Lo-fi (también tipográfico como lofi o low-fi ; abreviatura de baja fidelidad ) es una calidad musical o de producción en la que están presentes elementos generalmente considerados como imperfecciones en el contexto de una grabación o interpretación, a veces como una elección deliberada. Los estándares de calidad del sonido ( fidelidad ) y producción musical han evolucionado a lo largo de las décadas, lo que significa que es posible que algunos ejemplos más antiguos de lo-fi no hayan sido reconocidos originalmente como tales. Lo-fi comenzó a ser reconocido como un estilo de música popular en la década de 1990, cuando se la conoció alternativamente como música DIY (de " hágalo usted mismo "). [1]
La distorsión armónica y la " calidez analógica " a veces se confunden como características centrales de la música lo-fi. [2] Tradicionalmente, lo-fi se ha caracterizado por la inclusión de elementos normalmente considerados indeseables en contextos profesionales, como notas mal reproducidas, interferencias ambientales o imperfecciones fonográficas ( señales de audio degradadas , silbidos de cinta , etc.). Entre los artistas pioneros, influyentes o importantes se incluyen los Beach Boys ( Smiley Smile y Wild Honey ), R. Stevie Moore (a menudo llamado " el padrino de la grabación casera "), Paul McCartney ( McCartney ), Todd Rundgren , Peter Ivers , Jandek , Daniel Johnston , Guiados por voces , Sebadoh , Beck , Pavement y Ariel Pink .
Aunque "lo-fi" ha estado en el léxico cultural durante aproximadamente el mismo tiempo que " alta fidelidad ", al disc jockey de la WFMU William Berger se le suele atribuir la popularización del término en 1986. En varios momentos desde la década de 1980, "lo-fi" ha estado en el léxico cultural durante aproximadamente el mismo tiempo que " alta fidelidad ". Se ha relacionado con la cultura del casete , el espíritu DIY del punk, el primitivismo , la música outsider , la autenticidad , los estereotipos slacker / Generación X y la nostalgia cultural . La noción de músicos de "dormitorio" se expandió tras el auge de las modernas estaciones de trabajo de audio digital , lo que llevó a la invención del término casi sinónimo de pop de dormitorio . A finales de la década de 2000, la estética lo-fi sirvió de base para los géneros de música pop hipnagógica y chillwave . [3]
En su forma más cruda, la lo-fi era primitivista y realista en los años 1980, posmoderna en los años 1990 y arcaica en los años 2000.
—Adam Harper, Estética Lo-Fi en el discurso de la música popular (2014) [7]
Lo-fi es lo opuesto a la Alta fidelidad . El educador musical R. Murray Schafer , en el glosario de su libro de 1977 The Tuning of the World , definió el término como " relación señal-ruido desfavorable ". [8]
Los críticos prácticamente no apreciaron las imperfecciones de la música lo-fi hasta la década de 1980, durante la cual surgió un romanticismo emergente por las cualidades de grabación casera y " hágalo usted mismo " (DIY). [4] Posteriormente, "DIY" se usó a menudo indistintamente con "lo-fi". [5] A finales de la década de 1980, cualidades como "grabado en casa", "técnicamente primitivo" y "equipo económico" se asociaban comúnmente con la etiqueta "lo-fi" y, a lo largo de la década de 1990, tales ideas se convirtieron en centrales. a cómo se entendía popularmente "lo-fi". [6] En consecuencia, en 2003, el Diccionario Oxford añadió una segunda definición para el término: "un género de música rock caracterizado por una producción mínima, que da un sonido crudo y poco sofisticado". [6]
La identidad del partido o partidos que popularizaron el uso de "lo-fi" no se puede determinar de manera definitiva. [2] Generalmente se sugiere que el término se popularizó a través del programa de radio semanal de media hora de William Berger en la estación de radio independiente WFMU con sede en Nueva Jersey , titulado Low-Fi , que duró de 1986 a 1987. [2] [9] El contenido del programa consistía enteramente en contribuciones solicitadas por correo [10] y se transmitía durante un horario de máxima audiencia de treinta minutos todos los viernes. [9] En la edición de otoño de 1986 de la revista LCD de la WFMU , el programa fue descrito como "grabaciones caseras producidas con equipos económicos. Primitivismo técnico combinado con brillantez". [9]
En 2008 se añadió una tercera definición al Diccionario Oxford : "sin pulir, amateur o tecnológicamente poco sofisticado, especialmente como una elección estética deliberada". [6] En 2017, Anthony Carew de About.com argumentó que el término "lo-fi" se había utilizado comúnmente como sinónimo de "cálido" o "contundente" cuando debería reservarse para música que "suena como si estuviera grabada". a un contestador automático roto". [2]
La noción de "músicos de dormitorio" surgió por primera vez en el siglo XXI tras el auge de las computadoras portátiles en muchas formas de música popular o de vanguardia . [11] Desde entonces, ha habido una tendencia creciente a agrupar toda la música grabada en casa bajo el paraguas de "lo-fi". [12] De estos desarrollos surgió el "pop de dormitorio", un género musical vagamente definido [13] que se refiere a artistas que graban en casa, en lugar de en espacios de grabación tradicionales. [14]
También se ha invocado el "pop de dormitorio" para describir una estética distinta. [15] En un escrito de 2006, Tammy LaGorce de The New York Times identificó el "pop de dormitorio" como "música parecida a un blog que intenta hacer del mundo un lugar mejor a través de una canción casera perfecta". [16] En la década de 2010, los periodistas aplicarían indiscriminadamente el término a cualquier música con una calidad de producción "borrosa", [17]
Daniel Wray de The Guardian definió el término en 2020 como un género de música grabada en casa con un sonido "de ensueño, introspectivo e íntimo", y que abarca "indie, pop, R&B y emo ". [18] Jenessa Williams de The Forty-Five llamó "pop de dormitorio" casi sinónimo de "lo-fi", ya que se ha utilizado tradicionalmente como "una forma halagadora de vestir demostraciones caseras y una estética más relajada" antes de ser recontextualizada en años posteriores como " emo del medio oeste sin palizas; rap de Soundcloud sin fanfarronadas". [19]
Muchos de los artistas asociados han rechazado el sello. [20]
La estética lo-fi es una idiosincrasia asociada al proceso de grabación. Más específicamente, aquellos que generalmente se consideran en el campo de la ingeniería de audio como efectos indeseables, como una señal de audio degradada o fluctuaciones en la velocidad de la cinta. [21] La estética también puede extenderse a interpretaciones musicales de mala calidad o desafectadas. [22] Las grabaciones consideradas no profesionales o "amateur" generalmente se refieren a la interpretación (notas desafinadas o fuera de tiempo) o la mezcla (silbido audible, distorsión o acústica de la sala). [23] El musicólogo Adam Harper identifica la diferencia como imperfecciones "fonográficas" y "no fonográficas". Define los primeros como "elementos de una grabación que se perciben (o se imagina que se perciben) como perjudiciales para ella y que se originan en el funcionamiento específico del propio medio de grabación. Hoy en día, suelen ser las primeras características en las que piensa la gente cuando se graba". Se saca a relucir el tema de 'lo-fi'". [24]
Las imperfecciones de grabación pueden "caer libremente en dos categorías, distorsión y ruido", en opinión de Harper, aunque reconoce que las definiciones de "distorsión" y "ruido" varían y a veces se superponen. [25] La forma más destacada de distorsión en la estética de baja fidelidad es la distorsión armónica , que puede ocurrir cuando una señal de audio se amplifica más allá del rango dinámico de un dispositivo. Sin embargo, este efecto no suele considerarse una imperfección. El mismo proceso se utiliza para los sonidos de guitarra eléctrica del rock and roll y, desde la llegada de la grabación digital , para dar a la grabación una sensación de "calidez analógica". [26] La distorsión que se genera como subproducto del proceso de grabación ("distorsión fonográfica") generalmente se evita en contextos profesionales. "Saturación de cinta" y "distorsión de saturación" describen alternativamente la distorsión armónica que se produce cuando el cabezal de una cinta se acerca a su límite de magnetización residual (un aspecto común del mantenimiento de las grabadoras que se repara con herramientas desmagnetizadoras ). Los efectos incluyen una disminución de las señales de alta frecuencia y un aumento del ruido. [27] Generalmente, es probable que las grabaciones de baja fidelidad tengan poca o ninguna información de frecuencia por encima de 10 kilohercios. [28]
Las imperfecciones "no fonográficas" pueden implicar ruidos generados por la actuación ("tos, resoplidos, sonidos de páginas y sillas") o del entorno ("el paso de vehículos, ruidos domésticos, sonidos de vecinos y animales"). [29] Harper reconoce que "la apreciación de la distorsión y el ruido no se limita a la estética de baja fidelidad, por supuesto, y la estética de baja fidelidad... no se extiende a todas las apreciaciones de la distorsión y el ruido. La diferencia radica en las formas en el que la distorsión y el ruido se entienden como imperfecciones en lo-fi". [30] También distingue entre "imperfecciones de grabación" e "imperfecciones sonoras [que] ocurren como resultado de una reproducción imperfecta del sonido o - equipo de modulación... Hipotéticamente, al menos, los efectos de baja fidelidad se crean durante la grabación y la producción misma. , y permanecen perceptiblemente en grabaciones maestras que luego se copian de manera idéntica para su lanzamiento". [31]
Bruce Bartlett, en su guía de 2013 Técnicas prácticas de grabación , afirma que "los sonidos de baja fidelidad pueden tener una respuesta de frecuencia estrecha (un sonido fino y barato) y pueden incluir ruidos como silbidos o rayaduras de discos. Podrían distorsionarse o tambalearse en paso." [32] Ofrece los siguientes métodos para replicar sonidos de baja fidelidad: mezclar niveles para que estén desequilibrados; colocar obstrucciones entre un micrófono y las fuentes de sonido; colocar el micrófono en un lugar inusual, como en una papelera; grabar con instrumentos o equipos más antiguos y de menor calidad; y resaltando derrames y reflejos de sonido . [32]
La música DIY es anterior a la historia escrita , pero el "lo-fi", tal como se entendió después de la década de 1990, se remonta al rock and roll de la década de 1950. [33] AllMusic escribe que las grabaciones del género se hicieron "de forma barata y rápida, a menudo con equipos de calidad inferior. En ese sentido, los primeros discos de rock & roll, la mayor parte del garage rock de los años 60 y gran parte del punk rock de los finales de los 70 podrían etiquetarse como Lo-Fi". [34]
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Lanzados en 1967, los álbumes de los Beach Boys, Smiley Smile y Wild Honey, eran álbumes de baja fidelidad grabados principalmente en el improvisado estudio casero de Brian Wilson ; Más tarde se hizo referencia a los álbumes como parte de las llamadas Bedroom Tapes de Wilson . [35] Aunque Smiley Smile inicialmente fue recibido con confusión y decepción, el aprecio por el álbum creció después de que otros artistas lanzaron álbumes que reflejaban una calidad igualmente defectuosa y simplificada, incluido John Wesley Harding (1967) de Bob Dylan y The Beatles . Álbum Blanco (1968). [36] El escritor de Pitchfork, Mark Richardson, le dio crédito a Smiley Smile por haber inventado "el tipo de pop de dormitorio de baja fidelidad que más tarde impulsaría a Sebadoh , Animal Collective y otros personajes". [37] Los editores de Rolling Stone atribuyeron a Wild Honey el origen de "la idea del pop DIY". [38]
A principios de la década de 1970, hubo algunos otros artistas importantes que lanzaron música grabada con equipos portátiles multipista; los ejemplos incluyeron a Paul McCartney y Todd Rundgren . [39] Producido poco después de la ruptura de los Beatles, el lanzamiento en solitario de McCartney, grabado en casa, estuvo entre los álbumes más vendidos de 1970, pero fue criticado. [40] En 2005, después de que un entrevistador sugiriera que posiblemente era "uno de los primeros grandes discos de baja fidelidad de su época", McCartney comentó que era "interesante" que los fans más jóvenes estuvieran "mirando hacia atrás a algo así con algunos tipo de respeto", antes de agregar que la "especie de... simplicidad hippie... de alguna manera resuena en este momento del tiempo". [41]
¿Algo cualquier cosa? (lanzado en febrero de 1972) fue grabado casi en su totalidad solo por Rundgren. El álbum incluía muchas de sus canciones más conocidas, así como una pista hablada ("Introducción") en la que le enseña al oyente cómo grabar fallas para un juego tipo búsqueda de huevos que llama "Sounds of the Studio". Usó el dinero ganado con el éxito del álbum para construir un estudio de grabación personal en Nueva York, donde grabó la continuación menos exitosa de 1973 , A Wizard, a True Star . [42] El musicólogo Daniel Harrison comparó los álbumes de finales de la década de 1960 de los Beach Boys con Wizard , un disco "que imita aspectos del estilo compositivo de Brian en sus transiciones abruptas, mezcla de varios estilos pop y efectos de producción inusuales. Pero hay que recordar que El fracaso comercial de los experimentos de los Beach Boys no fue un motivo para la imitación." [43] En 2018, Sam Sodsky de Pitchfork señaló que las "huellas dactilares" de Wizard siguen siendo "evidentes en los autores de dormitorio hasta el día de hoy". [42]
Entre otros ejemplos notables, los escritores de The Wire dan crédito a Oar (1969) de Skip Spence como "un progenitor tanto del movimiento solitario/fumeta como del lo-fi", y agregaron que el álbum "no encontraría una audiencia real durante décadas". [44] Jamie Atkins, de Record Collector, escribió en 2018 que muchos actos de baja fidelidad estarían en deuda con el sonido saturado de reverberación de la canción de 1970 de los Beach Boys, " All I Wanna Do ". [45] La escritora de Pitchfork, Madison Brooke, coronó a Peter Ivers , un músico de Los Ángeles de la década de 1970, como "el rey raro del pop de dormitorio, décadas antes de que existiera el género". [46] En 2016, el escritor de Billboard Joe Lynch describió Hunky Dory (1971) de David Bowie como "prácticamente el modelo de cada álbum de pop indie de baja fidelidad de los últimos 25 años", citando a Ariel Pink como descendiente. [47] Activos desde 1969, Stavely Makepeace y su grupo derivado Lieutenant Pigeon , fueron descritos por Richie Unterberger de AllMusic como creadores de "una producción casera peculiar, ligeramente lo-fi, unida a canciones pop simples con fuertes ecos tanto del rock de los años 50 como del rock de los 50". roll y música novedosa británica ". [48] Michael Heatley de Record Collector describe el álbum debut de Wizzard , Wizzard Brew (1973), como " rock'n'roll retro de baja fidelidad ". [49]
Con el surgimiento del punk rock y la nueva ola a finales de la década de 1970, algunos sectores de la música popular comenzaron a abrazar un espíritu de bricolaje que anunció una ola de sellos independientes , redes de distribución, fanzines y estudios de grabación, [50] y se formaron muchas bandas de guitarras. sobre la entonces novedosa premisa de que uno podía grabar y lanzar su propia música en lugar de tener que conseguir un contrato discográfico con un sello importante. [51] Los músicos y fanáticos del lo-fi eran predominantemente blancos, hombres y de clase media, y si bien la mayor parte del discurso crítico interesado en el lo-fi tenía su sede en Nueva York o Londres, los propios músicos procedían en gran medida de áreas metropolitanas menores del A NOSOTROS. [52]
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Desde 1968, R. Stevie Moore había estado grabando álbumes de larga duración en cintas de carrete a carrete en el sótano de sus padres en Tennessee , pero no fue hasta Phonography de 1976 que alguna de sus grabaciones se publicó en un sello discográfico. [54] El álbum alcanzó cierta notoriedad entre los círculos punk y new wave de Nueva York. [55] Matthew Ingram de The Wire escribió que "Moore podría no haber sido el primer músico de rock en actuar completamente en solitario, grabando cada parte, desde la batería hasta la guitarra... Sin embargo, fue el primero en estetizar explícitamente el proceso de grabación en casa en sí". .. convirtiéndolo en el bisabuelo de lo-fi." [54] Cuando se le preguntó si apoyaba el "sello pionero del bricolaje/lo-fi", Moore explicó que su enfoque fue el resultado de una "casualidad" más que de una decisión artística calculada, aunque estuvo de acuerdo en que "debería ser reconocido como un pionero". [56] Cuando un reportero del New York Times de 2006 se refirió a Moore como el progenitor del "pop de dormitorio", Moore respondió que la noción era "hilarante" a la luz de su "amarga lucha por ganarse la vida y conseguir algo de notoriedad, me burlo de ello". ". [57]
En 1979, Tascam presentó Portastudio , la primera grabadora multipista portátil de su tipo que incorpora un enfoque "todo en uno" para sobregrabar , mezclar y rebotar . Esta tecnología permitió a una amplia gama de músicos de círculos underground construir bases de fans mediante la difusión de sus cintas de casete. [58] El crítico musical Richie Unterberger citó a Moore como "uno de los más famosos" de los "pocos artistas en el mundo del casete [que] estableció una reputación, incluso de culto". [50] Desde 1979 hasta principios de la década de 1980, Moore fue miembro del personal de WFMU y presentó un programa semanal "Bedroom Radio". [54] El programa "Low-Fi" de Berger siguió a partir de entonces y estableció efectivamente el lo-fi como un movimiento distinto asociado con el espíritu del punk. [2] El álbum de 1973 de JW Farquhar , The Formal Female , grabado en casa , según el crítico Ned Raggett, también podría considerarse como un precursor de "cualquier número" de artistas independientes de lo-fi, incluidos R. Stevie Moore y el underground de Texas. músico Jandek . [59]
En 1980, el trío galés Young Marble Giants lanzó su único álbum, Colossal Youth , con una instrumentación austera, incluida una caja de ritmos primitiva y un aura decididamente de "dormitorio". Davyd Smith, del Evening Standard , escribió más tarde: "Es difícil imaginar un sonido más lo-fi y poco ambicioso". [60] A lo largo de la década siguiente, las esferas del indie rock del underground estadounidense (bandas como la favorita de la radio universitaria REM [61] ), junto con algunas bandas británicas de post-punk , fueron las exportaciones más destacadas de música lo-fi. Según AllMusic, la variedad estilística de su música a menudo "fluctuaba desde simples canciones de pop y rock hasta estructuras de canciones de forma libre, pasando por puro ruido y experimentalismo artístico". [34] También se desarrollaron escenas similares entre los actos de hip-hop y hardcore punk que intercambiaban casetes de bricolaje . [58] Una de las bandas más reconocidas fue Beat Happening (1984-1992) de K Records , un influyente sello de indie pop . Rara vez fueron conocidos como un grupo "lo-fi" durante sus años activos, y sólo se destacaron por su papel pionero en el movimiento después de que la definición del término evolucionó a mediados de la década de 1990. [62]
Por otra parte, el DJ de WFMU Irwin Chusid fue responsable de inventar y popularizar la categoría de " música outsider ", gran parte de la cual se superpone con lo-fi. [63] Adam Harper da crédito a los músicos externos Daniel Johnston y Jandek por "formar un puente entre el primitivismo de los 80 y el rock indie lo-fi de los 90... ambos músicos introdujeron la noción de que lo-fi no era sólo aceptable pero el contexto especial de algunos músicos extraordinarios y brillantes." [64] Originarios de Nueva Zelanda, a los discos de mediados de los 80 de los Tall Dwarfs se les atribuye haber anticipado el sonido de baja fidelidad. [65] AllMusic escribió que los lanzamientos grabados en casa de Tall Dwarfs presagiaban "el surgimiento de lo que finalmente se denominó 'lo-fi' a medida que el sonido comenzó a ganar prominencia e influencia en el transcurso de las décadas siguientes". [66]
Durante la década de 1990, el uso de la palabra "indie" por parte de los medios evolucionó de la música "producida fuera de los sellos discográficos más grandes de la industria musical" a un estilo particular de rock o música pop visto en los EE. UU. como la "alternativa a la ' alternativa '". [67] Tras el éxito de Nevermind (1991) de Nirvana , el rock alternativo se convirtió en un tema de conversación cultural y, posteriormente, el concepto de un movimiento lo-fi se fusionó entre 1992 y 1994. Centrado en artistas como Guided by Voices , Sebadoh , Beck y Pavement , la mayor parte de los escritos sobre alternativas y lo-fi se alineaban con la Generación X y los estereotipos de " vagos " que se originaron en la novela Generación X de Douglas Coupland y la película Slacker de Richard Linklater (ambas estrenadas en 1991), que llevaron a hasta que el género se denominó " slacker rock ". [68] Parte de la delimitación entre grunge y lo-fi se produjo con respecto a la " autenticidad " de la música. Aunque el líder de Nirvana, Kurt Cobain , era bien conocido por su afición a Johnston, K Records y los Shaggs , había una facción del indie rock que veía al grunge como un género vendido , creyendo que las imperfecciones del lo-fi eran las que daban origen a la música. la música su autenticidad. [69]
En abril de 1993, el término "lo-fi" se hizo popular después de aparecer como titular en The New York Times . [22] El artículo más leído fue publicado por el mismo periódico en agosto de 1994 con el título "Lo-Fi Rockers Opt for Raw Over Slick". A diferencia de una historia similar publicada en el periódico siete años antes, que nunca utilizó "lo-fi" en el contexto de una grabación no profesional, el escritor Matt Deihl combinó "lo-fi" con "bricolaje" y "una calidad de sonido aproximada". . [70] Él escribió:
Esta tradición, también llamada lo-fi, en referencia a la calidad de sonido áspera que resulta de este enfoque, o DIY, acrónimo de "hazlo tú mismo", se distingue por una aversión a las técnicas de grabación más modernas. ... En un mundo de Top 40 estéril y grabado digitalmente, la baja fidelidad aclara las costuras crudas del proceso artístico. [70]
El foco principal de la pieza era Beck y Guided by Voices, quienes recientemente se habían convertido en actos populares en la subcultura del indie rock. [71] Beck, cuyo sencillo de 1994 " Loser " fue grabado en una cocina y alcanzó el top 10 de Billboard , finalmente se convirtió en el artista más reconocible asociado con la etiqueta "lo-fi". [72] Como respuesta al sello "lo-fi", el líder de la banda Guided by Voices, Robert Pollard, negó tener alguna asociación con su supuesto movimiento. Dijo que aunque la banda estaba siendo "defendida como pionera del movimiento lo-fi", no estaba familiarizado con el término y explicó que "[mucha] gente estaba usando máquinas [Tascam] en ese momento. ... Usar un cuatro pistas se volvió tan común que tuvieron que encontrarle una categoría: bricolaje, lo-fi, lo que sea". [73]
En ese momento, el crítico musical Simon Reynolds interpretó el aparente movimiento como una reacción contra la música grunge, "y débil, ya que lo-fi es simplemente grunge con valores de producción aún más grunge". [22] A su vez, dijo, el lo-fi inspiró su propia reacción en forma de " post-rock ". [22] Una reacción contra el grunge y el lo-fi, según AllMusic, fue el pop de cámara , que se basó en gran medida en las ricas orquestaciones de Brian Wilson, Burt Bacharach y Lee Hazlewood . [74]
La "lo-fi" se aplicó de manera inconsistente a lo largo de la década de 1990. En el libro Hop on Pop (2003), Tony Grajeda dijo que en 1995, la revista Rolling Stone "logró etiquetar a todas las demás bandas que presentó en la primera mitad [del año] como de alguna manera lo-fi". [22] Un periodista de Spin atribuyó a Sebadoh III (1991) de Sebadoh la "invención" del lo-fi, caracterizando el género como "el soft rock del punk". [75] [22] Además, prácticamente todos los periodistas hicieron referencia a una creciente cobertura mediática de la música lo-fi sin reconocerse a sí mismos como contribuyentes a la tendencia. [22]
Se publicaron varios libros que ayudaron a "canonizar" los actos de baja fidelidad, generalmente comparándolos favorablemente con músicos mayores. Por ejemplo, Alt-Rock-a-Rama (1995) de Rolling Stone contenía un capítulo titulado "The Lo-Fi Top 10", que mencionaba a Hasil Adkins , the Velvet Underground , Half Japanese , Billy Childish , Beat Happening, Royal Trux , Sebadoh. , Liz Phair , Guiado por voces, Daniel Johnston, Beck y Pavement. [76] Unknown Legends of Rock 'n' Roll de Richie Unterberger : Psychedelic Unknowns, Mad Geniuses, Punk Pioneers, Lo-Fi Mavericks & More y "la comunidad de críticos y fanáticos de ideas afines que lo rodean" fueron especialmente fundamentales en el establecimiento de nociones modernas. de la estética lo-fi. Según Adam Harper: "En resumen, Unknown Legends une los intereses de la generación [de los 80] y la [cultura del casete] y los de [la década de 2000], proporcionando un esbozo inicial, un presagio –un 'plano de campo izquierdo', tal vez- de movimientos de la década del 2000 como la hungología y el pop hipnagógico ". [53]
La etiqueta "lo-fi" también se extendió a actos como Mountain Goats , Nothing Painted Blue , Chris Knox , Alastair Galbraith y Lou Barlow . [2] "Otros artistas importantes a menudo alineados con el lo-fi de la década de 1990", escribió Harper, "como Ween , the Grifters , Silver Jewish , Liz Phair, Smog , Superchunk , Portastatic y Royal Trux han sido omitidos en gran medida debido a la comparativa escasez de su recepción o a su menor relevancia para la estética lo-fi". [72]
Desde finales de la década de 1990 hasta la de 2000, "lo-fi" fue absorbida por el discurso indie habitual, donde perdió en su mayor parte sus connotaciones como subcategoría de indie rock que evocaba "la generación más holgazana", la "soltura" o la "autoconciencia". [77] Pitchfork y The Wire se convirtieron en las principales publicaciones sobre música, mientras que los blogs y sitios web más pequeños asumieron el papel que antes ocupaban los fanzines. [78]
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El auge de las modernas estaciones de trabajo de audio digital disolvió una división tecnológica teórica entre artistas profesionales y no profesionales. [79] Muchos de los actos destacados de lo-fi de la década de 1990 adaptaron su sonido a estándares más profesionales [77] y los músicos "de dormitorio" comenzaron a buscar equipos antiguos como una forma de lograr una auténtica estética de lo-fi, [80] reflejando una tendencia similar en la década de 1990 con respecto al resurgimiento del pop de la era espacial de la década de 1960 y los sintetizadores analógicos. [78] R. Stevie Moore fue citado cada vez más por actos emergentes de lo-fi como una influencia principal. [55] Su defensor más vocal, Ariel Pink , había leído Unknown Legends y luego grabó una versión de una de las pistas incluidas en un CD que venía con el libro ("Bright Lit Blue Skies"). [53] En el momento de su debut discográfico, Pink era visto como un acto novedoso, ya que prácticamente no había otros artistas independientes contemporáneos con un sonido retro lo-fi similar. [2]
Los artistas de lo-fi anteriores generalmente rechazaron la influencia de la radio pop de los 80 que influyó en la mayor parte del sonido de Pink. [81] Posteriormente, surgió un tipo de música denominada "pop hipnagógico" entre los músicos de baja fidelidad y post- ruido que interactuaban con elementos de nostalgia cultural , recuerdos de la infancia y tecnología de grabación obsoleta. La etiqueta fue inventada por el periodista David Keenan en un artículo de agosto de 2009 para The Wire , que incluía a Pink entre sus ejemplos. [82] Pink fue frecuentemente referido como el "padrino" de hipnagógico, chillwave o glo-fi, ya que los nuevos actos asociados con él (estética, personal, geográfica o profesionalmente) atrajeron la atención de los críticos. [83] Según Marc Hogan de Pitchfork, cada una de esas etiquetas describía lo que era esencialmente música psicodélica . [84] Adam Harper reflexionó en 2013 que había una tendencia creciente entre críticos como Simon Reynolds a exagerar la influencia de Pink al no reconocer a predecesores como R. Stevie Moore y Martin Newell de los Limpiadores de Venus . [53]
A finales de la década de 2010, una forma de música downtempo etiquetada como " hip hop lo-fi " o "chillhop" se hizo popular entre los transmisores de música de YouTube. Varios de estos canales de YouTube atrajeron millones de seguidores. La base de este estilo provino principalmente de productores como Nujabes y J Dilla . [85]
