk-folk como Ani DiFranco . [11] En su libro DIY Style: Fashion, Music and Global Digital Cultures , Brent Luvaas describió el género como arraigado en la nostalgia, citando la influencia del garage rock y el rock psicodélico de los años 1960 en los progenitores Stone Roses y The Smiths , además de una preocupación lírica por la literatura. [12]
En esta misma línea, Matthew Bannister definió el indie rock como "pequeños grupos de hombres blancos tocando guitarras, influenciados por los punks y el pop/rock blanco de los años 60, dentro de un discurso y una práctica más amplios de (grados de) independencia de los valores musicales dominantes". [13] Según la antropóloga Wendy Fonarow , un elemento clave del indie es la dicotomía entre un "ethos puritano" y uno "romántico", con el primero usando una ética austera y el segundo siendo excéntrico. Esto se ve mejor en el contraste entre la música indie de Estados Unidos y el Reino Unido en la década de 1990, con los actos británicos siendo intérpretes extravagantes, mientras que los actos estadounidenses usaban su falta de virtuosismo como una marca de autenticidad. [14]
El indie rock se caracteriza por tener una proporción relativamente alta de artistas femeninas en comparación con los géneros de rock anteriores, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de la música riot grrrl de inspiración feminista de grupos como Bikini Kill , Bratmobile , 7 Year Bitch , Team Dresch y Huggy Bear . [15] Sin embargo, Cortney Harding señaló que este sentido de igualdad no se refleja en la cantidad de mujeres que dirigen sellos independientes. [16]
El documental de la BBC Music for Misfits: The Story of Indie señala la acuñación del término "indie" en la autopublicación en 1977 del EP Spiral Scratch de la banda de punk rock de Manchester Buzzcocks , en su sello discográfico independiente New Hormones . [17] [18] Esto inspiró un movimiento punk DIY donde bandas como Swell Maps , 'O' Level , Television Personalities y Desperate Bicycles siguieron su ejemplo en la impresión y distribución de sus propios discos. [19] [20] La distribución mejoró aún más con el establecimiento de 'The Cartel', una asociación de empresas como Red Rhino y Rough Trade Records que tomarían los lanzamientos de estos pequeños sellos y los llevarían a las tiendas de discos de todo el país. [21]
Los sellos discográficos independientes también serían fundamentales para los primeros años de distribución musical de punk rock, como se vio con Beserkley Records en los EE. UU., que lanzó el álbum debut The Modern Lovers , y Stiff Records, que lanzó el primer sencillo punk del Reino Unido " New Rose " de los Damned. En Australia , los Saints tuvieron su primer lanzamiento punk fuera de los EE. UU., " (I'm) Stranded ", en su propio sello "Fatal Records". A esto le siguió el lanzamiento de " Lee Remick " por parte de los Go-Betweens unos meses después. [22]
Dunedin produjo el sello discográfico independiente Flying Nun Records , cuyos artistas definieron el sonido Dunedin , que sería particularmente influyente en el desarrollo del sonido del indie rock. [23] [24] [25] Según Audioculture , una de las primeras bandas de Dunedin Sound fue la banda de Chris Knox , The Enemy , que surgió como un grupo de post-punk, cuyos miembros también incluían a Alec Bathgate . Aunque el grupo solo estuvo presente por un corto tiempo, sus espectáculos impresionaron a los músicos adolescentes que iban a verlos, incluido un joven Shayne Carter , quien luego formó Bored Games , DoubleHappys y Straitjacket Fits . Knox más tarde formó otra banda punk de corta duración llamada Toy Love , y después de que se separó, comenzó la influyente banda Tall Dwarfs , que fueron una influencia integral en el surgimiento del indie lo-fi grabado en casa . [26] Los aspectos de la escena inspirados en el punk a menudo se inspiraron en la oposición a Robert Muldoon y su gobierno, lo que provocó sátira o crítica directa. [27] La escena vio a bandas tomar influencia del punk rock, pero despojarse de su agresión para un sonido con influencia pop y reverberación pesada . Marcado por el sencillo debut de Clean de 1981 "Tally-Ho!" y el EP Dunedin Double de 1982 con Chills , Sneaky Feelings , Verlaines y Stones , sus guitarras eran a menudo estridentes y monótonas y las voces indistintas. [28] Los años siguientes, el sonido Dunedin se extendió a otras ciudades de Nueva Zelanda como Christchurch o Auckland . [29] [25] [30] [24]
La década vio entonces la creciente popularidad de las estaciones de radio universitarias , principalmente en los Estados Unidos, que pasaban artistas independientes de varios géneros, incluyendo rock alternativo , new wave , post-hardcore y post-punk . Las bandas transmitidas en estas estaciones fueron apodadas " university rock " por los fanáticos, otro término que carecía de cualquier implicación estilística. Las bandas de rock universitario más destacadas fueron los grupos de jangle pop REM , de los EE. UU., y The Smiths , del Reino Unido, que Matthew Bannister afirma fueron los primeros grupos de indie rock. [31] La influencia de estas bandas se mostró rápidamente en la formación de Let's Active , The Housemartins y The La's . [32] En ese momento, el término "indie rock" había comenzado a usarse para describir a las bandas que producían música en sellos discográficos independientes, en lugar de simplemente a los sellos discográficos en sí. Esto lo convirtió en el único género en ese momento que se definía por los métodos por los cuales se distribuía la música en lugar del sonido de dicha música. [4]
El periodista Steve Taylor también citó a las bandas involucradas en la escena Paisley Underground como los primeros grupos indie. [33] Sin embargo, este estilo discordante se volvió cada vez más común a medida que avanzaba la década, lo que llevó a las bandas de indie rock posteriores a abandonar este estilo. En cambio, en los años siguientes, las bandas de Jesus and Mary Chain y Flying Nun Records como Jean-Paul Sartre Experience transformaron el género en un estilo más lento, más oscuro y más hipnótico. [31] El número de estaciones de radio universitarias en los EE. UU. disminuyó significativamente después del cabildeo de NPR contra las estaciones no comerciales durante la década de 1980. A su vez, el nombre "college rock" cayó en desuso, y pronto fue reemplazado por "indie". [34]
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En el Reino Unido, NME lanzó el casete recopilatorio C86 , que consistía en pistas de grupos como Primal Scream , Pastels y Wedding Present . Destinado a mostrar la escena musical independiente actual del Reino Unido, el álbum estaba compuesto por grupos que combinaban elementos de jangle pop, post-punk y Walls of Sound , en deuda con Phil Spector . En 2006, Bob Stanley lo llamó "el comienzo de la música indie". [35] C86 se convirtió en un descriptor por derecho propio, describiendo no solo a las bandas en la cinta, sino también a las bandas a las que influyó, a menudo utilizado junto con términos como "anorak pop" y "shambling". [36] Algunas bandas de C86 encontraron un éxito comercial significativo: los Soup Dragons llegaron a agotar las entradas del Madison Square Garden ; Primal Scream fue aclamado por la crítica, recibiendo el primer Mercury Prize en 1992; Wedding Present apareció dieciocho veces en el Top 40; sin embargo, muchas bandas en su tiempo de ejecución de veintidós pistas también cayeron en la oscuridad. [37]
En los Estados Unidos, la popularidad de REM permitió que aquellos a los que no les gustaba la agresividad del hardcore punk se convirtieran en parte de la escena musical underground. Esto empoderó a una variedad de músicos, particularmente a aquellos en lo que se convertiría en la escena post-hardcore liderada por los Minutemen . [38] Además, las grandes discográficas comenzaron a perseguir a las bandas underground, y tanto Hüsker Dü como The Replacements lanzaron álbumes en las principales discográficas a mediados de la década. Si bien estos álbumes no tuvieron el mismo éxito que REM, y las grandes discográficas pronto perdieron el interés en la escena, tuvieron un gran impacto en las bandas más jóvenes. En los años siguientes, Sonic Youth , Dinosaur Jr. y Unrest comenzaron a lanzar música en sellos independientes en deuda con estas bandas, y pronto también adoptaron la categorización de indie rock. [39] Cuando terminó la década de 1980, tanto Sonic Youth como Pixies firmaron con grandes discográficas. [40]
A finales de los años 1980, surgió el subgénero del indie rock shoegaze , como una continuación del muro de producción de sonido que utilizaban grupos como Jesus and Mary Chain. El género fusionó esto con influencias de Dinosaur Jr. y Cocteau Twins , para crear un estilo oscuro y monótono tan cacofónico que los instrumentos a menudo eran indistinguibles. El género fue iniciado por My Bloody Valentine en sus primeros EP y su álbum debut Isn't Anything . [41] El estilo de la banda influyó en una ola de bandas en Londres y el área del valle del Támesis , incluidas Chapterhouse , Moose y Lush . Esta escena fue denominada colectivamente "la escena que se celebra a sí misma" por Steve Sutherland de Melody Maker en 1990. [42]
Madchester fue otro estilo y escena que se originó a fines de la década de 1980. Definida por su fusión de indie rock C86, música de baile y cultura rave hedonista , particularmente su énfasis en el uso de drogas psicodélicas, la escena se centró en Manchester . [43] [44] La escena se basó en el club nocturno Haçienda , que abrió en mayo de 1982 como una iniciativa de Factory Records . Durante los primeros años de su vida, el club tocaba música pop predominantemente orientada a los clubes y albergaba actuaciones de artistas como New Order , Cabaret Voltaire , Culture Club , Thompson Twins y The Smiths. [45] El movimiento Madchester floreció en 1989, con el éxito del segundo álbum de Happy Mondays, Bummed , y el debut homónimo de Stone Roses , que se convirtió en el trabajo más influyente de la escena. En los años siguientes, otros actos de alto perfil incluyeron a Charlatans , 808 State y Inspiral Carpets . [46]
La distintiva combinación de rock indie y música dance de la escena de Madchester fue denominada indie dance por los críticos, o más específicamente el subgénero baggy . [47] El momento más infame de Madchester y baggy fue el concierto del 27 de mayo de 1990 en Spike Island encabezado por los Stone Roses. Con una asistencia de alrededor de 28.000 personas y una duración de doce horas, fue el primer evento de su tamaño y tipo en ser presentado por un acto independiente. [48]
En Stourbridge surgió una escena de bandas indie que tomaron influencias de la música electrónica , punk, folk y hip-hop , apodada grebo por los críticos. Liderada por Pop Will Eat Itself , Wonder Stuff y Ned's Atomic Dustbin , "grebo" se definió de manera amplia y se usó más como un nombre para la escena de Stourbridge que como una etiqueta de género. Sin embargo, las bandas rápidamente ganaron atención: los sencillos de 1989 de Pop Will Eat Itself " Wise Up! Sucker " y " Can U Dig It? " entraron en el Top 40 del Reino Unido y Stourbridge se convirtió brevemente en una atracción turística para los jóvenes fanáticos del rock indie. Los álbumes seminales de la escena se lanzaron entre 1989 y 1993: Hup y Never Loved Elvis de Wonder Stuff; God Fodder y Are You Normal? de Ned's Atomic Dustbin ; y This Is the Day...This Is the Hour...This Is This! de Pop Will Eat Itself . y ¿La apariencia o el estilo de vida?. En este período, las bandas de la escena se convirtieron en elementos fijos, a veces cabezas de cartel, en el Festival de Reading , vendieron millones de álbumes y aparecieron con frecuencia en las portadas de revistas como NME y Melody Maker . [49] Las bandas de Grebo se diferenciaban de los grupos de indie rock anteriores no solo por sus amplias influencias, sino por su subversión de los estados de ánimo twee o infelices de la mayoría de las otras bandas del género, y su búsqueda de un sonido y una estética más pesados. La escena llegó a incluir las bandas estilísticamente similares de la cercana Leicester: Bomb Party , Gaye Bykers on Acid , Crazyhead , Hunters Club y Scum Pups . [50]
A principios de los años 1990, la escena grunge de Seattle y sus bandas más visibles, Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden y Alice in Chains , irrumpieron en el mainstream. [52] El éxito monumental de estas bandas, particularmente Nirvana, atrajo una mayor atención a la escena del indie rock, lo que inició un cambio en el que el término rock alternativo sustituyó al término indie rock . [51] Como resultado, el término "alternativo" perdió su significado contracultural original y comenzó a referirse a la nueva forma de música comercialmente más ligera que ahora estaba logrando un éxito mainstream. El escritor de la revista New York, Carl Swanson, argumentó que incluso el término "vendido" perdió su significado ya que el grunge hizo posible que un movimiento de nicho, sin importar cuán radical fuera, fuera cooptado por el mainstream, consolidando la formación de una cultura individualista y fragmentada. [53]
En su libro Popular Music: The Key Concepts , el académico de medios Roy Shuker afirma que "el grunge representó la incorporación de la ética y el estilo del indie rock norteamericano de los años 1980", y continúa explicando que el estatus de una banda como independiente se convirtió en "tanto un dispositivo de marketing como [el indie rock y el rock alternativo eran un] 'sonido' identificable". [54] A raíz de esta mayor atención, el indie rock experimentó una división: bandas accesibles que atendían a la ahora popular radio de rock alternativo; y bandas que continuaron experimentando, avanzando en el underground. [32] Según AllMusic , fue durante esta división que el "indie rock" se solidificó como un término para el estilo de música tocado por estos artistas underground, mientras que las bandas mainstream influenciadas por el indie rock pasaron a denominarse rock alternativo. [3]
El slowcore se desarrolló en los Estados Unidos como un contrapunto directo al rápido crecimiento del grunge. [55] Aunque está definido vagamente, el slowcore generalmente incluye tempos lentos, instrumentales minimalistas y letras tristes. [56] Galaxie 500 , particularmente su segundo álbum On Fire (1989), fueron fuertes influencias en el género, [57] [58] con el escritor de Bandcamp Daily Robert Rubsam, llamándolos la "fuente de todo lo que vendría". [59] La primera ola de bandas en el género incluyó a Red House Painters , Codeine , Bedhead , Ida y Low . El género se originó en todo Estados Unidos, sin un enfoque geográfico y muy poca interacción entre sus artistas. [59]
Un subconjunto más joven de bandas grebo surgió alrededor de 1991, que a su vez fueron etiquetadas como bandas "fraggle". [60] Durante este movimiento, el sonido dominante era un estilo de rock indie que estaba en deuda con el punk y el álbum Bleach de Nirvana , aunque también hacía uso ocasional de cajas de ritmos . [61] El escritor de Gigwise Steven Kline describió el estilo como "guitarras sucias, cabello aún más sucio y camisetas que solo una madre lavaría". Los actos fraggle destacados incluyeron a Senseless Things , Mega City Four y Carter the Unstoppable Sex Machine . [61]
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El escritor de Spin , Charles Aaron, describió a Pavement y Guided by Voices como "las dos bandas que llegaron a ejemplificar el indie rock en este período, y aún definen el término en la mente de muchas personas". Ambas bandas hicieron uso de un estilo de producción lo-fi que romantizó su espíritu DIY. [62] El álbum de Pavement de 1992, Slanted and Enchanted , fue uno de los álbumes que definieron el subgénero del slacker rock . [63] Rolling Stone llamó al álbum "el álbum de indie rock por excelencia", colocándolo en la lista de la revista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [64]
En el Research Triangle de Carolina del Norte , una escena de indie rock estaba siendo encabezada por grupos afiliados a Merge Records como Superchunk , Archers of Loaf y Polvo , describiendo una escena creciente de bandas de indie-rock que estaban influenciadas por el hardcore punk y el post-punk. [65] En ese momento, publicaciones como Entertainment Weekly comenzaron a llamar a la ciudad universitaria de Chapel Hill el "próximo Seattle". [66] [67] El sencillo de Superchunk " Slack Motherfucker " también ha sido acreditado por la revista Columbia por popularizar el estereotipo del " holgazán ", y como un himno definitorio del indie rock de los 90. [68]
Con el auge del britpop , muchas de las primeras bandas de indie rock de Gran Bretaña cayeron en el olvido. [69] Lideradas por Blur , Oasis , Pulp y Suede , [70] las bandas del movimiento fueron publicitadas como artistas underground, como un medio para competir comercialmente con la escena grunge de los Estados Unidos. [71] Aunque el britpop estaba estilísticamente en deuda con el indie rock y comenzó como una rama de este, las bandas de britpop abandonaron la anterior política anti-establishment del género y en su lugar lo llevaron al mainstream, con bandas como Blur y Pulp incluso firmando con importantes sellos discográficos.
En su ensayo Labouring the Point? The Politics of Britain en "New Britain" , la política y académica Rupa Huq afirma que el britpop "comenzó como una rama de la escena musical británica independiente, pero podría decirse que terminó matándola, ya que se produjo una convergencia entre el indie y el mainstream, eliminando el elemento distintivo de 'protesta' de la música independiente con base en Gran Bretaña" [13]. El periodista musical John Harris ha sugerido que el britpop comenzó cuando el cuarto sencillo de Blur, " Popscene ", y el debut de Suede, " The Drowners ", se lanzaron casi al mismo tiempo en la primavera de 1992. Afirmó: "Si el britpop comenzó en algún lugar, fue el diluvio de aclamaciones que recibió los primeros discos de Suede: todos ellos audaces, exitosos y muy, muy británicos". [72] Suede fue la primera de la nueva generación de bandas orientadas a la guitarra en ser adoptada por los medios musicales del Reino Unido como la respuesta de Gran Bretaña al sonido grunge de Seattle. Su álbum debut Suede fue el álbum debut de ventas más rápidas en el Reino Unido. [73]
El álbum debut de Sunny Day Real Estate , Diary (1994), inició una nueva ola del género emo , al incorporar elementos de este a su sonido indie rock. [74] Sunny Day Real Estate y otras bandas emo de segunda ola, incluidas Piebald , The Promise Ring y Cap'n Jazz, distanciaron al emo de sus raíces hardcore y permitieron que el género desarrollara una escena mucho más realizada que su primera ola. [75]
Este estilo de emo irrumpió en la cultura mainstream a principios de la década de 2000, con el éxito de platino de Bleed American (2001) de Jimmy Eat World y The Places You Have Come to Fear the Most (2001) de Dashboard Confessional. [ 76 ] Una escena particularmente notable durante esta ola fueron las bandas emo del Medio Oeste de la segunda mitad de la década, que incorporaron los tonos de guitarra estridentes del indie rock anterior y elementos del math rock para crear el estilo distintivo de grupos como American Football . [75] La popularidad del emo también permitió que varias bandas "no del todo indie, no del todo emo" como Death Cab For Cutie , Modest Mouse y Karate ganaran una atención significativa. [77]
El colectivo Elephant 6 , que incluía a Apples in Stereo , Beulah , Circulatory System , Elf Power , Minders , Neutral Milk Hotel , of Montreal y Olivia Tremor Control , fusionó el indie rock con el pop psicodélico . El autor de Gimme Indie Rock, Andrew Earles, afirmó que el colectivo, concretamente Neutral Milk Hotel en On Avery Island (1996), "ayudó a mantener el género artísticamente relevante mientras otras bandas desertaban y otros estilos underground adquirían relevancia". [78] [79]
La indie electrónica o indietrónica [80] abarca a los artistas basados en el rock que comparten una afinidad por la música electrónica, utilizando samplers, sintetizadores, cajas de ritmos y programas de computadora. [81] Menos un estilo y más una categorización, describe una tendencia de principios de los años 1990 de actos que siguieron las tradiciones de la música electrónica temprana (compositores del BBC Radiophonic Workshop ), krautrock y synth-pop . [81] Los progenitores del género fueron las bandas inglesas Disco Inferno , Stereolab y Space . [81] La mayoría de los músicos del género se pueden encontrar en sellos independientes como Warp , Morr Music , Sub Pop o Ghostly International . [81]
El rock espacial tomó la influencia del rock psicodélico y la música ambiental de Pink Floyd y Hawkwind y las incorporó a un contexto de rock indie. El estilo comenzó con Spacemen 3 en la década de 1980, con grupos posteriores como Spiritualized , Flying Saucer Attack , Godspeed You! Black Emperor y Quickspace . [82]
A medida que el britpop decayó hacia el final de la década, el post-britpop se apoderó de la escena indie rock del Reino Unido. [83] Desde aproximadamente 1997, a medida que crecía la insatisfacción con el concepto de Cool Britannia y el britpop como movimiento comenzó a disolverse, las bandas emergentes comenzaron a evitar la etiqueta de britpop mientras seguían produciendo música derivada de ella. [84] [85] Después del declive del britpop, comenzaron a ganar más atención crítica y popular. [84] El álbum de The Verve Urban Hymns (1997) fue un éxito mundial y su pico comercial antes de separarse en 1999, mientras que Radiohead , aunque había logrado un reconocimiento moderado con The Bends en 1995, logró una aclamación crítica casi universal con su tercer álbum experimental OK Computer (1997), y sus seguimientos Kid A (2000) y Amnesiac (2001). [86] Stereophonics utilizó elementos del post-grunge y el hardcore en sus álbumes revolucionarios Word Gets Around (1997) y Performance and Cocktails (1999), antes de adentrarse en un territorio más melódico con Just Enough Education to Perform (2001) y álbumes posteriores. [87] [88]
Feeder , que inicialmente estaban más influenciados por el post-grunge estadounidense, produjo un sonido de hard rock que condujo a su sencillo revolucionario " Buck Rogers " y al álbum Echo Park (2001). [89] Después de la muerte de su baterista Jon Lee , pasaron a un modo más reflexivo e introspectivo en Comfort in Sound (2002), su álbum de mayor éxito comercial hasta ese momento, que generó una serie de sencillos exitosos. [90]
La banda de mayor éxito comercial en el milenio fue Coldplay , cuyos dos primeros álbumes Parachutes (2000) y A Rush of Blood to the Head (2002) fueron multiplatinos , estableciéndolos como uno de los actos más populares del mundo en el momento de su tercer álbum X&Y (2005). [91] [92] « Chasing Cars » de Snow Patrol (de su álbum de 2006 Eyes Open ) es la canción más reproducida del siglo XXI en la radio del Reino Unido. [93]
La atención generalizada que el indie rock cosechó en la década de 2000 comenzó con los Strokes y su álbum debut de 2001 Is This It . Tocando un estilo en deuda con bandas de los años 60 y 70 como Velvet Underground y Ramones , la intención de la banda musicalmente era sonar como "una banda del pasado que hizo un viaje en el tiempo hacia el futuro para hacer su disco". [94] El álbum alcanzó el puesto número treinta y tres en los Estados Unidos, permaneciendo en las listas durante dos años más y debutó en el número dos en la lista de álbumes del Reino Unido . [94] [95] Cuando los Strokes hicieron su debut comercial, la percepción pública de la "música rock" se basaba en el post-grunge , el nu metal y el rap rock , lo que ponía su estilo retro de garage rock como un marcado contraste con la corriente principal. La influencia inmediata de la banda permitió que otras bandas neoyorquinas influenciadas por el rock clásico como Yeah Yeah Yeahs , Interpol y TV on the Radio ganaran la atención general. [96] Los Strokes estuvieron acompañados en este gran éxito comercial por los White Stripes , los Vines y los Hives . Estos grupos fueron bautizados por algunos medios como las bandas "The", y apodados "los salvadores del rock 'n' roll", [97] lo que llevó a la revista Rolling Stone a declarar en su portada de septiembre de 2002: "¡El rock ha vuelto!" [98]
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El éxito de los Strokes revitalizó la escena underground post-britpop en el Reino Unido, que en ese entonces estaba en decadencia, con grupos que tomaron la influencia de la banda y experimentaron con su sonido. Esta primera ola de actos en el Reino Unido incluyó a Franz Ferdinand , Kasabian , Maxïmo Park , The Cribs , Bloc Party , Kaiser Chiefs y The Others . [99] Sin embargo, The Libertines , que se formó en 1997, se mantuvo como el contrapunto del Reino Unido a The Strokes, siendo descrito por AllMusic como "uno de los actos más influyentes del siglo XXI del Reino Unido" [100] y The Independent afirmó que "The Libertines querían ser una banda importante, pero no podían haber predicho el impacto que tendrían". [101] Influenciados por The Clash , The Kinks , The Smiths y The Jam , [100] el estilo de la banda de partes de guitarra acústicas, de registro alto y metálico, coronadas por letras de placeres parroquiales británicos en los auténticos acentos ingleses de los vocalistas fue ampliamente imitado. [101] The Fratellis , The Kooks y The View fueron tres de esos grupos que obtuvieron un éxito comercial significativo, aunque la banda post-Libertines más destacada fue Arctic Monkeys de Sheffield . [101] Uno de los primeros grupos en deber su éxito comercial inicial al uso de las redes sociales de Internet , [102] los Arctic Monkeys tuvieron dos sencillos número uno, y su álbum Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006) se convirtió en el álbum debut de venta más rápida en la historia de las listas británicas. [103]
En este éxito, las bandas indie tradicionales pronto entraron en el mainstream, [104] incluyendo a Modest Mouse (cuyo álbum de 2004 Good News for People Who Love Bad News llegó al top 40 de Estados Unidos y fue nominado a un premio Grammy ), Bright Eyes (que en 2004 tuvo dos sencillos en la cima de la revista Billboard Hot 100 Single Sales ) [105] y Death Cab for Cutie (cuyo álbum de 2005 Plans debutó en el número cuatro en los EE. UU., permaneciendo en las listas de Billboard durante casi un año y logrando el estatus de platino y una nominación al Grammy). [106] Este nuevo avance comercial y el uso generalizado del término indie en otras formas de cultura popular, llevaron a varios comentaristas a sugerir que el rock indie había dejado de ser un término significativo. [107] [108]
Además, surgió una segunda ola de bandas en los Estados Unidos que lograron obtener reconocimiento internacional como resultado del movimiento, entre ellas Black Keys , Kings of Leon , Shins , Bravery , Spoon , Hold Steady y National . [76] La banda comercialmente más exitosa de esta ola fue The Killers de Las Vegas . Formada en 2001, después de escuchar Is This It , la banda descartó la mayoría de su material anterior para reescribirlo bajo la influencia de The Strokes. [109] El sencillo debut de la banda, " Mr. Brightside ", pasó 260 semanas no consecutivas, o cinco años, en la lista de sencillos del Reino Unido hasta abril de 2021, la mayor cantidad de cualquier canción, [110] [111] y, a partir de 2017 [actualizar], había aparecido en la lista de sencillos del Reino Unido en 11 de los últimos 13 años, [112] incluida una racha de 35 semanas que alcanzó el puesto número 49 en 2016-2017. [113] Además, fue la canción más reproducida en el Reino Unido antes de 2010, hasta que fue superada a fines de 2018, [114] y continuó comprándose para descargar cientos de veces por semana en 2017. [115] En marzo de 2018, la canción alcanzó el hito de permanecer en el Top 100 de la lista de sencillos del Reino Unido durante 200 semanas. [115]
El impacto de los Strokes, los Libertines y Bloc Party provocó un interés significativo de las grandes discográficas en los artistas de rock independiente, que luego se vio exacerbado por el éxito de los Arctic Monkeys. En los años posteriores a Whatever People Say I Am, That's What I'm Not hubo una proliferación de bandas como los Rifles , los Pigeon Detectives y Milburn , que crearon un derivado más formal de los actos anteriores. [116] [99] A finales de la década, los críticos habían empezado a referirse a esta ola de actos como "indie de vertedero", [117] [118] [119] una descripción acuñada por Andrew Harrison de la revista Word . [120] Un artículo de Vice de 2020 citó a Johnny Borrell , vocalista de Razorlight , como el "único hombre que definió, encarnó y vivió el Landfill Indie" debido a su formación de una banda "espectacularmente intermedia" a pesar de su proximidad a la "energía cinética desesperada, la dinámica mitificada de amor-odio y la visión de una Gran Bretaña en ruinas animada por el romance y los narcóticos" de los Libertines. [116] En un artículo de 2009 para The Guardian , el periodista Peter Robinson citó al movimiento indie de vertedero como muerto, culpando a los Wombats , Scouting For Girls y Joe Lean & the Jing Jang Jong al afirmar "Si el indie de vertedero hubiera sido un juego de Buckaroo , esos tres enviaron todo el culo de burro de la monotonía de la banda de guitarras mainstream amigable con la radio volando alto en el aire, con las piernas agitadas". [121]
Continuaron los éxitos comerciales en la década de 2010 con The Suburbs (2010) de Arcade Fire , Turn Blue (2014) de Black Keys , Walls (2016) de Kings of Leon , Wonderful Wonderful (2017) de Killers , que alcanzó el número uno en las listas de Billboard en los Estados Unidos y la lista oficial en el Reino Unido, con el álbum de Arcade Fire ganando un Grammy al Álbum del año en 2011. [122] Otros actos de indie rock como Florence and the Machine , The Decemberists y LCD Soundsystem obtuvieron sencillos número uno en los Estados Unidos durante la década, con Vampire Weekend , Florence and the Machine, Arctic Monkeys, Bon Iver , The Killers y The Postal Service obteniendo discos de platino. [123] El tercer álbum de estudio de Vampire Weekend, Modern Vampires of the City (2013), recibió el premio Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa en 2014, y el escritor de Consequence, Tyler Clark, afirmó que en 2019 seguía siendo "un abanderado del indie rock en el mundo más amplio de la música". [123] El quinto álbum de Arctic Monkeys, AM (2013), fue uno de los álbumes de indie rock más importantes de la década, ubicándose en el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido , habiendo vendido 157.329 copias, convirtiéndose así en el segundo álbum de mayor venta del año. [124] Con el debut de AM en la lista, Arctic Monkeys también rompió un récord, convirtiéndose en la primera banda de un sello independiente en debutar en el número uno en el Reino Unido con sus primeros cinco álbumes. [125] A junio de 2019, AM ha pasado 300 semanas en el top 100 de la lista de álbumes del Reino Unido . [126] El álbum también alcanzó el puesto número uno en Australia, Bélgica (Flandes), Croacia, Eslovenia, Dinamarca, Irlanda, Países Bajos, Nueva Zelanda y Portugal, y alcanzó las diez primeras posiciones en varios otros países. En los Estados Unidos, el álbum vendió 42.000 copias en su primera semana y debutó en el puesto número seis en la lista Billboard 200, convirtiéndose en el álbum de la banda con la posición más alta en las listas de Estados Unidos. [127] En agosto de 2017, AM fue certificado platino por la RIAA por ventas combinadas y unidades equivalentes a álbumes de más de un millón de unidades en los Estados Unidos. [128]A partir del 14 de abril de 2023, todas las pistas del álbum fueron certificadas como plata o superior por la BPI, siendo "Mad Sounds" la última en ser certificada. [129]
Cuando la fusión de indie rock y pop mainstream de 1975 comenzó a ganar atractivo comercial a principios de la década de 2010, fue controvertida; recibieron el premio a la "Peor banda" en los Premios NME de 2014 , pero en 2017 recibieron el premio a la "Mejor banda en vivo" en la misma entrega de premios. [130] La escritora de Alternative Press Yasmine Summan declaró que "Si pudieras resumir 2013 y 2014 en un álbum para los fanáticos del indie y el alternativo, sería el lanzamiento homónimo de 1975 ". [131] En un artículo para The Guardian que acredita a 1975 como la banda que "llevó el indie al mainstream", el escritor Mark Beaumont comparó la influencia del vocalista Matty Healy en el género con la del vocalista de Libertines , Pete Doherty , [132] y Pitchfork los incluyó como uno de los artistas más influyentes en la música desde 1995. [133] A raíz de 1975, varios otros artistas de pop indie ganaron popularidad. Algunos críticos denominaron a este fenómeno "Healywave", que incluía notablemente a: Pale Waves , The Aces , Joan , Fickle Friends y No Rome . [134] De este grupo, Pale Waves fue particularmente prominente comercialmente, con su álbum debut My Mind Makes Noises alcanzando el número ocho en la lista de álbumes del Reino Unido, Who Am I? (2021) en el número tres y Unwanted (2022) en el número cuatro. [135] Casi al mismo tiempo, Wolf Alice se convirtió en una fuerza destacada en la escena, con su segundo álbum Visions of a Life (2017) ganando el Mercury Prize en 2018 y su tercer álbum Blue Weekend (2021) siendo nominado. [136] El escritor Martin Young declaró en un artículo de 2021 para Dork que "Es imposible afirmar realmente lo importantes que son Wolf Alice. Son el catalizador de casi todas las bandas increíbles sobre las que has leído en Dork durante los últimos 5 años". [137]
En el Reino Unido, por otro lado, indie se utilizó como un apodo descriptivo desde mediados de la década de 1980 en adelante, principalmente entre los expertos de la industria y los periodistas (Wendy Fonarow, comunicación personal, 2011). Se refería, ostensiblemente, al estatus independiente del sello discográfico de una banda, pero también a algo de su sensibilidad general, una preferencia por las estéticas anteriores del pop enraizadas en los géneros más folklóricos y menos improvisados del garage y el rock psicodélico. Al igual que en los Estados Unidos, fue un fenómeno mayoritariamente blanco, de clase media, enraizado en una nostalgia por un pasado imaginado, precorporativo (Hesmondhalgh 1999; Fonarow 2006), cuando todavía había algún aspecto de la vida cotidiana fuera del sistema de mercancías. En el Reino Unido, podrían haber sido The Smiths o The Stone Roses quienes merecerían ser llamados las primeras bandas genuinas de indie rock, grupos con un sonido que retrocedía a los años 60 y una disposición fantasiosa y libresca.
Si tomamos la definición de indie propuesta por Bannister de 'pequeños grupos de hombres blancos tocando guitarras, influenciados por los punks y el pop/rock blanco de los años 60, dentro de un discurso y una práctica más amplios de (grados de) independencia de los valores musicales dominantes', gran parte de su contenido se aplica al britpop... El indie de principios de los años 80 no solo se autoposicionó lejos de los valores de la industria musical dominante, como señala Bannister, sino que a menudo tenía una orientación antigubernamental... Este elemento de oposición estuvo en gran medida ausente del britpop. Aunque algunos actos de britpop estaban en sellos independientes (por ejemplo, Oasis estaba contratado por Creation), la mayoría estaba contratado por sellos dominantes, ya fueran filiales de las principales (como Blur en Food/EMI) o compañías de tamaño mediano (Pulp en Island). En cierto sentido, el britpop fue el némesis del indie. Comenzó como una derivación de la escena musical británica independiente, pero podría decirse que terminó matándola, ya que se produjo una convergencia entre el indie y el mainstream, eliminando el elemento de "protesta" distintivo de la música independiente de origen británico.
Como sostiene Wendy Fonarow, la tensión entre un ethos puritano (que representa una estética y una ética austeras) y uno romántico (extravagante y excéntrico) ha llegado a definir la música indie como género (Fonarow, 2006). Esto se refleja en el tira y afloja identitario del género entre un ethos comunal e individualista. Tal vez también haya que hacer una distinción entre una marca estadounidense de bandas indie lo-fi para las que el antivirtuosismo y la falta de estilo son insignias de sinceridad y autenticidad, por un lado, y la performatividad extravagante de bandas indie de britpop como Pulp y Blur, por el otro.
Dunedin, la segunda ciudad más grande de la Isla Sur después de Christchurch, conocida por su aislamiento geográfico, herencia escocesa y arquitectura gótica, "en el muy buen sentido" (Chapman 2016: 13), se haría famosa por el "sonido Dunedin". El término "se refiere vagamente a la producción de una serie de actos afiliados al sello Flying Nun durante la década de 1980, cuyo legado se celebra entre los círculos de rock independiente a nivel internacional" (Wilson y Holland 2018: 69). El sonido Dunedin produjo bandas como The Chills y The Clean y muchas otras surgieron debido a "una gran mezcla de artistas, con miembros del grupo que a menudo se trasladaban de un grupo a otro o tocaban para varios grupos a la vez" (McLeay 1994: 38). Si bien el sonido de Dunedin se asociaba predominantemente con el indie rock, Aotearoa ha producido desde entonces diversas bandas, como Datsuns, Suburban Reptiles y Die! Die! Die!, que abarcan una mezcla de géneros, como rock, punk y post-punk respectivamente.
las bandas más importantes del indie de los primeros tiempos eran grupos de pop jangle como REM y The Smiths, su éxito relativo hizo que ellos y otros grupos similares dejaran de ser indie: para seguir siendo diferentes, el estilo tenía que seguir siendo diferente del mainstream. A medida que avanzaba la década de 1980, las bandas de Flying Nun tendieron hacia un estilo más lento e hipnótico, un mayor uso del "muro de guitarras", más distorsión, más agresión y un sonido generalmente "más oscuro", más sombrío, más "rockero", contemporáneo con la creciente influencia de grupos como The Jesus and Mary Chain y Sonic Youth. The Jean-Paul Sartre Experience ejemplifica esta progresión, experimentando inicialmente con estilos pop y soul antes de asentarse en el molde indie clásico.
No había nada nuevo en la escena musical británica en 1984. Incluso la nueva escena romántica estaba muriendo de forma lenta y dolorosa. Howard Jones, Eurythmics y Nik Kershaw eran las nuevas estrellas del pop y, en lo que respecta a la escena indie, empezó y terminó con The Smiths. Las bandas estadounidenses lideradas por REM y la escena Paisley Underground estaban ganando terreno en el circuito de conciertos y en la prensa musical.
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)REM, a su manera, hizo que el país pareciera menos amenazador y más inclusivo, reemplazando la iconoclasia del hardcore con una cálida invitación a los chicos menos modernos que no vivían en California o el noreste. "Cuando tenía 15 años en Richmond, Virginia, eran una parte muy importante de mi vida, como lo fueron para todos los miembros de nuestra banda", dijo Bob Nastanovich, de los decanos del indie rock de los 90 Pavement... "Fueron la primera banda [underground] que los chicos de fraternidad miraron y no dijeron, 'Oh, vamos a golpear a algunos maricones'"...
A mediados de los 80, la expansión cruda del "rock underground" post-hardcore se estaba consolidando, y después del éxito de REM, varias bandas comenzaron a pensar que también podían comprar. Los representantes de las grandes discográficas estaban mostrando más interés... Aún así, en 1985, la banda de rock más incorregiblemente mal portada de Estados Unidos, The Replacements de Minneapolis, firmó con Sire y lanzó su debut en una gran discográfica, Tim, una colección perfectamente irregular de súplicas himnos escritas por el cantante/guitarrista Paul Westerberg... Los ex punks hardcore Hüsker Dü (Los nativos de Minneapolis, como los Replacements) grabaron su debut en una importante discográfica, Candy Apple Grey, para Warner Bros., una maravilla de diez canciones de viajes punk-pop, pero nunca recibió un visto bueno de la radio comercial. La esperanzadora ambición del momento se desvaneció...
A medida que las grandes discográficas pasaron a follar con la fiesta del metal de Los Ángeles, los rockeros underground comenzaron a perder su ansia de validación mainstream. Los nuevos modelos a seguir se convirtieron en propietarios de sellos intransigentes como Greg Ginn de SST del sur de California e Ian MacKaye de Dischord de Washington, DC. SST, que había empezado a finales de los 70 con el pionero Black Flag de Ginn, era una fuerza implacable, que fichaba a las bandas underground más importantes de principios y mediados de los 80, entre ellas Minutemen, Hüsker Dü, Meat Puppets, Sonic Youth, Dinosaur Jr...
A medida que se producía este cambio en la escena underground, empezó a surgir una nueva etiqueta para la música: "indie rock"... Unrest mezclaba canciones de amor encantadoras y alegres con una ironía descarada de la cultura pop que más tarde se convertiría en un rasgo definitorio del indie rock.
Dos bandas enmarcaron este período: Sonic Youth pasó la era pre-indie como una camarilla de ruido artístico más cool que tú, del centro de Nueva York, antes de convertirse en una presencia similar a REM a mediados y fines de los 80; y Pixies de Boston, que pasó por alto el circuito indie estadounidense, encontrando el éxito por primera vez para su borrasca de pop abstracto en el Reino Unido. Ambos estaban liderados por dúos masculinos y femeninos: Thurston Moore y Kim Gordon de Sonic Youth, Black Francis y Kim Deal de Pixies, y su música podía sentirse como una continua charla de corazón a corazón a las 3 a. m., pasando de susurros inquietantes a arrullos alienígenas y gritos gnómicos. Así que cuando firmaron con grandes sellos discográficos (Pixies con Elektra en 1988 y Sonic Youth con Geffen en 1989), fue un reconocimiento de que la versión revitalizada del rock indie finalmente podría estar lista para el mercado.
La escena "Madchester" se definió por lo que Redhead describe como "hedonismo en tiempos difíciles" (1993). El énfasis estaba en la fiesta en la ciudad postindustrial, "sin futuro". En el centro de esta fiesta estaba la droga recién llegada, el éxtasis (3,4-metilendioximetanfetamina o MDMA). El consumo de drogas "espectacular" de Happy Mondays y los ravers de la cultura de club de Manchester fueron parte del combustible que desencadenó pánicos morales a nivel nacional y la posterior regulación de los estilos de vida "rave" (que culminó en la Ley de Justicia Penal de 1994). Sarah Champion, periodista musical de Manchester durante la era Madchester, resumió Madchester de la siguiente manera: "Los blancos callejeros dejaron las guitarras y cogieron ritmo. Las bandas indie lanzaron discos de 12 pulgadas; los clubes pincharon temas de rock. "Hallelujah" de Happy Mondays, "Fools Gold" de The Stone Roses..." (1992: 41), y reconoce el éxtasis, que induce euforia, empatía y sensaciones intensas, como una fuerza impulsora de importancia central detrás de la escena Madchester, y destaca la fusión de la música rock "indie" con la música de baile.
Pero ninguno tendría el impacto cultural de Nirvana, y pocos verían algún beneficio económico. Mientras que Cobain se sentía profundamente conflictivo por la notoriedad mediática que vino con la popularidad de Nevermind (se referían constantemente a él como la voz de una generación), los artistas independientes también se volvieron ambivalentes. ¿El éxito de Nirvana, e incluso el paso seguro de Sonic Youth a una importante discográfica, fue un caso de "ganamos", o simplemente un patético intento de validación? ¿Los ex chicos indie, ahora conocidos como "rockeros alternativos", realmente creían que las grandes discográficas les otorgarían cuentas de gastos y no les pedirían concesiones serias? Nirvana había citado el Modelo REM.
El grunge representó la incorporación de la ética y el estilo del indie rock norteamericano de la década de 1980 (Azerrad, 2001). Tanto un dispositivo de marketing como un "sonido" identificable (cf. rock alternativo, con el que a menudo se lo confunde), el grunge se desarrolló inicialmente en el área de Seattle (EE. UU.) a fines de la década de 1980, asociado con el influyente sello indie, Sub Pop. Pearl Jam y Nirvana fueron las dos bandas más influyentes, acreditadas por liderar la irrupción comercial del grunge/rock alternativo en una escena musical relativamente moribunda a principios de la década de 1990.
Fraggle
c.1991: nombre de las bandas de rock alternativo, algunas de las cuales básicamente representaban el extremo más joven del género "Grebo", supuestamente acuñado por el encargado de la contratación de bandas en el local indie Harlow Square en reconocimiento de la similitud entre los grupos/fans vestidos desaliñadamente y los personajes del programa de televisión derivado de los Muppets, Fraggle Rock. Bandas: Ned's Atomic Dustbin, Senseless Things, Mega City Four
Pero las dos bandas que llegaron a ejemplificar el rock independiente en este período, y que aún definen el término en la mente de muchas personas, fueron Pavement y Guided by Voices. Un colectivo furtivo del norte de California liderado por los cantantes/guitarristas "SM" (Stephen Malkmus) y "Spiral Stairs" (Scott Kannberg), Pavement creó dramas de dormitorio de baja fidelidad que romantizaban el desconcierto brumoso de los estudiantes universitarios a punto de ingresar al mundo heterosexual adulto. Sus letras de libre asociación sobre melodías que parecían incrustadas en la distorsión estática de una radio de transistores eran una negación críptica de la ambición del rock alternativo. Malkmus tenía un don (como Kurt Cobain) para los aforismos de broma interna que parecían ataques generacionales. En el álbum de 1992 Slanted and Enchanted, reflexionó con una altivez afligida: "Tengo muchas cosas que quiero vender / Pero no aquí, nena", y "Todas las cosas que teníamos antes / Nos vendiste y te las llevaste todas". Guided by Voices, un grupo de puertas giratorias liderado por el maestro de escuela de Dayton, Ohio, Robert Pollard, de unos treinta años, había estado produciendo grabaciones melódicas y de sonido cutre durante años, pero sus ráfagas literarias y elípticas de rock con tintes de la Invasión Británica nunca llamaron mucho la atención. Sin embargo, con el lanzamiento de Bee Thousand, un álbum de composición impresionante en 1994, Pollard se convirtió de repente en una mini causa célebre, un símbolo del artista independiente intransigente y autosuficiente que finalmente obtiene el reconocimiento que merece.
La industria musical británica se apoderó del britpop como impulso para revivir las fortunas en decadencia tras la hegemonía de las ventas en las listas de éxitos estadounidenses liderada por el grunge a principios de los años 1990. La identificación indie del britpop significa autonomía de las grandes discográficas, vistas negativamente, ocultando convenientemente el hecho de que muchos de sus exponentes más exitosos están respaldados financieramente por las multinacionales. De los 32 mil millones de dólares de la torta fiscal mundial de la música en 1996, el 16 por ciento de la propiedad recaía en Sony, cuyo paraguas protegía a Oasis (en su propiedad del 49 por ciento de la antigua base "independiente" de Oasis, Creation Records); un 14 por ciento de las acciones estaba en manos de Polygram, cuya filial Island es el hogar de Pulp; y el 13 por ciento era propiedad de EMI, cuyos artistas incluyen a Blur (en la filial Food Records). Esto aparentemente confirma el temor de Adorno (1991 [1941]: 87) de que
La escena emo de DC explotó y se volvió excesivamente popular entre el underground. Sin embargo, se apagó casi tan rápido como había comenzado.
A principios de los 90, dos nuevas bandas, Sunny Day Real Estate y Jawbreaker, iniciaron la nueva ola de música emo. SDRE inició el género "post indie emo". Las bandas que se pueden categorizar dentro de este género podrían ser Texas Is The Reason, Taking Back Sunday, Mineral y otra música que sigue esas líneas, que a menudo se confunde con emo.
Aunque eclipsado por el álbum revolucionario de Neutral Milk Hotel de 1998, In the Aeroplane Over the Sea, el debut de la banda de un par de años antes no es una hazaña menor del indie rock de mediados de los 90, y ayudó a mantener el género artísticamente relevante mientras otras bandas desertaban y otros estilos underground cobraron prominencia en la segunda mitad de la década. Una de las mejores transmisiones tempranas del colectivo Elephant 6 de bandas de indie-psych-pop, On Avery Island es una colección de canciones escritas por el líder de la banda Jeff Mangum, grabadas en un reel-to-reel de cuatro pistas y acompañadas por una banda de acompañamiento diferente a la que completaría la legendaria formación que se escucha en el segundo lanzamiento de NMH.
Los estilos interpretados por las bandas post-britpop a menudo se condensan en la etiqueta única "rock indie", que contiene una miríada de jóvenes artistas británicos con influencias variadas del punk, el grunge, el folk y la música electrónica de baile. Los críticos están ansiosos por caracterizar a sus actores clave como participantes de un renacimiento post-punk, pero la constelación de influencias estilísticas que abarcan este mundo musical es diversa de hecho. La cara fresca de esta música, que comenzó a aparecer alrededor del cambio de milenio, sigue siendo una fuerza comercial bastante significativa (Harris 2003). Probablemente fue la cara más conocida de