Campanadas a medianoche ( en español : Campanadas a medianoche , estrenada en la mayor parte de Europa como Falstaff ) es una película de comedia dramática de época de 1966 escrita, dirigida y protagonizada por Orson Welles . Su trama se centra enel personaje recurrente de William Shakespeare , Sir John Falstaff, y su relación paternal con el príncipe Hal , quien debe elegir la lealtad a Falstaff o a su padre, el rey Enrique IV . La película en idioma inglés fue una coproducción internacional de España, Francia, [1] y Suiza. [3]
Welles dijo que el núcleo de la historia de la película era "la traición de la amistad". Está protagonizada por Welles como Falstaff, Keith Baxter como el príncipe Hal , John Gielgud como Enrique IV , Jeanne Moreau como la muñeca Tearsheet y Margaret Rutherford como la señora Quickly . El guion contiene texto de cinco obras de Shakespeare, principalmente Enrique IV, parte 1 y Enrique IV, parte 2 , pero también Ricardo II , Enrique V y Las alegres comadres de Windsor . La narración de Ralph Richardson está tomada de las obras del cronista Raphael Holinshed .
Welles había producido una adaptación teatral de Broadway de nueve obras de Shakespeare, Five Kings , en 1939. En 1960, revivió este proyecto en Irlanda como Chimes at Midnight , que fue su última actuación en el escenario. Ninguna de estas obras tuvo éxito, pero Welles consideró que interpretar a Falstaff era la ambición de su vida y convirtió el proyecto en una película. Para obtener financiación, mintió al productor Emiliano Piedra al decirle que tenía la intención de hacer una versión de Treasure Island , y mantener la financiación de la película durante su producción fue una lucha constante. Welles filmó Chimes at Midnight en España entre 1964 y 1965; se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1966 , ganando dos premios allí.
Chimes at Midnight , que en un principio fue rechazada por la mayoría de los críticos cinematográficos, se considera ahora uno de los mayores logros de Welles, y Welles la calificó como su mejor obra. Welles sintió una fuerte conexión con el personaje de Falstaff y lo llamó "la mayor creación de Shakespeare". Algunos estudiosos del cine y colaboradores de Welles han hecho comparaciones entre Falstaff y Welles, mientras que otros ven un parecido entre Falstaff y el padre de Welles. Las disputas sobre la propiedad de Chimes at Midnight hicieron que fuera difícil ver la película legalmente hasta hace poco. Se estrenó en el Reino Unido en DVD y Blu-ray en 2015. Una nueva restauración de Janus Films y The Criterion Collection se proyectó en el Film Forum de Nueva York del 1 al 12 de enero de 2016. The Criterion Collection lanzó la película en Blu-ray y DVD el 30 de agosto de 2016. [4]
Sir John Falstaff y el juez Shallow caminan por la nieve y luego hacia un cálido fuego dentro de la casa de Shallow en Gloucestershire, mientras los dos recuerdan. El rey Enrique IV de Inglaterra ha sucedido a Ricardo II , a quien ha asesinado. El verdadero heredero de Ricardo II, Edmund Mortimer , está prisionero en Gales, y los primos de Mortimer (los Percy) Northumberland, Worcester y el hijo de Northumberland, Henry Percy (llamado "Hotspur") exigen que el rey rescate a Mortimer. Él se niega, y los Percy comienzan a planear su derrocamiento.
Para gran descontento de Henry, su hijo, el príncipe Hal, pasa la mayor parte de su tiempo en la taberna Boar's Head , bebiendo y de juerga con prostitutas, ladrones y otros criminales bajo la influencia paternal de Falstaff. Falstaff insiste en que él y Hal deben considerarse caballeros, pero Hal advierte a Falstaff que un día rechazará tanto este estilo de vida como a Falstaff. A la mañana siguiente, Hal, Falstaff, Bardolph, Peto y Poins se disfrazan en Gadshill para prepararse para robar a un grupo de peregrinos viajeros. Después de que Falstaff, Bardolph y Peto roben a los peregrinos, Hal y Poins saltan disfrazados y toman el tesoro robado de Falstaff como una broma.
De vuelta en la taberna, Falstaff comienza a contarles a Hal y Poins, cada vez con más exageración, la historia de cómo le robaron el dinero. Hal y Poins intentan desmentir la historia de Falstaff hasta que revelan su broma. Para celebrar el tesoro recién recuperado, Falstaff y Hal se turnan para imitar a Henry, con una corona hecha con una olla de cocina e imitaciones vocales. El Henry de Falstaff reprende a Hal por pasar su tiempo con criminales comunes, pero nombra a Falstaff como su único amigo virtuoso. El Henry de Hal llama a Falstaff un "engañador de la juventud".
Hal visita al rey en el castillo y Henry lo regaña por su estilo de vida criminal y poco ético. Henry advierte a Hal sobre el creciente ejército de Hotspur y su amenaza a su corona. Hal le jura apasionadamente a su padre que defenderá a Henry y redimirá su nombre. El ejército del rey, incluido Falstaff, desfila por las calles y se dirige a la guerra. Antes de la batalla, Henry se reúne con Worcester y ofrece perdonar a todos los hombres de traición de Hotspur si se rinden de inmediato. Hal jura matar a Hotspur él mismo. Worcester regresa a su campamento y le miente a Hotspur, diciéndole que Henry tiene la intención de ejecutar a todos los traidores.
Los dos ejércitos se enfrentan en la batalla de Shrewsbury , pero Falstaff se esconde entre los arbustos durante la mayor parte del conflicto. Después de una larga y sangrienta lucha, los hombres del rey ganan la batalla, tras lo cual Hotspur y Hal se encuentran solos y se baten a duelo; mientras Falstaff observa, Hal mata a Hotspur. Enrique condena a muerte a Worcester y toma prisioneros a sus hombres. Falstaff lleva el cuerpo de Hotspur a Enrique, afirmando que él mató a Hotspur; Enrique no le cree y mira con desaprobación a Hal y a la innoble compañía que frecuenta.
"No te conozco, anciano; ponte a rezar.
¡Qué mal le sientan las canas a un tonto y a un bufón!
Hace tiempo que sueño con un hombre así,
tan hinchado, tan viejo y tan profano;
pero, al despertar, desprecio mi sueño".
— Enrique IV, Parte 2 , Acto V, Escena 5
El narrador explica que todos los enemigos rebeldes de Enrique IV habían sido asesinados en 1408, pero que la salud de Enrique había comenzado a deteriorarse. En el castillo, Enrique se enoja cuando le dicen que Hal está pasando tiempo nuevamente con Falstaff y se derrumba. Hal visita el castillo y descubre que Enrique está más enfermo de lo que había pensado. Hal le jura a Enrique que será un rey bueno y noble. Enrique finalmente tiene fe en Hal y le aconseja sobre cómo ser rey. Enrique muere y Hal les dice a sus hombres que ahora es el rey Enrique V.
Falstaff, Shallow y Silence se sientan frente al fuego, continuando la primera escena de la película. Reciben noticias de la muerte de Enrique IV y que la coronación de Hal se llevará a cabo esa mañana. Falstaff se pone extasiado y va directamente al castillo, pensando que se convertirá en un noble grande y poderoso bajo Enrique V. En la coronación, Falstaff no puede contener su emoción e interrumpe la ceremonia, anunciándose a Hal. Hal le da la espalda a Falstaff y proclama que ahora ha terminado con su estilo de vida anterior. Mientras Falstaff mira a Hal con una mezcla de orgullo y desesperación, el nuevo rey lo destierra. La coronación continúa en el castillo mientras Falstaff se aleja, afirmando que lo enviarán esa noche. Esa noche, Falstaff muere en la taberna Boar's Head, y sus amigos lo lloran, diciendo que murió con el corazón roto. Hal se convierte en un rey bueno y noble. [5]
La inspiración de Welles para Campanadas a medianoche comenzó en 1930 cuando era estudiante en el Seminario Todd para Niños en Woodstock, Illinois . Intentó poner en escena una combinación de tres horas y media de varias obras históricas de Shakespeare llamada El invierno de nuestro descontento en la que interpretó a Ricardo III. [6] Los funcionarios de la escuela lo obligaron a hacer cortes en la producción. [7] Campanadas a medianoche se originó en 1939 como una obra de teatro llamada Cinco reyes , que Welles escribió y representó parcialmente. Fue una ambiciosa adaptación de varias obras de Shakespeare que narraban las historias de Ricardo II , Enrique IV , Enrique V , Enrique VI y Ricardo III . Sus fuentes fueron Ricardo II , Enrique IV, Parte 1 , Enrique IV, Parte 2 , Enrique V , Las alegres comadres de Windsor , Enrique VI, Parte 1 , Enrique VI, Parte 2 , Enrique VI, Parte 3 y Ricardo III , a veces llamado colectivamente el " ciclo de la Guerra de las Dos Rosas ". [8] La agrupación de Enrique IV, Parte 1 , Enrique IV, Parte 2 y Enrique V a menudo se denomina la Henriada . [9]
Five Kings fue anunciada como parte de la segunda temporada del recién revivido Mercury Theatre en 1938. [10] John Houseman había conseguido una asociación con el prestigioso Theatre Guild para producir la obra por US$40.000 , con una gira inicial por Baltimore, Boston, Washington DC y Filadelfia antes de debutar en Broadway. [11] Welles tenía la intención de presentar solo la primera parte de la obra, que se tomó principalmente de Enrique IV, partes 1 y 2, y Enrique V, durante la gira mientras ensayaba simultáneamente la segunda parte y finalmente debutaba la producción completa en Broadway. [8] [12] [13] Houseman dijo que el objetivo de la obra era "combinar la calidad inmediata del teatro isabelino con todos los dispositivos y técnicas posibles en el teatro moderno". [14] El elenco incluía a Welles como Falstaff, Burgess Meredith como el Príncipe Hal, John Emery como Hotspur, Morris Ankrum como Enrique IV y Robert Speaight como el Narrador. [15] [16] [17] La música de la obra fue de Aaron Copland . [18] Welles encargó un elaborado decorado giratorio, pero no se completó durante las cinco semanas asignadas a los ensayos.
Welles evitó asistir a los ensayos o terminar el guion final de la obra y, en su lugar, a menudo salía a beber y socializar con su coprotagonista Meredith, con el resultado de que solo se ensayaron escenas específicas o fragmentos de la obra. [19] La función de Baltimore finalmente se abandonó y en el primer ensayo general en Boston, se descubrió que la obra duraba más de cinco horas y media y contenía 46 escenas. Welles cortó 14 escenas y acortó otras, lo que provocó que el temporizador incorporado para el escenario giratorio se desincronizara. [20] Five Kings, Part 1 se estrenó en el Colonial Theatre de Boston el 27 de febrero de 1939 y fue un desastre. [21] Los críticos fueron mordaces o se disculparon, y solo las escenas de batalla de la obra recibieron elogios. [22] Al final de la función en Boston, el Theatre Guild estuvo a punto de abandonar la producción y canceló el compromiso de DC. Welles luego editó el espectáculo a tres horas y media. [23] La obra cerró después de sólo unas pocas representaciones en Filadelfia, y el Theatre Guild rescindió su contrato con el Mercury Theater. [24] Las fotografías de los ensayos de la obra muestran similitudes con Campanadas a medianoche , incluido el decorado de Boar's Head Tavern y el bloqueo de personajes de la escena de las "campanadas a medianoche" con Falstaff, Shallow y Silence. [25]
Welles volvió al proyecto en 1960, con representaciones en Belfast y Dublín . Esta versión, retitulada Campanadas a medianoche , [26] fue producida por el viejo amigo de Welles , Hilton Edwards, a través de su compañía con sede en Dublín , Gate Theatre . [12] El elenco incluía a Welles como Falstaff, Keith Baxter como el príncipe Hal, Hilton Edwards como el narrador, [27] Reginald Jarman como Enrique IV, [28] y Alexis Kanner como Hotspur. [29] En un momento dado, Welles y Edwards querían que Micheál Mac Liammóir reemplazara a Jarman, pero Mac Liammóir solo aceptó el papel del príncipe Hal. [30] Hilton Edwards fue acreditado oficialmente como director, pero Welles suele ser reconocido como el director real y, a menudo, dirigió los ensayos. [31] [32] El supuesto hijo biológico de Welles, Michael Lindsay-Hogg, también trabajó en la obra como actor y como asistente personal de Edwards. [33] La opinión de Welles sobre Falstaff había crecido desde que interpretó el papel por primera vez, y su nueva versión de la obra se centró más en la relación entre Falstaff y el príncipe Hal que en la derrota de Hal en Hotspur. [34] La mayoría de las escenas de Enrique V utilizadas en la primera versión fueron eliminadas. [12] Welles tenía la intención de representar la obra en Belfast, Dublín y Londres antes de filmarla en Yugoslavia. [12]
Los ensayos de la obra comenzaron en Russell Square, Londres, con una lectura. Después de una semana de ensayos, Welles se fue para conseguir más financiación y Edwards dirigió la obra, trabajando en el montaje y la iluminación. Welles regresó una semana antes del estreno sin haberse aprendido ni un solo diálogo. El elenco tuvo su ensayo técnico la noche anterior al estreno, que duró hasta las 8 de la mañana siguiente. Nunca tuvieron un ensayo general ni siquiera un ensayo y nunca habían visto a Welles sin el libro o con el vestuario. Después del estreno en la Grand Opera House de Belfast el 13 de febrero de 1960 y de recibir una buena crítica de un corresponsal de Variety , se trasladó al Teatro Gaiety de Dublín. Durante dos noches, Welles hizo un espectáculo unipersonal, comenzando con lecturas de JM Synge, Riders to the Sea, Moby Dick y las obras de Isak Dinesen. La segunda mitad fue un programa de televisión con preguntas del público. Después se reveló que las cámaras de televisión eran falsas, solo para atraer al público. Welles continuó ajustando la obra a lo largo de su corta producción, y en un momento movió el discurso de Mistress Quickly sobre la muerte de Falstaff al comienzo de la obra. [35] Finalmente abandonó el proyecto a fines de marzo de 1960, cuando su amigo Laurence Olivier le ofreció la oportunidad de dirigirlo en la obra Rhinoceros de Eugène Ionesco en el West End de Londres. [36] Según Keith Baxter, Welles terminó la presentación de la obra porque estaba aburrido de ella, y en un momento le dijo a Baxter: "Esto es solo un ensayo para la película, Keith, y nunca lo haré a menos que interpretes a Hal en eso también". Cinco años después, Baxter y la hija menor de Welles, Beatrice Welles , que interpretó a la paje de Falstaff, fueron los únicos miembros del elenco de la obra que aparecieron en la película. [28] [37] Chimes at Midnight fue la última actuación de Welles en una obra teatral. [31]
En 1964, Welles conoció y se hizo amigo del productor de cine español Emiliano Piedra , que quería trabajar con él. Piedra no creía que una película de Shakespeare fuera lo suficientemente comercializable y propuso que Welles hiciera una versión de La isla del tesoro . Welles aceptó con la condición de que simultáneamente pudiera hacer Campanadas a medianoche , y Piedra aceptó, sin saber que Welles no tenía intención de hacer La isla del tesoro . Aunque se filmaron algunas secuencias B-roll del Alicante saliendo del puerto al principio de la producción, nunca se filmaron ni siquiera se escribió un guion de La isla del tesoro . Welles se salió con la suya durante la preproducción construyendo decorados que pudieran usarse en ambas películas, como la taberna Boar's Head de Mistress Quickly, que también era la posada Admiral Benbow. Welles también eligió a cada actor para ambas películas, eligiéndose a sí mismo como Long John Silver, a Baxter como el Dr. Livesey, a Beckley como Israel Hands y a Gielgud como Squire Trelawney. [38] Irónicamente, Welles interpretó a Long John Silver en la versión cinematográfica no relacionada de 1972 de La isla del tesoro . [39]
Welles dijo que la taberna Boar's Head fue el único decorado completo construido para la película, y que los demás simplemente se vistieron o decoraron en el lugar. Dijo que diseñó, pintó y sopleteó el decorado, y diseñó todo el vestuario de la película. [39] Al principio de la preproducción, Anthony Perkins se acercó a Welles para interpretar al príncipe Hal, pero Welles ya le había prometido el papel a Baxter. [40] [41] Hilton Edwards fue elegido inicialmente para interpretar al juez Silence, pero fue reemplazado después de que enfermara. [42] El título Chimes at Midnight deriva de Henry IV, Part 2 , donde en respuesta a las reminiscencias del juez Shallow sobre sus días escolares, Falstaff dice: "Hemos escuchado las campanadas a medianoche, maestro Shallow". [43] La estudiosa de Welles Bridget Gellert Lyons dijo que el título de la película, "que adquiere mayor resonancia por la entonación repetida de campanas a lo largo de la película, se asocia para la audiencia con la tristeza y la mortalidad más que con la juerga juvenil". [44]
La película se rodó en España desde septiembre de 1964 hasta abril de 1965, con un descanso desde finales de diciembre hasta finales de febrero. [45] Las limitaciones de Welles en la película incluyeron un presupuesto de 800.000 dólares y que los actores Jeanne Moreau y John Gielgud estuvieran disponibles durante cinco y diez días respectivamente, [46] mientras que Margaret Rutherford estuvo disponible solo durante cuatro semanas. [47] Welles bromeó más tarde diciendo que durante una escena que incluía a siete personajes principales, ninguno de los actores estaba disponible al mismo tiempo y se utilizaron dobles para tomas por encima del hombro de los siete. [39] El rodaje comenzó en Colmenar e incluyó todas las escenas de Gielgud. Luego, Welles viajó a Cardona , donde se filmaron las escenas de la Corte Real y las escenas de Marina Vlady, y al parque de la Casa de Campo de Madrid , donde se filmó la escena del robo de Gadshill. Madrid también fue el escenario del set de Boar's Head Tavern, donde Welles rodó las escenas de Moreau y Rutherford. La producción viajó luego a Pedraza para algunas escenas callejeras al aire libre, y luego a Soria para rodar en la nieve las tomas iniciales. Después de rodar algunas escenas de Shallow y Silence en el País Vasco , Welles regresó a Madrid en diciembre para filmar las escenas de batalla en el parque de la Casa de Campo durante diez días. [48] [49]
El cineasta de explotación Jesús Franco trabajó como asistente de dirección en la película. No aparece en los créditos porque él y Welles se pelearon. [50]
A finales de diciembre, Welles se había quedado sin dinero y la película quedó en suspenso mientras buscaba financiación adicional. [51] Pero algunas escenas pequeñas se rodaron durante el descanso. Welles dijo más tarde que había rechazado ofertas de financiación que estaban condicionadas a la filmación en color. [52] Finalmente consiguió financiación de Harry Saltzman [53] y la producción se reanudó oficialmente a finales de febrero, con la mayoría de los discursos más largos de Baxter y la escena de la Coronación en Madrid. Entre marzo y abril, Welles terminó la película con tomas de relleno, primeros planos, la escena final del rechazo y la mayoría de los discursos de Falstaff. Según Baxter, Welles tenía miedo escénico y retrasó todas sus escenas hasta el final del rodaje, excepto aquellas que incluían a otros actores. [54] Welles era tímido a la hora de rodar su escena de amor con Moreau y utilizaba un doble siempre que era posible. [55] Otras localizaciones de rodaje incluyeron el castillo de Calatañazor , la Puerta de San Vicente, la catedral de Soria [56] y la ciudad de Ávila . [57] Welles fue duro con los miembros de su equipo y, según el actor Andrew Faulds, "les habló en cinco idiomas diferentes y fue bastante ofensivo, muy exigente. Supongo que se había dado cuenta de que si intimidabas a los actores, no obtenías lo mejor de ellos, mientras que, al diablo con los técnicos. Tenían que hacer lo que se les decía, y bastante rápido". [58] Una escena que representaba el asesinato del rey Ricardo II , originalmente destinada a abrir la película, fue cortada. [59]
Baxter dijo que la banda sonora de la película fue doblada meses después de que se completara el rodaje, y que los actores Fernando Rey y Marina Vlady fueron doblados por diferentes actores debido a sus fuertes acentos. Baxter también dijo que él, Welles y Michael Aldridge grabaron voces para varios personajes en posproducción. [60] El discurso de Mistress Quickly después de la muerte de Falstaff, que fue interrumpido por el zumbido audible de un generador de energía, utilizó la versión original de la banda sonora porque a Welles le gustó la actuación de Rutherford lo suficiente como para mantenerla. [61] La banda sonora fue de Angelo Francesco Lavagnino , quien había trabajado con Welles en Otelo ; Es notable por su uso prominente de melodías de baile medievales monofónicas reales (y algo de "música antigua" posterior, como varias de las piezas de consorte isabelinas de Antony Holborne) en una época en la que esto era poco común. La banda sonora se grabó en un estudio italiano, que pagó a Lavagnino por su trabajo en la película a cambio de los derechos de la música, y más tarde lanzó un álbum de banda sonora en Italia y el Reino Unido. [62] Durante la edición, Welles mostró un corte preliminar al director visitante del Festival de Cine de Cannes , quien inmediatamente quiso incluir la película en el festival, y Welles tuvo que terminar la edición más rápido de lo que prefería. [54]
Welles originalmente quería que toda la película usara una cinematografía de alto contraste, parecida a los grabados de la Edad Media; solo la secuencia del título de apertura usa esta técnica. [63] La secuencia más famosa de la película es la Batalla de Shrewsbury; solo había disponibles alrededor de 180 extras y Welles usó técnicas de edición para dar la apariencia de ejércitos de miles. [55] Welles filmó todas las escenas de batalla en tomas largas, pero cortó las tomas en fragmentos para crear el efecto que quería. [59] Tomó diez días filmar las escenas y seis semanas para editar lo que se convirtió en una secuencia de seis minutos. [49] Al filmar la secuencia, Welles a menudo usó cámaras de mano, lentes gran angular, tomas en cámara lenta y aceleradas, tomas estáticas, panorámicas rápidas y un movimiento rápido constante de los personajes para crear una atmósfera cinética y caótica. Anderegg escribió: "Al final, ambos ejércitos se han convertido en una enorme, torpe y desintegradora máquina de guerra, un robot grotesco cuya fuente de energía comienza lentamente a fallar y finalmente se detiene por completo. La retórica verbal -el lenguaje en sí- parece, por el momento, irrelevante y obscena". [64]
Los críticos de cine han calificado la secuencia de la Batalla de Shrewsbury como una declaración contra la guerra y la han comparado con películas contemporáneas como Dr. Strangelove y Culloden . El estudioso de Shakespeare Daniel Seltzer dijo: "la conciencia social de la película es tan alerta como la de Shakespeare, y temáticamente pertinente también en términos shakespearianos... las imágenes de la Batalla de Shrewsbury en sí deben ser algunas de las escenas de guerra más bellas, verdaderas y feas jamás filmadas y editadas para una película". [64] El estudioso de Welles James Naremore dijo: "el erotismo subyacente del código caballeresco... queda expuesto en toda su cruel perversidad". [64] Tony Howard escribió que Welles utilizó las obras históricas de Shakespeare "para denunciar la hipocresía política y el militarismo modernos". [65]
Debido a las limitaciones presupuestarias, tanto el sonido en el set como el de posproducción fueron mal grabados. Anderegg escribió que esto, en combinación con los rápidos movimientos de cámara y la edición de Welles, hace que el diálogo shakespeariano sea más difícil de entender. Muchas escenas se filman en tomas largas o con los personajes de espaldas a la cámara, probablemente por razones prácticas cuando los actores no estaban presentes, lo que crea más problemas de sonido. "En efecto", escribe Anderegg, "Welles genera una tensión constante entre lo que vemos y lo que oímos, una tensión que apunta al estatus ambiguo del lenguaje en su relación con la acción". [66] Durante la secuencia de la Batalla de Shrewsbury , Welles utilizó una banda sonora compleja y en capas que incluía los sonidos de espadas y armaduras chocando, soldados gruñendo y gritando, huesos rompiéndose, botas en el barro y la banda sonora de la película para agregar al caos de la escena. [64]
La adaptación de Welles de cinco obras de Shakespeare no fue una transcripción cronológica. El erudito shakespeariano Kenneth S. Rothwell dijo que Welles "va más allá de la mera manipulación de las escenas de Shakespeare; [él] las reelabora, transpone, revisa y elimina masivamente, de hecho las reconstruye". Estos cambios incluyeron tomar líneas de diálogo de una obra e insertarlas en escenas de otra. [67] Los cambios específicos incluyen una escena cerca del final de la película en la que Hal perdona a un agitador callejero encarcelado justo antes de su expedición para invadir Francia; Welles alteró ligeramente esta escena de Enrique V , Acto 2, Escena 2. En la película, este hombre es Falstaff, y el incidente que está perdonando es la perturbación de Falstaff en la coronación de Hal. Aunque se dice que tanto el prisionero indultado como Falstaff beben vino, Shakespeare no implica que el prisionero indultado sea Falstaff. [68] Tanto en Campanadas a medianoche como en Enrique V , esta escena es seguida por la muerte de Falstaff. [69] La película no contiene verdaderos soliloquios, ya que los personajes nunca están solos y no hablan directamente a la audiencia. [66] Enrique IV suele ser mostrado de pie o sentado con muy poca acción involucrada; esto, dice Anderegg, hace que parezca que habla solo consigo mismo incluso cuando hay otros presentes. Gielgud era conocido por su interpretación clásica de Shakespeare, y su actuación consiste casi en su totalidad en palabras, que son incapaces de derrotar a los rebeldes de Northumberland o al comportamiento salvaje de Hal. A lo largo de la película, Falstaff, Hal y Hotspur imitan a Gielgud, burlándose de las palabras de Enrique IV. [70]
Chimes at Midnight se estrenó con una recepción favorable del público en el Festival de Cine de Cannes de 1966. Pero después de la crítica anticipada desfavorable del crítico del New York Times Bosley Crowther , el distribuidor estadounidense Harry Saltzman decidió darle poca publicidad a la película y una distribución mínima cuando se estrenó en los EE. UU. el año siguiente. [71] La recepción crítica en su primer estreno fue mayoritariamente negativa; la película no fue considerada una de las mejores de Welles hasta años después. Crowther criticó la mala pista de audio de la película y la llamó "un mosaico confuso de escenas y personajes ... diseñado para dar una gran exposición a Jack Falstaff". La actuación de Welles, escribió, fue "un Papá Noel de esquina disoluto y torpe". [72] Penelope Houston la llamó "una película que parece darle la espalda a la brillantez". [73] Una reseña de Time también criticó a Welles, llamándolo "probablemente el primer actor en la historia del teatro en parecer demasiado gordo para el papel... toma el mando de las escenas menos con el inglés hablado que con el inglés corporal", pero "nunca es completamente malo". [74]
Judith Crist elogió la película como "sólida, simple, concentrada en la palabra y la interpretación, que sirve como recordatorio de dónde se encuentra la esencia de la obra". [75] Pauline Kael también criticó el sonido deficiente, pero dio una reseña favorable en general, destacando el reparto de la película y calificando la actuación de Welles de "muy rica, muy completa". Dijo que la secuencia de la Batalla de Shrewsbury era "diferente a cualquier escena de batalla realizada en la pantalla antes". [76] El crítico de Cahiers du Cinéma Serge Daney también elogió tanto la película como la capacidad de Welles para hacer grandes películas sobre el tema del poder. [77] Welles se mostró decepcionado con la recepción de la película, quejándose de que "casi nadie la ha visto en Estados Unidos, y eso me vuelve loco". [78]
Welles tenía en alta estima Campanadas a medianoche . "Es mi película favorita, sí", le dijo al entrevistador Leslie Megahey en una entrevista de 1982 para BBC Arena :
Si quisiera entrar al cielo basándome en una película, esa sería la que ofrecería. Creo que es porque, para mí, es la que menos defectos tiene, déjenme decirlo así. Es la que más éxito ha tenido en lo que he intentado hacer. En mi opinión, con esa película he tenido más éxito que con cualquier otra. [79] [80] : 203
También la consideró su película más personal, junto con The Magnificent Ambersons . [81] Muchos críticos, incluidos Peter Bogdanovich y Jonathan Rosenbaum , también consideran Campanadas a medianoche el mejor trabajo de Welles. Varios años después de su estreno inicial, el crítico Vincent Canby de The New York Times escribió que Campanadas a medianoche "puede ser la mejor película shakespeariana jamás realizada, sin lugar a dudas". [82] Joseph McBride la ha llamado "la obra maestra de Welles, la expresión más completa y completamente realizada de todo lo que había estado trabajando desde Ciudadano Kane ". [83] En 2006, Roger Ebert la llamó "una película magnífica, claramente entre los mejores trabajos de Welles". [84]
La secuencia de la Batalla de Shrewsbury ha sido particularmente admirada e inspiró películas posteriores, incluyendo Braveheart y Saving Private Ryan . Los críticos de cine la han comparado con la secuencia de la Escalera de Odessa en El acorazado Potemkin y la secuencia de la Batalla en el hielo en Alexander Nevsky , ambas dirigidas por Sergei Eisenstein . [85] Enrique V de Kenneth Branagh usó la secuencia de la Batalla de Shrewsbury de Welles como inspiración para la Batalla de Agincourt , [64] y representó el rechazo del Príncipe Hal a Falstaff de una manera más influenciada por Campanadas a medianoche que por interpretaciones más tradicionales de la escena. [86] En 1988, el director Patrick Garland presentó una versión de Campanadas a medianoche protagonizada por Simon Callow como Falstaff en el Chichester Festival Theatre . [87] Michael Anderegg dijo que el uso de lentes gran angular, iluminación y vestuario discretos en Campanadas a medianoche y su enfoque en la relación entre Falstaff y el Príncipe Hal influyeron en Mi Idaho privado , la adaptación libre de Gus Van Sant de 1991 de Enrique IV, partes 1 y 2. [ 88]
En 2011, la casa de subastas Bonham's vendió un gran archivo de material de Welles que alguna vez había pertenecido al productor ejecutivo de la película, Alessandro Tasca di Cuto. La mayor parte del material era de Campanadas a medianoche e incluía ilustraciones, fotografías y memorandos originales de Welles. [89] Esta colección fue donada posteriormente a la Universidad de Michigan para su estudio académico. [90]
En 2012, para la encuesta Sight and Sound del British Film Institute , 11 críticos de cine y dos directores votaron a Chimes at Midnight como una de las 10 mejores películas de todos los tiempos, incluidos McBride y Todd McCarthy . [91]
En 2015, el escritor español y director de la Filmoteca de Cataluña Esteve Riambau publicó un libro sobre la película, Las cosas que hemos visto: Welles y Falstaff . [92] [93]
En el Festival de Cine de Cannes de 1966, Campanadas a medianoche se proyectó en competencia por la Palma de Oro y ganó el Gran Premio Técnico (empatado). [94] Welles fue nominado para un premio BAFTA al Mejor Actor Extranjero en 1968. [95] En España, la película ganó el Premio del Círculo de Escritores Ciudadanos a la Mejor Película en 1966. [96]
Debido a disputas legales sobre los derechos, Chimes at Midnight se ha lanzado solo dos veces en video VHS en los Estados Unidos, y ninguno de los lanzamientos está disponible. La viuda de Harry Saltzman, Adriana Saltzman, [53] las familias de los productores Emiliano Piedra y Angel Escolano y el patrimonio de Orson Welles, mantenido por Beatrice Welles , entre otros, han reclamado la propiedad de la película. [97] Durante muchos años, la única fuente disponible fue un DVD sin región de Brasil. Mr Bongo Records proyectó una versión restaurada en el Reino Unido en Picturehouse Cinemas el 1 de agosto de 2011. [98] En febrero de 2015, la película se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Sedona . Beatrice Welles asistió y anunció que "un importante sello de DVD/Blu-ray está interesado en restaurar y lanzar Chimes at Midnight ". [92] La copia prístina de 35 mm fue descubierta por Distribpix Inc., que dijo que estaba "en tan buenas condiciones que está pidiendo a gritos una restauración completa con escaneo 4k". [99]
La película se estrenó en Europa en DVD y Blu-ray el 29 de junio de 2015. [100] [101]
Janus Films lanzó una versión restaurada de la película en DCP que se estrenó el 1 de enero de 2016 en el Film Forum de la ciudad de Nueva York del 1 al 12 de enero de 2016 y en Cinefamily en Los Ángeles. [102] [103] Esta versión restaurada no se deriva de la copia de Distribpix. [104] Peter Becker, presidente de Criterion, dijo que el lanzamiento es el producto de más de 20 años de esfuerzo: "No hay película por la que hayamos esperado más tiempo o trabajado más duro para liberar, y ninguna de la que estemos más orgullosos de presentar", dijo. [105] Criterion lanzó esta restauración en DVD y Blu-ray el 30 de agosto de 2016.
Welles consideró a Falstaff "la mayor creación de Shakespeare" [106] y dijo que el papel era "el papel más difícil que he interpretado en mi vida". [107] Baxter creía que hacer la película era la ambición de la vida de Welles. [54] Antes del estreno en Boston de Five Kings en 1939 , Welles dijo a los periodistas: "Lo interpretaré como una figura trágica. Espero, por supuesto, que sea divertido para el público, así como lo fue para quienes lo rodeaban. Pero su humor e ingenio se despertaron simplemente por el hecho de que quería complacer al príncipe. Falstaff, sin embargo, tenía el potencial de la grandeza en él". [108] Las críticas de la obra de 1939 mencionan la elección de Welles de restar importancia a los elementos cómicos tradicionales de Falstaff en su actuación. [25] Esta reverencia por el personaje aumentó con los años y cuando Welles hizo Campanadas a medianoche , su enfoque estaba completamente en las relaciones entre Falstaff, Hal y Enrique IV. Welles creía que el núcleo de la historia era "la traición de la amistad". [44] Welles calificó el rechazo de Hal a Falstaff como "una de las mejores escenas jamás escritas, por lo que la película es realmente una preparación para ella. Todo se prepara para ella". [109] A lo largo de la película, Hal le da la espalda repetidamente a Falstaff, presagiando el final de la película. [110]
La película no pretendía ser un lamento por Falstaff, sino por la muerte de la alegre Inglaterra . La alegre Inglaterra como concepto, un mito que ha sido muy real en el mundo angloparlante y que se expresa en cierta medida en otros países de la época medieval: la era de la caballería, de la sencillez, del mes de mayo y todo eso. Es más que Falstaff el que está muriendo. Es la vieja Inglaterra la que muere y es traicionada. ~Orson Welles [81]
Muchos teóricos del cine y biógrafos de Welles han escrito sobre el tema recurrente del "Edén perdido" en la obra de Welles y sobre personajes que sienten nostalgia por un pasado idealizado, al que Welles llamó "el tema central de la cultura occidental". [9] Welles le dijo a Peter Bogdanovich que "incluso si los buenos viejos tiempos nunca existieron, el hecho de que podamos concebir un mundo así es, de hecho, una afirmación del espíritu humano". [111] La estudiosa del cine Beverle Houston argumentó que esta nostalgia hizo que la representación de Falstaff por parte de Welles fuera infantil y calificó su actuación como la de un "bebé poderoso... una criatura que come y succiona, parecida a un feto". [66] Welles también llamó a Falstaff "la mayor concepción de un hombre bueno, el hombre más completamente bueno, en todo el drama", [107] y dijo, "cuanto más pensaba que me estaba acercando a Falstaff, menos divertido me parecía. Cuando lo interpreté antes en el teatro, me pareció más ingenioso que cómico. Y al llevarlo a la pantalla, lo encontré sólo ocasionalmente, y sólo deliberadamente , un payaso". [108]
"[Falstaff] es bueno en el sentido en que los hippies son buenos. La comedia trata de los defectos graves del hombre, pero esos defectos son tan triviales: su famosa cobardía es una broma, una broma que Falstaff parece estar contándose a sí mismo... pide tan poco y al final no consigue nada". -Welles sobre Falstaff [111]
Baxter comparó a Welles con Falstaff, ya que ambos estaban perpetuamente faltos de dinero, a menudo mentían y engañaban a la gente para conseguir lo que necesitaban, y siempre eran alegres y amantes de la diversión. [54] El experto en cine Jack Jorgens también comparó a Welles con Falstaff, escribiendo, "con un hombre que dirigió y protagonizó una obra maestra y desde entonces se ha tambaleado a través de tres décadas de películas subfinanciadas, apresuradas y defectuosas, decenas de papeles secundarios, narraciones y entrevistas que degradaron su talento, docenas de proyectos que murieron por falta de persistencia y financiación, la historia de un bufón gordo y envejecido exiliado de su público y ya no capaz de triunfar sobre obstáculos imposibles con ingenio e imaginación torrencial bien podría parecer trágica". [112] Cuando Joss Ackland interpretó a Falstaff en el escenario en 1982, dijo que estaba más inspirado por Welles que por la actuación de Welles como Falstaff: "como Falstaff, creo que podría haber logrado mucho, pero se desperdició". [86] Kenneth S. Rothwell ha llamado al rechazo de Hal a Falstaff una alegoría del rechazo de Hollywood a Welles. [113] Welles se había deprimido profundamente a finales de los años 1950 después de la decepción de hacer Sed de mal , su previsto regreso a Hollywood. [114]
El biógrafo de Welles, Simon Callow , ha comparado a Falstaff con el padre de Welles, Richard Head Welles, escribiendo que, al igual que Falstaff, el padre de Welles era "un borracho, un embaucador, un fanfarrón, un mujeriego, un caballero y un encantador, y es rechazado por la persona que más ama". [108] El padre de Welles era un alcohólico y mujeriego que a menudo llevaba consigo a un Welles adolescente cuando se entregaba a sus vicios. Welles observaba a su padre de forma muy similar a como Hal observa a Falstaff, quien depende de su joven protegido para sacarlo de problemas. [115] El triángulo amoroso entre Hal y sus dos figuras paternas, Enrique IV y Falstaff, también es similar a las relaciones de Welles con su padre y los dos hombres que se convirtieron en padres sustitutos para él: el amigo de la familia Maurice Bernstein y el director de la Todd School for Boys, Roger Hill. [115] Ambos padres sustitutos de Welles desaprobaban el estilo de vida de Richard Welles y su influencia en Welles. Cuando el joven Welles cumplió 15 años, siguió el consejo de Hill y le dijo a su padre que no lo volvería a ver hasta que mejorara su conducta y dejara de beber; el padre de Welles murió poco después, solo y solitario, y Welles se culpó a sí mismo por la muerte de su padre, diciendo: "Siempre pensé que lo había matado". [116]
El supuesto hijo biológico de Welles, Michael Lindsay-Hogg , hijo de la actriz Geraldine Fitzgerald , conoció a Welles cuando tenía 15 años y más tarde trabajó en la obra de teatro de 1960 Chimes at Midnight . Esta fue la única cantidad significativa de tiempo que los dos pasaron juntos y Lindsay-Hogg vio a Welles solo esporádicamente a partir de entonces. Al igual que Welles, Lindsay-Hogg tuvo dos padres sustitutos además de su padre biológico. [117] A fines de la década de 1950, cuando tenía 16 años, la hija de Welles, Christopher Welles Feder, cortó todos los lazos con Welles bajo la presión de su madre, quien desaprobaba la influencia de Welles sobre ella. [118] Welles y Feder luego se reencontraron, pero su relación nunca se recuperó por completo. [119] La hija menor de Welles, Beatrice, que se parecía a su padre cuando era niño, aparece en la versión cinematográfica de Chimes at Midnight . [78]