Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi ( c. 1445 [ 1 ] - 17 de mayo de 1510), más conocido como Sandro Botticelli (/ˌbɒtɪˈtʃɛl i / BOT - ih - CHEL - ee ; italiano : [ ˈsandro bottiˈtʃɛlli ] ) o simplemente Botticelli , fue un pintor italiano del Renacimiento temprano . La reputación póstuma de Botticelli sufrió hasta finales del siglo XIX, cuando fue redescubierto por los prerrafaelistas que estimularon una reevaluación de su obra. Desde entonces, se ha considerado que sus pinturas representan la gracia lineal del gótico italiano tardío y algunas pinturas del Renacimiento temprano, aunque datan de la segunda mitad del período del Renacimiento italiano .
Además de los temas mitológicos por los que es más conocido hoy en día, Botticelli pintó una amplia gama de temas religiosos (incluidas docenas de representaciones de la Virgen con el Niño , muchas en forma de tondo redondo ) y también algunos retratos. Sus obras más conocidas son El nacimiento de Venus y La primavera , ambas en los Uffizi de Florencia , que albergan muchas de las obras de Botticelli. [5] Botticelli vivió toda su vida en el mismo barrio de Florencia; sus únicos momentos significativos en otro lugar fueron los meses que pasó pintando en Pisa en 1474 y la Capilla Sixtina en Roma en 1481-82. [6]
Sólo una de las pinturas de Botticelli, la Natividad Mística ( Galería Nacional , Londres), está inscrita con una fecha (1501), pero otras pueden fecharse con distintos grados de certeza sobre la base de registros de archivo, por lo que el desarrollo de su estilo puede rastrearse con cierta confianza. Fue un maestro independiente durante toda la década de 1470, en la que su reputación se disparó. La década de 1480 fue su década de mayor éxito, aquella en la que completó sus grandes pinturas mitológicas junto con muchas de sus vírgenes más famosas. En la década de 1490, su estilo se volvió más personal y hasta cierto punto amanerado. Sus últimas obras lo muestran moviéndose en una dirección opuesta a la de Leonardo da Vinci (siete años menor que él) y la nueva generación de pintores que crearon el estilo del Alto Renacimiento , y en cambio regresando a un estilo que muchos han descrito como más gótico o "arcaico".
Botticelli nació en la ciudad de Florencia, en una casa de la calle que todavía hoy se llama Borgo Ognissanti. Vivió en la misma zona toda su vida y fue enterrado en la iglesia de su barrio, llamada Ognissanti ("Todos los Santos"). Sandro fue uno de los varios hijos del curtidor Mariano di Vanni d'Amedeo Filipepi y su esposa Smeralda Filipepi, y el más joven de los cuatro que sobrevivieron hasta la edad adulta. [7] [5] No se conoce la fecha de su nacimiento, pero las declaraciones de impuestos de su padre de los años siguientes indican que tenía dos años en 1447 y trece en 1458, lo que significa que debe haber nacido entre 1444 y 1446. [8]
En 1460, el padre de Botticelli abandonó su actividad como curtidor y se convirtió en batidor de oro junto con su otro hijo, Antonio. Esta profesión habría puesto a la familia en contacto con una amplia gama de artistas. [9] Giorgio Vasari , en su Vida de Botticelli, informó que Botticelli se formó inicialmente como orfebre . [10]
El barrio de Ognissanti era "un barrio modesto, habitado por tejedores y otros trabajadores", [11] pero había algunas familias ricas, sobre todo los Rucellai, un clan adinerado de banqueros y comerciantes de lana. El cabeza de familia, Giovanni di Paolo Rucellai , encargó el famoso Palazzo Rucellai , un hito en la arquitectura renacentista italiana , a Leon Battista Alberti , entre 1446 y 1451, los primeros años de Botticelli. En 1458, la familia de Botticelli alquilaba su casa a los Rucellai, que era sólo uno de los muchos negocios que involucraban a las dos familias. [11]
En 1464, su padre compró una casa en la cercana Via Nuova (ahora llamada Via della Porcellana) en la que Sandro vivió desde 1470 (si no antes) hasta su muerte en 1510. [12] Botticelli vivió y trabajó en la casa (una práctica bastante inusual) a pesar de que sus hermanos Giovanni y Simone también residían allí. [13] Los vecinos más notables de la familia fueron los Vespucci, incluido Amerigo Vespucci , en cuyo honor se nombró a las Américas. Los Vespucci eran aliados de los Medici y, finalmente, mecenas habituales de Botticelli. [12]
El apodo Botticelli, que significa «pequeño barril», deriva del apodo del hermano de Sandro, Giovanni, a quien llamaban Botticello al parecer por su rechoncha estatura. Un documento de 1470 se refiere a Sandro como «Sandro Mariano Botticelli», lo que significa que había adoptado plenamente el nombre. [8]
Desde alrededor de 1461 o 1462 Botticelli fue aprendiz de Fra Filippo Lippi , uno de los principales pintores florentinos y favorito de los Medici. [14] Fue de Lippi que Botticelli aprendió a crear composiciones íntimas con hermosas figuras melancólicas dibujadas con contornos claros y solo ligeros contrastes de luz y sombra. Durante gran parte de este período, Lippi se estableció en Prato , a unas pocas millas al oeste de Florencia, pintando frescos en el ábside de lo que ahora es la Catedral de Prato . Botticelli probablemente dejó el taller de Lippi en abril de 1467, cuando este último fue a trabajar a Spoleto . [15] Se ha especulado mucho sobre si Botticelli pasó un período de tiempo más corto en otro taller, como el de los hermanos Pollaiuolo o Andrea del Verrocchio . Sin embargo, aunque ambos artistas tuvieron un fuerte impacto en el desarrollo del joven Botticelli, la presencia del joven artista en sus talleres no se puede probar definitivamente. [16]
Lippi murió en 1469. Botticelli ya debía tener su propio taller y en junio de ese año le encargaron un panel de la Fortaleza (Florencia, Galleria degli Uffizi) para acompañar un conjunto de las Siete Virtudes encargado un año antes a Piero del Pollaiuolo . [17] El panel de Botticelli adopta el formato y la composición del de Piero, pero presenta una figura más elegante y con una pose más natural e incluye una serie de "enriquecimientos fantasiosos para mostrar la pobreza de invención ornamental de Piero". [18]
En 1472 Botticelli contrató a su primer aprendiz, el joven Filippino Lippi , hijo de su maestro. [19] Las obras de Botticelli y Filippino de estos años, incluidas muchas pinturas de la Virgen con el Niño , suelen ser difíciles de distinguir entre sí. Los dos también colaboraron de manera rutinaria, como en los paneles de un par de cassoni desmantelados , ahora divididos entre el Louvre , la Galería Nacional de Canadá , el Museo Condé en Chantilly y la Galería Pallavicini en Roma. [20]
El retablo más antiguo que se conserva de Botticelli es una gran sacra conversazione de alrededor de 1470-72, que se encuentra actualmente en los Uffizi. La pintura muestra el dominio temprano de la composición de Botticelli, con ocho figuras dispuestas con una "sencilla naturalidad en un entorno arquitectónico cerrado". [21]
Otra obra de este período es el San Sebastián en Berlín, pintado en 1474 para un muelle en Santa Maria Maggiore , Florencia. [22] Esta obra fue pintada poco después del retablo mucho más grande del mismo santo de los hermanos Pollaiuolo (Londres, National Gallery). Aunque el santo de Botticelli es muy similar en pose al del Pollaiuolo, también es más tranquilo y equilibrado. El cuerpo casi desnudo está dibujado con mucho cuidado y es anatómicamente preciso, lo que refleja el estudio minucioso del cuerpo humano por parte del joven artista. El delicado paisaje invernal, que hace referencia a la festividad del santo en enero, está inspirado en la pintura flamenca temprana contemporánea , muy apreciada en los círculos florentinos. [23]
A principios de 1474, las autoridades de Pisa pidieron a Botticelli que se uniera a los frescos del Camposanto , un proyecto de gran prestigio que en su mayor parte estaba a cargo de Benozzo Gozzoli , que invirtió casi veinte años en él. Se han registrado varios pagos hasta septiembre, pero no se ha conservado ninguna obra y parece que lo que Botticelli empezó no se terminó. No obstante, el hecho de que Botticelli fuera contactado desde fuera de Florencia demuestra que su reputación estaba en aumento. [24]
La Adoración de los Magos para Santa Maria Novella ( c. 1475-1476 , ahora en los Uffizi , y la primera de 8 Adoraciones ), [25] fue elogiada por Vasari y se encontraba en una iglesia muy visitada, lo que difundió su reputación. Puede considerarse como el punto culminante del estilo temprano de Botticelli. A pesar de haber sido encargada por un cambista, o tal vez prestamista, no conocido por ser aliado de los Medici, contiene los retratos de Cosimo de Medici , sus hijos Piero y Giovanni (todos ellos ya fallecidos) y sus nietos Lorenzo y Giuliano . También hay retratos del donante y, en opinión de la mayoría, del propio Botticelli, de pie al frente a la derecha. La pintura fue celebrada por la variedad de ángulos desde los que están pintados los rostros y de sus expresiones. [26]
Un gran fresco para la aduana de Florencia, que hoy se ha perdido, representaba la ejecución en la horca de los líderes de la conspiración de los Pazzi de 1478 contra los Medici. Era una costumbre florentina humillar a los traidores de esta manera, mediante la llamada " pittura infamante ". [27] Este fue el primer encargo importante de un fresco para Botticelli (aparte de la fallida excursión a Pisa), y puede haber llevado a su citación a Roma. La figura de Francesco Salviati, arzobispo de Pisa , fue retirada en 1479, después de las protestas del Papa, y el resto fue destruido después de la expulsión de los Medici y el regreso de la familia Pazzi en 1494. [28] Otra obra perdida fue un tondo de la Virgen encargado por un banquero florentino en Roma para presentárselo al cardenal Francesco Gonzaga ; esto tal vez difundió el conocimiento de su obra en Roma. Un fresco del Palazzo Vecchio , sede del estado florentino, se perdió en el siglo siguiente cuando Vasari remodeló el edificio. [29]
En 1480, la familia Vespucci encargó un fresco con la figura de San Agustín para los Ognissanti, su iglesia parroquial, y la de Botticelli. Otra persona, probablemente la orden que dirigía la iglesia, [30] encargó a Domenico Ghirlandaio que hiciera un San Jerónimo de frente ; ambos santos aparecen escribiendo en sus estudios, que están abarrotados de objetos. Como en otros casos, esa competencia directa "siempre fue un incentivo para que Botticelli desplegara todos sus poderes", y el fresco, ahora el más antiguo que se conserva, es considerado como el mejor por Ronald Lightbown . [31] El libro abierto sobre el santo contiene una de las bromas pesadas por las que Vasari dice que era conocido. La mayor parte del "texto" son garabatos, pero una línea dice: "¿Dónde está el hermano Martino? Salió. ¿Y adónde fue? Está fuera de Porta al Prato", probablemente un diálogo escuchado de los Umiliati , la orden que dirigía la iglesia. Lightbown sugiere que esto muestra que Botticelli pensaba que "el ejemplo de Jerónimo y Agustín probablemente sería arrojado a la basura en los Umiliati tal como los conocía". [32]
.jpg/1280px-Eventos_de_la_vida_de_Mois%C3%A9s_(Sandro_Botticelli).jpg)
En 1481, el papa Sixto IV convocó a Botticelli y a otros destacados artistas florentinos y umbros para pintar frescos en las paredes de la recién terminada Capilla Sixtina . Este gran proyecto iba a ser la decoración principal de la capilla. La mayoría de los frescos permanecen, pero están eclipsados y perturbados por el trabajo de Miguel Ángel del siglo siguiente, ya que algunos de los frescos anteriores fueron destruidos para dejar espacio para sus pinturas. [33] Se cree que la contribución florentina fue parte de un acuerdo de paz entre Lorenzo Medici y el papado. Después de que Sixto se viera implicado en la conspiración de los Pazzi, las hostilidades habían escalado hasta la excomunión de Lorenzo y otros funcionarios florentinos y una pequeña "Guerra de los Pazzi". [34]
El esquema iconográfico consistía en un par de ciclos, enfrentados en los lados de la capilla, de la Vida de Cristo y la Vida de Moisés , que juntos sugerían la supremacía del papado. La contribución de Botticelli incluía tres de las catorce grandes escenas originales: las Tentaciones de Cristo , La juventud de Moisés y El castigo de los hijos de Coré (o varios otros títulos), [35] así como varios de los retratos imaginarios de papas en el nivel superior, y pinturas de temas desconocidos en los lunetos de arriba, donde ahora se encuentra el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel . Es posible que también haya realizado una cuarta escena en la pared del fondo opuesta al altar, ahora destruida. [36] Cada pintor trajo un equipo de asistentes de su taller, ya que el espacio a cubrir era considerable; cada uno de los paneles principales mide unos 3,5 por 5,7 metros, y el trabajo se realizó en unos pocos meses. [37]
Vasari da a entender que Botticelli recibió la responsabilidad artística general del proyecto, pero los historiadores del arte moderno creen que es más probable que Pietro Perugino , el primer artista en ser contratado, fuera el que recibió este papel, si es que alguien lo recibió. [38] Los temas y muchos detalles que se enfatizarían en su ejecución fueron sin duda entregados a los artistas por las autoridades del Vaticano. Los esquemas presentan un programa complejo y coherente que afirma la supremacía papal, y están más unificados en esto que en su estilo artístico, aunque los artistas siguen una escala consistente y un diseño compositivo amplio, con multitudes de figuras en primer plano y principalmente paisaje en la mitad superior de la escena. Teniendo en cuenta las pilastras pintadas que separan cada escena, el nivel del horizonte coincide entre escenas, y Moisés viste las mismas ropas amarillas y verdes en sus escenas. [39]
Botticelli se diferencia de sus colegas en que impone una composición más insistente, similar a un tríptico , dividiendo cada una de sus escenas en un grupo central principal con dos grupos flanqueantes a los lados, que muestran diferentes incidentes. [40] En cada una de ellas, la figura principal de Cristo o Moisés aparece varias veces, siete en el caso de El joven Moisés . [41] Los treinta retratos inventados de los primeros papas parecen haber sido principalmente responsabilidad de Botticelli, al menos en lo que respecta a la producción de los cartones. De los que sobrevivieron, la mayoría de los estudiosos coinciden en que diez fueron diseñados por Botticelli, y cinco probablemente al menos en parte por él, aunque todos han sido dañados y restaurados. [42]
El castigo de los hijos de Coré contiene lo que para Botticelli fue una copia inusualmente cercana, si no exacta, de una obra clásica. Se trata de la representación que se encuentra en el centro del lado norte del Arco de Constantino en Roma, que repitió alrededor de 1500 en La historia de Lucrecia . [43] Si aparentemente no pasaba su tiempo libre en Roma dibujando antigüedades, como muchos artistas de su época estaban muy interesados en hacer, parece que pintó allí una Adoración de los Magos , ahora en la National Gallery of Art en Washington. [44] En 1482 regresó a Florencia y, aparte de sus frescos perdidos para la villa de los Médici en Spedaletto un año más tarde, no hay registros de más viajes fuera de casa. Es posible que hubiera estado fuera desde julio de 1481 hasta, como muy tarde, mayo de 1482. [45]
Las obras maestras Primavera (c. 1482) y El nacimiento de Venus (c. 1485) no forman un par, pero inevitablemente se las analiza juntas; ambas se encuentran en los Uffizi . Se encuentran entre las pinturas más famosas del mundo y son iconos del Renacimiento italiano . Como representaciones de temas de la mitología clásica a gran escala, prácticamente no tenían precedentes en el arte occidental desde la antigüedad clásica. Junto con Venus y Marte y Palas y el Centauro , obras más pequeñas y menos celebradas, han sido analizadas sin cesar por los historiadores del arte , siendo los temas principales: la emulación de los pintores antiguos y el contexto de las celebraciones nupciales, la influencia del neoplatonismo renacentista y la identidad de los comisarios y los posibles modelos para las figuras. [46]
Aunque todas ellas tienen distintos grados de complejidad en sus significados, también tienen un atractivo visual inmediato que explica su enorme popularidad. Todas muestran figuras femeninas dominantes y hermosas en un mundo idílico de sentimientos, con un elemento sexual. La atención académica continua se centra principalmente en la poesía y la filosofía de los humanistas renacentistas contemporáneos . Las obras no ilustran textos particulares; más bien, cada una se basa en varios textos para su significado. Su belleza fue caracterizada por Vasari como un ejemplo de "gracia" y por John Ruskin como poseedora de un ritmo lineal. Las imágenes muestran el estilo lineal de Botticelli en su forma más efectiva, enfatizado por los suaves contornos continuos y los colores pastel. [47]
Vasari vio la Primavera y el Nacimiento a mediados del siglo XVI en la Villa di Castello , propiedad desde 1477 de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, y hasta la publicación en 1975 de un inventario de los Medici de 1499, [48] se suponía que ambas obras fueron pintadas específicamente para la villa. Estudios recientes sugieren lo contrario: la Primavera fue pintada para la casa de Lorenzo di Pierfrancesco en Florencia, y El nacimiento de Venus fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. [49]
Botticelli pintó sólo un pequeño número de temas mitológicos, pero probablemente sean sus obras más conocidas. Un panel mucho más pequeño que los que hemos comentado antes es su Venus y Marte, que se encuentra en la National Gallery de Londres. Su tamaño y forma sugieren que se trata de una spalliera , una pintura hecha para encajar en un mueble o, más probablemente en este caso, en un revestimiento de madera. Las avispas que zumban alrededor de la cabeza de Marte sugieren que puede haber sido pintada para un miembro de sus vecinos, la familia Vespucci, cuyo nombre significa "pequeñas avispas" en italiano, y que presentaba avispas en su escudo de armas. Marte yace dormido, presumiblemente después de hacer el amor, mientras Venus observa cómo unos sátiros infantiles juegan con su equipo militar, y uno intenta despertarlo soplando una caracola en su oído. Sin duda, la pintura fue donada para celebrar un matrimonio y decorar el dormitorio. [50]
Tres de estas cuatro grandes mitologías presentan a Venus , una figura central en el neoplatonismo renacentista , que le dio al amor divino un lugar tan importante en su filosofía como el cristianismo. La cuarta, Palas y el Centauro, está claramente conectada con los Médici por el símbolo en el vestido de Palas. Las dos figuras son aproximadamente de tamaño natural, y se han propuesto varias interpretaciones personales, políticas o filosóficas específicas para ampliar el significado básico de la sumisión de la pasión a la razón. [51]
En 1483, Antonio Pucci encargó a Botticelli una serie de paneles en forma de spalliera o cassone con motivo del matrimonio de su hijo Giannozzo con Lucrezia Bini. El tema era la historia de Nastagio degli Onesti de la octava novela del quinto día del Decamerón de Boccaccio , en cuatro paneles. Los escudos de armas de los Medici y de las familias de los novios aparecen en el tercer panel. [52]
Botticelli regresó de Roma en 1482 con una reputación considerablemente mejorada por su trabajo allí. Al igual que con sus pinturas seculares, muchos encargos religiosos son más grandes y sin duda más caros que antes. [53] En total, más obras datables de Botticelli provienen de la década de 1480 que de cualquier otra década, [54] y la mayoría de ellas son religiosas. A mediados de la década de 1480, muchos artistas florentinos destacados habían abandonado la ciudad, algunos para nunca regresar. La estrella en ascenso Leonardo da Vinci , que se burlaba de los paisajes de Botticelli, [55] se fue en 1481 a Milán , los hermanos Pollaiolo en 1484 a Roma y Andrea Verrochio en 1485 a Venecia . [56]
Los restantes líderes de la pintura florentina, Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Filippino Lippi , trabajaron en un importante ciclo de frescos con Perugino , para la villa de Lorenzo el Magnífico en Spedalletto, cerca de Volterra . [56] Botticelli pintó muchas vírgenes, cubiertas en una sección inferior, y retablos y frescos en iglesias florentinas. En 1491 formó parte de un comité para decidir sobre una fachada para la Catedral de Florencia , recibiendo al año siguiente tres pagos por un diseño para un plan, finalmente abortado, para colocar mosaicos en algunas bóvedas del techo interior de la catedral. [57]
El primer encargo importante de una iglesia después de Roma fue el retablo de Bardi , terminado y enmarcado en febrero de 1485, [58] y ahora en Berlín. El marco fue obra de nada menos que Giuliano da Sangallo , que se estaba convirtiendo en el arquitecto favorito de Lorenzo el Magnífico. Una Virgen entronizada y un Niño (bastante grande) están sentados en un banco de piedra elevado y elaborado en un jardín, con plantas y flores detrás de ellos que cierran todo excepto pequeños parches de cielo, para dar una versión del hortus conclusus o jardín cerrado, un entorno muy tradicional para la Virgen María. Los santos Juan Bautista y un Juan Evangelista inusualmente anciano están en primer plano. Banderolas o cintas pequeñas y discretas que llevan versículos bíblicos aclaran el significado teológico bastante complejo de la obra, para la que Botticelli debe haber tenido un asesor clerical, pero no interfieren en una apreciación más simple de la pintura y su representación amorosamente detallada, que Vasari elogió. [59] Es algo típico del enfoque relajado de Botticelli hacia la perspectiva estricta que el borde superior del banco se vea desde arriba, pero los jarrones con lirios sobre él desde abajo. [60]
El donante, de la importante familia Bardi , había regresado a Florencia después de haber trabajado durante más de veinte años como banquero y comerciante de lana en Londres, donde era conocido como "John de Barde", [61] y algunos aspectos de la pintura pueden reflejar el arte del norte de Europa e incluso el arte inglés y las tendencias devocionales populares. [62] Es posible que hubiera otros paneles en el retablo, que ahora faltan. [63]
Un retablo más grande y más poblado es el Retablo de San Bernabé de alrededor de 1487, ahora en los Uffizi, donde comienzan a aparecer elementos del estilo emotivo tardío de Botticelli. Aquí el escenario es un interior celestial palaciego en el estilo más reciente, que muestra a Botticelli tomando un nuevo grado de interés en la arquitectura, posiblemente influenciado por Sangallo. La Virgen y el Niño están elevados en un trono, al mismo nivel que cuatro ángeles que llevan los Instrumentos de la Pasión . Seis santos están de pie en fila debajo del trono. Varias figuras tienen cabezas bastante grandes, y el niño Jesús es nuevamente muy grande. Mientras que los rostros de la Virgen, el niño y los ángeles tienen la belleza lineal de sus tondos, los santos tienen expresiones variadas e intensas. Sobreviven cuatro paneles de predela pequeños y bastante simples ; probablemente originalmente había siete. [64]
A finales de la década de 1480, Botticelli pintó varios retablos, y este parece haber sido un período de auge para la producción de vírgenes en su taller. El retablo más grande de Botticelli, el Retablo de San Marcos (378 x 258 cm, Uffizi), es el único que se conserva con su predela completa , de cinco paneles. En el aire, sobre cuatro santos, se está llevando a cabo la Coronación de la Virgen en una zona celestial de oro y colores brillantes que recuerdan sus obras anteriores, con ángeles que la rodean bailando y arrojando flores. [65]
En cambio, la Anunciación de Cestello (1489-90, Uffizi) forma un conjunto natural con otras pinturas tardías, especialmente dos de la Lamentación de Cristo , que comparten su sombrío colorido de fondo y la expresividad más bien exagerada de las poses inclinadas de las figuras. Tiene un paisaje inusualmente detallado, todavía en colores oscuros, visto a través de la ventana, que parece inspirarse en modelos del norte de Europa, tal vez de grabados. [66]
De las dos Lamentaciones , una tiene un formato vertical inusual, porque, como su San Sebastián de 1474 , fue pintada para el costado de un pilar en la Iglesia de Santa Maria Maggiore, Florencia ; ahora está en Milán. La otra, horizontal, fue pintada para una capilla en la esquina de la calle de Botticelli; ahora está en Munich. En ambas, las figuras apiñadas y entrelazadas alrededor de Cristo muerto ocupan casi todo el espacio de la imagen, con solo una roca desnuda detrás. La Virgen se ha desmayado y las otras figuras forman un scrum para sostenerla a ella y a Cristo. [67] La pintura de Munich tiene tres santos menos involucrados con atributos (un tanto extraño incluye a San Pedro , generalmente considerado en Jerusalén ese día, pero no presente en esta escena), y da a las figuras (excepto Cristo) halos planos mostrados en perspectiva, que a partir de ahora Botticelli usa a menudo. Ambos probablemente datan de 1490 a 1495. [68]
Los primeros registros mencionan, sin describirlo, un retablo de Botticelli para la Convertita, una institución para ex prostitutas, y varias obras supervivientes sin procedencia fueron propuestas como candidatos. Ahora se acepta generalmente que una pintura en la Courtauld Gallery de Londres es la Pala delle Convertite , que data de alrededor de 1491-93. Su tema, inusual para un retablo, es la Santísima Trinidad , con Cristo en la cruz, sostenido desde atrás por Dios Padre. Ángeles rodean a la Trinidad, que está flanqueada por dos santos, con Tobías y el ángel en una escala mucho más pequeña justo en primer plano. Probablemente se trató de un añadido votivo , tal vez solicitado por el donante original. Las cuatro escenas de la predela, que muestran la vida de María Magdalena , entonces considerada como una prostituta reformada, se encuentran en el Museo de Arte de Filadelfia . [69]
Después de 1493 o 1495, Botticelli parece no haber pintado más grandes cuadros religiosos, aunque es probable que continuara la producción de vírgenes. Las escenas religiosas narrativas más pequeñas de los últimos años se describen a continuación.
Las pinturas de la Virgen con el Niño , es decir, la Virgen María y el niño Jesús, fueron enormemente populares en la Italia del siglo XV en una variedad de tamaños y formatos, desde grandes retablos del tipo sacra conversazione hasta pequeñas pinturas para el hogar. También solían colgarse en oficinas, edificios públicos, tiendas e instituciones clericales. Estas pinturas más pequeñas eran una fuente constante de ingresos para pintores de todos los niveles de calidad, y muchas probablemente se producían para stock, sin un encargo específico. [70]
Botticelli pintó vírgenes desde el comienzo de su carrera hasta al menos la década de 1490. Fue uno de los primeros pintores en utilizar el formato tondo redondo , con un área pintada de unos 115 a 145 cm de ancho (unos cuatro a cinco pies). Este formato se asociaba más con pinturas para palacios que para iglesias, aunque eran lo suficientemente grandes como para colgarlas en iglesias, y algunas fueron donadas posteriormente a ellas. [71] Varias vírgenes utilizan este formato, normalmente con una Virgen sentada que se muestra hasta las rodillas, y aunque las imágenes rectangulares de la Virgen las superan en número, las vírgenes en forma de tondo se asocian especialmente con Botticelli. Utilizó el formato tondo para otros temas, como una temprana Adoración de los Magos en Londres, [72] y aparentemente era más probable que pintara una vírgen en tondo él mismo, dejando normalmente las rectangulares para su taller. [70]
Las vírgenes de Botticelli son siempre hermosas, de la misma manera idealizada que sus figuras mitológicas, y a menudo ricamente vestidas en un estilo contemporáneo. Aunque las principales críticas de Savonarola iban contra el arte secular, también se quejaba de las pinturas de las iglesias florentinas diciendo que "habéis hecho que la Virgen aparezca vestida de puta", [54] lo que puede haber tenido un efecto en el estilo de Botticelli. A menudo están acompañadas por ángeles igualmente hermosos, o por un San Juan Bautista infantil (el santo patrón de Florencia). Algunas presentan flores, y ninguna de ellas tiene los fondos de paisajes detallados que otros artistas estaban desarrollando. Muchas existen en varias versiones de calidad variable, a menudo con elementos distintos de la Virgen y el Niño diferentes. Muchas de ellas fueron producidas por Botticelli o, especialmente, por su taller, y otras aparentemente por artistas no relacionados. Cuando el interés por Botticelli resurgió en el siglo XIX, inicialmente fue en gran medida por sus Madonnas, que luego comenzaron a ser forjadas en una escala considerable. [73]
En la Madonna del Magnificat en los Uffizi (118 cm o 46,5 pulgadas de ancho, c. 1483), María está escribiendo el Magnificat , un discurso del Evangelio de Lucas (1:46-55) donde es pronunciado por María con ocasión de su Visitación a su prima Isabel , algunos meses antes del nacimiento de Jesús. Ella sostiene al niño Jesús y está rodeada de ángeles sin alas imposibles de distinguir de los jóvenes florentinos elegantemente vestidos. [74]
La Virgen con el Niño y ángeles con candelabros de Botticelli (1485/1490) fue destruida durante la Segunda Guerra Mundial. Se almacenó en la torre antiaérea de Friedrichshain en Berlín para su custodia, pero en mayo de 1945 la torre fue incendiada y la mayoría de los objetos que había en su interior fueron destruidos. También se perdieron la Virgen con el Niño y el infante san Juan y una Anunciación de Botticelli . [75]
Botticelli pintó numerosos retratos, aunque no tantos como los que se le atribuyen. Hay una serie de pinturas idealizadas de mujeres que probablemente no representan a una persona específica (varias se parecen mucho a la Venus de su Venus y Marte ). [76] Los rumores tradicionales vinculan estas pinturas con la famosa belleza Simonetta Vespucci , que murió a los veintidós años en 1476, pero esto parece poco probable. [77] Estas figuras representan un vínculo secular con sus Madonnas .
Con una o dos excepciones, sus pequeños retratos independientes en paneles muestran al modelo no más abajo del torso que aproximadamente en la parte inferior de la caja torácica. Las mujeres normalmente están de perfil, de cuerpo entero o ligeramente giradas, mientras que los hombres normalmente están en una pose de "tres cuartos", pero nunca completamente frontales. Incluso cuando la cabeza está mirando más o menos hacia adelante, la iluminación se utiliza para crear una diferencia entre los lados de la cara. Los fondos pueden ser simples o mostrar una ventana abierta, por lo general sin nada más que el cielo visible a través de ella. Algunos han desarrollado fondos de paisajes. Estas características eran típicas de los retratos florentinos al comienzo de su carrera, pero anticuadas en sus últimos años. [78]
Existen numerosos retratos en varias versiones, probablemente la mayoría realizados principalmente por el taller; a menudo hay incertidumbre en cuanto a su atribución. [79] A menudo, el fondo cambia entre versiones, mientras que la figura permanece igual. Sus retratos masculinos también han mantenido a menudo identificaciones dudosas, la mayoría de las veces de varios Médicis, durante más tiempo del que respalda la evidencia real. [80] Lightbown le atribuye solo unos ocho retratos de individuos, todos menos tres de antes de 1475. [81]
Botticelli a menudo exagera ligeramente aspectos de los rasgos para aumentar el parecido. [82] También pintó retratos en otras obras, como cuando insertó un autorretrato y los Medici en su temprana Adoración de los Magos . [83] Varias figuras en los frescos de la Capilla Sixtina parecen ser retratos, pero los sujetos son desconocidos, aunque se han hecho conjeturas fantasiosas. [84] Grandes frescos alegóricos de una villa muestran a miembros de la familia Tornabuoni junto con dioses y personificaciones; probablemente no todos estos sobrevivan, pero algunos con retratos de un joven con las Siete Artes Liberales y una joven con Venus y las Tres Gracias están ahora en el Louvre . [85]
![Giuliano de' Medici, asesinado en la conspiración de los Pazzi. Varias versiones, todas ellas quizás póstumas.[86]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/98/Giuliano_de'_Medici_by_Sandro_Botticelli.jpeg/1280px-Giuliano_de'_Medici_by_Sandro_Botticelli.jpeg)
Botticelli siempre estuvo interesado en el gran poeta florentino Dante Alighieri , que produjo obras en varios medios. [88] Se le atribuye un retrato imaginario. [89] Según Vasari, "escribió un comentario sobre una parte de Dante", al que también se hace referencia despectivamente en otra historia de la Vida , [90] pero no ha sobrevivido ningún texto de ese tipo.
El intento de Botticelli de diseñar las ilustraciones para un libro impreso no tenía precedentes para un pintor destacado y, aunque parece haber sido un fracaso, se trataba de un papel para artistas que tenían un futuro importante. [91] Vasari escribió con desaprobación sobre el primer Dante impreso en 1481 con grabados del orfebre Baccio Baldini , grabados a partir de dibujos de Botticelli: "siendo de mentalidad sofista, escribió allí un comentario sobre una parte de Dante e ilustró el Infierno que imprimió, dedicando mucho tiempo a ello, y esta abstención del trabajo le provocó graves desórdenes en su vida". [92] Vasari, que vivió cuando el grabado se había vuelto mucho más importante que en la época de Botticelli, nunca lo toma en serio, tal vez porque sus propias pinturas no se vendían bien en reproducción.
La Divina Comedia consta de 100 cantos y el texto impreso dejó espacio para un grabado por cada canto. Sin embargo, sólo se grabaron 19 ilustraciones, y la mayoría de las copias del libro sólo tienen las dos o tres primeras. Las dos primeras, y a veces las tres, suelen imprimirse en la página del libro, mientras que las últimas se imprimen en hojas separadas que se pegan en su lugar. Esto sugiere que la producción de los grabados se retrasó con respecto a la impresión, y las ilustraciones posteriores se pegaron en el stock de libros impresos y encuadernados, y tal vez se vendieron a quienes ya habían comprado el libro. Desafortunadamente, Baldini no tenía mucha experiencia ni talento como grabador, y no pudo expresar la delicadeza del estilo de Botticelli en sus láminas. [93] También se acepta generalmente que dos grabados religiosos son diseños de Botticelli. [94]
Botticelli comenzó más tarde un manuscrito de lujo ilustrado por Dante en pergamino , la mayor parte del cual fue utilizado sólo hasta los dibujos subyacentes , y sólo unas pocas páginas están completamente iluminadas. Este manuscrito tiene 93 páginas supervivientes (32 x 47 cm), ahora divididas entre la Biblioteca Vaticana (8 hojas) y Berlín (83), y representa la mayor parte de los dibujos supervivientes de Botticelli. [95]
Una vez más, el proyecto nunca se completó, ni siquiera en la etapa de dibujo, pero algunos de los primeros cantos parecen haber sido al menos dibujados, pero ahora están desaparecidos. Las páginas que sobreviven siempre han sido muy admiradas y muy discutidas, ya que el proyecto plantea muchas preguntas. El consenso general es que la mayoría de los dibujos son tardíos; el escriba principal puede identificarse como Niccolò Mangona, que trabajó en Florencia entre 1482 y 1503, cuyo trabajo presumiblemente precedió al de Dante. Botticelli parece haber trabajado en los dibujos durante un largo período, ya que se puede ver el desarrollo estilístico y la combinación con sus pinturas. Aunque se han propuesto otros mecenas (inevitablemente incluyendo a los Médici, en particular el joven Lorenzo, o il Magnifico), algunos estudiosos creen que Botticelli hizo el manuscrito para sí mismo. [96]
Hay indicios de que Botticelli pudo haber trabajado en ilustraciones para panfletos impresos de Savonarola, casi todos destruidos después de su caída. [97]
.jpg/1280px-Pallade_col_Centauro,_Sandro_Botticelli_(1482).jpg)
Botticelli llegó a ser asociado por los historiadores con la Escuela Florentina bajo el patrocinio de Lorenzo de' Medici , un movimiento que los historiadores caracterizarían más tarde como una " edad de oro ". [98] La familia Medici fue gobernante efectiva de Florencia, que nominalmente era una república, durante toda la vida de Botticelli hasta 1494, cuando la rama principal fue expulsada. Lorenzo il Magnifico se convirtió en el jefe de la familia en 1469, justo en la época en que Botticelli abrió su propio taller. Fue un gran mecenas tanto de las artes visuales como literarias, y alentó y financió el círculo humanista y neoplatónico del que parece provenir gran parte del carácter de la pintura mitológica de Botticelli. En general, Lorenzo no parece haber encargado mucho a Botticelli, prefiriendo Pollaiuolo y otros, [99] aunque las opiniones al respecto difieren. [100] Un Botticello que probablemente era el hermano de Sandro, Giovanni, era cercano a Lorenzo. [101]
Aunque no se sabe con certeza quiénes fueron los mecenas de muchas obras que no estaban destinadas a iglesias, Botticelli parece haber sido más utilizado por los dos primos jóvenes de Lorenzo el Magnífico, su hermano menor Giuliano [ 102] y otras familias aliadas a los Medici. Tommaso Soderini, un aliado cercano de Lorenzo, obtuvo el encargo de la figura de la Fortaleza de 1470, que es la pintura más antigua datada con seguridad de Botticelli, completando una serie de las Siete Virtudes que dejó inacabada Piero del Pollaiuolo . Posiblemente habían sido introducidas por un Vespucci que había sido tutor del hijo de Soderini. Antonio Pucci, otro aliado de los Medici, probablemente encargó la Adoración de los Magos de Londres , también alrededor de 1470. [103]
Giuliano de' Medici fue asesinado en la conspiración de los Pazzi de 1478 (Lorenzo escapó por poco, salvado por su director de banco), y un retrato que se dice que es de Giuliano y que sobrevive en varias versiones puede ser póstumo, o con al menos una versión de no mucho antes de su muerte. [104] También es un foco de teorías de que las figuras en las pinturas mitológicas representan a individuos específicos de la alta sociedad florentina, generalmente emparejados con Simonetta Vespucci, de quien John Ruskin se convenció a sí mismo de que había posado desnuda para Botticelli. [105]
Según Vasari, Botticelli se convirtió en seguidor del fraile dominico profundamente moralista Girolamo Savonarola , que predicó en Florencia desde 1490 hasta su ejecución en 1498: [106]
Botticelli era seguidor de Savonarola, y por eso abandonó la pintura y cayó en una gran miseria al no tener otra fuente de ingresos. No obstante, siguió siendo un miembro obstinado de la secta, convirtiéndose en uno de los piagnoni , los llorones, como se los llamaba entonces, y abandonó su trabajo; así, finalmente, ya anciano, se encontró tan pobre que si Lorenzo de' Medici... y luego sus amigos y... [otros] no hubieran venido en su ayuda, casi habría muerto de hambre. [106]
El alcance de la influencia de Savonarola sobre Botticelli sigue siendo incierto; su hermano Simone fue más claramente un seguidor. [107] La historia, que a veces se escucha, de que había destruido sus propias pinturas sobre temas seculares en la hoguera de las vanidades de 1497 no es contada por Vasari. La afirmación de Vasari de que Botticelli no produjo nada después de caer bajo la influencia de Savonarola no es aceptada por los historiadores del arte moderno. La Natividad mística , la única pintura de Botticelli que lleva una fecha real, si es que una expresada crípticamente, es de finales de 1500, [108] dieciocho meses después de la muerte de Savonarola, y el desarrollo de su estilo se puede rastrear a través de una serie de obras tardías, como se analiza a continuación.
A finales de 1502, unos cuatro años después de la muerte de Savonarola, Isabella d'Este quería que le pintaran un cuadro en Florencia. Su agente, Francesco Malatesta, le escribió para informarle de que su primera opción, Perugino, estaba de viaje; Filippino Lippi tenía una agenda muy apretada para seis meses, pero Botticelli estaba libre para empezar de inmediato y dispuesto a complacer. Ella prefirió esperar al regreso de Perugino. [94] Esto vuelve a poner en duda la afirmación de Vasari, pero tampoco parece que fuera muy solicitado. [109]
Muchas dataciones de sus obras llegan hasta 1505, aunque vivió cinco años más. [110] Pero Botticelli aparentemente produjo pocas obras después de 1501, o quizás antes, y su producción ya se había reducido después de 1495 aproximadamente. Esto puede deberse en parte al tiempo que dedicó a los dibujos para el manuscrito Dante. [54] En 1504 fue miembro del comité designado para decidir dónde se colocaría el David de Miguel Ángel . [111]
Botticelli volvió a temas de la antigüedad en la década de 1490, con unas pocas obras más pequeñas sobre temas de la historia antigua que contienen más figuras y muestran diferentes escenas de cada historia, incluidos momentos de acción dramática. Se trata de la Calumnia de Apeles (c. 1494-95), una recreación de una alegoría perdida del antiguo pintor griego Apeles , que pudo haber destinado para su uso personal, [112] y el par de La historia de Virginia y La historia de Lucrecia , que probablemente sean de alrededor de 1500. [113]
La Natividad Mística , una pintura relativamente pequeña y muy personal, tal vez para su propio uso, parece estar fechada a fines de 1500. [114] Lleva al extremo el abandono de la escala consistente entre las figuras que había sido una característica de las pinturas religiosas de Botticelli durante algunos años, con la Sagrada Familia mucho más grande que las otras figuras, incluso aquellas bien delante de ellas en el espacio del cuadro. [115] Esto puede verse como una reversión parcial a las convenciones góticas. La iconografía del tema familiar de la Natividad es única, con características que incluyen demonios escondidos en la roca debajo de la escena, y debe ser muy personal. [116]
Otra pintura, conocida como la Crucifixión mística (hoy Museo de Arte Fogg de la Universidad de Harvard ), se relaciona claramente con el estado y el destino de Florencia, que se muestra en el fondo detrás de Cristo en la cruz, junto al cual un ángel azota a un marzocco , el león heráldico que es un símbolo de la ciudad. Esto puede conectarse más directamente con las convulsiones de la expulsión de los Medici, la breve supremacía de Savonarola y la invasión francesa. Desafortunadamente está muy dañado, de modo que puede que no sea de Botticelli, aunque sin duda es de su estilo. [117]
Sus últimos trabajos, especialmente los que se ven en los cuatro paneles con Escenas de la vida de San Zenobio , fueron testigos de una disminución de la escala, figuras expresivamente distorsionadas y un uso no naturalista del color que recuerda a la obra de Fra Angelico casi un siglo antes. Botticelli ha sido comparado con el pintor veneciano Carlo Crivelli , unos diez años mayor, cuyo trabajo posterior también se aleja del inminente estilo del Alto Renacimiento , optando en cambio por "moverse hacia un idioma claramente gótico". [118] Otros estudiosos han visto premoniciones del manierismo en la representación expresionista simplificada de las emociones en sus obras de los últimos años. [119]
Ernst Steinmann (fallecido en 1934) detectó en las Madonnas posteriores una "profundización de la percepción y la expresión en la representación de la fisonomía de María ", que atribuyó a la influencia de Savonarola (retrasando también la datación de algunas de estas Madonnas). [120] Los estudiosos más recientes son reacios a atribuir una influencia directa, aunque ciertamente hay un reemplazo de la elegancia y la dulzura por una austeridad enérgica en el último período.
Botticelli continuó pagando sus cuotas a la Compagnia di San Luca (una cofradía más que un gremio de artistas ) hasta al menos octubre de 1505; [121] las fechas tentativas asignadas a sus últimas pinturas no van más allá de esa fecha. Para entonces tenía sesenta años o más, en este período definitivamente en la vejez. Vasari, que vivió en Florencia desde alrededor de 1527, dice que Botticelli murió "enfermo y decrépito, a la edad de setenta y ocho años", después de un período en el que fue "incapaz de mantenerse en pie y moverse con la ayuda de muletas". [122] Murió en mayo de 1510, pero ahora se cree que tenía algo menos de setenta años en ese momento. Fue enterrado con su familia fuera de la Iglesia de Ognissanti en un lugar donde ahora se ha construido la iglesia. [123] Esta había sido su iglesia parroquial desde que fue bautizado allí, y contenía su San Agustín en su estudio . [124]
Vasari menciona que Botticelli produjo dibujos muy finos, que fueron buscados por los artistas después de su muerte. [125] Aparte de las ilustraciones de Dante, solo sobreviven un pequeño número de ellas, ninguna de las cuales puede conectarse con las pinturas sobrevivientes, o al menos no con sus composiciones finales, aunque parecen ser dibujos preparatorios en lugar de obras independientes. Algunas pueden estar relacionadas con el trabajo en otros medios que sabemos que hizo Botticelli. Sobreviven tres vestimentas con diseños bordados por él, y desarrolló una nueva técnica para decorar estandartes para procesiones religiosas y seculares, aparentemente en algún tipo de técnica de apliques (llamada commesso ). [126]
En 1472, los registros del gremio de pintores registran que Botticelli solo tuvo como asistente a Filippino Lippi, aunque otra fuente registra a un joven de veintiocho años, que se había formado con Neri di Bicci . En 1480 había tres, ninguno de ellos de importancia posterior. En el registro aparecen otros nombres, pero solo Lippi se convirtió en un maestro conocido. [127] Un número considerable de obras, especialmente Madonnas, se atribuyen al taller de Botticelli, o al maestro y su taller, lo que generalmente significa que Botticelli hizo el dibujo subyacente, mientras que los asistentes hicieron el resto, o que los dibujos de él fueron copiados por el taller. [128]
Botticelli's linear style was relatively easy to imitate, making different contributions within one work hard to identify,[129] though the quality of the master's drawing makes works entirely by others mostly identifiable. The attribution of many works remains debated, especially in terms of distinguishing the share of work between master and workshop. Lightbown believed that "the division between Botticelli's autograph works and the paintings from his workshop and circle is a fairly sharp one", and that in only one major work on panel "do we find important parts executed by assistants";[130] but others might disagree.
The National Gallery have an Adoration of the Kings of about 1470, which they describe as begun by Filippino Lippi but finished by Botticelli, noting how unusual it was for a master to take over a work begun by a pupil.[131]
According to Vasari's perhaps unreliable account, Botticelli "earned a great deal of money, but wasted it all through carelessness and lack of management".[122] He continued to live in the family house all his life, also having his studio there. On his father's death in 1482 it was inherited by his brother Giovanni, who had a large family. By the end of his life it was owned by his nephews. From the 1490s he had a modest country villa and farm at Bellosguardo (now swallowed up by the city), which was leased with his brother Simone.[132]
Botticelli never married, and apparently expressed a strong dislike of the idea of marriage. An anecdote records that his patron Tommaso Soderini, who died in 1485, suggested he marry, to which Botticelli replied that a few days before he had dreamed that he had married, woke up "struck with grief", and for the rest of the night walked the streets to avoid the dream resuming if he slept again. The story concludes cryptically that Soderini understood "that he was not fit ground for planting vines".[133]
He might have had a close relationship with Simonetta Vespucci (1453–1476), who has been claimed, especially by John Ruskin, to be portrayed in several of his works and to have served as the inspiration for many of the female figures in the artist's paintings. It is possible that he was at least platonically in love with Simonetta, given his request to have himself buried at the foot of her tomb in the Ognissanti – the church of the Vespucci – in Florence, although this was also Botticelli's church, where he had been baptized. When he died in 1510, his remains were placed as he requested.[134][135]
In 1938, Jacques Mesnil discovered a summary of a charge in the Florentine Archives for November 16, 1502, which read simply "Botticelli keeps a boy", an accusation of sodomy (homosexuality). No prosecution was brought. The painter would then have been about fifty-eight. Mesnil dismissed it as a customary slander by which partisans and adversaries of Savonarola abused each other. Opinion remains divided on whether this is evidence of homosexuality or not.[136] Many have backed Mesnil.[137] Art historian Scott Nethersole has suggested that a quarter of Florentine men were the subject of similar accusations, which "seems to have been a standard way of getting at people"[138] but others have cautioned against hasty dismissal of the charge.[139] Mesnil nevertheless concluded "woman was not the only object of his love".[140]
The Renaissance art historian, James Saslow, has noted that: "His [Botticelli's] homo-erotic sensibility surfaces mainly in religious works where he imbued such nude young saints as Sebastian with the same androgynous grace and implicit physicality as Donatello's David".[141]
After his death, Botticelli's reputation was eclipsed longer and more thoroughly than that of any other major European artist.[citation needed] His paintings remained in the churches and villas for which they had been created,[142] and his frescos in the Sistine Chapel were upstaged by those of Michelangelo.[143]
There are a few mentions of paintings and their location in sources from the decades after his death. Vasari's Life is relatively short and, especially in the first edition of 1550, rather disapproving. According to the Ettlingers "he is clearly ill at ease with Sandro and did not know how to fit him into his evolutionary scheme of the history of art running from Cimabue to Michelangelo".[144] Nonetheless, this is the main source of information about his life, even though Vasari twice mixes him up with Francesco Botticini, another Florentine painter of the day. Vasari saw Botticelli as a firm partisan of the anti-Medici faction influenced by Savonarola, while Vasari himself relied heavily on the patronage of the returned Medicis of his own day. Vasari also saw him as an artist who had abandoned his talent in his last years, which offended his high idea of the artistic vocation. He devotes a good part of his text to rather alarming anecdotes of practical jokes by Botticelli.[145] Vasari was born the year after Botticelli's death, but would have known many Florentines with memories of him.
In 1621 a picture-buying agent of Ferdinando Gonzaga, Duke of Mantua bought him a painting said to be a Botticelli out of historical interest "as from the hand of an artist by whom Your Highness has nothing, and who was the master of Leonardo da Vinci".[146] That mistake is perhaps understandable, as although Leonardo was only some six years younger than Botticelli, his style could seem to a Baroque judge to be a generation more advanced.
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sandro_Botticelli_-_The_Virgin_and_Child_(The_Madonna_of_the_Book)_-_Google_Art_Project.jpg)
The Birth of Venus was displayed in the Uffizi from 1815, but is little mentioned in travellers' accounts of the gallery over the next two decades. The Berlin gallery bought the Bardi Altarpiece in 1829, but the National Gallery, London only bought a Madonna (now regarded as by his workshop) in 1855.[143]
The English collector William Young Ottley bought Botticelli's The Mystical Nativity in Italy, bringing it to London in 1799. But when he tried to sell it in 1811, no buyer could be found.[143] After Ottley's death, its next purchaser, William Fuller Maitland of Stansted, allowed it to be exhibited in a major art exhibition held in Manchester in 1857, the Art Treasures Exhibition,[147] where among many other art works it was viewed by more than a million people. His only large painting with a mythological subject ever to be sold on the open market is the Venus and Mars, bought at Christie's by the National Gallery for a rather modest £1,050 in 1874.[148] The rare 21st-century auction results include in 2013 the Rockefeller Madonna, sold at Christie's for US$10.4 million, and in 2021 the Portrait of a Young Man Holding a Roundel, sold at Sotheby's for US$92.2 million.[149]
The first nineteenth-century art historian to be enthusiastic about Botticelli's Sistine frescoes was Alexis-François Rio; Anna Brownell Jameson and Charles Eastlake were alerted to Botticelli as well, and works by his hand began to appear in German collections. The Pre-Raphaelite Brotherhood incorporated elements of his work into their own.[150]
Walter Pater created a literary picture of Botticelli, who was then taken up by the Aesthetic movement. The first monograph on the artist was published in 1893, the same year as Aby Warburg's seminal dissertation on the mythologies; then, between 1900 and 1920 more books were written on Botticelli than on any other painter.[151] Herbert Horne's monograph in English from 1908 is still recognised as of exceptional quality and thoroughness,[152] "one of the most stupendous achievements in Renaissance studies".[153]
Botticelli appears as a character, sometimes a main one, in numerous fictional depictions of 15th-century Florence in various media. He was portrayed by Sebastian de Souza in the second season of the TV series Medici: Masters of Florence.[154]
The main belt asteroid 29361 Botticelli discovered on 9 February 1996, is named after him.[155]
During the colouring Botticelli strengthened many of the contours by means of a pointed instrument, probably to give them the bold clarity so characteristic of his linear style.
![Retrato de un joven c. 1480-1485.[87]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Sandro_Botticelli_070.jpg/1280px-Sandro_Botticelli_070.jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sandro_Botticelli_-_Idealized_Portrait_of_a_Lady_(Portrait_of_Simonetta_Vespucci_as_Nymph)_-_Google_Art_Project.jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sandro_Botticelli_-_Drawings_for_Dante%C2%B4s_Divine_Comedy_(Purgatorio_17)_-_Google_Art_Project.jpg)
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Sandro_Botticelli_-_Drawings_for_Dante%C2%B4s_Divine_Comedy_(Purgatorio_31)_-_Google_Art_Project.jpg)
