Black Vaudeville es un término que describe específicamente a los artistas afroamericanos de la era del vodevil y los entornos de danza, música y representaciones teatrales que crearon. Abarcando los años comprendidos entre la década de 1880 y principios de la de 1930, estos actos no sólo trajeron elementos e influencias exclusivos de la cultura negra estadounidense directamente a los afroamericanos, sino que finalmente los extendieron más allá de la sociedad blanca estadounidense y de Europa.
El vodevil tenía lo que se conocía como "circuitos", lugares que contrataban artistas en gira. El racismo dificultaba que un artista negro fuera aceptado en los circuitos blancos de la época, aunque algunos artistas tenían un atractivo cruzado. La Asociación de Reservas de Propietarios de Teatros (TOBA) se creó para que los artistas negros obtuvieran reservas constantes en teatros que atendieran al público negro. Finalmente, TOBA fue reemplazado en la década de 1930 por "circuitos chitlin'", que surgieron para vincular a los artistas negros y las oportunidades de entretenimiento.
El vodevil americano comenzó a principios de la década de 1880, al final de la Reconstrucción , y terminó con el auge del cine hablado y la Gran Depresión a principios de la década de 1930. [1] [2] Cada espectáculo de vodevil contenía varios actos diferentes, que podían incluir canto, baile, comedia y actos novedosos. Con sus raíces en los espectáculos de variedades y juglares de mediados del siglo XIX, era común en el vodevil que los artistas blancos interpretaran estereotipos racistas de los estadounidenses negros, utilizando Blackface , canciones de juglares y canciones de mapaches en sus actos. [3]
Los estadounidenses negros talentosos vieron trabajar en Vaudeville como una alternativa más rentable y satisfactoria que los trabajos laborales y domésticos que estaban disponibles para ellos en el siglo XIX. [1] Aunque algunos de los primeros artistas negros trabajaron dentro de los estereotipos, usando Blackface y escribiendo canciones de mapaches ellos mismos, [4] otros desafiaron estos estereotipos con ironía y humor, [5] o interpretaron y produjeron actos que eran más auténticos para sus talentos y experiencia. . [3] Al tocar para audiencias blancas y negras, así como para audiencias "mixtas" con asientos separados, las agencias de reservas nacionales les pagaban menos que a sus homólogos blancos y se enfrentaban a discriminación en el alojamiento y las reservas. Los espectáculos para audiencias blancas se limitaron a un solo acto negro por espectáculo [6] aunque una huelga de actores blancos en 1901 abrió las puertas a los artistas afroamericanos. [7] Algunos artistas negros optaron por trabajar sólo para audiencias negras; [8] otros formaron sus propias compañías de gira, [9] organizaciones laborales, [10] agencias de reservas y circuitos teatrales. [11]
Antes de 1912, cuando Sherman H. Dudley creó el Coloured Consolidated Vaudeville Exchange, los principales circuitos de vodevil generalmente incluían sólo a los directores de teatros que atendían a audiencias blancas. [12] Pero los primeros empresarios negros como Pat Chappelle organizaron espectáculos itinerantes y circuitos más pequeños para audiencias blancas y negras y ayudaron a allanar el camino para los artistas afroamericanos.
Chappelle (1869-1911) fue un showman negro de Jacksonville, Florida . Aprendió los entresijos del mundo del espectáculo de su tío Julius C. Chappelle , quien le permitió conocer a Franklin Keith y Edward F. Albee , productores de vodevil . Pat terminó trabajando para Keith y Albee como pianista. Durante su debut en vodevil, conoció a Edward Elder Cooper , un periodista interesado en el entretenimiento negro y el primero en escribir un diario sobre la raza afroamericana en 1891.
En 1898, Chappelle organizó su primer espectáculo itinerante, Imperial Colored Minstrels (o Famous Imperial Minstrels), [13] que contó con el comediante Arthur "Happy" Howe y realizó giras con éxito por el Sur . [14] [15] Chappelle también abrió una sala de billar en el distrito comercial de Jacksonville. Remodelado como Excelsior Hall, se convirtió en el primer teatro propiedad de negros en el sur y, según se informa, tiene capacidad para 500 personas. [16] [17]
En 1899, tras una disputa con el propietario blanco del Excelsior Hall, JET Bowden , que también era alcalde de Jacksonville , Chappelle cerró el teatro y se mudó a Tampa, donde, junto con su colega empresario afroamericano RS Donaldson, abrió un nuevo teatro. Casa de vodevil, la Buckingham, en el barrio de Fort Brooke . El Teatro de Buckingham se inauguró en septiembre de 1899 y, a los pocos meses, se informó que estaba "lleno de cubanos, españoles, negros y blancos todas las noches". [16] En diciembre de 1899, Chappelle y Donaldson abrieron un segundo teatro, el Mascotte, más cerca del centro de Tampa. [16] [13] Otro periodista dijo: "Estos teatros han demostrado ser minas de oro en miniatura".
Su siguiente proyecto fue un espectáculo itinerante llamado A Rabbit's Foot . La diferencia entre esta gira y las anteriores era que el elenco era de sesenta personas y todos los artistas se sentirían cómodos. Si un artista negro pudiera hacer una gira en un circuito blanco, no se le permitiría dormir en los hoteles cuando parara a descansar, porque los hoteles no lo permitirían. Dormían en el autobús porque era mejor que el suelo. [18] En la gira de Chappelle, Freeman describió su alojamiento de viaje como "su propio tren de nuevos vagones comedor y dormitorio, que se dice, cuando esté terminado, será un 'palacio sobre ruedas'". Al igual que su espectáculo Famous Imperial Minstrel, A Rabbit's Foot contenía juglar y una variedad de actos manteniendo el esperado toque de vodevil en la puesta en escena. Chappelle ofreció un espectáculo para todos. [19]
A mediados de 1900, Chappelle decidió llevar el espectáculo a los cines en lugar de hacerlo bajo tiendas de campaña, primero en Paterson, Nueva Jersey , y luego en Brooklyn, Nueva York . En octubre de 1901, la compañía lanzó su segunda temporada, con una lista de artistas nuevamente dirigida por el comediante Arthur "Happy" Howe, y realizó giras por Alabama , Mississippi , Georgia y Florida . El espectáculo ganó popularidad a lo largo de los primeros años del siglo y se presentó tanto en teatros como en carpas. [16] [13] Comercializando como Chappelle Bros., [15] Pat Chappelle y sus hermanos, James E. Chappelle y Lewis W. Chappelle, organizaron rápidamente un pequeño circuito de vodevil, que incluía salas de teatro en Savannah, Georgia , así como en Jacksonville. y Tampa. En 1902 se decía que el Circuito Chappelle Bros. tenía el control total del negocio de vodevil afroamericano en esa parte del país, "capaz de dar de 12 a 14 semanas [de empleo] a al menos 75 artistas y músicos" cada uno. estación. [14]
Chappelle afirmó que había "logrado lo que ningún otro negro ha hecho: ha dirigido con éxito un espectáculo negro sin la ayuda de un solo hombre blanco". [16] A medida que su negocio crecía, pudo ser propietario y administrar múltiples espectáculos en carpas, y Rabbit's Foot Company viajaba hasta dieciséis estados en una temporada. El espectáculo incluía actuaciones de juglares, bailarines, actos de circo, comedia, piezas de conjuntos musicales, drama y ópera clásica, [20] y era conocido como uno de los pocos espectáculos de vodevil "auténticos negros" que existen. Viajó con mayor éxito al sureste y suroeste, y también a Manhattan y Coney Island . [21]
En 1904, el espectáculo Rabbit's Foot se había ampliado hasta llenar tres vagones de ferrocarril Pullman y se anunciaba como "el espectáculo negro líder en Estados Unidos". [22] Para la temporada 1904-05, la compañía incluyó stands de una semana en Washington, DC y Baltimore, Maryland . Dos de sus intérpretes más populares fueron el comediante Charles "Cuba" Santana y el trombonista Amos Gilliard. [16] Otro artista, William Rainey, trajo a su joven esposa Gertrude (más tarde conocida como "Ma" Rainey) para unirse a la compañía en 1906. [16] Ese año, Chappelle lanzó una segunda compañía de tiendas de campaña itinerante, Funny Folks Comedy Company. con artistas alternando entre las dos compañías. El negocio continuó expandiéndose, aunque en agosto de 1908, uno de los vagones de ferrocarril de Pullman Company utilizados en el espectáculo se quemó hasta los cimientos en Shelby, Carolina del Norte , mientras varios de los artistas dormían. Chappelle encargó rápidamente un nuevo carruaje y una carpa redonda de veinticinco metros para que el espectáculo pudiera continuar la semana siguiente. [17]
Pat Chappelle murió de una enfermedad no especificada en octubre de 1911, a la edad de 42 años, y la Rabbit's Foot Company fue comprada en 1912 por Fred Swift Wolcott (1882-1967), un granjero blanco originario de Michigan , que había sido propietario de una pequeña empresa de carnaval, FS Wolcott. Carnavales. Wolcott mantuvo la compañía Rabbit's Foot como un espectáculo itinerante, [23] inicialmente como propietario y gerente, y atrajo nuevos talentos, incluida la cantante de blues Ida Cox , que se unió a la compañía en 1913. "Ma" Rainey también incorporó a la joven Bessie Smith a la compañía. , y trabajó con ella hasta que Smith se fue en 1915. La base de gira del programa se mudó a la plantación Glen Sade de 1,000 acres de Wolcott en las afueras de Port Gibson, Mississippi en 1918, con oficinas en el centro de la ciudad. Wolcott comenzó a referirse al espectáculo como un "espectáculo de juglar", un término que Chappelle había evitado, aunque un miembro de su compañía, el trombonista Leon "Pee Wee" Whittaker, lo describió como "un buen hombre" que cuidaba de sus intérpretes. [16] Cada primavera, músicos de todo el país se reunían en Port Gibson para crear un espectáculo musical, de comedia y de variedades para actuar bajo un lienzo. En su libro La historia del blues , Paul Oliver escribió: [24]
Los 'Foots' viajaban en dos autos y tenían una carpa de 80' x 110' que era levantada por los peones y encuestadores, mientras una banda de música desfilaba en la ciudad para anunciar la llegada del espectáculo... El escenario sería de tablas. sobre un marco plegable y las linternas Coleman (lámparas de repisa de gasolina) actuaban como candilejas. No había micrófonos; los cantantes con voces más débiles usaban un megáfono, pero la mayoría de las cantantes de blues destacadas despreciaban tales ayudas para aumentar el volumen...
La compañía, en ese momento conocida como "FS Wolcott's Original Rabbit's Foot Company" o "FS Wolcott's Original Rabbit's Foot Minstrels", continuó realizando sus giras anuales durante las décadas de 1920 y 1930, tocando en pueblos pequeños durante la semana y en ciudades más grandes los fines de semana. El espectáculo proporcionó una base para las carreras de muchos músicos y artistas afroamericanos destacados, incluidos Butterbeans y Susie , Tim Moore , Big Joe Williams , Louis Jordan , George Guesnon , Leon "Pee Wee" Whittaker, Brownie McGhee y Rufus Thomas . Wolcott siguió siendo su gerente general y propietario hasta que vendió la empresa en 1950 a Earl Hendren de Erwin, Tennessee , quien a su vez la vendió en 1955 a Eddie Moran de Monroe, Luisiana , cuando todavía cotizaba bajo el nombre de Wolcott. [16] Los registros sugieren que su última actuación fue en 1959. [25]
A medida que el vodevil se hizo más popular, aumentó la competencia por el acto "más llamativo". A medida que el juglar se volvió menos popular, se crearon otros tipos de movimiento que se llevaron al escenario de vodevil. Un artista llamado Benjamín Franklin tenía un acto que fue descrito por el líder de su grupo de juglares: "baila un vals con un cubo de agua en la cabeza y toca la trompa al mismo tiempo". [26]
La danza era un entretenimiento aceptado en casi todos los espacios del cartel de un espectáculo de vodevil. El tap , con orígenes en África y Europa, era un estilo que se veía a menudo. [27] Hamboning había sido una forma para que los artistas crearan ritmos de percusión golpeando o golpeando sus pechos y muslos. En las décadas de 1870 y 1880, el hamboning se mezclaba con bailes con zuecos y jigs irlandeses para crear tap. [ cita necesaria ]
Vaudeville vio dos tipos de tap: buck-and-wing y zapato blando cuatro-cuatro . Buck-and-wing consistía en movimientos de deslizamiento, deslizamiento y pisotones a altas velocidades. El ala era una parte en la que, al saltar, los pies seguían bailando en el aire. El zapato blando era más relajado y elegante. Se agregaron placas de metal a la parte inferior de las zapatas de claqué para crear un sonido de percusión más fuerte. Sin embargo, después de unas pocas rutinas de baile cortas, el escenario de vodevil de madera blanda se desmoronaba fácilmente. Los propietarios del teatro reemplazaron la sección del escenario que estaba frente al telón con arce duradero , lo que les evitó cambiar todo el escenario y les permitió presentar actos "en un solo número" realizados con el telón como telón de fondo mientras el Se cambió el set para el siguiente acto. Esto mantuvo al público entretenido y, lo que es más importante, tranquilo.
Entre los bailarines de claqué famosos de la época que aún hoy son muy recordados se encuentran Buster Brown and the Speed Kings , Beige & Brown, Nicholas Brothers y Bill "Bojangles" Robinson . [18] Alice Whitman de las Whitman Sisters fue muy elogiada por sus habilidades tanto en ballet como en claqué. [28] La bailarina y coreógrafa Aida Overton Walker era conocida como la reina del vodevil del Cakewalk . [29]
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Los músicos y compositores negros de la era del vodevil influyeron en lo que hoy se conoce como comedia musical estadounidense , jazz , blues y teatro musical de Broadway . La música popular de la época era el ragtime , una forma animada desarrollada a partir de la música folclórica negra en la que destacaban el piano y el banjo. [30] El ritmo rápido de Ragtime coincidía con el ritmo del espectáculo tipo revista de vodevil.
Thomas Greene Bethune o ("Blind Tom") compuso 100 piezas y pudo tocar más de 7.000. Fue explotado por el dueño de esclavos, John Benthune. Por ejemplo, John dejó que Tom actuara para ganar dinero. “Blind Tom” ganó 100.000 dólares en 1866 y sólo recibió 3.000 dólares de esto. John William Boone era un compañero pianista ciego, profesional a la edad de catorce años, conocido como “Blind Boone”. John y Tom compartieron un estilo de piano ragtime de "jig piano". Consistía en que la mano izquierda tocaba el ritmo de la tuba mientras que la mano derecha tocaba las melodías del violín y el banjo. Esta música retrataba danzas de esclavos, incluyendo ritmos en ocasiones creados por el único instrumento que tenían, sus cuerpos. [31]
Otros compositores y compositores negros exitosos de la era del vodevil fueron Ernest Hogan , Bob Cole , Rosamond Johnson , George Johnson , Tom Lemonier , Gussie L. Davis , Chris Smith , Irving Jones , Turner Layton y Henry Creamer . [32]
Las Hermanas Hyers , que comenzaron a actuar a finales de la década de 1870, y Sissieretta Jones , que abandonó la ópera clásica para dirigir una compañía itinerante de vodevil, fueron pioneras del Teatro Musical Negro. El pianista y compositor de jazz Eubie Blake se inició en el vodevil de la década de 1920, [33] al igual que Louis Armstrong y otros músicos de jazz. [34] [35] Entre las cantantes de blues negras notables que comenzaron en el escenario de Vaudeville se encuentran Ma Rainey , Bessie Smith , Clara Smith , Mamie Smith , Mamie Brown, Ida Cox y Edmonia Henderson . [36] Otro lugar para músicos e intérpretes prometedores era el espectáculo de circo. [37]
La comedia fue uno de los pilares del vodevil; Los actos de canto y baile a menudo incorporaban la comedia en su rutina. Los comediantes negros respondieron a los estereotipos cómicos predominantes de Blackface exagerándolos hasta el punto de lo absurdo o agregando su propia autenticidad y estilo con más matices. Los cómics negros populares en Vaudeville incluyeron a Bert Williams , George Walker , Bob Cole , Ernest Hogan , Billy Kersands , Irving Jones , Charlie Case , Ernie Sunshine Morrison y el dúo Flourney Miller y Aubrey Lyles . [38] Las comediantes generalmente actuaban como complemento de una pareja masculina; Moms Mabley fue la primera en crear su propio acto en solitario en la década de 1920, y finalmente lo llevó del circuito de Chitlin a la corriente principal. [39] Los artistas Florence Hines y Andrew Tribble utilizaron el travestismo en sus rutinas de comedia. [40] [41]
En 1903, la compañía de teatro cómico The Smart Set , con el intérprete Ernest Hogan y el escritor e intérprete Billy McClain , rompió con los estereotipos anteriores de juglar y presentó a los afroamericanos como más elegantes y sofisticados, y realizaban giras por todo el Norte y el Sur. Aunque recibieron buenas críticas, algunos propietarios de cines blancos del sur se negaron a reservarlos porque no cumplían con los estereotipos comunes. Sherman H. Dudley asumió más tarde el cargo de productor y comediante principal de esta compañía, seguido por Salem Tutt Whitney , quien creó Southern Smart Set en la década de 1910. El productor Alexander Tolliver también usó el nombre Smart Set en su programa de variedades Big Tent, que se basó en gran medida en el desarrollo de melodías de blues y jazz, e incluyó actos novedosos y acróbatas. El espectáculo de Tolliver, con un equipo exclusivamente negro, comenzó en 1914 y continuó siendo popular entre el público blanco y negro hasta 1930. [16]
A medida que creció la industria del entretenimiento en vivo, los actores, cantantes, comediantes, músicos, bailarines y acróbatas comenzaron a contratar agentes para reservar sus actuaciones. [18] Surgieron asociaciones de reservas que desempeñaban un papel de intermediario entre los agentes y los propietarios de los cines. Teatros como el Teatro Pekin de Chicago y el Teatro Lafayette de la ciudad de Nueva York fueron creados y administrados por empresarios negros para artistas y públicos negros. El circuito de teatro de vodevil negro dominante de la época era la Asociación de Reservas de Propietarios de Teatros (TOBA), conocida entre los artistas de color de la época como "Tough On Black Actors". [42] La gestión de TOBA fue interracial; El empresario negro Sherman H. Dudley sentó las bases de TOBA en 1912 con su circuito de teatros de propiedad negra, continuó administrando su parte del circuito de teatros de TOBA y ocupó un puesto en la junta directiva de TOBA. [10] [12]
TOBA se disolvió en 1930; para entonces habían comenzado los "circuitos chitlin'" para artistas negros. El nombre proviene de un plato regional del sur asociado con los negros y su herencia esclava, los “ chitlins ”, codillos e intestinos de cerdo fritos. Los grupos de gira del circuito de Chitlin a menudo se veían obligados a actuar en lugares como auditorios escolares porque los teatros no siempre estaban disponibles para ellos debido a la segregación . [42] También viajaban directamente a los barrios negros para llevarles entretenimiento. El contenido de los espectáculos en gira era melodramático y ridículo, diseñado para disfrutarse en el momento. [42]
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