Miles Dewey Davis III (26 de mayo de 1926 – 28 de septiembre de 1991) fue un trompetista, director de orquesta y compositor de jazz estadounidense . Es una de las figuras más influyentes y aclamadas de la historia del jazz y de la música del siglo XX . Davis adoptó una variedad de direcciones musicales en una carrera de aproximadamente cinco décadas que lo mantuvo a la vanguardia de muchos de los principales desarrollos estilísticos del jazz. [1]
Nacido en una familia de clase media alta [2] en Alton, Illinois , y criado en East St. Louis , Davis comenzó a tocar la trompeta en su adolescencia. Se fue a estudiar a Juilliard en la ciudad de Nueva York, antes de abandonar y hacer su debut profesional como miembro del quinteto de bebop del saxofonista Charlie Parker de 1944 a 1948. Poco después, grabó las sesiones de Birth of the Cool para Capitol Records , que fueron fundamentales para el desarrollo del cool jazz . A principios de la década de 1950, Davis grabó algunas de las primeras canciones de hard bop mientras estaba en Prestige Records, pero lo hizo de forma aleatoria debido a una adicción a la heroína. Después de una actuación de regreso ampliamente aclamada en el Festival de Jazz de Newport , firmó un contrato de largo plazo con Columbia Records y grabó el álbum 'Round About Midnight en 1955. [3] Fue su primer trabajo con el saxofonista John Coltrane y el bajista Paul Chambers , miembros clave del sexteto que dirigió a principios de la década de 1960. Durante este período, alternó entre colaboraciones de jazz orquestal con el arreglista Gil Evans , como Sketches of Spain (1960) con influencia de música española , y grabaciones de banda, como Milestones (1958) y Kind of Blue (1959). [4] La última grabación sigue siendo uno de los álbumes de jazz más populares de todos los tiempos, [5] habiendo vendido más de cinco millones de copias en los EE. UU.
Davis hizo varios cambios de formación mientras grababa Someday My Prince Will Come (1961), sus conciertos Blackhawk de 1961 y Seven Steps to Heaven (1963), otro éxito comercial que presentó al bajista Ron Carter , al pianista Herbie Hancock y al baterista Tony Williams . [4] Después de agregar al saxofonista Wayne Shorter a su nuevo quinteto en 1964, [4] Davis los dirigió en una serie de grabaciones más abstractas a menudo compuestas por los miembros de la banda, ayudando a ser pioneros en el género post-bop con álbumes como ESP (1965) y Miles Smiles (1967), [6] antes de pasar a su período eléctrico. Durante la década de 1970, experimentó con el rock, el funk, los ritmos africanos , la tecnología emergente de la música electrónica y una formación de músicos en constante cambio, incluido el tecladista Joe Zawinul , el baterista Al Foster , el bajista Michael Henderson y el guitarrista John McLaughlin . [7] Este período, que comenzó con el álbum de estudio de Davis de 1969 In a Silent Way y concluyó con la grabación del concierto de 1975 Agharta , fue el más controvertido de su carrera, alejando y desafiando a muchos en el jazz. [8] Su disco de 1970, Bitches Brew, que vendió un millón de copias, ayudó a provocar un resurgimiento de la popularidad comercial del género con la fusión del jazz a medida que avanzaba la década. [9]
Después de un retiro de cinco años debido a problemas de salud, Davis reanudó su carrera en la década de 1980, empleando músicos más jóvenes y sonidos pop en álbumes como The Man with the Horn (1981), You're Under Arrest (1985) y Tutu (1986). Los críticos a menudo fueron poco receptivos, pero la década le proporcionó a Davis su mayor nivel de reconocimiento comercial. Realizó conciertos con entradas agotadas en todo el mundo, mientras se diversificaba en el trabajo de artes visuales, cine y televisión, antes de su muerte en 1991 por los efectos combinados de un derrame cerebral, neumonía e insuficiencia respiratoria . [10] En 2006, Davis fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll , [11] que lo reconoció como "una de las figuras clave en la historia del jazz". [11] La revista Rolling Stone lo describió como "el trompetista de jazz más reverenciado de todos los tiempos, sin mencionar uno de los músicos más importantes del siglo XX", [10] mientras que Gerald Early lo llamó indiscutiblemente uno de los músicos más influyentes e innovadores de ese período. [12]
Davis nació el 26 de mayo de 1926 en el seno de una familia afroamericana acomodada en Alton , Illinois, a 24 kilómetros al norte de San Luis . [13] [14] Tenía una hermana mayor, Dorothy Mae (1925-1996), y un hermano menor, Vernon (1929-1999). Su madre, Cleota Mae Henry de Arkansas , era profesora de música y violinista, y su padre, Miles Dewey Davis Jr. , también de Arkansas, era dentista. Poseían una finca de 81 hectáreas cerca de Pine Bluff , Arkansas, con una rentable granja de cerdos. En Pine Bluff, él y sus hermanos pescaban, cazaban y montaban a caballo. [15] [16] Los abuelos de Davis eran los dueños de una granja en Arkansas donde pasaría muchos veranos. [17]
En 1927, la familia se mudó a East St. Louis, Illinois . Vivían en el segundo piso de un edificio comercial detrás de un consultorio dental en un vecindario predominantemente blanco. El padre de Davis pronto se distanciaría de sus hijos, ya que la Gran Depresión hizo que se sintiera cada vez más consumido por su trabajo; por lo general, trabajaba seis días a la semana. [17] De 1932 a 1934, Davis asistió a la escuela primaria John Robinson, una escuela solo para negros, [14] luego a Crispus Attucks, donde se desempeñó bien en matemáticas, música y deportes. [16] Davis había asistido previamente a una escuela católica. [17] A una edad temprana le gustaba la música, especialmente el blues, las grandes bandas y el gospel. [15]
En 1935, Davis recibió su primera trompeta como regalo de John Eubanks, un amigo de su padre. [18] Luego tomó lecciones semanales de "la mayor influencia en mi vida", Elwood Buchanan , un maestro y músico que fue paciente de su padre. [13] [19] Su madre quería que tocara el violín en su lugar. [20] En contra de la moda de la época, Buchanan enfatizó la importancia de tocar sin vibrato y lo alentó a usar un tono claro de rango medio. Davis dijo que cada vez que comenzaba a tocar con un vibrato fuerte, Buchanan se golpeaba los nudillos. [20] [13] [21] En años posteriores, Davis dijo: "Prefiero un sonido redondo sin actitud, como una voz redonda sin demasiado trémolo ni demasiado bajo. Justo en el medio. Si no puedo obtener ese sonido, no puedo tocar nada". [22] La familia pronto se mudó a 1701 Kansas Avenue en East St. Louis. [17]
En su autobiografía, Davis afirmó: "A los 12 años, la música se había convertido en lo más importante de mi vida". [19] En su decimotercer cumpleaños, su padre le compró una nueva trompeta, [18] y Davis comenzó a tocar en bandas locales. Tomó lecciones de trompeta adicionales de Joseph Gustat, trompetista principal de la Orquesta Sinfónica de San Luis . [18] Davis también tocaba la trompeta en concursos de talentos que él y sus hermanos organizaban. [17]
En 1941, a los 15 años asistió a la East St. Louis Lincoln High School , donde se unió a la banda de música dirigida por Buchanan y participó en concursos de música. Años más tarde, Davis dijo que fue discriminado en estos concursos debido a su raza, pero agregó que estas experiencias lo convirtieron en un mejor músico. [16] Cuando un baterista le pidió que tocara un determinado pasaje de música, y no pudo hacerlo, comenzó a aprender teoría musical . "Fui y conseguí todo, todos los libros que pude conseguir para aprender sobre teoría". [23] En Lincoln, Davis conoció a su primera novia, Irene Birth (más tarde Cawthon). [24] Tenía una banda que actuaba en el Elks Club. [25] Parte de sus ganancias pagaron la educación de su hermana en la Universidad Fisk . [26] Davis se hizo amigo del trompetista Clark Terry , quien le sugirió que tocara sin vibrato, y actuó con él durante varios años. [18] [26]
Con el apoyo de su profesora y novia, Davis llenó una vacante en la Orquesta Rhumboogie , también conocida como los Blue Devils, dirigida por Eddie Randle. Se convirtió en el director musical de la banda, lo que implicaba contratar músicos y programar ensayos. [27] [26] Años más tarde, Davis consideró este trabajo como uno de los más importantes de su carrera. [23] Sonny Stitt intentó persuadirlo para que se uniera a la banda Tiny Bradshaw , que estaba de paso por la ciudad, pero su madre insistió en que terminara la escuela secundaria antes de salir de gira. Dijo más tarde: "No hablé con ella durante dos semanas. Y tampoco fui con la banda". [28] En enero de 1944, Davis terminó la escuela secundaria y se graduó en ausencia en junio. Durante el mes siguiente, su novia dio a luz a una hija, Cheryl. [26]
En julio de 1944, Billy Eckstine visitó San Luis con una banda que incluía a Art Blakey , Dizzy Gillespie y Charlie Parker . El trompetista Buddy Anderson estaba demasiado enfermo para tocar, [13] por lo que Davis fue invitado a unirse. Tocó con la banda durante dos semanas en el Club Riviera . [26] [29] Después de tocar con estos músicos, estaba seguro de que debería mudarse a la ciudad de Nueva York, "donde estaba la acción". [30] Su madre quería que fuera a la Universidad Fisk, como su hermana, y estudiara piano o violín. Davis tenía otros intereses. [28]
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En septiembre de 1944, Davis aceptó la idea de su padre de estudiar en la Juilliard School of Music de la ciudad de Nueva York. [26] Después de pasar la audición, asistió a clases de teoría musical, piano y dictado. [31] Davis a menudo se saltaba sus clases. [32]
Davis pasó gran parte de su tiempo en clubes buscando a su ídolo, Charlie Parker. Según Davis, Coleman Hawkins le dijo "termina tus estudios en Juilliard y olvídate de Bird [Parker]". [33] [29] Después de encontrar a Parker, se unió a un grupo de clientes habituales de Minton's y Monroe's en Harlem que celebraban sesiones de improvisación todas las noches. Los otros clientes habituales incluían a JJ Johnson , Kenny Clarke , Thelonious Monk , Fats Navarro y Freddie Webster . Davis se reunió con Cawthon y su hija cuando se mudaron a la ciudad de Nueva York. Parker se convirtió en compañero de habitación. [29] [26] En esta época, Davis recibió una asignación de 40 dólares (equivalente a 690 dólares en 2023 [34] ). [35]
A mediados de 1945, Davis no se inscribió para el semestre de otoño de ese año en Juilliard y abandonó después de tres semestres [15] [36] [26] porque quería actuar a tiempo completo. [37] Años más tarde criticó a Juilliard por concentrarse demasiado en el repertorio clásico europeo y "blanco", pero elogió a la escuela por enseñarle teoría musical y mejorar su técnica de trompeta.
Davis comenzó a actuar en clubes de la calle 52 con Coleman Hawkins y Eddie "Lockjaw" Davis . Grabó por primera vez el 24 de abril de 1945, cuando entró al estudio como acompañante de la banda de Herbie Fields . [26] [29] Durante el año siguiente, grabó como líder por primera vez con el Sexteto de Miles Davis más Earl Coleman y Ann Baker, una de las pocas veces que acompañó a un cantante. [38]
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En 1945, Davis reemplazó a Dizzy Gillespie en el quinteto de Charlie Parker. El 26 de noviembre, participó en varias sesiones de grabación como parte del grupo Reboppers de Parker en el que también participaban Gillespie y Max Roach , [26] mostrando indicios del estilo por el que se haría conocido. En la melodía de Parker « Now's the Time », Davis tocó un solo que anticipó el cool jazz . A continuación, se unió a una big band liderada por Benny Carter , actuando en San Luis y permaneciendo con la banda en California. Volvió a tocar con Parker y Gillespie. [39] En Los Ángeles, Parker sufrió una crisis nerviosa que lo llevó al hospital durante varios meses. [39] [40] En marzo de 1946, Davis tocó en sesiones de estudio con Parker y comenzó una colaboración con el bajista Charles Mingus ese verano. Cawthon dio a luz al segundo hijo de Davis, Gregory, en East St. Louis antes de reunirse con Davis en la ciudad de Nueva York al año siguiente. [39] Davis señaló que en ese momento, "todavía estaba tan metido en la música que incluso ignoraba a Irene". También había recurrido al alcohol y la cocaína. [41]
Davis fue miembro de la big band de Billy Eckstine en 1946 y de la de Gillespie en 1947. [42] Se unió a un quinteto liderado por Parker que también incluía a Max Roach. Juntos actuaron en directo con Duke Jordan y Tommy Potter durante gran parte del año, incluidas varias sesiones de estudio. [39] En una sesión de ese mes de mayo, Davis escribió la melodía "Cheryl", para su hija. La primera sesión de Davis como líder se produjo en agosto de 1947, tocando como Miles Davis All Stars que incluía a Parker, el pianista John Lewis y el bajista Nelson Boyd ; grabaron "Milestones", "Half Nelson" y "Sippin' at Bells". [43] [39] Después de realizar una gira por Chicago y Detroit con el quinteto de Parker, Davis regresó a la ciudad de Nueva York en marzo de 1948 y se unió a la gira Jazz at the Philharmonic , que incluyó una parada en St. Louis el 30 de abril. [39]
En agosto de 1948, Davis rechazó una oferta para unirse a la orquesta de Duke Ellington, ya que había entrado en ensayos con una banda de nueve miembros que incluía al saxofonista barítono Gerry Mulligan y arreglos de Gil Evans , asumiendo un papel activo en lo que pronto se convirtió en su propio proyecto. [44] [39] El apartamento de Evans en Manhattan se había convertido en el lugar de reunión de varios músicos y compositores jóvenes como Davis, Roach, Lewis y Mulligan que estaban descontentos con las técnicas instrumentales cada vez más virtuosas que dominaban el bebop. [45] Estas reuniones llevaron a la formación del Nonet de Miles Davis , que incluía instrumentos de jazz moderno atípicos como la trompa y la tuba, lo que daba lugar a un sonido de textura espesa, casi orquestal. [32] La intención era imitar la voz humana a través de composiciones cuidadosamente arregladas y un enfoque relajado y melódico de la improvisación. En septiembre, la banda completó su único compromiso como banda de apertura de Count Basie en el Royal Roost durante dos semanas. Davis tuvo que persuadir al encargado del local para que escribiera el cartel "Miles Davis Nonet. Arreglos de Gil Evans, John Lewis y Gerry Mulligan". Davis regresó al quinteto de Parker, pero las relaciones dentro del quinteto se estaban volviendo tensas principalmente debido al comportamiento errático de Parker causado por su adicción a las drogas. [39] Al principio de su tiempo con Parker, Davis se abstuvo de las drogas, eligió una dieta vegetariana y habló de los beneficios del agua y los jugos. [46]
En diciembre de 1948, Davis renunció, diciendo que no le pagaban. [39] Su partida inició un período en el que trabajó principalmente como freelance y sideman. Su noneto permaneció activo hasta finales de 1949. Después de firmar un contrato con Capitol Records , grabaron sesiones en enero y abril de 1949, que se vendieron poco pero influyeron en el estilo "cool" o "de la costa oeste" del jazz. [39] La formación cambió a lo largo del año e incluyó al tubista Bill Barber , el saxofonista alto Lee Konitz , el pianista Al Haig , los trombonistas Mike Zwerin con Kai Winding , los trompas Junior Collins con Sandy Siegelstein y Gunther Schuller , y los bajistas Al McKibbon y Joe Shulman . Una pista contó con la participación del cantante Kenny Hagood . La presencia de músicos blancos en el grupo enfureció a algunos músicos negros, muchos de los cuales estaban desempleados en ese momento, pero Davis rechazó sus críticas. [47] Las sesiones de grabación con el noneto para Capitol continuaron hasta abril de 1950. El noneto grabó una docena de temas que fueron lanzados como sencillos y posteriormente compilados en el álbum de 1957 Birth of the Cool . [32]
En mayo de 1949, Davis actuó con el Tadd Dameron Quintet junto a Kenny Clarke y James Moody en el Festival Internacional de Jazz de París . En su primer viaje al extranjero, Davis se enamoró de París y de su ambiente cultural, donde sentía que los músicos de jazz negros y la gente de color en general eran más respetados que en Estados Unidos. El viaje, dijo, "cambió la forma en que veía las cosas para siempre". [48] Comenzó un romance con la cantante y actriz Juliette Gréco . [48]
Después de regresar de París a mediados de 1949, se deprimió y encontró poco trabajo, excepto un breve compromiso con Powell en octubre y apariciones especiales en la ciudad de Nueva York, Chicago y Detroit hasta enero de 1950. [49] Se estaba quedando atrás en el alquiler del hotel y hubo intentos de recuperar su automóvil. Su consumo de heroína se convirtió en una adicción costosa, y Davis, que aún no tenía 24 años, "perdió mi sentido de la disciplina, perdí mi sentido de control sobre mi vida y comenzó a desviarse". [50] [39] En agosto de 1950, Cawthon dio a luz al segundo hijo de Davis, Miles IV. Davis se hizo amigo del boxeador Johnny Bratton , lo que inició su interés en el deporte. Davis dejó a Cawthon y sus tres hijos en la ciudad de Nueva York en manos de una de sus amigas, la cantante de jazz Betty Carter . [49] Realizó una gira con Eckstine y Billie Holiday y fue arrestado por posesión de heroína en Los Ángeles. La historia fue publicada en la revista DownBeat , lo que llevó a una mayor reducción de su trabajo, aunque fue absuelto semanas después. [51] En la década de 1950, Davis se había vuelto más hábil y estaba experimentando con el registro medio de la trompeta junto con armonías y ritmos. [32]
En enero de 1951, la suerte de Davis mejoró cuando firmó un contrato de un año con Prestige después de que el propietario Bob Weinstock se convirtiera en un fanático del noneto. [52] Davis eligió a Lewis, al trombonista Bennie Green , al bajista Percy Heath , al saxofonista Sonny Rollins y al baterista Roy Haynes ; grabaron lo que se convirtió en parte de Miles Davis and Horns (1956). Davis fue contratado para otras fechas de estudio en 1951 [51] y comenzó a transcribir partituras para sellos discográficos para financiar su adicción a la heroína. Su segunda sesión para Prestige fue lanzada en The New Sounds (1951), Dig (1956) y Conception (1956). [53]
Davis mantuvo su adicción a la heroína tocando música y viviendo la vida de un estafador, explotando a prostitutas y recibiendo dinero de sus amigos. En 1953, su adicción comenzó a afectar su forma de tocar. Su adicción a las drogas se hizo pública en una entrevista de DownBeat con Cab Calloway , a quien nunca perdonó porque le trajo "todo el dolor y el sufrimiento". [54] Regresó a San Luis y se quedó con su padre durante varios meses. [54] Después de un breve período con Roach y Mingus en septiembre de 1953, [55] regresó a la casa de su padre, donde se concentró en abordar su adicción. [56]
Davis vivió en Detroit durante unos seis meses, evitando la ciudad de Nueva York, donde era fácil conseguir drogas. Aunque consumía heroína, todavía podía actuar localmente con Elvin Jones y Tommy Flanagan como parte de la banda de la casa de Billy Mitchell en el club Blue Bird . También estaba "proxeneando un poco". [57] Sin embargo, pudo poner fin a su adicción y, en febrero de 1954, Davis regresó a la ciudad de Nueva York, sintiéndose bien "por primera vez en mucho tiempo", mental y físicamente más fuerte, y se unió a un gimnasio. [58] Informó a Weinstock y Blue Note que estaba listo para grabar con un quinteto, lo cual le fue concedido. Consideró que los álbumes que resultaron de estas y otras sesiones anteriores -Miles Davis Quartet y Miles Davis Volume 2- eran "muy importantes" porque sentía que sus actuaciones eran particularmente fuertes. [59] Le pagaban aproximadamente $750 (equivalente a $8,500 en 2023 [34] ) por cada álbum y se negó a ceder sus derechos de publicación. [60]
Davis abandonó el estilo bebop y se volcó en la música del pianista Ahmad Jamal , cuyo enfoque y uso del espacio lo influenciaron. [61] Cuando regresó al estudio en junio de 1955 para grabar The Musings of Miles , quería un pianista como Jamal y eligió Red Garland . [61] Blue Haze (1956), Bags' Groove (1957), Walkin' (1957) y Miles Davis and the Modern Jazz Giants (1959) documentaron la evolución de su sonido con la sordina Harmon colocada cerca del micrófono y el uso de fraseo más espacioso y relajado. Asumió un papel central en el hard bop , menos radical en armonía y melodía, y usó canciones populares y estándares estadounidenses como puntos de partida para la improvisación. El hard bop se distanció del cool jazz con un ritmo más duro y música inspirada en el blues. [62] Algunos críticos consideran a Walkin' (abril de 1954) el álbum que creó el género hard bop. [22]
Davis se ganó la reputación de ser frío, distante y enfadable. Escribió que en 1954 Sugar Ray Robinson "era lo más importante en mi vida, además de la música", y adoptó la "actitud arrogante" de Robinson. [63] Mostró desprecio por los críticos y la prensa.
Davis fue sometido a una operación para extirparle pólipos de la laringe en octubre de 1955. [64] Los médicos le dijeron que permaneciera en silencio después de la operación, pero tuvo una discusión que dañó permanentemente sus cuerdas vocales y le dejó una voz ronca por el resto de su vida. [65] Lo llamaban el "príncipe de las tinieblas", lo que añadió una pátina de misterio a su personaje público. [a]
En julio de 1955, la suerte de Davis mejoró considerablemente cuando tocó en el Newport Jazz Festival , con una formación de Monk, Heath, el baterista Connie Kay y los trompetistas Zoot Sims y Gerry Mulligan . [69] [70] La actuación fue elogiada tanto por los críticos como por el público, que la consideraron un momento destacado del festival, además de ayudar a Davis, el músico menos conocido del grupo, a aumentar su popularidad entre el público blanco adinerado. [71] [70] Empató con Dizzy Gillespie como mejor trompetista en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1955. [72]
George Avakian de Columbia Records escuchó a Davis tocar en Newport y quiso ficharlo para el sello. A Davis le quedaba un año de contrato con Prestige, lo que le exigía lanzar cuatro álbumes más. Firmó un contrato con Columbia que incluía un anticipo de 4000 dólares (equivalente a 45 500 dólares en 2023 [34] ) y exigía que sus grabaciones para Columbia permanecieran inéditas hasta que expirara su acuerdo con Prestige. [73] [74]
A petición de Avakian, formó el Miles Davis Quintet para una actuación en el Café Bohemia . El quinteto incluía a Sonny Rollins en el saxofón tenor, Red Garland en el piano, Paul Chambers en el contrabajo y Philly Joe Jones en la batería. Rollins fue reemplazado por John Coltrane , completando la membresía del primer quinteto. Para cumplir con el contrato de Davis con Prestige, este nuevo grupo trabajó en dos sesiones maratónicas en mayo y octubre de 1956 que fueron lanzadas por el sello como cuatro LP: Cookin' with the Miles Davis Quintet (1957), Relaxin' with the Miles Davis Quintet (1958), Workin' with the Miles Davis Quintet (1960) y Steamin' with the Miles Davis Quintet (1961). Cada álbum fue aclamado por la crítica y ayudó a establecer al quinteto de Davis como uno de los mejores. [75] [76] [77]
El estilo del grupo era una extensión de su experiencia tocando con Davis. Él tocaba líneas melódicas largas y legato, mientras que Coltrane contrastaba con solos enérgicos. Su repertorio en vivo era una mezcla de bebop, estándares del Great American Songbook y de las eras pre-bop, y melodías tradicionales. Aparecieron en 'Round About Midnight' , el primer álbum de Davis para Columbia.
En 1956, dejó su quinteto temporalmente para realizar una gira por Europa como parte del Birdland All-Stars, que incluía al Modern Jazz Quartet y músicos franceses y alemanes. En París, se reunió con Gréco y "fueron amantes durante muchos años". [78] [79] Luego regresó a casa, reunió a su quinteto y realizó una gira por los EE. UU. durante dos meses. El conflicto surgió durante la gira cuando se impacientó con los hábitos de drogas de Jones y Coltrane. Davis estaba tratando de vivir una vida más saludable haciendo ejercicio y reduciendo su consumo de alcohol. Pero continuó consumiendo cocaína. [80] Al final de la gira, despidió a Jones y Coltrane y los reemplazó con Sonny Rollins y Art Taylor . [81]
En noviembre de 1957, Davis viajó a París y grabó la banda sonora de Ascenseur pour l'échafaud . [42] Dirigida por Louis Malle y protagonizada por Jeanne Moreau . Formado por los músicos de jazz franceses Barney Wilen , Pierre Michelot y René Urtreger , y el baterista estadounidense Kenny Clarke , el grupo evitó una partitura escrita y en su lugar improvisó mientras veían la película en un estudio de grabación.
Después de regresar a Nueva York, Davis revivió su quinteto con Adderley [42] y Coltrane, que ya no tenía adicción a las drogas. Ahora convertido en sexteto, el grupo grabó material a principios de 1958 que se publicó en Milestones , un álbum que demostró el interés de Davis por el jazz modal . Una actuación de Les Ballets Africains lo llevó a una música más lenta y deliberada que permitía la creación de solos a partir de la armonía en lugar de acordes. [82]
En mayo de 1958, había reemplazado a Jones por el baterista Jimmy Cobb , y Garland dejó el grupo, dejando a Davis para tocar el piano en "Sid's Ahead" para Milestones . [83] Quería a alguien que pudiera tocar jazz modal, por lo que contrató a Bill Evans , un joven pianista con experiencia en música clásica. [84] Evans tenía un enfoque impresionista al piano. Sus ideas influyeron mucho en Davis. Pero después de ocho meses de gira, un cansado Evans se fue. Wynton Kelly , su reemplazo, trajo al grupo un estilo swing que contrastaba con la delicadeza de Evans. El sexteto hizo su debut discográfico en Jazz Track (1958). [84]
A principios de 1957, Davis estaba exhausto de grabar y hacer giras y deseaba emprender nuevos proyectos. En marzo, Davis, de 30 años, les dijo a los periodistas su intención de retirarse pronto y reveló ofertas que había recibido para enseñar en la Universidad de Harvard y ser director musical en un sello discográfico. [85] [86] Avakian estuvo de acuerdo en que era hora de que Davis explorara algo diferente, pero Davis rechazó su sugerencia de regresar a su noneto porque lo consideraba un paso atrás. [86] Avakian luego sugirió que trabajara con un conjunto más grande, similar a Music for Brass (1957), un álbum de música orquestal y arreglada para metales dirigido por Gunther Schuller con Davis como solista invitado.
Davis aceptó y trabajó con Gil Evans en lo que se convirtió en una colaboración de cinco álbumes desde 1957 hasta 1962. [87] Miles Ahead (1957) presentó a Davis en fliscorno y una interpretación de "The Maids of Cadiz" de Léo Delibes , la primera pieza de música clásica que Davis grabó. Evans ideó pasajes orquestales como transiciones, convirtiendo así el álbum en una larga pieza musical. [88] [89] Porgy and Bess (1959) incluye arreglos de piezas de la ópera de George Gershwin Sketches of Spain (1960) contenía música de Joaquín Rodrigo y Manuel de Falla y originales de Evans. Los músicos clásicos tuvieron problemas para improvisar, mientras que los músicos de jazz no pudieron manejar los arreglos difíciles, pero el álbum fue un éxito de crítica, vendiendo más de 120.000 copias en los EE. UU. [90] Davis actuó con una orquesta dirigida por Evans en el Carnegie Hall en mayo de 1961 para recaudar dinero para la caridad. [91] El último álbum de la pareja fue Quiet Nights (1963), una colección de canciones de bossa nova publicadas en contra de sus deseos. Evans declaró que era solo la mitad de un álbum y culpó a la compañía discográfica; Davis culpó al productor Teo Macero y se negó a hablar con él durante más de dos años. [92] El box set Miles Davis & Gil Evans: The Complete Columbia Studio Recordings (1996) ganó el premio Grammy al Mejor Álbum Histórico y Mejores Notas de Álbum en 1997.
En marzo y abril de 1959, Davis grabó lo que algunos consideran su mejor álbum, Kind of Blue . Le puso ese nombre por su estado de ánimo. [93] Volvió a llamar a Bill Evans, ya que la música había sido planeada en torno al estilo de piano de Evans. [94] Tanto Davis como Evans estaban familiarizados con las ideas de George Russell sobre el jazz modal. [95] [96] Pero Davis se olvidó de decirle al pianista Wynton Kelly que Evans estaba de regreso, por lo que Kelly apareció solo en una canción, " Freddie Freeloader ". [94] El sexteto había tocado " So What " y " All Blues " en presentaciones, pero las tres composiciones restantes las vieron por primera vez en el estudio.
Lanzado en agosto de 1959, Kind of Blue fue un éxito instantáneo, con una amplia difusión en la radio y excelentes críticas de los críticos. [93] Se ha mantenido como un gran éxito de ventas a lo largo de los años. En 2019, el álbum logró la certificación 5× platino de la Recording Industry Association of America por ventas de más de cinco millones de copias en los EE. UU., lo que lo convierte en uno de los álbumes de jazz más exitosos de la historia. [97] En 2009, la Cámara de Representantes de los EE. UU. aprobó una resolución que lo honró como tesoro nacional. [98] [99]
En agosto de 1959, durante un descanso en una sesión de grabación en el club nocturno Birdland en la ciudad de Nueva York, Davis estaba escoltando a una mujer rubia hasta un taxi fuera del club cuando el policía Gerald Kilduff le dijo que "siguiera adelante". [100] [101] Davis dijo que estaba trabajando en el club y se negó a moverse. [102] Kilduff arrestó y agarró a Davis mientras intentaba protegerse. Los testigos dijeron que el policía golpeó a Davis en el estómago con una porra sin provocación. Dos detectives retuvieron a la multitud, mientras que un tercero se acercó a Davis por detrás y lo golpeó en la cabeza. Davis fue llevado a la cárcel, acusado de agredir a un oficial, luego llevado al hospital donde recibió cinco puntos de sutura. [101] En enero de 1960, fue absuelto de alteración del orden público y agresión en tercer grado. Más tarde declaró que el incidente "cambió toda mi vida y toda mi actitud nuevamente, me hizo sentir amargado y cínico nuevamente cuando estaba comenzando a sentirme bien acerca de las cosas que habían cambiado en este país". [103]
Davis y su sexteto salieron de gira para promocionar Kind of Blue . [93] Convenció a Coltrane para que tocara con el grupo en una última gira europea en la primavera de 1960. Coltrane luego se fue para formar su cuarteto, aunque regresó para algunas pistas del álbum de Davis Someday My Prince Will Come (1961). Su portada muestra una fotografía de su esposa, Frances Taylor , después de que Davis exigiera que Columbia representara a mujeres negras en las portadas de sus álbumes. [104]
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En diciembre de 1962, Davis, Kelly, Chambers, Cobb y Rollins tocaron juntos por última vez, ya que los tres primeros querían irse y tocar como trío. Rollins los dejó poco después, lo que dejó a Davis con la obligación de pagar más de 25 000 dólares (equivalentes a 251 800 dólares en 2023 [34] ) para cancelar los próximos conciertos y formar rápidamente un nuevo grupo. Después de las audiciones, encontró su nueva banda en el saxofonista tenor George Coleman , el bajista Ron Carter , el pianista Victor Feldman y el baterista Frank Butler . [105] En mayo de 1963, Feldman y Butler fueron reemplazados por el pianista de 23 años Herbie Hancock y el baterista de 17 años Tony Williams, quienes hicieron que Davis "volviera a emocionarse". [106] Con este grupo, Davis completó el resto de lo que se convirtió en Seven Steps to Heaven (1963) y grabó los álbumes en vivo Miles Davis in Europe (1964), My Funny Valentine (1965) y Four & More (1966). El quinteto tocó esencialmente las mismas melodías y estándares de bebop que las bandas anteriores de Davis habían tocado, pero los abordaron con libertad estructural y rítmica y, ocasionalmente, a una velocidad vertiginosa.
En 1964, Coleman fue reemplazado brevemente por el saxofonista Sam Rivers (que grabó con Davis en Miles in Tokyo ) hasta que Wayne Shorter fue persuadido de dejar Jazz Messengers . El quinteto con Shorter duró hasta 1968, y Shorter se convirtió en el compositor principal del grupo. El álbum ESP (1965) recibió el nombre de su composición. Mientras estaban de gira por Europa, el grupo grabó su primer álbum, Miles in Berlin (1965). [107]
Davis necesitaba atención médica por un dolor de cadera, que había empeorado desde su gira japonesa durante el año anterior. [108] Se sometió a una cirugía de reemplazo de cadera en abril de 1965, con hueso extraído de su espinilla, pero fracasó. Después de su tercer mes en el hospital, se dio de alta por aburrimiento y se fue a casa. Regresó al hospital en agosto después de una caída que requirió la inserción de una articulación de cadera de plástico. [109] En noviembre de 1965, se había recuperado lo suficiente como para volver a actuar con su quinteto, que incluyó conciertos en el Plugged Nickel en Chicago. Teo Macero regresó como su productor discográfico después de que su ruptura sobre Quiet Nights se había curado. [110] [111]
En enero de 1966, Davis pasó tres meses en el hospital por una infección hepática. Cuando reanudó las giras, actuó más en universidades porque se había cansado de los típicos locales de jazz. [112] El presidente de Columbia, Clive Davis, informó en 1966 que sus ventas habían disminuido a alrededor de 40.000-50.000 por álbum, en comparación con hasta 100.000 por lanzamiento unos años antes. Las cosas no mejoraron cuando la prensa informó sobre sus aparentes problemas financieros y su inminente desaparición. [113] Después de su aparición en el Festival de Jazz de Newport de 1966, regresó al estudio con su quinteto para una serie de sesiones. Comenzó una relación con la actriz Cicely Tyson , quien lo ayudó a reducir su consumo de alcohol. [114]
El material de las sesiones de 1966-1968 se publicó en Miles Smiles (1966), Sorcerer (1967), Nefertiti (1967), Miles in the Sky (1968) y Filles de Kilimanjaro (1968). El enfoque del quinteto hacia la nueva música se conoció como "tiempo sin cambios", que se refería a la decisión de Davis de alejarse de las secuencias de acordes y adoptar un enfoque más abierto, con la sección rítmica respondiendo a las melodías de los solistas. [115] A través de Nefertiti, las grabaciones de estudio consistieron principalmente en originales compuestos por Shorter, con composiciones ocasionales de los otros músicos acompañantes. En 1967, el grupo comenzó a tocar sus conciertos en sets continuos, cada melodía fluyendo hacia la siguiente, y solo la melodía indicaba algún tipo de cambio. Sus bandas actuaron de esta manera hasta su pausa en 1975.
Miles in the Sky y Filles de Kilimanjaro —que introdujo tentativamente el bajo eléctrico, el piano eléctrico y la guitarra eléctrica en algunas pistas— señalaron el camino hacia la fase de fusión de la carrera de Davis. También comenzó a experimentar con ritmos más orientados al rock en estos discos. Para cuando se grabó la segunda mitad de Filles de Kilimanjaro , el bajista Dave Holland y el pianista Chick Corea habían reemplazado a Carter y Hancock. Davis pronto se hizo cargo de las tareas de composición de sus acompañantes.
In a Silent Way fue grabado en una única sesión de estudio en febrero de 1969, con Shorter, Hancock, Holland y Williams junto a los tecladistas Chick Corea y Joe Zawinul y el guitarrista John McLaughlin . El álbum contiene dos temas de larga duración que Macero juntó a partir de diferentes tomas grabadas en la sesión. Cuando el álbum fue lanzado más tarde ese año, algunos críticos lo acusaron de "venderse" a la audiencia del rock and roll. Sin embargo, alcanzó el puesto número 134 en la lista Billboard Top LPs de Estados Unidos , su primer álbum desde My Funny Valentine en llegar a la lista. In a Silent Way fue su entrada en el jazz fusión. La banda de gira de 1969-1970, con Shorter, Corea, Holland y DeJohnette, nunca completó una grabación de estudio juntos, y se hizo conocida como el "quinteto perdido" de Davis, aunque las transmisiones de radio de la gira europea de la banda han sido ampliamente pirateadas. [116] [117]
Para el álbum doble Bitches Brew (1970), contrató a Jack DeJohnette , Harvey Brooks y Bennie Maupin . El álbum contenía composiciones largas, algunas de más de veinte minutos, que en la mayoría de los casos, fueron construidas a partir de varias tomas de Macero y Davis mediante empalmes y bucles de cinta en medio de avances trascendentales en las tecnologías de grabación multipista. [118] Bitches Brew alcanzó el puesto número 35 en la lista de álbumes de Billboard . [119] En 1976, fue certificado oro por vender más de 500.000 discos. Para 2003, había vendido un millón de copias. [97]
En marzo de 1970, Davis comenzó a actuar como telonero de bandas de rock, lo que le permitió a Columbia comercializar Bitches Brew a un público más amplio. Compartió cartel en Fillmore East con Steve Miller Band y Neil Young con Crazy Horse el 6 y 7 de marzo. [120] El biógrafo Paul Tingen escribió: "El estatus de recién llegado de Miles en este entorno" provocó "reacciones mixtas del público, a menudo teniendo que tocar por tarifas drásticamente reducidas y soportando las acusaciones de 'entradas vendidas' del mundo del jazz", además de ser "atacado por sectores de la prensa negra por supuestamente arrodillarse ante la cultura blanca". [121] Las giras de 1970 incluyeron el Festival de la Isla de Wight de 1970 el 29 de agosto, cuando actuó ante unas 600.000 personas, la mayor de su carrera. [122] Los planes para grabar con Hendrix terminaron después de la muerte del guitarrista; su funeral fue el último al que asistió Davis. [123] Durante este período se grabaron varios álbumes en vivo con un sexteto/septeto de transición que incluía a Corea, DeJohnette, Holland, Airto Moreira , el saxofonista Steve Grossman y el tecladista Keith Jarrett , incluidos Miles Davis at Fillmore (1970) y Black Beauty: Miles Davis at Fillmore West (1973). [11]
En 1971, Davis había firmado un contrato con Columbia que le pagaba 100.000 dólares al año (equivalentes a 752.340 dólares en 2023 [34] ) durante tres años además de regalías. [124] Grabó un álbum de banda sonora ( Jack Johnson ) para la película documental de 1970 sobre el boxeador de peso pesado Jack Johnson , que contenía dos piezas largas de 25 y 26 minutos de duración con Hancock, McLaughlin, Sonny Sharrock y Billy Cobham . Estaba comprometido a hacer música para afroamericanos a quienes les gustaba la música más comercial, pop y orientada al groove. En noviembre de 1971, DeJohnette y Moreira habían sido reemplazados en el conjunto de gira por el baterista Leon "Ndugu" Chancler y los percusionistas James Mtume y Don Alias . [125] Live-Evil se lanzó en el mismo mes. Con la participación del bajista Michael Henderson , quien había reemplazado a Holland en 1970, el álbum demostró que el conjunto de Davis se había transformado en un grupo orientado al funk mientras conservaba el imperativo exploratorio de Bitches Brew .
En 1972, el compositor y arreglista Paul Buckmaster le presentó a Davis la música del compositor de vanguardia Karlheinz Stockhausen , lo que dio lugar a un período de exploración creativa. El biógrafo JK Chambers escribió: "El efecto del estudio de Davis sobre Stockhausen no se pudo reprimir por mucho tiempo... La propia 'música espacial' de Davis muestra la influencia de Stockhausen en la composición". [126] Sus grabaciones e interpretaciones durante este período fueron descritas como "música espacial" por los fans, Feather y Buckmaster, quienes la describieron como "muchos cambios de humor: pesada, oscura, intensa, definitivamente música espacial". [127] [128] El álbum de estudio On the Corner (1972) mezcló la influencia de Stockhausen y Buckmaster con elementos funk. Davis invitó a Buckmaster a la ciudad de Nueva York para supervisar la escritura y grabación del álbum con Macero. [129] El álbum alcanzó el número 1 en la lista de jazz de Billboard , pero alcanzó el número 156 en la lista más heterogénea Top 200 Albums. Davis sintió que Columbia lo comercializó para el público equivocado. "La música estaba destinada a ser escuchada por jóvenes negros, pero ellos simplemente lo trataron como cualquier otro álbum de jazz y lo promocionaron de esa manera, lo promocionaron en las estaciones de radio de jazz. Los jóvenes negros no escuchan esas estaciones; escuchan estaciones de R&B y algunas estaciones de rock". [130] En octubre de 1972, se rompió los tobillos en un accidente automovilístico. Tomó analgésicos y cocaína para lidiar con el dolor. [131] Al mirar hacia atrás en su carrera después del incidente, escribió: "Todo comenzó a desdibujarse". [132]
Después de grabar On the Corner , formó un grupo con Henderson, Mtume, Carlos Garnett , el guitarrista Reggie Lucas , el organista Lonnie Liston Smith , el tablaista Badal Roy , el sitarista Khalil Balakrishna y el baterista Al Foster . En marcado contraste con sus formaciones anteriores, la música enfatizaba la densidad rítmica y las texturas cambiantes en lugar de los solos. Este grupo fue grabado en vivo en 1972 para In Concert , pero Davis lo encontró insatisfactorio, lo que lo llevó a dejar la tabla y el sitar y tocar el órgano él mismo. También agregó al guitarrista Pete Cosey . El álbum de estudio recopilatorio Big Fun contiene cuatro improvisaciones largas grabadas entre 1969 y 1972.
Esta música polarizó al público, provocando abucheos y abandonos en medio del éxtasis de los demás. Su extensión, densidad y naturaleza implacable se burlaban de quienes decían que a Miles solo le interesaba estar de moda y ser popular. Algunos han escuchado en esta música la sensación y la forma de la obra tardía de un músico, una música sin ego que precede a la muerte de su creador. Como dijo Theodor Adorno sobre el difunto Beethoven , la desaparición del músico en la obra es una reverencia a la mortalidad. Era como si Miles estuviera dando testimonio de todo lo que había presenciado durante los últimos treinta años, tanto aterrador como alegre.
— John Szwed sobre Agharta (1975) y Pangea (1976) [133]
Las sesiones de estudio a lo largo de 1973 y 1974 dieron lugar a Get Up with It , un álbum que incluía cuatro piezas largas junto con cuatro grabaciones más cortas de 1970 y 1972. La canción "He Loved Him Madly", un tributo de treinta minutos al recientemente fallecido Duke Ellington, influyó en la música ambiental de Brian Eno . [134] En los Estados Unidos, tuvo un rendimiento comparable a On the Corner , alcanzando el número 8 en la lista de jazz y el número 141 en la lista de pop. Luego se concentró en la actuación en vivo con una serie de conciertos que Columbia lanzó en los álbumes dobles en vivo Agharta (1975), Pangaea (1976) y Dark Magus (1977). Los dos primeros son grabaciones de dos sets del 1 de febrero de 1975, en Osaka, momento en el que Davis estaba afectado por varias dolencias físicas; dependía del alcohol, la codeína y la morfina para superar los compromisos. Sus shows fueron rutinariamente criticados por los críticos que mencionaron su hábito de actuar de espaldas al público. [135] Cosey afirmó más tarde que "la banda realmente avanzó después de la gira japonesa", [136] pero Davis fue hospitalizado nuevamente, por sus úlceras y una hernia, durante una gira por los EE. UU. mientras abría para Herbie Hancock.
Después de apariciones en el Festival de Jazz de Newport de 1975 en julio y en el Festival de Música Schaefer de Nueva York en septiembre, Davis abandonó la música. [137] [138]
En su autobiografía, Davis escribió con franqueza sobre su vida durante su pausa en la música. Dijo que su casa de piedra rojiza del Upper West Side era un desastre y describió su consumo excesivo de alcohol y cocaína, además de sus encuentros sexuales con muchas mujeres. [139] También afirmó que "el sexo y las drogas ocuparon el lugar que la música había ocupado en mi vida". El baterista Tony Williams recordó que al mediodía (en promedio) Davis estaba enfermo por la ingesta de la noche anterior. [140]
En diciembre de 1975, había recuperado la fuerza suficiente para someterse a una muy necesaria operación de reemplazo de cadera. [141] En diciembre de 1976, Columbia se mostró reacia a renovar su contrato y pagar sus grandes anticipos habituales. Pero después de que su abogado comenzara a negociar con United Artists , Columbia igualó su oferta, estableciendo el Fondo Miles Davis para pagarle regularmente. El pianista Vladimir Horowitz era el único otro músico con Columbia que tenía un estatus similar. [142]
En 1978, Davis le pidió al guitarrista de fusión Larry Coryell que participara en sesiones con los tecladistas Masabumi Kikuchi y George Pavlis, el bajista TM Stevens y el baterista Al Foster . [143] Davis tocó la pieza arreglada a un ritmo acelerado, abandonó su trompeta por el órgano e hizo que Macero grabara la sesión sin el conocimiento de la banda. Después de que Coryell rechazara un lugar en una banda que Davis estaba comenzando a formar, Davis regresó a su estilo de vida solitario en la ciudad de Nueva York. [144] [145] Poco después, Marguerite Eskridge hizo encarcelar a Davis por no pagar la manutención de su hijo Erin, lo que le costó $ 10,000 (equivalente a $ 46,710 en 2023 [34] ) para su liberación bajo fianza. [143] [141] Una sesión de grabación que involucraba a Buckmaster y Gil Evans se detuvo, [146] y Evans se fue después de no recibir el pago que le prometieron. En agosto de 1978, Davis contrató a un nuevo manager, Mark Rothbaum, que había trabajado con él desde 1972. [147]
Habiendo tocado poco la trompeta durante los tres años anteriores, Davis encontró difícil recuperar su embocadura . Su primera aparición en el estudio después de la pausa tuvo lugar en mayo de 1980. [148] Un día después, Davis fue hospitalizado debido a una infección en la pierna. [149] Grabó The Man with the Horn desde junio de 1980 hasta mayo de 1981 con Macero como productor. Una gran banda fue abandonada a favor de un combo con el saxofonista Bill Evans y el bajista Marcus Miller . Ambos colaborarían con él durante la siguiente década.
The Man with the Horn recibió una mala recepción crítica a pesar de venderse bien. En junio de 1981, Davis regresó al escenario por primera vez desde 1975 en un solo invitado de diez minutos como parte de la banda de Mel Lewis en el Village Vanguard . [150] Esto fue seguido por apariciones con una nueva banda. [151] [152] Grabaciones de una mezcla de fechas de 1981, incluyendo del Kix en Boston y Avery Fisher Hall, fueron lanzadas en We Want Miles , [153] lo que le valió un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de Jazz por un Solista. [154]
En enero de 1982, mientras Tyson trabajaba en África, Davis "se volvió un poco loco" con el alcohol y sufrió un derrame cerebral que paralizó temporalmente su mano derecha. [155] [156] Tyson regresó a casa y lo cuidó. Después de tres meses de tratamiento con un acupunturista chino, pudo tocar la trompeta nuevamente. Escuchó las advertencias de su médico y abandonó el alcohol y las drogas. Atribuyó a Tyson el haber ayudado a su recuperación, que implicó ejercicio, tocar el piano y visitas a spas. Ella lo animó a dibujar, lo que hizo durante el resto de su vida. [155] Takao Ogawa , un periodista de jazz japonés que se hizo amigo de Davis durante este período, tomó fotografías de sus dibujos y las puso en su libro junto con las entrevistas de Davis en su apartamento de Nueva York. Davis le dijo a Ogawa: "Me interesan las líneas y los colores; las líneas son como frases y los colores que se aplican a las pinturas son como códigos. Cuando veo buenas pinturas, oigo buena música. Por eso mis pinturas son iguales a mi música. Son diferentes a cualquier pintura". [157]
Davis reanudó su gira en mayo de 1982 con una formación que incluía al percusionista Mino Cinelu y al guitarrista John Scofield , con quien trabajó estrechamente en el álbum Star People (1983). A mediados de 1983, trabajó en las pistas de Decoy , un álbum que mezclaba música soul y electrónica que se lanzó en 1984. Trajo al productor, compositor y teclista Robert Irving III , quien había colaborado con él en The Man with the Horn . Con una banda de siete miembros que incluía a Scofield, Evans, Irving, Foster y Darryl Jones , realizó una serie de actuaciones europeas que fueron recibidas positivamente. En diciembre de 1984, mientras estaba en Dinamarca, fue galardonado con el Premio de Música Léonie Sonning . El trompetista Palle Mikkelborg había escrito "Aura", una pieza clásica contemporánea, para el evento que impresionó a Davis hasta el punto de regresar a Dinamarca a principios de 1985 para grabar su siguiente álbum de estudio, Aura . [158] Columbia no quedó satisfecha con la grabación y retrasó su lanzamiento.
En mayo de 1985, un mes después de iniciar una gira, Davis firmó un contrato con Warner Bros. que le exigía renunciar a sus derechos de publicación. [159] [160] You're Under Arrest , su último álbum para Columbia, se publicó en septiembre. Incluía versiones de dos canciones pop: « Time After Time » de Cyndi Lauper y « Human Nature » de Michael Jackson . Consideró lanzar un álbum de canciones pop y grabó docenas de ellas, pero la idea fue rechazada. Dijo que muchos de los estándares de jazz actuales habían sido canciones pop en el teatro de Broadway y que simplemente estaba actualizando el repertorio de estándares.
Davis colaboró con varias figuras de los movimientos post-punk y new wave británicos durante este período, incluido Scritti Politti . [161] Este período también vio a Davis pasar de su sonido inspirado en el funk de principios de la década de 1970 a un estilo más melódico. [35]
Después de participar en la grabación de la canción de protesta de 1985 " Sun City " como miembro de Artists United Against Apartheid , Davis apareció en el instrumental "Don't Stop Me Now" de Toto para su álbum Fahrenheit (1986). Davis colaboró con Prince en una canción titulada "Can I Play With U", que no se publicó hasta 2020. [162] Davis también colaboró con Zane Giles y Randy Hall en las sesiones de Rubberband en 1985, pero estas permanecerían inéditas hasta 2019. [163] En cambio, trabajó con Marcus Miller, y Tutu (1986) se convirtió en la primera vez que utilizó herramientas de estudio modernas como sintetizadores programados, sampling y loops de batería. Lanzado en septiembre de 1986, su portada es un retrato fotográfico de Davis por Irving Penn . [160] En 1987, ganó un premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de Jazz, Solista . También en 1987, Davis contactó al periodista estadounidense Quincy Troupe para trabajar con él en su autobiografía. [164] Los dos hombres se habían conocido el año anterior cuando Troupe realizó una entrevista de dos días de duración, que fue publicada por Spin como un artículo de 45 páginas. [164]
En 1988, Davis tuvo un pequeño papel como músico callejero en la película de comedia navideña Scrooged protagonizada por Bill Murray . También colaboró con Zucchero Fornaciari en una versión de Dune Mosse ( Blue's ), publicada en 2004 en Zu & Co. del bluesman italiano. En noviembre de 1988 fue incluido en la Soberana Orden Militar de Malta en una ceremonia en el Palacio de la Alhambra en España [165] [166] [167] (esto fue parte del razonamiento para la decisión de su hija de incluir el honorífico "Sir" en su lápida ). [168] Más tarde ese mes, Davis interrumpió su gira europea después de colapsar y desmayarse después de un espectáculo de dos horas en Madrid y voló a casa. [169] Hubo rumores de más problemas de salud reportados por la revista estadounidense Star en su edición del 21 de febrero de 1989, que publicó una afirmación de que Davis había contraído SIDA, lo que llevó a su manager Peter Shukat a emitir un comunicado al día siguiente. Shukat dijo que Davis había estado en el hospital por un caso leve de neumonía y la extirpación de un pólipo benigno en sus cuerdas vocales y que estaba descansando cómodamente en preparación para sus giras de 1989. [170] Davis luego culpó a una de sus ex esposas o novias por iniciar el rumor y decidió no emprender acciones legales. [171] Fue entrevistado en 60 Minutes por Harry Reasoner. En octubre de 1989, recibió una Grande Medaille de Vermeil del alcalde de París, Jacques Chirac . [172] En 1990, recibió un premio Grammy a la trayectoria . [173] A principios de 1991, apareció en la película de Rolf de Heer Dingo como músico de jazz.
Davis siguió a Tutu con Amandla (1989) y las bandas sonoras de cuatro películas: Street Smart , Siesta , The Hot Spot y Dingo . Sus últimos álbumes fueron lanzados póstumamente: Doo-Bop (1992) con influencias del hip hop y Miles & Quincy Live at Montreux (1993), una colaboración con Quincy Jones del Festival de Jazz de Montreux de 1991 donde, por primera vez en tres décadas, interpretó canciones de Miles Ahead , Porgy and Bess y Sketches of Spain . [174]
El 8 de julio de 1991, Davis volvió a interpretar material de su pasado en el Festival de Jazz de Montreux de 1991 con una banda y orquesta dirigidas por Quincy Jones. [175] El set consistió en arreglos de sus álbumes grabados con Gil Evans. [176] El espectáculo fue seguido por un concierto anunciado como "Miles and Friends" en la Grande halle de la Villette en París dos días después, con actuaciones invitadas de músicos de toda su carrera, incluidos John McLaughlin, Herbie Hancock y Joe Zawinul. [176] En París fue galardonado con el título de Caballero de la Legión de Honor por el Ministro de Cultura francés, Jack Lang, quien lo llamó "el Picasso del jazz". [173] Después de regresar a Estados Unidos, se detuvo en la ciudad de Nueva York para grabar material para Doo-Bop y luego regresó a California para tocar en el Hollywood Bowl el 25 de agosto, su última actuación en vivo. [175] [177]
En 1957, [178] Davis comenzó una relación con Frances Taylor , una bailarina que había conocido en 1953 en Ciro's en Los Ángeles. [179] [180] Se casaron en diciembre de 1959 en Toledo, Ohio . [181] La relación se vio empañada por numerosos incidentes de violencia doméstica contra Taylor. Más tarde escribió: "Cada vez que la golpeaba, me sentía mal porque mucho de eso realmente no era culpa suya, sino que tenía que ver con que yo era temperamental y celoso". [182] [183] [184] Una teoría sobre su comportamiento fue que en 1963 había aumentado su consumo de alcohol y cocaína para aliviar el dolor articular causado por la anemia de células falciformes . [185] [186] Alucinó, "buscando a esta persona imaginaria" en su casa mientras empuñaba un cuchillo de cocina. Poco después de que se tomara la fotografía para el álbum ESP (1965), Taylor lo dejó por última vez. [187] Ella solicitó el divorcio en 1966; se concretó en febrero de 1968. [188] [189]
En septiembre de 1968, Davis se casó con la modelo y compositora Betty Mabry , de 23 años . [190] En su autobiografía, Davis la describió como una «groupie de clase alta, que tenía mucho talento pero que no creía en su propio talento». [191] Mabry, un rostro familiar en la contracultura de la ciudad de Nueva York, presentó a Davis a músicos populares de rock, soul y funk. [192] El crítico de jazz Leonard Feather visitó el apartamento de Davis y se sorprendió al encontrarlo escuchando álbumes de los Byrds , Aretha Franklin y Dionne Warwick . También le gustaban James Brown , Sly and the Family Stone y Jimi Hendrix , [193] cuyo grupo Band of Gypsys impresionó particularmente a Davis. [194] Davis solicitó el divorcio de Mabry en 1969, después de acusarla de tener un romance con Hendrix. [191]
En octubre de 1969, Davis recibió cinco disparos mientras estaba en su automóvil con Marguerite Eskridge, una de sus dos amantes. El incidente lo dejó con un rasguño y Eskridge ilesa. [120] En 1970, Marguerite dio a luz a su hijo Erin. En 1979, Davis reavivó su relación con la actriz Cicely Tyson , quien lo ayudó a superar su adicción a la cocaína y recuperar su entusiasmo por la música. Los dos se casaron en noviembre de 1981, [195] [196] pero su tumultuoso matrimonio terminó con Tyson solicitando el divorcio en 1988, que se concretó en 1989. [197]
En 1984, Davis conoció a la escultora Jo Gelbard, de 34 años. [198] Gelbard le enseñaría a Davis a pintar; los dos fueron colaboradores frecuentes y pronto estuvieron involucrados románticamente. [198] [164] En 1985, Davis era diabético y necesitaba inyecciones diarias de insulina. [199] Davis se volvió cada vez más agresivo en su último año debido en parte a la medicación que estaba tomando, [198] y su agresión se manifestó como violencia hacia Gelbard. [198]
A principios de septiembre de 1991, Davis ingresó en el St. John's Hospital, cerca de su casa en Santa Mónica, California, para realizarse pruebas de rutina. [201] Los médicos sugirieron que se le implantara un tubo traqueal para aliviar su respiración después de repetidos ataques de neumonía bronquial . La sugerencia provocó un arrebato de Davis que condujo a una hemorragia intracerebral seguida de un coma. Según Jo Gelbard, el 26 de septiembre, Davis pintó su cuadro final, compuesto de figuras oscuras y fantasmales, goteando sangre y "su desaparición inminente". [140] Después de varios días con soporte vital, su máquina se apagó y murió el 28 de septiembre de 1991, en los brazos de Gelbard. [202] [164] Tenía 65 años. Su muerte se atribuyó a los efectos combinados de un derrame cerebral, neumonía e insuficiencia respiratoria. [11] Según Troupe, Davis estaba tomando azidotimidina (AZT), un tipo de fármaco antirretroviral utilizado para el tratamiento del VIH y el SIDA, durante sus tratamientos en el hospital. [203] Se celebró un funeral el 5 de octubre de 1991 en la Iglesia Luterana de San Pedro en la Avenida Lexington en la ciudad de Nueva York [204] [205] al que asistieron alrededor de 500 amigos, familiares y conocidos musicales, con muchos fanáticos de pie bajo la lluvia. [206] Fue enterrado en el cementerio Woodlawn en el Bronx , Nueva York, con una de sus trompetas, cerca del sitio de la tumba de Duke Ellington . [207] [206]
En el momento de su muerte, el patrimonio de Davis estaba valorado en más de un millón de dólares (equivalente a aproximadamente 2,2 millones de dólares en 2023 [34] ). En su testamento, Davis dejó el 20 por ciento a su hija Cheryl Davis; el 40 por ciento a su hijo Erin Davis; el 10 por ciento a su sobrino Vincent Wilburn Jr. y el 15 por ciento a cada uno de sus hermanos Vernon Davis y Dorothy Wilburn. Excluyó a sus dos hijos Gregory y Miles IV. [208]
Más tarde en su vida, desde el "período eléctrico" en adelante, Davis explicó repetidamente sus razones para no querer interpretar sus obras anteriores, como Birth of the Cool o Kind of Blue . En su opinión, permanecer estilísticamente estático era la opción equivocada. [209] Comentó: " 'So What' o Kind of Blue , se hicieron en esa época, la hora correcta, el día correcto, y sucedió. Se acabó ... Lo que solía tocar con Bill Evans, todos esos modos diferentes y acordes sustitutos, teníamos la energía entonces y nos gustaba. Pero ya no tengo sensibilidad para ello, es más como pavo recalentado". [210] Cuando Shirley Horn insistió en 1990 en que Miles reconsiderara tocar las baladas y las melodías modales de su período Kind of Blue , dijo: "No, me duele el labio". [210] Bill Evans , que tocó el piano en Kind of Blue , dijo: "Me gustaría escuchar más del consumado maestro melódico, pero siento que las grandes empresas y su compañía discográfica han tenido una influencia corruptora en su material. El rock y el pop ciertamente atraen a una audiencia más amplia". [210] A lo largo de su carrera posterior, Davis rechazó ofertas para restablecer su quinteto de los años 60. [140]
Muchos libros y documentales se centran en su obra anterior a 1975. [140] Según un artículo de The Independent , a partir de 1975 comenzó a formarse un declive en los elogios críticos hacia la producción de Davis, y muchos consideraban la época como "inútil": "Existe una opinión sorprendentemente extendida de que, en términos de los méritos de su producción musical, Davis bien podría haber muerto en 1975". [140] En una entrevista de 1982 en DownBeat , Wynton Marsalis dijo: "Llaman jazz a lo que hacía Miles. Ese material no es jazz, hombre. El hecho de que alguien tocara jazz en un momento dado no significa que lo siga tocando". [140] A pesar de su desprecio por el trabajo posterior de Davis, el trabajo de Marsalis está "cargado de referencias irónicas a la música de Davis de los años 60". [35] Davis no estaba necesariamente en desacuerdo; Davis criticó lo que consideraba el conservadurismo estilístico de Marsalis y dijo: "El jazz está muerto... ¡se acabó! Se acabó y no tiene sentido seguir imitando esa mierda". [211] El escritor Stanley Crouch criticó el trabajo de Davis desde In a Silent Way en adelante. [140]
Miles Davis es considerado una de las figuras más innovadoras, influyentes y respetadas de la historia de la música. The Guardian lo describió como "un pionero de la música del siglo XX, que lideró muchos de los desarrollos clave en el mundo del jazz". [212] Se le ha llamado "uno de los grandes innovadores del jazz", [213] y se le han otorgado los títulos de Príncipe de las Tinieblas y el Picasso del Jazz. [214] La Enciclopedia Rolling Stone del Rock & Roll dijo: "Miles Davis jugó un papel crucial e inevitablemente controvertido en cada desarrollo importante del jazz desde mediados de los años 40, y ningún otro músico de jazz ha tenido un efecto tan profundo en el rock. Miles Davis fue el músico de jazz más reconocido de su época, un crítico social abierto y un árbitro del estilo, en actitud y moda, así como de la música". [215]
William Ruhlmann de AllMusic escribió: "Examinar su carrera es examinar la historia del jazz desde mediados de los años 1940 hasta principios de los años 1990, ya que estuvo en el meollo de casi cada innovación importante y desarrollo estilístico en la música durante ese período... Incluso se puede argumentar que el jazz dejó de evolucionar cuando Davis no estaba allí para impulsarlo". [1] Francis Davis de The Atlantic señaló que la carrera de Davis puede verse como "una crítica continua del bebop: los orígenes del jazz 'cool'..., el hard bop o el 'funky'..., la improvisación modal... y la fusión jazz-rock... se pueden rastrear hasta sus esfuerzos por reducir el bebop a sus elementos esenciales". [216]
Su enfoque, que se debe en gran medida a la tradición interpretativa afroamericana que se centraba en la expresión individual, la interacción enfática y la respuesta creativa a contenidos cambiantes, tuvo un profundo impacto en generaciones de músicos de jazz. [217] En 2016, la publicación digital The Pudding , en un artículo que examinaba el legado de Davis, encontró que 2.452 páginas de Wikipedia mencionan a Davis, y más de 286 lo citan como una influencia. [218]
El 5 de noviembre de 2009, el representante estadounidense John Conyers de Michigan patrocinó una medida en la Cámara de Representantes de los Estados Unidos para conmemorar Kind of Blue en su 50 aniversario. La medida también afirma el jazz como un tesoro nacional y "alienta al gobierno de los Estados Unidos a preservar y promover la forma de arte de la música jazz". [219] Se aprobó con una votación de 409-0 el 15 de diciembre de 2009. [220] La trompeta que Davis usó en la grabación se exhibe en el campus de la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro . Fue donada a la escuela por Arthur "Buddy" Gist, quien conoció a Davis en 1949 y se convirtió en un amigo cercano. El regalo fue la razón por la que el programa de jazz en UNCG se llama Programa de Estudios de Jazz Miles Davis. [221]
En 1986, el Conservatorio de Nueva Inglaterra le otorgó a Davis un doctorado honorario por sus contribuciones a la música. [222] Desde 1960, la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación ( NARAS ) lo honró con ocho premios Grammy, un premio Grammy a la trayectoria y tres premios Grammy Hall of Fame.
En 2001, The Miles Davis Story , un documental de dos horas de Mike Dibb , ganó un Premio Emmy Internacional al mejor documental de arte del año. [223] Desde 2005, el Comité de Jazz de Miles Davis ha celebrado un Festival de Jazz de Miles Davis anual. [224] También en 2005, se publicó la biografía de Davis, The Last Miles , [225] y se realizó una exposición en Londres de sus pinturas, The Last Miles: The Music of Miles Davis, 1980-1991 , que detalla sus últimos años y ocho de sus álbumes de los años 1960 y 1970 fueron reeditados en celebración del 50 aniversario de su firma con Columbia Records. [140] En 2006, Davis fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. [226] En 2012, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió sellos conmemorativos con Davis. [226]
Miles Ahead fue una película musical estadounidense de 2015 dirigida por Don Cheadle , coescrita por Cheadle con Steven Baigelman , Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson , que interpreta la vida y las composiciones de Davis. Se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York en octubre de 2015. La película está protagonizada por Cheadle, Emayatzy Corinealdi como Frances Taylor, Ewan McGregor , Michael Stuhlbarg y Lakeith Stanfield . [227] Ese mismo año se erigió una estatua de él en su ciudad natal, Alton, Illinois , y los oyentes de BBC Radio y Jazz FM votaron a Davis como el mejor músico de jazz. [228] [224] Publicaciones como The Guardian también han clasificado a Davis entre los mejores de todos los músicos de jazz. [229]
En 2018, el rapero estadounidense Q-Tip interpretó a Miles Davis en una producción teatral, My Funny Valentine . [230] Q-Tip había interpretado previamente a Davis en 2010. [230] En 2019, el documental Miles Davis: Birth of the Cool , dirigido por Stanley Nelson , se estrenó en el Festival de Cine de Sundance . [231] Posteriormente se estrenó en la serie American Masters de PBS . [232]
Davis, sin embargo, ha sido objeto de críticas. En 1990, el escritor Stanley Crouch , un destacado crítico de jazz fusión, etiquetó a Davis como "el vendido más brillante en la historia del jazz", [140] Un ensayo de 1993 de Robert Walser en The Musical Quarterly afirma que "Davis ha sido durante mucho tiempo famoso por fallar más notas que cualquier otro trompetista importante". [233] También en el ensayo hay una cita del crítico musical James Lincoln Collier que afirma que "si su influencia fue profunda, el valor final de su trabajo es otro asunto", y llama a Davis un "instrumentista adecuado" pero "no uno grande". [233] En 2013, The AV Club publicó un artículo titulado "Miles Davis golpeó a sus esposas e hizo música hermosa". En el artículo, la escritora Sonia Saraiya elogia a Davis como músico, pero lo critica como persona, en particular, su abuso de sus esposas. [234] Otros, como Francis Davis, han criticado su trato a las mujeres, calificándolo de "despreciable". [216]
Premios Grammy
Otros premios
La siguiente lista pretende resumir las obras más importantes de Davis, en particular sus álbumes de estudio. En el artículo principal se puede encontrar una discografía más completa.
Miles, el líder de la banda. Tomó la iniciativa y puso en práctica las teorías. Convocó los ensayos, alquiló las salas, llamó a los músicos y, en general, hizo sonar el látigo.
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