Una rave (del verbo : delirio ) es una fiesta de baile en un almacén, club u otro lugar público o privado, que generalmente presenta actuaciones de DJ que tocan música electrónica de baile . El estilo está más asociado con la escena de la música dance de principios de la década de 1990, cuando los DJ tocaban en eventos ilegales en estilos musicales dominados por la música dance electrónica de una amplia gama de subgéneros, incluidos drum and bass , dubstep , trap , break , happy hardcore , trance. , techno , [1] hardcore , house , [1] y dance alternativo . Ocasionalmente se sabe que músicos en vivo actúan en raves, además de otros tipos de artistas escénicos como bailarines go-go y bailarines de fuego . La música se amplifica con un sistema de refuerzo de sonido grande y potente , normalmente con grandes subwoofers para producir un sonido de graves profundos. La música suele ir acompañada de espectáculos de luces láser , imágenes en color proyectadas , efectos visuales y máquinas de humo .
Si bien algunas raves pueden ser pequeñas fiestas celebradas en clubes nocturnos o casas privadas, algunas han crecido hasta alcanzar un tamaño inmenso, como los grandes festivales y eventos con múltiples DJ y áreas de baile (por ejemplo, el Castlemorton Common Festival en 1992). Algunos festivales de música electrónica de baile tienen características de raves, pero a una escala mayor, a menudo comercial. Las raves pueden durar mucho tiempo; algunos eventos duran veinticuatro horas y duran toda la noche. Las redadas policiales y las leyes anti-rave han presentado un desafío a la escena rave en muchos países. [2] Esto se debe a la asociación de la cultura rave con drogas ilegales como la MDMA [3] [4] (a menudo denominada " droga de club " o "droga de fiesta" junto con MDA [5] ), anfetamina , LSD. , [3] [4] GHB , [3] [4] ketamina , [3] [4] [6] metanfetamina , [3] [4] cocaína , [4] y cannabis . [7] Además de las drogas, las raves suelen utilizar lugares secretos no autorizados, como fiestas okupas en casas desocupadas, [8] almacenes en desuso, [9] o hangares de aviones. [10] [11] Estas preocupaciones a menudo se atribuyen a un tipo de pánico moral que rodea a la cultura rave. [12]
A finales de la década de 1950 en Londres, Inglaterra, el término "rave" se utilizaba para describir las " fiestas bohemias salvajes " del grupo beatnik del Soho . [13] El músico de jazz Mick Mulligan , conocido por permitirse tales excesos, tenía el sobrenombre de "rey de los ravers". [14] En 1958, Buddy Holly grabó el éxito " Rave On ", citando la locura y el frenesí de un sentimiento y el deseo de que nunca terminara. [15] La palabra "rave" se utilizó más tarde en la floreciente cultura juvenil mod de principios de la década de 1960 como forma de describir cualquier fiesta salvaje en general. Las personas que eran fiesteras gregarias fueron descritas como "ravers". Músicos pop como Steve Marriott de Small Faces y Keith Moon de The Who se describían a sí mismos como "ravers". [dieciséis]
Presagiando la asociación posterior de la palabra con la música electrónica en la década de 1980 , la palabra "rave" era un término común utilizado con respecto a la música de las bandas de garage rock y psicodelia de mediados de la década de 1960 (más notablemente The Yardbirds , que lanzaron un álbum en los Estados Unidos llamado Taking a Rave). Arriba ). Además de ser un término alternativo para las fiestas en eventos de garaje en general, "rave-up" se refería a un momento crescendo específico cerca del final de una canción donde la música se tocaba más rápido, con más fuerza y con solos intensos o elementos de control. comentario. Más tarde formó parte del título de un evento de interpretación de música electrónica celebrado el 28 de enero de 1967 en el Roundhouse de Londres titulado "Million Volt Light and Sound Rave". El evento contó con la única transmisión pública conocida de un collage sonoro experimental creado para la ocasión por Paul McCartney de The Beatles : la legendaria grabación " Carnival of Light ". [17]
Con el rápido cambio de la cultura pop británica de la era mod de 1963-1966 a la era hippie de 1967 y más allá, el término dejó de usarse popularmente. Muchos citan el movimiento Northern soul como un paso significativo hacia la creación de la cultura de club contemporánea y de la cultura de DJ superestrella de la década de 2000. [18] Como en la cultura de club contemporánea, los DJ de soul del norte consiguieron seguidores basándose en satisfacer los deseos de la multitud por música que no podían escuchar en ningún otro lugar. Muchos argumentan que el Northern soul jugó un papel decisivo en la creación de una red de clubes, DJ, coleccionistas y distribuidores de discos en el Reino Unido, y fue la primera escena musical en proporcionar a las listas británicas discos que se vendían exclusivamente gracias a la reproducción en clubes. [19] Una técnica empleada por los DJ de soul del norte en común con sus homólogos posteriores fue la secuenciación de discos para crear altibajos eufóricos para la multitud; DJ Laurence 'Larry' Proxton era conocido por utilizar este método. Las personalidades de los DJ y sus seguidores involucrados en el movimiento Northern soul original se convirtieron en figuras importantes en la escena de la música house y dance . [20] Durante la década de 1970 y principios de la de 1980 hasta su resurrección, el término no estuvo de moda, siendo una excepción notable en la letra de la canción " Drive-In Saturday " de David Bowie (de su álbum de 1973 Aladdin Sane ) que incluye el línea, "Es un curso intensivo para los ravers". Su uso durante esa época se habría percibido como un uso pintoresco o irónico de una jerga pasada: parte del léxico de la década de 1960 junto con palabras como "maravilloso".
La percepción de la palabra "rave" cambió nuevamente a fines de la década de 1980, cuando el término fue revivido y adoptado por una nueva cultura juvenil, posiblemente inspirada por el uso del término en Jamaica. [13]
A mediados y finales de la década de 1980, una ola de música de baile psicodélica y electrónica , sobre todo música acid house , surgió de las fiestas de música acid house de mediados a finales de la década de 1980 en el área de Chicago, Estados Unidos. [21] Después de que los artistas del acid house de Chicago comenzaron a experimentar éxito en el extranjero, el acid house se extendió rápidamente y se popularizó en el Reino Unido [22] [23] en clubes, almacenes y fiestas gratuitas, primero en Manchester a mediados de la década de 1980 y luego más tarde. en Londres. A finales de la década de 1980, se adoptó la palabra "rave" para describir la subcultura que surgió del movimiento acid house. [24] Las actividades estaban relacionadas con el ambiente de fiesta de Ibiza , una isla mediterránea en España, frecuentada por jóvenes británicos, italianos, griegos, irlandeses y alemanes de vacaciones, que celebraban raves y fiestas de baile. [25]
En la década de 1990, géneros como el acid , el breakbeat hardcore , el hardcore , el happy hardcore , el gabber , el drum & bass , la postindustrial y la electrónica se presentaban en las raves, tanto grandes como pequeñas. Hubo eventos importantes que atrajeron a miles de personas (hasta 25.000 [26] en lugar de las 4.000 que asistieron a las fiestas anteriores en los almacenes). Las fiestas de música acid house fueron rebautizadas por primera vez como "fiestas rave" en los medios, durante el verano de 1989 por Genesis P-Orridge durante una entrevista televisiva; sin embargo, el ambiente de la rave no se formó completamente hasta principios de los años 1990. En 1990 se celebraron raves "clandestinas" en varias ciudades, como Berlín , Milán y Patras , en sótanos, almacenes y bosques. [27]
Los políticos británicos respondieron con hostilidad a la emergente tendencia de las fiestas rave. Los políticos se pronunciaron en contra de las raves y comenzaron a multar a los promotores que celebraban fiestas no autorizadas. La represión policial de estas fiestas, a menudo no autorizadas, llevó la escena rave al campo. La palabra "rave" de alguna manera se hizo popular en el Reino Unido para describir las fiestas comunes semiespontáneas de fin de semana que tenían lugar en varios lugares unidos por la nueva autopista orbital de Londres M25 que rodeaba Londres y los Home Counties ; Fue esto lo que le dio su nombre a la banda Orbital . Estos iban desde antiguos almacenes y zonas industriales en Londres hasta campos y clubes de campo en el campo.
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La música rave puede referirse a los géneros house , new beat , breakbeat , acid house , techno y hardcore techno de finales de los 80 y principios de los 90 , que fueron los primeros géneros musicales que se tocaron en fiestas rave, o a cualquier otro género de música electrónica. Música de baile (EDM) que se puede tocar en una rave.
El género "rave", también conocido como hardcore (no confundir con hardcore punk ) por los primeros ravers, apareció por primera vez entre el movimiento "acid" del Reino Unido a finales de la década de 1980 en fiestas en almacenes y otros lugares underground , así como en los festivales piratas del Reino Unido. estaciones de radio . [28] Otro género llamado "rave" a principios de la década de 1990, fue la música techno hardcore belga que surgió del new beat , cuando el techno se convirtió en el estilo principal en la escena EDM belga. [29]
El género "rave" se convertiría en el hardcore de la vieja escuela , que dio lugar a formas más nuevas de música rave, como el drum and bass , el 2-step y el happy hardcore , así como a otros géneros de techno incondicional , como el gabber y el hardstyle . [30]
La música rave generalmente se presenta en un set de mezclas de DJ , aunque las presentaciones en vivo no son infrecuentes.
Los estilos de música incluyen:
Los estilos downtempo y menos orientados al baile que a veces se denominan música chill-out , que se pueden escuchar en una sala rave "chill-out" o en una rave que reproduce música electrónica más lenta, incluyen:
Históricamente, las raves se han referido a fiestas de baile organizadas de base, antisistema y sin licencia que duran toda la noche. [32] Antes de la comercialización de la escena rave, cuando los grandes lugares legales se convirtieron en la norma para estos eventos, la ubicación de la rave se mantenía en secreto hasta la noche del evento, y generalmente se comunicaba a través de mensajes de contestador automático , [33] teléfonos móviles. mensajes, folletos secretos y sitios web. Este nivel de secretismo, necesario para evitar cualquier interferencia de la policía, también debido al uso de drogas ilícitas, permitió a los ravers utilizar lugares en los que podían permanecer durante diez horas seguidas. Promovió la sensación de desviación y separación del control social. [34] En la década de 2000, este nivel de secreto todavía existe en la escena rave underground. Sin embargo, los clubes nocturnos, así como los grandes eventos al aire libre, crean un tipo similar de atmósfera alternativa, pero se centran mucho más en efectos visuales vibrantes, como accesorios y decoración. En años más recientes, [ ¿cuándo? ] grandes eventos comerciales se llevan a cabo en los mismos lugares año tras año con temas recurrentes similares cada año. Eventos como Electric Daisy Carnival y Tomorrowland generalmente se llevan a cabo en el mismo lugar que alberga a un gran número de personas.
Algunas raves hacen uso de simbolismo pagano . Los lugares de rave modernos intentan sumergir al raver en un mundo de fantasía. Las imágenes y la espiritualidad indígenas pueden ser características del espíritu Raving. Tanto en el colectivo New Moon como en Gateway, "se levantan altares paganos, imágenes sagradas de culturas primitivas decoran las paredes y se realizan rituales de limpieza sobre los tocadiscos y la pista de baile" [35]. Este tipo de estrategia espacial es una parte integral parte de la experiencia delirante porque establece la "ambiente" inicial en la que se sumergirán los ravers. Esta "vibra" es un concepto en el espíritu raver que representa el atractivo y la receptividad de la energía retratada o innata de un entorno. El paisaje es una característica integral en la composición del rave, al igual que lo es en los rituales paganos. Por ejemplo, los rituales de los Numic Ghost Dancers se llevaban a cabo en sitios geográficos específicos, que se consideraba que contenían poderosos flujos naturales de energía. Estos sitios fueron posteriormente representados en las danzas rítmicas, para lograr un mayor nivel de conectividad. [36]
El festival Falls en Byron Bay presenta una fiesta rave escondida detrás de una lavadora en una lavandería. [37]
La siguiente es una lista incompleta de lugares asociados con la subcultura rave:
El sentimiento de participación en un evento grupal es uno de los principales atractivos de la música rave y bailar al ritmo de ritmos vibrantes es su salida inmediata. [44] [45] Raving en sí mismo es un baile sin plan de estudios, en el que los movimientos no están predefinidos y el baile se realiza al azar ; los bailarines se inspiran inmediatamente en la música, su estado de ánimo y en observar a otras personas bailar. Así, los bailes electrónicos, rave y club, también conocidos como bailes post-Internet [46], hacen referencia a los estilos de baile callejero que evolucionaron junto con la cultura de la música electrónica. Estos bailes son bailes callejeros ya que evolucionaron junto con los movimientos underground de rave y club, sin la intervención de estudios de danza . Estos bailes se originaron en algunas escenas de todo el mundo y solo los conocen los ravers o los asistentes a los clubes que intentan visitar estos lugares. Se originaron en un momento en el que ciertos movimientos comenzaron a realizarse ante varias personas en esos lugares, creando un conjunto de movimientos de estilo completamente libre, pero aun así muy complejo, adaptable a cada cambio de bailarín y bailando lo que quiera en base a estos movimientos. Muchas técnicas de baile rave sugieren usar el cuerpo como una extensión de la música, para relajarse y dejar que la música fluya a través del cuerpo para crear una forma única de movimiento.
Una característica común que comparten todos estos bailes, además de tener su origen en discotecas, raves y festivales de música de todo el mundo y en diferentes años, es que cuando YouTube y otras redes sociales empezaron a popularizarse (alrededor de 2006), estos bailes empezaron a ser popularizado por videos de raves realizándolos, [47] grabando y subiendo sus videos. Por ello, comenzaron a practicarse fuera de sus lugares de origen, creando diferentes escenas en varios países. Además, algunos de estos bailes comenzaron a evolucionar, y estas escenas de baile ya no están totalmente relacionadas con las escenas de club o rave en las que se originaron. Además, la forma de enseñarlos y aprenderlos ha cambiado. En el pasado, si alguien quería aprender uno de estos bailes, tenía que ir a una discoteca o rave, observar a la gente bailar e intentar copiarlos. En Internet y la sociedad de las redes sociales, estos bailes se enseñan principalmente en videotutoriales y la cultura se difunde y crece dentro de esas redes sociales y foros.
Debido a la falta de estudios dedicados a estos bailes, combinada con la escasa e inexacta información disponible sobre ellos en Internet, es difícil encontrar información confiable aparte de los videos.
Desde finales de la década de 1980, la moda rave ha experimentado una evolución constante con cada nueva generación de ravers. Muchas de las tendencias de la moda rave han aparecido a nivel internacional, pero también hubo desarrollos individuales de una región a otra y de una escena a otra. [48]
En las primeras fiestas rave, a menudo se usaban prendas parecidas a disfraces y prendas con colores llamativos, como trajes protectores, chalecos de seguridad , máscaras antipolvo y antigás , que se combinaban con accesorios como aspiradoras o gafas de inspiración ciberpunk . La ropa con lemas como " Paz, Amor, Unidad " y camisetas con caras sonrientes aparecieron por primera vez con el movimiento acid house de los años 1980. Otros temas populares de la primera escena rave fueron la estética plástica, diversos estilos fetichistas, el bricolaje , los años 70, la óptica de segunda mano, la ropa deportiva retro (como los chándales de Adidas ), el sexo (mostrar mucha piel y desnudez, por ejemplo, usando blusas transparentes o cortas), la guerra (por ejemplo, en forma de botas de combate o pantalones de camuflaje) y la ciencia ficción. [49]
Los estilos de moda comunes de la década de 1990 incluyen camisas de nailon ajustadas, chalecos ajustados acolchados de nailon, pantalones acampanados , chaquetas de neopreno, cinturones con tachuelas, zapatos de plataforma , chaquetas, bufandas y bolsos hechos de piel flokati , botas mullidas y pantalones gordos , a menudo en colores brillantes. y colores neón. También se pusieron de moda entre los ravers el pelo de colores llamativos, rastas, tatuajes y piercings. Los accesorios más extendidos incluían pulseras y collares, silbatos , chupetes , guantes blancos, barritas luminosas , boas de plumas , gafas de sol de gran tamaño y bolsas para discos hechas con lonas de camión. [50] [51] A principios de la década de 1990, las primeras tendencias comerciales de moda rave se desarrollaron a partir de esto, que fueron rápidamente adoptadas por la industria de la moda y comercializadas bajo el término clubwear . [49] También evolucionaron diferentes códigos de vestimenta en las distintas subescenas de la cultura rave. Por ejemplo, el típico raver gabber o psytrance vestía significativamente diferente de los ravers "normales", pero las características básicas comunes seguían siendo reconocibles.
Desde la década de 2000, el estilo de vestir de la cultura rave sigue siendo heterogéneo, al igual que sus seguidores. Particularmente en América del Norte, la moda rave sigue caracterizándose por ropa y accesorios coloridos, en particular las joyas "kandi" que emiten fluorescencia bajo luz ultravioleta. [ cita necesaria ] Contienen palabras o frases que son exclusivas del raver y que pueden elegir intercambiar entre sí usando "PLUR" (Paz, Amor, Unidad, Respeto). Este estilo de vestimenta fue retomado nuevamente por la industria de la moda y comercializado como "moda rave" o "moda de festival", incluyendo ahora todo tipo de accesorios para crear looks únicos según el evento. [52] En contraste con esto, y a partir de los clubes de techno de Berlín como Berghain en la década de 2000, un estilo estrictamente negro, en parte tomado prestado de la escena oscura , se ha establecido en partes de la escena techno. [53] Ciertos eventos rave como Sensation también tienen una estricta política de vestimenta minimalista, ya sea con vestimenta blanca o negra.
Algunos ravers participan en uno de los cuatro bailes orientados a la luz, llamados Glowsticking , Glowstringing , Gvinging y Lightshows . De los cuatro tipos de bailes luminosos, el uso de guantes en particular ha evolucionado mucho más allá de la cultura rave. Otros tipos de baile relacionados con la luz incluyen luces LED , linternas y luces estroboscópicas parpadeantes. Los LED vienen en varios colores con diferentes configuraciones. Gloving ha evolucionado hasta convertirse en una forma de baile separada que ha crecido exponencialmente en los últimos años a principios de 2010. [54] Los Glovers usan sus dedos y manos para moverse al ritmo de la música. Y usan el color para crear patrones y tienen diferentes configuraciones de velocidad para las luces de sus guantes. [55] Estos componentes ofrecen al artista del guante diferentes formas de fascinar a los espectadores de sus espectáculos de luces. El uso de luces puede mejorar la forma en que la gente reacciona durante las canciones o durante todo el concierto. [55] Desde entonces, la cultura se ha extendido a todas las edades, desde niños en la adolescencia hasta estudiantes universitarios y más. Las luces Rave tradicionales ahora son limitadas, pero muchas tiendas han desarrollado versiones de luces más nuevas, más brillantes y más avanzadas con una gran cantidad de colores y modos; los modos incluyen sólido, estribónico, estroboscópico , dops, hiperflash y otras variaciones.
Entre los diversos elementos de la subcultura disco de la década de 1970 en los que se basaron los ravers, además de basar su escena en la música de baile mezclada por DJ, los ravers también heredaron la actitud positiva hacia el uso de drogas de discoteca para "mejorar... la experiencia sensorial" de bailando con música alta. [56] [57] El estado mental denominado "éxtasis" (que no debe confundirse con el término del argot para MDMA ) buscado por los ravers ha sido descrito como "un resultado de cuando varios factores armonizan el ego con otros elementos como como lugar y música y [uno] entra[n] en un "estado único" donde [no] pueden distinguir lo que es material o no, donde las cosas entran en sintonía y constituyen un momento único, precisamente el que se busca en la meditación ". [58]
Sin embargo, los bailarines de discoteca y los ravers preferían drogas diferentes. Mientras que los miembros de la escena disco de la década de 1970 preferían la cocaína y los depresores/sedantes Quaaludes , los ravers preferían la MDMA, 2C-B, la anfetamina y otras pastillas. Según el FBI, las raves son uno de los lugares más populares donde se distribuyen drogas de club y, como tal, cuentan con una importante subcultura de drogas. [59] [60] Las drogas de club incluyen MDMA (más comúnmente conocida como "éxtasis", "E" o "molly"), 2C-B (más comúnmente conocida como "nexus"), anfetamina (comúnmente conocida como "speed" ), GHB (comúnmente denominado "fantasía" o "E líquida"), cocaína (comúnmente denominado "coca"), DMT y LSD (comúnmente denominado "lucy" o "ácido"). [61] [62] [63] [64] [65]
" Poppers " es el nombre callejero de los nitritos de alquilo (el más conocido es el nitrito de amilo ), que se inhalan por sus efectos embriagadores, en particular el "subidón" o "euforia" que pueden proporcionar. Los nitritos originalmente venían en pequeñas cápsulas de vidrio que se abrían, lo que dio lugar al apodo de "poppers". La droga se hizo popular en Estados Unidos, primero en la escena disco/club de los años 1970 y luego en lugares de baile y rave en los años 1980 y 1990. En la década de 2000, las fenetilaminas sintéticas como 2C-I , 2C-B y DOB fueron denominadas drogas de club debido a su naturaleza estimulante y psicodélica (y su relación química con la MDMA ). [66] A finales de 2012, los derivados de las drogas psicodélicas 2C-X, los NBOMe y especialmente el 25I-NBOMe , se habían vuelto comunes en las raves en Europa. En los EE. UU., algunas agencias policiales han calificado la subcultura como una cultura centrada en las drogas , ya que se sabe que los asistentes a las raves consumen drogas como cannabis , 2C-B y DMT . [ cita necesaria ]
Desde principios de la década de 2000, los profesionales médicos han reconocido y abordado el problema del creciente consumo de bebidas alcohólicas y drogas de club (como MDMA , cocaína , rohypnol , GHB , ketamina , PCP , LSD y metanfetamina ) asociado con la cultura rave entre adolescentes y adultos jóvenes en el mundo occidental. [61] [62] [63] [64] [65] Los estudios han demostrado que los adolescentes tienen más probabilidades que los adultos jóvenes de consumir múltiples drogas, [67] y el consumo de drogas de club está altamente asociado con la presencia de conductas criminales y Abuso o dependencia reciente del alcohol . [68] En mayo de 2007, Antonio María Costa, director ejecutivo de la Oficina de las Naciones Unidas contra la Droga y el Delito , abogó por las pruebas de detección de drogas en las carreteras como contramedida contra el consumo de drogas en las raves. [69] Gran parte de la controversia, el pánico moral y la atención de las fuerzas del orden dirigidas a la cultura rave y su asociación con el consumo de drogas pueden deberse a informes de sobredosis de drogas (particularmente MDMA) en raves, conciertos y festivales. [70]
La escena y el sonido rave belgas tienen sus raíces en las escenas belgas de EBM y New Beat de finales de los años 1980.
Originalmente creado por DJ que ralentizaban los discos gay Hi-NRG de 45 rpm a 33 rpm para crear un ritmo de trance-dance, New Beat evolucionó hasta convertirse en una forma nativa de techno incondicional en la década de 1990 con la introducción de discos de techno reproducidos a sus velocidades originales o incluso ligeramente acelerados. . [71] Este nuevo y brutal estilo hardcore se extendió por todo el circuito rave europeo y penetró en las listas de éxitos pop. [72]
La contribución musical del DJ y productor de Brooklyn Joey Beltram a R&S Records, dirigida por Renaat Vandepapeliere, fue fundamental en el desarrollo de himnos y sonidos icónicos del techno belga . [73] [74]
Exodus Productions fue posiblemente la primera compañía de producción en Canadá en organizar eventos regulares de estilo rave en el almacén conocido como 23 Hop, ubicado en 318 Richmond Street West en el distrito de entretenimiento de Toronto . [75] La primera fiesta se celebró el 31 de agosto de 1991. Varias productoras seguirían rápidamente su ejemplo, y la escena rave pronto explotaría hasta convertirse en una escena masiva, con 23 Hop como plataforma de lanzamiento inicial, hasta su cierre en 1995. Un documental La película titulada The Legend of 23 Hop destacó las primeras etapas de Exodus y las compañías de producción modeladas de manera similar. [76] Los DJ notables que actuaron en 23 Hop incluyeron a Moby , Mark Oliver, Dino & Terry, Sean L., Dr. No, Malik X, DJ Ruffneck, Jungle PhD, Kenny Glasgow, Matt C, John E, Danny Henry y David. Crooke. [77]
En 2001, Calgary, Alberta, se convirtió en el primer municipio importante de Canadá en aprobar una ordenanza relativa a las raves. La intención del estatuto era garantizar que las raves fueran seguras para los participantes y que tampoco perturbaran excesivamente a los vecindarios adyacentes. El estatuto fue creado en consulta con representantes del municipio, la provincia de Alberta y la comunidad rave. [78]
En Alemania Occidental y Berlín Occidental , a finales de los años 1980 se había establecido una importante escena acid house. [79] En el club Ufo de Berlín Occidental , un lugar de fiesta ilegal ubicado en el sótano de un antiguo edificio de apartamentos, se celebraron las primeras fiestas acid house en 1988. [80] [81] En aquella época, en Munich , se encontraba la Negerhalle (1983). –1989) y el ETA-Halle se consolidaron como los primeros clubes de acid house en naves industriales en ruinas temporalmente utilizadas y marcaron el comienzo de la llamada cultura del hall en Alemania. [82] [83] En julio de 1989, tuvo lugar el primer Love Parade en Berlín Occidental. [81] [84]
Inmediatamente después de la caída del Muro de Berlín el 9 de noviembre de 1989, las fiestas techno clandestinas y libres proliferaron en Berlín Oriental . [80] Según el DJ de Alemania Oriental Paul van Dyk, la escena rave basada en el techno fue una fuerza importante en el restablecimiento de las conexiones sociales entre Alemania Oriental y Occidental durante el período de unificación. [85] Pronto surgieron los primeros clubes de techno en Berlín Oriental, como el Tresor (fundado en 1991), el Planet (1991-1993) y el Bunker (1992-1996). [86] En Frankfurt se inauguró en 1988 el Omen, que bajo su operador Sven Väth se convirtió en los años siguientes en el centro de la escena en la zona de Rhein-Main . En 1990 se inauguró el Babalu Club en Munich, introduciendo el concepto de afterhours en Alemania. [87]
A finales de los años 1990, las salas Tresor y E-Werk (1993–1997) en Berlín, Omen (1988–1998) y Dorian Gray (1978–2000) en Frankfurt, Ultraschall (1994–2003), KW – Das Heizkraftwerk (1996 –2003) y Natraj Temple (1996–2008) en Munich, así como Stammheim (1994–2002) en Kassel , se habían consolidado como los clubes de techno más renombrados de Alemania. [88]
Paralelamente a la escena de clubes establecida, las raves ilegales siguieron siendo una parte integral de la escena rave alemana durante los años 1990. En la Alemania urbanizada, las raves y fiestas tecno ilegales a menudo preferían escenarios industriales como centrales eléctricas fuera de servicio, fábricas, la canalización o antiguas propiedades militares de la Guerra Fría. [89]
A lo largo de los años 90, la cultura rave pasó a formar parte de un nuevo movimiento juvenil en Alemania y Europa. DJs y productores de música electrónica como WestBam proclamaron la existencia de una "sociedad delirante" y promovieron la música electrónica como competencia legítima para el rock and roll . De hecho, la música electrónica de baile y la subcultura rave se convirtieron en movimientos de masas. Desde mediados de la década de 1990, las raves contaron con decenas de miles de asistentes, las revistas juveniles ofrecieron consejos de estilo y las cadenas de televisión lanzaron revistas musicales sobre house y techno. [50] [84] Los festivales anuales Love Parade en Berlín y más tarde en el área metropolitana del Ruhr atrajeron repetidamente a más de un millón de asistentes a la fiesta entre 1997 y 2010. Docenas de otros tecnoparades anuales tuvieron lugar en Alemania y Europa Central en la década de 1990 y principios. 2000, siendo los más grandes Union Move , Generation Move, Reincarnation y Vision Parade, así como Street Parade y Lake Parade en Suiza. Las grandes raves comerciales desde los años noventa incluyen Mayday , Nature One , Time Warp , SonneMondSterne y Melt! . [84]
Desde finales de los años 2000, Berlín sigue siendo llamada la capital del techno y el rave, y clubes de techno como Berghain , Tresor , KitKatClub o Watergate y la manera de salir de fiesta en locales apenas renovados, en ruinas o chozas de madera como, entre muchos otros, Club der Visionaere , Wilde Renate o Bar 25 atrajeron la atención de los medios internacionales. [90] Una película que retrata la escena de la década de 2000 es Berlin Calling, protagonizada por Paul Kalkbrenner. En la década de 2010 seguía existiendo una intensa escena rave y techno en todo el país, incluidos numerosos festivales y clubes de techno de talla mundial también fuera de Berlín, como por ejemplo el MMA Club y el Blitz Club en Munich, el Institut für Zukunft en Leipzig o Robert Johnson en Offenbach. [91]
El Reino Unido finalmente fue reconocido por su cultura rave a finales de los 80 y principios de los 90. En 1991, organizaciones como Fantazia y Raindance realizaban raves legales masivas en campos y almacenes de todo el país. La fiesta Fantazia en Castle Donington, en julio de 1992, fue un evento al aire libre que duró toda la noche. The Vision en el aeródromo de Pophams en agosto de 1992 y Universe's Tribal Gathering en 1993 tuvieron un aire más festivo.
A mediados de 1992, el panorama estaba cambiando lentamente: los ayuntamientos aprobaron estatutos y aumentaron las tarifas en un esfuerzo por impedir o disuadir a las organizaciones rave de adquirir las licencias necesarias. [ cita necesaria ] Esto significó que los días de los grandes partidos únicos estaban contados. A mediados de la década de 1990, la escena también se había fragmentado en muchos estilos diferentes de música de baile, lo que hacía que las grandes fiestas fueran más costosas de organizar y más difíciles de promocionar. El sonido que impulsó las grandes raves de principios de la década de 1990 se había dividido a finales de 1993 en dos estilos distintos y polarizadores: el jungla más oscuro y el happy hardcore más rápido . Aunque muchos ravers abandonaron la escena debido a la separación, promotores como ESP Dreamscape y Helter Skelter aún disfrutaron de una gran popularidad y asistencia con eventos en múltiples estadios que atienden a los distintos géneros. Los eventos notables de este período incluyeron el evento al aire libre Dreamscape 20 de ESP el 9 de septiembre de 1995 en los campos del aeródromo de Brafield, Northants y el evento al aire libre Energy 97 de Helter Skelter el 9 de agosto de 1997 en el aeródromo de Turweston, Northants.
La escena de las fiestas libres ilegales también alcanzó su cenit en esa época después de un festival particularmente grande, cuando muchos sistemas de sonido individuales como Bedlam, Circus Warp, DIY y Spiral Tribe se instalaron cerca de Castlemorton Common. El gobierno actuó. Según la Ley de justicia penal y orden público de 1994 , la definición de música que se reproduce en una rave era la siguiente:
"Música" incluye sonidos total o predominantemente caracterizados por la emisión de una sucesión de ritmos repetitivos.
— Ley de justicia penal y orden público de 1994 [92]
Los artículos 63, 64 y 65 de la ley se referían a la música electrónica de baile reproducida en raves. La Ley de Justicia Penal y Orden Público facultaba a la policía para detener una fiesta rave al aire libre cuando asistieran cien o más personas, o cuando dos o más estuvieran haciendo preparativos para una fiesta rave. La Sección 65 permite que cualquier agente uniformado que crea que una persona se dirige a una fiesta rave dentro de un radio de cinco millas la detenga y la dirija fuera del área; Los ciudadanos que no cumplan pueden estar sujetos a una multa máxima que no exceda el nivel 3 en la escala estándar (£1000). La ley se introdujo oficialmente debido al ruido y las molestias causadas por las fiestas nocturnas a los residentes cercanos y para proteger el campo. Sin embargo, algunos participantes en la escena afirmaron que era un intento de alejar la cultura juvenil del MDMA y volver al alcohol sujeto a impuestos . [93] En noviembre de 1994, los Zippies organizaron un acto de desobediencia civil electrónica para protestar contra la CJB (es decir, el Proyecto de Ley de Justicia Penal ).
Después de 1993, la principal salida para las raves en el Reino Unido fueron varias fiestas con licencia, entre ellas Helter Skelter , Life at Bowlers (Trafford Park, Manchester), The Edge (anteriormente Eclipse [Coventry]), The Sanctuary (Milton Keynes). y Club Cinético. [94] En Londres, había algunos clubes grandes que organizaban raves con regularidad, sobre todo "The Laser Dome", "The Fridge", " The Hippodrome ", "Club UK" y "Trade". "The Laser Dome" contó con dos áreas de baile separadas, "Hardcore" y "Garage", así como más de 20 máquinas de videojuegos, una sala de proyección de películas mudas, réplicas de la "Estatua de la Libertad", el "Puente de San Francisco", y un gran laberinto de cristal. En Escocia, los promotores de eventos Rezerection organizaron eventos a gran escala en todo el país. [95]
En 1997, la popularidad de las noches semanales de Superclub había superado al antiguo formato Rave, con una serie de nuevos géneros basados en clubes (por ejemplo, Trance, Hard House, Speed y UK garage) junto con el sonido House más tradicional que había recuperado. popularidad. Clubes como Gatecrasher y Cream saltaron a la fama con códigos de vestimenta y políticas de entrada que eran el polo opuesto de sus contrapartes rave; Las historias de denegación de entrada por no llevar la ropa adecuada eran comunes, pero aparentemente no hicieron nada para disuadir la asistencia al Superclub. [ cita necesaria ]
En agosto de 2020, tras una proliferación de reuniones ilegales, el gobierno británico introdujo una legislación adicional que permitía a la policía imponer multas de 10.000 libras esterlinas a los organizadores de reuniones ilegales. [96]
La escena de la música electrónica de baile estadounidense es una de las más tempranas, y la cultura rave tiene sus raíces en las " fiestas de circuito " y discotecas de finales de los años setenta. Estos estaban dispersos en ciudades grandes y pequeñas de todo Estados Unidos, desde Buffalo hasta Cleveland y Aspen, Colorado . Ciudades como Chicago, Detroit, Miami y Nueva York pronto vieron el surgimiento de géneros de música electrónica fundamentales para la cultura rave, como la música house , el techno y el breakbeat . Los ravers estadounidenses, al igual que sus homólogos del Reino Unido y Europa, han sido comparados con los hippies de la década de 1960 debido a su interés compartido por la no violencia y la psicodelia. [97] La cultura rave incorporó el mismo amor de la cultura disco por la música dance interpretada por DJ, la exploración de drogas, la promiscuidad sexual y el hedonismo. Aunque la cultura disco había prosperado en la corriente principal, la cultura rave haría un esfuerzo por permanecer clandestina para evitar la animosidad que todavía rodeaba a la música disco y dance. El motivo clave para permanecer en la clandestinidad en muchas partes de Estados Unidos tuvo que ver con el toque de queda y el cierre habitual de los clubes a las 2:00 am. Fue el deseo de mantener el partido más allá de las horas legales lo que creó la dirección clandestina. Debido a la legalidad, tenían que guardar secreto sobre el tiempo y el lugar.
A principios de la década de 1980, Chicago creó la " música house " y rápidamente creció con la ciudad. Esta escena musical ha sido una de las primeras y más influyentes en la historia de la música dance. Frankie Knuckles, también conocido como el "padrino de la música house" [98], fue un dj-productor que se consideraba que había inventado la "música house de Chicago". Mezclaría una variedad de clásicos del disco, melodías soul de sellos independientes y disco sintético europeo que ahora se considera " música house ". Frankie tocó sus ritmos house en The Warehouse (1977-1982), que era un club solo para miembros, que atraía a muchos hombres homosexuales negros, pero su música ganó una audiencia más amplia que luego atrajo a multitudes más heterosexuales y blancas. Lo que llevó al propietario del club, Robert Williams, a deshacerse por completo de las membresías. Frankie se fue para crear su propio club llamado "Power Plant" (1983-1985) [99] , que llamó la atención de un público completamente diverso. Creó su música House usando sus propias ediciones y extendiendo los ritmos dentro de las melodías para mantener la pista de baile llena toda la noche. Al final, este fenómeno se extendió exponencialmente por todo Chicago durante 1986-1987. La música house de Chicago influyó en la música, que es lo que creó la "música house" en Inglaterra durante 1986 [100] y esto es lo que creció hasta convertirse en música electrónica de baile en la actualidad.
A finales de la década de 1980, la cultura rave comenzó a filtrarse en América del Norte a través de expatriados ingleses y de DJ estadounidenses que visitaban Europa. Sin embargo, la mayor expansión de la cultura rave en América del Norte a menudo se atribuye a Frankie Bones , quien después de organizar una fiesta en un hangar de aviones en Inglaterra, ayudó a organizar algunas de las primeras raves estadounidenses en la década de 1990 en la ciudad de Nueva York llamadas "Storm Raves". Storm Raves tenía una audiencia central constante, fomentada por fanzines de su compañero Storm DJ (y cofundador, con Adam X y Frankie Bones, de la tienda de discos techno estadounidense Groove Records). Heather Heart celebrada bajo un solo cielo. Simultáneamente en Nueva York, hubo eventos que introdujeron la música electrónica de baile en la escena dance de esta ciudad. Entre 1992 y 1994, surgieron grupos de promoción en toda la costa este.
En la década de 1990, San Diego celebró grandes raves con audiencias de miles de personas. Estos festivales se celebraban en reservas indias y estaciones de esquí durante los meses de verano y estaban encabezados por DJ como Doc Martin, Daniel Moontribe, Dimitri de Deee-lite , Afrika Islam y los hermanos Hardkiss de San Francisco. Ayudaron a crear el movimiento Derecho a la Danza, una protesta no violenta celebrada en San Diego y más tarde en Los Ángeles.
Con la participación de los DJ locales de San Diego Jon Bishop, Steve Pagan, Alien Tom, Jeff Skot, Jon-e Thin, Paolo, Merlyn, Gmaxim, Tony Fiore, Damon y Mark E. Quark actuaron en estos eventos. Los eventos utilizaron grandes accesorios y temas. La moda de las hadas y los duendes, en la que los ravers se hacían tatuajes de hadas y usaban alas de hada en las fiestas, se asociaba con la región. Aquí estuvo activo el grupo de percusión Crash Worship .
En 1993, del movimiento rave underground de Los Ángeles surgió Moontribe, el Full Moon Gathering original del sur de California y contó con el DJ Daniel Moontribe (también conocido como Daniel Chavez, también conocido como Dcomplex, también conocido como Dcomplexity) y más.
A finales de los 80 y principios de los 90, hubo un auge de la cultura rave en el Área de la Bahía de San Francisco . Al principio, surgieron pequeñas fiestas clandestinas por todo el distrito de SOMA en almacenes vacíos, lofts y clubes. La regla de no consumir alcohol alimentó las fiestas impulsadas por el éxtasis. Las pequeñas raves clandestinas apenas comenzaban y se expandían más allá de SF para incluir el área de East Bay, el área de South Bay, incluidas las playas de San José, Santa Clara y Santa Cruz.
A finales de 1991, las raves comenzaron a expandirse por el norte de California y en ciudades como Sacramento, Oakland y Silicon Valley (Palo Alto, San José). Las fiestas multitudinarias se desarrollaban en campos al aire libre, hangares de aviones y colinas que rodean el valle. Los primeros promotores y DJ de San Francisco eran del Reino Unido y Europa. Las raves tuvieron lugar en algunos de los eventos del museo de arte SOMA, como "Donde están los monstruos" en el museo situado encima del Sony Metreon y en la sala Marítima (1998-2002).
A finales de 1994, una nueva generación de ravers se sintió atraída por los nuevos sonidos. La música electrónica comenzó a hacerse popular. Las raves se pueden encontrar en muchos tipos diferentes de lugares, a diferencia de solo sótanos y almacenes. Los promotores comenzaron a darse cuenta y juntaron los eventos masivos de finales de la década de 1990 con muchas formas musicales bajo un mismo techo para eventos de 12 horas. Hasta 2003, la escena de las raves continuó creciendo lentamente y manteniéndose estable hasta que hubo cada vez más conciencia y publicidad sobre el uso de drogas ilícitas en las raves, particularmente el éxtasis. Paralelamente al crecimiento de la escena rave, hubo un aumento de las políticas antidrogas, que estaban dirigidas directamente e influyeron indirectamente en la gestión organizacional y de eventos rave. El 30 de abril de 2003, el Congreso de los Estados Unidos aprobó la Ley contra la proliferación de drogas ilícitas , que tiene su origen en un proyecto de ley de 2002 con un propósito similar, pero no aprobado. Ese proyecto de ley se llama en particular Ley RAVE . En consecuencia, a mediados de la década de 2000 y finales de la década de 2000, las raves más grandes aparecieron de manera más esporádica. [101] Sin embargo, y en paralelo a las nuevas ordenanzas municipales sobre toques de queda y control de drogas, empresas promotoras de eventos rave como Go ventures e Insomniac persistieron y continuaron con los eventos rave programados anualmente como Monster Massive , Together as One y Electric Daisy Carnival . A partir de esta base de rutina y coherencia en los eventos programados, la escena rave resurgió en 2010 con aún más asistencia y lugares de baile. La abrumadora asistencia, incluso por la falta de restricciones de asistencia de menores, alcanzó un punto de cambio con la asistencia estimada de 185.000 personas en el Electric Daisy Carnival (EDC) de 2010. Ese evento de 2010 ganó amplia atención debido a la muerte y sobredosis de una niña de 15 años, Sasha Rodríguez. [101] [102] La muerte provocó una investigación del fundador de EDC Insomniac, Pasquale Rotella. Esa investigación resultó en que fuera acusado de soborno al empleado público Todd DeStefano. En ese momento, DeStefano era el director de eventos del LA Coliseum, que fue la sede del EDC de 2010. [103] Esto a su vez condujo a una reorganización de los eventos rave de Insomniac. Para EDC en particular, mientras estaba en libertad bajo fianza, Pasquale Rotella trasladó la EDC de 2011 de Los Ángeles a Las Vegas a partir de entonces y aumentó las ubicaciones programadas de EDC. Más tarde, Rotella llegó a un acuerdo con la fiscalía y evitó la pena de cárcel. [103]
Desde mediados de la década de 1990 hasta principios de la década de 2000, la ciudad de Seattle también compartió la tradición de la cultura rave de la costa oeste. Aunque era una escena más pequeña en comparación con San Francisco, Seattle también tenía muchos equipos de rave, promotores, DJ y fanáticos diferentes. El estilo, la amistad y la cultura de Candy Raver se hicieron populares en la escena rave de la costa oeste, tanto en Seattle como en San Francisco. En el apogeo de las raves de la costa oeste, Candy Raver, y de su enorme popularidad (1996-1999), era común encontrarse con grupos de ravers, promotores y DJ que viajaban con frecuencia entre Seattle y San Francisco, así como entre Bellingham, Vancouver, Canadá y Portland, Oregón. Esto difundió el sentido general de la cultura rave de la costa oeste y el fenómeno de las "masivas" de la costa oeste.
En 2010, las raves se estaban convirtiendo en el equivalente de los festivales de música rock a gran escala, pero muchas veces incluso más grandes y rentables. El Electric Daisy Carnival en Las Vegas atrajo a más de 300.000 fanáticos durante tres días en el verano de 2012, lo que lo convirtió en el festival de música EDM más grande de América del Norte. Ultra Music Festival en Miami atrajo a 150.000 fanáticos durante tres días en 2012, mientras que otras raves como Electric Zoo en Nueva York, Beyond Wonderland en Los Ángeles, Movement en Detroit, Electric Forest en Michigan, Spring Awakening Music Festival en Chicago y docenas más ahora atraen a cientos. de miles de "ravers" cada año. Estos nuevos eventos rave basados en EDM (ahora denominados simplemente genéricamente " festivales de música ") se agotan. La asistencia al festival Electric Daisy Carnival (EDC) aumentó en un 39,1%, o 90.000 asistentes de 2011 a 2012. En 2013, EDC tuvo una asistencia de aproximadamente 345.000 personas, un récord para el festival. La entrada promedio para EDC cuesta más de $300 y el evento contribuyó con $278 millones a la economía del condado de Clark en 2013. [104] Este festival se lleva a cabo en un complejo de 1,000 acres que cuenta con media docena de escenarios personalizados, enormes instalaciones de arte interactivas y cientos de de artistas de EDM. Insomniac , un promotor de eventos de EDM de EE. UU., organiza anualmente EDC y otros eventos de EDM.
Las fiestas rave comenzaron en Australia ya en la década de 1980 y continuaron hasta finales de la década de 1990. Eran versiones movilizadas de los "partidos almacén" en toda Gran Bretaña. Al igual que en Estados Unidos y Gran Bretaña, las raves en Australia no tenían licencia y se llevaban a cabo en espacios normalmente utilizados con fines industriales y de fabricación, como almacenes , fábricas y salas de exposición de alfombras. Además, también se utilizaron ubicaciones suburbanas: gimnasios de baloncesto, estaciones de tren e incluso carpas de circo eran lugares comunes. En Sydney , las áreas comunes utilizadas para eventos al aire libre incluían Sydney Park , un vertedero de basura recuperada en el interior suroeste de la ciudad, Cataract Park y varios otros lugares naturales no utilizados y terrenos arbustivos. Las raves pusieron un gran énfasis en la conexión entre los seres humanos y el entorno natural, por lo que muchas raves en Sydney se llevaron a cabo al aire libre, en particular las fiestas 'Happy Valley' (1991-1994), 'Ecología' (1992) y 'Field of Dreams 4'. ' (6 de julio de 1996). [105] [106] A mediados de la década de 1990 se produjo una ligera disminución en la asistencia a raves, atribuida a la muerte de Anna Wood en un lugar autorizado en el centro de la ciudad de Sydney, que organizaba una fiesta rave conocida como "Apache". Wood había consumido éxtasis y murió en el hospital unos días después, lo que provocó una amplia exposición en los medios sobre la correlación de la cultura de las drogas y sus vínculos con la escena rave en Australia.
La tradición continuó en Melbourne , con fiestas 'Earthcore'. Las raves también se volvieron menos clandestinas como lo eran en la década de 1990, y muchas se llevaron a cabo en lugares autorizados hasta bien entrada la década de 2000. A pesar de esto, las fiestas rave del tamaño de los noventa se volvieron menos comunes. No obstante, la escena rave en Australia experimentó un resurgimiento durante la década de 2010. Durante este período, el resurgimiento del "Melbourne Shuffle", un estilo de baile rave/club de Melbourne, se convirtió en tendencia en YouTube y se subieron videos. La subcultura rave en Melbourne se fortaleció con la apertura de clubes como Bass Station y Hard Candy y el surgimiento de grupos de fiesta libre como Melbourne Underground. En Melbourne, a lo largo de la década de 2010 se celebraron con frecuencia fiestas en cuclillas en almacenes y raves al aire libre, y en ocasiones la asistencia ascendía a miles.
La siguiente es una lista incompleta de elogios notables.
La siguiente es una lista incompleta de sistemas de sonido notables :
El término rave se utilizó por primera vez a finales de los años 50 en Gran Bretaña como nombre para las fiestas bohemias salvajes de la época.
Quizás el evento más famoso en el que participó Unit Delta Plus fue el
Million Volt Light and Sound Rave
de 1967 en el Roundhouse de Londres, organizado por los diseñadores Binder, Edwards y Vaughan (que anteriormente habían sido contratados por Paul McCartney para decorar un piano). El evento tuvo lugar durante dos noches (28 de enero y 4 de febrero de 1967) e incluyó una interpretación de cintas musicales de Unit Delta Plus, así como una reproducción del legendario
Carnival of Light
, un collage sonoro de catorce minutos montado por McCartney alrededor del época de las sesiones
de Penny Lane
de los Beatles
.
Una rave o un concierto de rock no es simplemente una presentación a la que asiste el público, sino un evento comunitario (como un servicio religioso secular) en el que todos tienen una parte activa.
{{cite journal}}: Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace )New Beat comenzó cuando los DJ comenzaron a tocar discos gay Hi-NRG a 33 rpm en lugar de las 45 rpm correctas, creando un ritmo de baile trance inquietante y viscoso. En el apogeo de la locura, recuerda Renaat, el club Boccaccio de Gante "era como un templo". Todos estaban vestidos de blanco y negro, bailando esta extraña danza robótica”. [...] A medida que avanzaban los noventa, los bpm volvieron a la normalidad, luego se aceleraron, cuando los DJ comenzaron a tocar techno con sus tocadiscos configurados en +8. Nació un hardcore nativo, con sellos como Hithouse, Big Time International, Who's That Beat, Beat Box y Music Man, y grupos como Set Up System, Cubic 22, T99, 80 Aum, Incubus, Holy Noise y Meng Syndicate.
Mientras el hardcore belga inundaba Europa, dominando el circuito rave underground y penetrando en las listas de éxitos pop, los conocedores del techno palidecieron de horror ante el brutalismo del nuevo estilo.
Las semillas del nuevo sonido, sin embargo, germinaron en algún lugar entre Bélgica y Brooklyn, Nueva York, donde DJ y productores como Lenny Dee, Mundo Muzique y Joey Beltram estaban impulsando la música rave en una dirección más dura y rápida.
