El Mercury Theatre fue una compañía de teatro de repertorio independiente fundada en la ciudad de Nueva York en 1937 por Orson Welles y el productor John Houseman . La compañía produjo presentaciones teatrales, programas de radio y películas. El Mercury también publicó libros de sugerencias y grabaciones fonográficas de cuatro obras de Shakespeare para su uso en las escuelas.
Después de una serie de aclamadas producciones en Broadway , el Mercury Theatre progresó hasta su encarnación más popular como The Mercury Theatre on the Air . La serie de radio incluyó una de las transmisiones de radio más notables e infames de todos los tiempos, " La guerra de los mundos ", transmitida el 30 de octubre de 1938. El Mercury Theatre on the Air produjo radioteatros en vivo entre 1938 y 1940 y nuevamente brevemente en 1946.
Además de Welles, entre los actores del Mercury se encontraban Ray Collins , Joseph Cotten , George Coulouris , Martin Gabel , Norman Lloyd , Agnes Moorehead , Paul Stewart y Everett Sloane . Gran parte de la compañía aparecería más tarde en las películas de Welles en la RKO , en particular en Ciudadano Kane y The Magnificent Ambersons .
Parte de la Works Progress Administration , el Federal Theatre Project (1935-39) fue un programa del New Deal para financiar el teatro y otras representaciones artísticas en vivo y programas de entretenimiento en los Estados Unidos durante la Gran Depresión . [1] En 1935, John Houseman , director de la Unidad de Teatro Negro en Nueva York, invitó a su reciente colaborador, Orson Welles , de 20 años , a unirse al proyecto. [2] : 80 Su primera producción fue una adaptación de Macbeth de William Shakespeare con un elenco completamente afroamericano. Se hizo conocido como el Macbeth vudú porque Welles cambió el escenario a una isla mítica que sugiere la corte haitiana del rey Henri Christophe , [3] : 179–180 con el vudú haitiano cumpliendo el papel de la brujería escocesa . [4] : 86 La obra se estrenó el 14 de abril de 1936 en el Teatro Lafayette en Harlem y fue recibida con entusiasmo. [5]
A esa producción le siguió una adaptación de la farsa Horse Eats Hat [6] : 334 y, en 1937, Doctor Faustus de Marlowe [6] : 335 y el musical socialista The Cradle Will Rock de Marc Blitzstein . Este último recibió mucha publicidad cuando en vísperas de su preestreno el teatro fue cerrado con candado por la WPA . Welles invitó a la audiencia que esperaba a caminar varias cuadras hasta un teatro vecino donde se representó el espectáculo sin decorados ni vestuario. Blitzstein tocó un piano vertical maltratado mientras el elenco, a quien su sindicato le prohibió subir al escenario, se sentó entre el público y se levantó de sus asientos para cantar y pronunciar su diálogo. [6] : 337–338
Welles y Houseman rompieron con el Federal Theatre Project en agosto de 1937 y fundaron su propia compañía de repertorio, a la que llamaron Mercury Theatre. El nombre se inspiró en el título de la revista iconoclasta The American Mercury . [2] : 119–120
"Todas las producciones de Mercury llevaban en sus créditos la leyenda 'Producción de Orson Welles'", escribió el crítico Richard France , "lo que implicaba que no sólo era el director, sino también el diseñador, el dramaturgo y, con mucha frecuencia, el actor principal. Sin duda, esto generó bastante resentimiento entre sus colaboradores (los diseñadores, en particular). Sin embargo, en un sentido más profundo, ese crédito es, de hecho, la única descripción precisa de una producción de Welles. Los conceptos que animaron cada una de ellas se originaron con él y, además, se ejecutaron de tal manera que estaban sujetos a su control absoluto". [7] : 54
Welles y Houseman consiguieron el Comedy Theatre , un teatro de Broadway de 687 asientos [8] : 286 en 110 West 41st Street en la ciudad de Nueva York, y lo reabrieron como Mercury Theatre. Fue el escenario de prácticamente todas sus producciones desde noviembre de 1937 hasta noviembre de 1938. [9]
El Mercury Theatre comenzó con una adaptación innovadora y aclamada por la crítica de La tragedia de Julio César que evocaba comparaciones con la Italia fascista contemporánea y la Alemania nazi. Se estrenó en Broadway el 11 de noviembre de 1937. [10] : 339 [11]
La producción se trasladó del Mercury Theatre al National Theatre más grande el 24 de enero de 1938. [6] : 341 Se desarrolló hasta el 28 de mayo de 1938, con un total de 157 funciones. [12]
El reparto incluía a Joseph Holland ( Julio César ), George Coulouris ( Marco Antonio ), Joseph Cotten (Publius), Martin Gabel ( Cassius ), Hiram Sherman ( Casca ), John A. Willard ( Trebonius ), Grover Burgess ( Ligarius ), John Hoysradt ( Decio Brutus ), Stefan Schnabel ( Metellus Cimber ), Elliott Reid ( Cinna ), William Mowry ( Flavius ), William Alland ( Marullus ), George Duthie (Artemidorus), Norman Lloyd ( Cinna, el poeta ), Arthur Anderson (Lucius ), Evelyn Allen ( Calpurnia, esposa de César ), Muriel Brassler ( Porcia, esposa de Bruto ), [7] : 186 y John Berry (extra). [8] : 324 En el Teatro Nacional, Polly Rowles asumió el papel de Calpurnia y Alice Frost interpretó a Portia. [13]
A partir del 20 de enero de 1938, una versión itinerante de César con un elenco diferente realizó una gira por los Estados Unidos. La compañía incluía a Tom Powers como Bruto y a Edmond O'Brien como Marco Antonio. [6] : 341
La segunda producción del Mercury Theatre fue una puesta en escena de la comedia isabelina de Thomas Dekker The Shoemaker's Holiday , que atrajo "nuevamente elogios unánimes". Se estrenó el 1 de enero de 1938 y tuvo 64 representaciones en repertorio con Caesar , hasta el 1 de abril. Luego se trasladó al National Theatre hasta el 28 de abril. [10] : 340–341
La primera temporada del Mercury Theatre concluyó con Heartbreak House de George Bernard Shaw , que nuevamente recibió buenas críticas. Se estrenó el 29 de abril de 1938 en el Mercury Theatre y estuvo en cartel durante seis semanas, cerrando el 11 de junio. Shaw insistió en que no se alterara ni cortara nada del texto, lo que resultó en una producción más larga y convencional que limitó la expresión creativa de Welles. Fue elegida para demostrar que el estilo del Mercury no dependía de una revisión extensa y una puesta en escena elaborada. [14] : 47–50
Geraldine Fitzgerald , compañera de la compañía Gate Theatre mientras Welles estaba en Dublín, fue traída desde Irlanda para su debut en Estados Unidos como Ellie Dunn. [15] [16] : 51 Welles interpretó al octogenario Capitán Shotover. Otros actores del reparto fueron Brenda Forbes (Nurse Guinness), Phyllis Joyce (Lady Utterword), Mady Christians (Hesione Hushabye), Erskine Sanford (Mazzini Dunn), Vincent Price (Hector Hushabye), John Hoysradt (Randall Utterword) y Eustace Wyatt (The Burglar) [17]
La cuarta obra del Mercury Theatre estaba prevista para ser una puesta en escena de Too Much Johnson , una comedia de 1894 de William Gillette . La producción es ahora recordada por las secuencias filmadas de Welles, una de sus primeras películas. Debía haber tres secuencias: una introducción de 20 minutos y secuencias de 10 minutos que transicionaran al segundo y tercer acto. [18] : 118
La producción estaba destinada a ser un espectáculo de verano en Broadway en 1938, pero los problemas técnicos (el Mercury Theatre de Nueva York aún no estaba adecuadamente equipado para proyectar los segmentos de la película) hicieron que tuviera que posponerse. Estaba previsto que se presentara en repertorio con Danton's Death en el otoño de 1938, pero después de que esa producción sufriera numerosos sobrecostos, una presentación en Nueva York de Too Much Johnson fue abandonada por completo. La obra se representó durante una prueba de dos semanas en el Stony Creek Summer Theatre , Stony Creek, Connecticut , desde el 16 de agosto de 1938, en una versión reducida que nunca hizo uso de las secuencias filmadas. [7] : 142–143, 187–188 [10] : 344–345
Las imágenes de Too Much Johnson , que durante mucho tiempo se consideraron perdidas, fueron redescubiertas en 2013. [19]
La siguiente producción teatral del Mercury fue la de la obra de Georg Büchner La muerte de Danton , de 1835 , sobre la Revolución Francesa. Se estrenó el 2 de noviembre de 1938, pero tuvo un éxito limitado y solo se realizaron 21 representaciones, [20] cerrando el 19 de noviembre. [21] El fracaso comercial de esta obra obligó al Mercury a reducir significativamente el número de obras planeadas para su temporada 1938-39. [10] : 347 La muerte de Danton fue la última producción del Mercury en el Mercury Theatre, que había estado alquilado hasta 1942. La compañía renunció al teatro en junio de 1939. [22]
La última producción de larga duración de Mercury antes de que la compañía se dirigiera a Hollywood en 1939 fue Five Kings (Part One) . Se trataba de una obra completamente original de Welles sobre Sir John Falstaff , que se creó mezclando y reorganizando el diálogo de cinco obras diferentes de Shakespeare (tomadas principalmente de Enrique IV, Parte I , Enrique IV, Parte II y Enrique V , pero también utilizando elementos de Ricardo II y Las alegres comadres de Windsor ), para formar una narrativa completamente nueva. Se estrenó el 27 de febrero de 1939 en el Teatro Colonial de Boston , en una versión de cinco horas que se representaba de 20:00 a 1:00. Como sugiere el título, la obra estaba destinada a ser la primera de una producción de dos partes, pero aunque se estrenó en otras tres ciudades, los bajos ingresos de taquilla hicieron que ese plan tuviera que abandonarse, y Five Kings (Part One) nunca se representó en Nueva York, mientras que Five Kings (Part Two) nunca se representó en absoluto. [10] : 350–351
Five Kings fue un proyecto intensamente personal para Welles, quien reviviría una versión sustancialmente reescrita de la obra (retitulada Chimes at Midnight ) en Belfast y Dublín en 1960, y eventualmente haría una película de ella , que llegó a considerar como su favorita de sus propias películas.
En julio y agosto de 1939, después de haber firmado un contrato con el estudio cinematográfico RKO, el Mercury Theatre realizó una gira por el circuito de teatros de vodevil de la RKO con una producción abreviada de veinte minutos del melodrama de William Archer The Green Goddess , cinco minutos de los cuales tomaron la forma de un inserto de película. El espectáculo se representó hasta cuatro veces al día. [10] : 353
El Mercury Theatre se había mudado a Hollywood a finales de 1939, después de que Welles firmara un contrato cinematográfico que finalmente daría como resultado su debut, Citizen Kane , en 1941. En el período intermedio, la compañía se centró en su programa de radio, que había comenzado en 1938 y continuó hasta marzo de 1940. Su última obra completa después de mudarse a Hollywood fue una adaptación teatral de la novela antirracista de Richard Wright , Native Son . Se estrenó en el St. James's Theatre, Nueva York, el 24 de marzo de 1941 (solo un mes antes del estreno de Citizen Kane ), y recibió excelentes críticas, con 114 funciones. Esta fue la última producción de Mercury en la que colaboraron Welles y Houseman. [10] : 362
"El Mercury Theatre se vino abajo por falta de fondos y por nuestra posterior mudanza a Hollywood", le dijo Welles a su amigo y mentor Roger Hill en una conversación el 20 de junio de 1983. "Todo el dinero que había ganado en la radio lo gasté en el Mercury, pero no gané suficiente dinero para financiar toda la operación. Hollywood era realmente la única opción... Creo que todas las compañías de actores tienen una vida útil. Mi asociación con John Houseman llegó a su fin con la mudanza a California. Se convirtió en mi empleado, caro y no particularmente agradable o productivo. Nuestra incomodidad mutua llevó a que se fuera de California y regresara a Nueva York". [23] : 88
Aunque la troupe Mercury se disolvió técnicamente en 1941 (cuando Welles y Houseman se separaron) o en 1942 (cuando la unidad Mercury entera fue despedida por la RKO - ver abajo), Welles produjo y dirigió este espectáculo de variedades para levantar la moral de las tropas estadounidenses en 1943, con varios actores de Mercury, incluidos Joseph Cotten y Agnes Moorehead . El espectáculo se realizó en una carpa de 2000 asientos en Cahuenga Boulevard , Hollywood, donde se presentó durante un mes a partir del 3 de agosto de 1943, antes de realizar una gira por todo el país. [10] : 177–180, 377–378
En 1938, Orson Welles ya había trabajado extensamente en radioteatro, convirtiéndose en un actor habitual de La marcha del tiempo , dirigiendo una adaptación de siete partes de Los miserables de Victor Hugo e interpretando el personaje principal en La sombra durante un año, así como una serie de papeles de personajes no acreditados.
Tras el éxito teatral del Mercury Theatre, CBS Radio invitó a Welles a crear un programa de verano. La serie comenzó el 11 de julio de 1938, con la fórmula de que Welles interpretaría el papel principal en cada espectáculo. [24]
Welles insistió en que su compañía Mercury (actores y equipo) participara en la serie de radio. Se trataba de una petición costosa y sin precedentes, especialmente para alguien tan joven como Welles. La mayoría de los episodios dramatizaban obras de literatura clásica y contemporánea. Sigue siendo quizás la serie de antología de radioteatro más valorada jamás emitida, probablemente debido a la creatividad de Orson Welles.
El Mercury Theatre on the Air era un programa de una hora de duración. Houseman escribió los primeros guiones de la serie y a principios de octubre le encargó el trabajo a Howard E. Koch . La música del programa fue compuesta y dirigida por Bernard Herrmann . Su primera producción radiofónica fue Drácula de Bram Stoker , con Welles interpretando tanto al Conde Drácula como al Doctor Seward. Otras adaptaciones incluyeron La isla del tesoro , Los treinta y nueve escalones , El hombre que fue jueves y El conde de Montecristo .
Originalmente programado para nueve semanas, la cadena extendió su duración hasta el otoño, trasladando el programa de su franja horaria del lunes por la noche, donde era el sustituto de verano del Lux Radio Theater , a una franja horaria del domingo por la noche frente al popular programa de variedades de Edgar Bergen .
Los primeros dramas de la serie fueron elogiados por los críticos, pero los índices de audiencia fueron bajos. Una sola emisión cambió los índices de audiencia del programa: la adaptación del 30 de octubre de 1938 de La guerra de los mundos de HG Wells . Posiblemente miles de oyentes pensaron que los marcianos estaban de hecho invadiendo la Tierra, debido a la calidad de noticias falsas de la mayor parte de la emisión. Se generó una publicidad significativa y The Mercury Theatre on the Air se convirtió rápidamente en uno de los programas de radio mejor valorados. La notoriedad de "La guerra de los mundos" tuvo un efecto secundario bienvenido al obtener el patrocinio de Campbell's Soup , lo que garantizó su supervivencia durante un período y, a partir del 9 de diciembre de 1938, el programa pasó a llamarse The Campbell Playhouse .
El Mercury Theatre continuó emitiendo episodios de 60 minutos entre 1938 y 1940, patrocinados por Campbell's Soup y amenizados con anuncios publicitarios. La compañía se trasladó a Hollywood para su segunda temporada y las estrellas de Hollywood comenzaron a aparecer en papeles de invitados. El programa se anunció como "The Campbell Playhouse presenta el Mercury Theatre". Se puede encontrar una lista completa de los 56 episodios en The Campbell Playhouse .
El Campbell Playhouse continuó brevemente después de la última actuación de Welles en marzo de 1940, con una tercera temporada truncada transmitida posteriormente sin el Mercury Theatre, pero no fue un éxito.
La troupe Mercury se había disuelto cuando Welles hizo esta serie, comúnmente conocida como The Mercury Summer Theatre , en el verano de 1946. No obstante, llevaba el nombre de Mercury, estaba producida, escrita, dirigida y presentada por Welles (y a menudo protagonizada o coprotagonizada por él), y combinaba guiones abreviados de viejas actuaciones de Mercury con nuevos espectáculos. Ocasionalmente, antiguos miembros de la troupe aparecían como estrellas invitadas en el programa de 30 minutos. La serie tuvo un éxito limitado, solo duró 15 episodios y no fue renovada por una temporada más.
La notoriedad de Orson Welles tras la emisión de "La guerra de los mundos" le valió el interés de Hollywood y el inusual contrato del director del estudio RKO, George J. Schaefer . Welles hizo un trato con Schaefer el 21 de julio de 1939 para producir, dirigir, escribir y actuar en tres largometrajes. (El número de películas se modificó más tarde; véase más abajo). El estudio tenía que aprobar la historia y el presupuesto si superaba los 500.000 dólares. A Welles se le permitió desarrollar la historia sin interferencias, elegir a sus propios actores y miembros del equipo técnico y tener el privilegio de realizar el montaje final, algo inaudito en aquel momento para un director debutante. (Welles afirmó más tarde que nadie en Hollywood había disfrutado de este nivel de libertad artística desde Erich von Stroheim a principios de la década de 1920.) [25] Además, como parte de su contrato, creó una "Unidad Mercury" en RKO; En él se encontraban la mayoría de los actores de las producciones teatrales y radiofónicas del Mercury, así como numerosos técnicos (como el compositor Bernard Herrmann ), que fueron traídos desde Nueva York. Pocos de ellos tenían experiencia cinematográfica.
Welles pasó los primeros cinco meses de su contrato con RKO aprendiendo los conceptos básicos de la realización de películas e intentando sacar adelante varios proyectos sin éxito. The Hollywood Reporter dijo: "Están apostando a que el acuerdo con Orson Welles terminará sin que Orson haga una película allí". Primero, Welles intentó adaptar El corazón de las tinieblas , pero hubo preocupación sobre la idea de representarla completamente con tomas en primera persona, ya que Welles no pudo conseguir un presupuesto aceptable. Welles luego consideró adaptar la novela de Cecil Day-Lewis The Smiler With The Knife , pero se dio cuenta de que este thriller pulp relativamente sencillo probablemente no tendría mucho impacto en su debut cinematográfico. Concluyó que para desafiarse a sí mismo con un nuevo medio, tenía que escribir una historia original.
Cuando Welles decidió escribir un guion original para su primera película , se decidió por un guion que él mismo había escrito, titulado American . En su primer borrador, solo se basaba parcialmente en William Randolph Hearst y también incorporaba aspectos de otros magnates como Howard Hughes . Sin embargo, American era demasiado extensa y Welles pronto se dio cuenta de que necesitaría un coguionista experimentado que lo ayudara a redactarla, preferiblemente uno con experiencia en el trabajo con magnates.
En 1940, el guionista Herman J. Mankiewicz era un ex periodista de Hearst que se recuperaba de un accidente de coche y se encontraba entre dos trabajos. En un principio, Welles lo había contratado para trabajar en el programa de radio The Campbell Playhouse y estaba disponible para trabajar en el guion de la película de Welles. El escritor solo había recibido dos créditos como guionista entre 1935 y su trabajo en Ciudadano Kane y necesitaba el trabajo, ya que su reputación se había desplomado después de que cayera en el alcoholismo a finales de los años treinta. En los años setenta y ochenta, hubo una disputa entre los historiadores sobre de quién fue la idea de utilizar a William Randolph Hearst como base para Charles Foster Kane. Durante algún tiempo, Mankiewicz había querido escribir un guion sobre una figura pública, tal vez un gánster, cuya historia sería contada por la gente que lo conocía. Welles afirmó que fue su idea escribir sobre Hearst, mientras que la crítica de cine Pauline Kael (en su ensayo de 1971, ampliamente publicitado, " Raising Kane ") y el ex socio comercial de Welles, John Houseman, afirmaron que fue idea de Mankiewicz. Kael afirmó además que Welles no había escrito nada del guion original y que no merecía un crédito como coguionista. Sin embargo, en 1985, el historiador de cine Robert Carringer demostró que Kael solo había llegado a su conclusión comparando el primer y el último borrador del guion de Ciudadano Kane , mientras que Carringer examinó cada borrador intermedio de Mankiewicz y Welles, y concluyó que un crédito como coguionista estaba justificado, ya que cada hombre escribió entre el 40% y el 60% del guion. Además, concluyó que las afirmaciones de Houseman de haber contribuido al guion eran en gran parte infundadas. [26]
Mankiewicz ya había escrito una obra que no se representó titulada The Tree Will Grow sobre John Dillinger . A Welles le gustó la idea de múltiples puntos de vista, pero no estaba interesado en interpretar a Dillinger. Mankiewicz y Welles hablaron sobre elegir a otra persona para usar como modelo. Se les ocurrió la idea de usar a Hearst como su personaje central. Mankiewicz había frecuentado las fiestas de Hearst hasta que su alcoholismo lo expulsó. El escritor se resintió por esto y se obsesionó con Hearst y Marion Davies . Hearst tenía una gran influencia y el poder de tomar represalias dentro de Hollywood, por lo que Welles hizo que Mankiewicz trabajara en el guion fuera de la ciudad. Debido al problema de bebida del escritor, Houseman fue para brindarle asistencia y asegurarse de que se mantuviera concentrado. Welles también buscó inspiración en Howard Hughes y Samuel Insull (que construyó un teatro de ópera para su novia). Aunque Mankiewicz y Houseman se llevaban bien con Welles, incorporaron algunos de sus rasgos a Kane, como su temperamento.
Durante la producción, Citizen Kane fue conocida como "RKO 281". El rodaje se llevó a cabo entre el 29 de junio de 1940 y el 23 de octubre de 1940, en lo que hoy es el Estudio 19 del estudio de Paramount Pictures en Hollywood, y se realizó según lo previsto. Welles impidió que los ejecutivos del estudio RKO visitaran el set. Comprendía su deseo de controlar los proyectos y sabía que esperaban que hiciera una película emocionante que se correspondiera con su emisión de radio de "La guerra de los mundos". El contrato de Welles con RKO le había otorgado control total sobre la producción de la película cuando firmó con el estudio, algo que nunca más se le permitió ejercer al hacer películas. Según una hoja de costos de RKO de mayo de 1942, la película costó $ 839,727 en comparación con un presupuesto estimado de $ 723,800.
Cuando se estrenó la película, la presión de William Randolph Hearst hizo que muchos cines se negaran a proyectarla, y se proyectó en tan pocos lugares que RKO sufrió una pérdida sustancial en su estreno original. Como consecuencia de esto, el contrato de Welles con RKO se renegoció y perdió el derecho a controlar el corte final de una película, algo que tendría importantes consecuencias para su siguiente película, The Magnificent Ambersons.
La secuela de Ciudadano Kane que realizó Welles fue una adaptación de la novela de Booth Tarkington Los magníficos Ambersons , una de sus favoritas de la infancia que ya había adaptado para la radio. Retrataba la decadencia y caída de una orgullosa familia del Medio Oeste estadounidense del siglo XIX, a medida que el automóvil del siglo XX la volvía obsoleta.
Las relaciones de Welles con la RKO se tensaron durante la realización de esta película. Sus acciones habían caído considerablemente después del fracaso comercial de Kane . Mientras que el director del estudio, George Schaefer, le había dado a Welles carta blanca sobre Kane , supervisó de cerca Ambersons , sintiendo que su propia posición estaba en peligro (y de hecho lo estaba: Schaefer fue despedido como director de la RKO poco después de que se completara Ambersons , y una razón comúnmente atribuida fue que había contratado a Welles con un contrato tan generoso). La propia RKO estaba en serios problemas financieros, con déficit.
El propio Welles consideró que su versión original de The Magnificent Ambersons había sido una de sus mejores películas: "era una película mucho mejor que Kane ". Sin embargo, RKO entró en pánico por un preestreno poco entusiasta en Pomona, California , cuando la película quedó en segundo lugar en un programa doble con una comedia romántica. Alrededor del 55% de la audiencia desaprobaron fuertemente la película (aunque las tarjetas de comentarios de la audiencia que sobrevivieron muestran que la minoría restante la elogió efusivamente, utilizando palabras como "obra maestra" y "arte cinematográfico"). Welles estaba en Brasil filmando It's All True (ver más abajo), por lo que el estudio decidió recortar más de 40 minutos de las dos horas de metraje de la película.
La primera mitad de la película, que retrata los tiempos felices de los Amberson en el siglo XIX, no se vio afectada en gran medida. Sin embargo, la gran mayoría de la segunda mitad de la película, que retrata la caída en desgracia de los Amberson, fue descartada en gran medida por ser demasiado deprimente. Los actores fueron reclutados para nuevas grabaciones por otros directores, que filmaron nuevas escenas, incluido un final alegre y optimista que no encajaba con el resto de la película. Los 40 minutos descartados de escenas de Welles se quemaron, y las instrucciones detalladas y telegrafiadas de él sugiriendo más compromisos para salvar la película se tiraron a la basura, sin leer. Esta versión truncada de The Magnificent Ambersons tuvo un estreno limitado en dos cines de Los Ángeles en julio de 1942, donde tuvo un desempeño indiferente y, como Citizen Kane , la película perdió a RKO cientos de miles de dólares.
Más tarde, en 1942, George Schaefer fue despedido como director del estudio. Uno de los primeros cambios que inició su sucesor, Charles Koerner, fue despedir a Welles de la RKO, y toda su unidad Mercury fue retirada del estudio y clausurada.
El contrato de Welles con RKO fue renegociado tras el fracaso comercial de Ciudadano Kane . En lugar de entregar tres películas de primera categoría para el estudio, Welles entregaría dos y compensaría los altos costos de Ciudadano Kane con dos películas más de menor presupuesto.
Una de ellas fue el sencillo thriller de espionaje Journey into Fear , basado en una novela de Eric Ambler . Welles escribió y produjo la película, pero optó por no ser el director principal, sobre todo porque la película tenía un calendario ajustado y se rodaba al mismo tiempo que The Magnificent Ambersons . El proyecto atrajo a RKO, especialmente porque parecía ser una película de bajo riesgo y bajo presupuesto.
El otro proyecto fue sugerido por primera vez por David Rockefeller , y dado que Welles fue calificado como médicamente no apto para el servicio de guerra, se sugirió que podría prestar servicio al esfuerzo bélico haciendo una película para alentar el sentimiento panamericano, ya que el Departamento de Estado de los EE. UU. estaba preocupado por las simpatías fascistas en algunos países latinoamericanos. El concepto de la película se definió vagamente como una antología de historias sobre diferentes estadounidenses que se unían contra el fascismo, y se esperaba que se pudiera grabar un número de canto y baile panamericano. En febrero de 1942, la temporada de carnaval de Brasil se acercaba rápidamente, por lo que se decidió enviar rápidamente a Welles con cámaras tecnicolor para filmar el carnaval, y él podría decidir cómo usar la película más tarde.
El director de estudio Norman Foster estuvo muy involucrado en ambos proyectos. Oficialmente, fue el único director de Journey into Fear . Sin embargo, la documentación y las fotografías del estudio muestran que Welles dirigió esa película (a menudo con el vestuario puesto para su papel secundario como el "Coronel Haki") y, bajo el efecto de las anfetaminas, dirigió Ambersons durante el día y Journey por la noche. Terminó sus escenas de Journey en las primeras horas de la mañana en que partió hacia Brasil, y Foster dirigió el resto de la película siguiendo las instrucciones específicas de Welles. RKO consideró que Journey into Fear era demasiado excéntrica en su forma original y conservó la película durante un año antes de estrenarla en 1943, momento en el que ya habían cortado más de veinte minutos. Al igual que con Ambersons , el metraje eliminado fue quemado.
Mientras Welles estaba en Brasil, envió a Foster a México para dirigir una de las secuencias de It's All True (basada en el cuento "My Friend Bonito", sobre un niño y su burro), mientras él comenzaba a desarrollar el resto de la película. Además de utilizar sus imágenes del carnaval en una secuencia sobre la historia de la samba, filmó una secuencia llamada "Four raftmen", sobre un viaje épico por mar que emprenden los pescadores de Jangedeiros para pedirle justicia al presidente de Brasil.
RKO se volvió rápidamente contra Welles y el proyecto It's All True . La historiadora de cine Catherine Benamou ha argumentado, basándose en un amplio trabajo en los archivos de RKO, que el racismo era un factor subyacente importante, y que RKO estaba alarmada por el hecho de que Welles estuviera eligiendo convertir a estadounidenses no blancos en los héroes de su historia. [27] Además de ignorar sus instrucciones mientras el estudio reeditaba Ambersons y Journey , comenzaron a emitir comunicados de prensa atacándolo por despilfarro con los fondos del estudio y acusándolo de perder el tiempo en Brasil asistiendo a fiestas lujosas y bebiendo hasta altas horas de la madrugada (cosa que hizo, pero fortificado por anfetaminas, también sería el primero en presentarse para filmar a las 6 a. m.). [28] Cuando un accidente de filmación resultó en que un actor se ahogara, RKO citó esto como un ejemplo de la irresponsabilidad de Welles. Finalmente, le ordenaron que abandonara la película. Welles no quería irse y permaneció en Brasil con un equipo mínimo que él mismo financió, pero finalmente tuvo que regresar cuando se quedó sin película y RKO se negó a enviarle más.
Después de que Welles fuera despedido en 1942, RKO no tenía planes para el metraje de It's All True . Parte de él fue arrojado al Océano Pacífico. Welles intentó recomprar el negativo, convencido de que podría convertir It's All True en una película de éxito comercial sobre la samba, y escribió al estudio una nota de "pagaré" por él, pero cuando no pudo afrontar el primer pago, el metraje volvió al estudio. Durante mucho tiempo se creyó que el metraje se había perdido (aunque parte de él se encontró de nuevo en 1985 y se incorporó a una restauración parcial en 1993), y Welles no pudo encontrar un trabajo como director durante más de tres años, e incluso entonces, sólo para un thriller de bajo presupuesto. Mientras tanto, el Mercury Theatre se había disuelto para siempre.
El equipo de producción del Mercury Theatre formado por John Houseman y Orson Welles se separó durante la realización de Citizen Kane , pero como unidad RKO Mercury mantuvo su nombre hasta su retirada del estudio en 1942. Como el nombre del Mercury Theatre no era una marca registrada, Welles siguió utilizándolo para algunos de sus proyectos posteriores, como el espectáculo de variedades de 1943 The Mercury Wonder Show y la serie de radio de 1946 The Mercury Summer Theatre .
Welles eligió a varios actores habituales del Mercury Theatre para sus películas posteriores. A menos que se indique lo contrario, la información de esta tabla se ha extraído de Orson Welles at Work (2008), de Jean-Pierre Berthomé y Francois Thomas. [29]
Se publicó un libro bajo el sello Mercury Theatre, con conjuntos de registros adjuntos:
En realidad, se trataba de una versión ómnibus revisada de tres volúmenes publicada en 1934 bajo el título general de Everybody's Shakespeare , publicada por Welles, de 19 años, y su antiguo maestro de escuela y amigo de toda la vida Roger Hill, por Todd Press, el sello de la Todd School for Boys, donde Welles fue alumno y Hill se convirtió en director. El libro contenía "versiones interpretativas" (es decir, abreviaturas) de Julio César , La duodécima noche y El mercader de Venecia . Junto con el libro, el Mercury Theatre publicó tres juegos de discos de gramófono de 12 pulgadas y 78 RPM especialmente grabados de estas obras. Cada una de las tres obras llenaba 11, 10 y 12 discos respectivamente. [31]
Además de esto, una gran cantidad de obras de radio de Mercury Theatre on the Air y Campbell Playhouse se convirtieron posteriormente en discos, cintas y CD, en muchos casos décadas después de su emisión. Para obtener más detalles, consulte la discografía de Orson Welles .
