John Milton Cage Jr. (5 de septiembre de 1912 - 12 de agosto de 1992) fue un compositor y teórico musical estadounidense . Pionero de la indeterminación en la música , la música electroacústica y el uso no estándar de instrumentos musicales , Cage fue una de las figuras principales de la vanguardia de la posguerra . Los críticos lo han elogiado como uno de los compositores más influyentes del siglo XX. [1] [2] [3] [4] También fue fundamental en el desarrollo de la danza moderna , principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham , quien también fue la pareja romántica de Cage durante la mayor parte de sus vidas. [5] [6]
Los maestros de Cage incluyeron a Henry Cowell (1933) y Arnold Schoenberg (1933-1935), ambos conocidos por sus innovaciones radicales en la música, pero las principales influencias de Cage se encuentran en varias culturas del este y sur de Asia . A través de sus estudios de filosofía india y budismo zen a fines de la década de 1940, Cage llegó a la idea de la música aleatoria o controlada por el azar , que comenzó a componer en 1951. [7] El I Ching , un antiguo texto clásico chino y herramienta de toma de decisiones, se convirtió en la herramienta de composición estándar de Cage durante el resto de su vida. [8] En una conferencia de 1957, "Música experimental", describió la música como "una obra sin propósito" que es "una afirmación de vida, no un intento de poner orden en el caos ni de sugerir mejoras en la creación, sino simplemente una forma de despertar a la vida misma que estamos viviendo". [9]
La obra más conocida de Cage es la composición de 1952 4′33″ , una pieza interpretada en ausencia de sonido deliberado; los músicos que presentan la obra no hacen nada más que estar presentes durante la duración especificada por el título. El contenido de la composición pretende ser los sonidos del entorno que escucha el público durante la interpretación. [10] [11] El desafío de la obra a las definiciones asumidas sobre la musicalidad y la experiencia musical la convirtió en un tema popular y controvertido tanto en la musicología como en la estética más amplia del arte y la interpretación. Cage también fue un pionero del piano preparado (un piano con su sonido alterado por objetos colocados entre o sobre sus cuerdas o martillos), para el que escribió numerosas obras relacionadas con la danza y algunas piezas de concierto. Estas incluyen Sonatas and Interludes (1946-48). [12]
Cage nació el 5 de septiembre de 1912 en el Good Samaritan Hospital en el centro de Los Ángeles. [13] Su padre, John Milton Cage Sr. (1886-1964), fue un inventor, y su madre, Lucretia ("Crete") Harvey (1881-1968), trabajó intermitentemente como periodista para Los Angeles Times . [14] Las raíces de la familia eran profundamente estadounidenses: en una entrevista de 1976, Cage mencionó que George Washington fue asistido por un antepasado llamado John Cage en la tarea de inspeccionar la Colonia de Virginia . [15] Cage describió a su madre como una mujer con "un sentido de la sociedad" que "nunca estaba feliz", [16] mientras que su padre es quizás mejor caracterizado por sus inventos: a veces idealistas, como un submarino propulsado por diésel que emitía burbujas de escape, el mayor Cage no estaba interesado en un submarino indetectable; [14] Otros revolucionarios y contrarios a las normas científicas, como la "teoría del campo electrostático" del universo. [a] John Cage Sr. enseñó a su hijo que "si alguien dice 'no puedo' eso te muestra lo que debes hacer". En 1944-45 Cage escribió dos pequeñas piezas de carácter dedicadas a sus padres: Crete y Dad . Esta última es una pieza corta y animada que termina abruptamente, mientras que "Crete" es una obra contrapuntística un poco más larga, principalmente melódica. [17]
Las primeras experiencias de Cage con la música fueron de profesores particulares de piano en el área metropolitana de Los Ángeles y de varios familiares, en particular su tía Phoebe Harvey James, quien lo introdujo a la música para piano del siglo XIX. Recibió sus primeras lecciones de piano cuando estaba en cuarto grado en la escuela, pero aunque le gustaba la música, expresó más interés en la lectura a primera vista que en desarrollar una técnica virtuosa del piano, y aparentemente no estaba pensando en la composición. [18] Durante la escuela secundaria, uno de sus profesores de música fue Fannie Charles Dillon . [19] Sin embargo, en 1928, Cage estaba convencido de que quería ser escritor. Se graduó ese año de la Escuela Secundaria de Los Ángeles como el mejor alumno , [20] habiendo dado también en la primavera un discurso premiado en el Hollywood Bowl proponiendo un día de silencio para todos los estadounidenses. Al estar "callados y en silencio", dijo, "deberíamos tener la oportunidad de escuchar lo que piensan otras personas", anticipándose a 4′33″ por más de treinta años. [21]
Cage se matriculó en el Pomona College de Claremont para especializarse en teología en 1928. Sin embargo, a menudo cruzando disciplinas nuevamente, se encontró en Pomona con la obra del artista Marcel Duchamp a través del profesor José Pijoan, del escritor James Joyce a través de Don Sample, del filósofo Ananda Coomaraswamy y de Henry Cowell . [19] En 1930 abandonó los estudios, habiendo llegado a creer que "la universidad no era de ninguna utilidad para un escritor" [22] después de un incidente descrito en su declaración autobiográfica de 1991:
Me quedé estupefacto al ver en la universidad a cien de mis compañeros de clase en la biblioteca leyendo todos ejemplares del mismo libro. En lugar de hacer lo mismo, me acerqué a los estantes y leí el primer libro escrito por un autor cuyo nombre empezaba con Z. Obtuve la nota más alta de la clase. Eso me convenció de que la institución no estaba bien dirigida. Me fui. [16]
Cage convenció a sus padres de que un viaje a Europa sería más beneficioso para un futuro escritor que los estudios universitarios. [23] Posteriormente hizo autostop hasta Galveston y navegó hasta Le Havre , donde tomó un tren a París. [24] Cage permaneció en Europa durante unos 18 meses, probando suerte en varias formas de arte. Primero, estudió arquitectura gótica y griega , pero decidió que no estaba lo suficientemente interesado en la arquitectura como para dedicar su vida a ella. [22] Luego se dedicó a la pintura, la poesía y la música. Fue en Europa donde, alentado por su maestro Lazare Lévy , [25] escuchó por primera vez la música de compositores contemporáneos (como Igor Stravinsky y Paul Hindemith ) y finalmente conoció la música de Johann Sebastian Bach , que no había experimentado antes.
Después de varios meses en París, el entusiasmo de Cage por Estados Unidos revivió después de leer Hojas de hierba de Walt Whitman : quería regresar de inmediato, pero sus padres, con quienes intercambió cartas regularmente durante todo el viaje, lo persuadieron de quedarse en Europa un poco más y explorar el continente. [26] Cage comenzó a viajar, visitando varios lugares en Francia, Alemania y España, así como Capri y, lo más importante, Mallorca , donde comenzó a componer. [27] Sus primeras composiciones fueron creadas utilizando densas fórmulas matemáticas, pero Cage no estaba satisfecho con los resultados y dejó las piezas terminadas atrás cuando se fue. [28] La asociación de Cage con el teatro también comenzó en Europa: durante un paseo por Sevilla , fue testigo, en sus propias palabras, de "la multiplicidad de eventos visuales y audibles simultáneos que van juntos en la experiencia de uno y producen disfrute". [29]
Cage regresó a los Estados Unidos en 1931. [28] Fue a Santa Mónica, California , donde se ganó la vida en parte dando pequeñas conferencias privadas sobre arte contemporáneo. Llegó a conocer a varias figuras importantes del mundo artístico del sur de California, como Richard Buhlig (que se convirtió en su primer profesor de composición) [30] y la mecenas de las artes Galka Scheyer . [22] En 1933, Cage decidió concentrarse en la música en lugar de la pintura. "La gente que escuchó mi música tenía mejores cosas que decir sobre ella que las personas que vieron mis pinturas", explicó Cage más tarde. [22] En 1933 envió algunas de sus composiciones a Henry Cowell; la respuesta fue una "carta bastante vaga", [31] en la que Cowell sugería que Cage estudiara con Arnold Schoenberg —las ideas musicales de Cage en ese momento incluían la composición basada en una fila de 25 tonos , algo similar a la técnica de doce tonos de Schoenberg . [32] Cowell también aconsejó que, antes de acercarse a Schoenberg, Cage debería tomar algunas lecciones preliminares, y recomendó a Adolph Weiss , un ex alumno de Schoenberg. [33]
Siguiendo el consejo de Cowell, Cage viajó a la ciudad de Nueva York en 1933 y comenzó a estudiar con Weiss, además de recibir lecciones del propio Cowell en The New School . [30] Se mantuvo económicamente aceptando un trabajo lavando paredes en una YWCA (Asociación Cristiana Femenina Mundial) en Brooklyn . [34] La rutina de Cage durante ese período fue aparentemente muy agotadora, con solo cuatro horas de sueño la mayoría de las noches y cuatro horas de composición todos los días a partir de las 4 a.m. [34] [35] Varios meses después, todavía en 1933, Cage se volvió lo suficientemente bueno en composición como para acercarse a Schoenberg. [b] No podía pagar el precio de Schoenberg, y cuando lo mencionó, el compositor mayor le preguntó si Cage dedicaría su vida a la música. Después de que Cage respondiera que sí, Schoenberg se ofreció a darle clases particulares gratis. [36]
Cage estudió con Schoenberg en California: primero en la Universidad del Sur de California y luego en la Universidad de California en Los Ángeles , así como en forma privada. [30] El veterano compositor se convirtió en una de las mayores influencias para Cage, quien "literalmente lo adoraba", [37] particularmente como un ejemplo de cómo vivir la vida siendo compositor. [35] El voto que Cage hizo, de dedicar su vida a la música, aparentemente todavía era importante unos 40 años después, cuando Cage "no tenía necesidad de ello [es decir, de escribir música]", continuó componiendo en parte debido a la promesa que hizo. [38] Los métodos de Schoenberg y su influencia en Cage están bien documentados por el propio Cage en varias conferencias y escritos. Particularmente conocida es la conversación mencionada en la conferencia de 1958 Indeterminacy :
Después de dos años de estudio con él, Schoenberg me dijo: «Para escribir música, es necesario tener un sentido de la armonía». Le expliqué que yo no tenía ese sentido. Entonces me dijo que siempre me encontraría con un obstáculo, que sería como si me topara con un muro que no podría atravesar. Le dije: «En ese caso, dedicaré mi vida a darme cabezazos contra ese muro». [39]
Cage estudió con Schoenberg durante dos años, pero aunque admiraba a su maestro, decidió irse después de que Schoenberg dijera a los estudiantes allí reunidos que estaba tratando de hacer que les fuera imposible escribir música. Mucho más tarde, Cage relató el incidente: "... Cuando dijo eso, me rebelé, no contra él, sino contra lo que había dicho. Decidí entonces y allí, más que nunca, escribir música". [37] Aunque Schoenberg no estaba impresionado con las habilidades compositivas de Cage durante estos dos años, en una entrevista posterior, donde inicialmente dijo que ninguno de sus alumnos estadounidenses era interesante, afirmó además en referencia a Cage: "Hubo uno... por supuesto que no es un compositor, pero es un inventor, un genio". [37] Cage adoptaría más tarde el apodo de "inventor" y negaría que de hecho fuera un compositor. [40]
En algún momento entre 1934 y 1935, durante sus estudios con Schoenberg, Cage estaba trabajando en la tienda de artesanías de su madre, donde conoció a la artista Xenia Andreyevna Kashevaroff . Ella era hija de un sacerdote ruso, nacida en Alaska ; su trabajo abarcaba la encuadernación fina , la escultura y el collage . Aunque Cage estaba involucrado en relaciones con Don Sample y con la esposa del arquitecto Rudolph Schindler, Pauline [19], cuando conoció a Xenia, se enamoró de inmediato. Cage y Kashevaroff se casaron en el desierto de Yuma, Arizona , el 7 de junio de 1935. [41]
La pareja de recién casados vivió primero con los padres de Cage en Pacific Palisades , luego se mudó a Hollywood. [42] Durante 1936-38, Cage cambió numerosos trabajos, incluido uno que inició su asociación de por vida con la danza moderna: acompañante de danza en la Universidad de California, Los Ángeles. Produjo música para coreografías y en un momento impartió un curso sobre "Acompañamientos musicales para la expresión rítmica" en UCLA, con su tía Phoebe. [43] Fue durante ese tiempo que Cage comenzó a experimentar con instrumentos poco ortodoxos, como artículos para el hogar, láminas de metal, etc. Esto fue inspirado por Oskar Fischinger , quien le dijo a Cage que "todo en el mundo tiene un espíritu que puede liberarse a través de su sonido". Aunque Cage no compartía la idea de los espíritus, estas palabras lo inspiraron a comenzar a explorar los sonidos producidos al golpear varios objetos no musicales. [43] [44]
En 1938, por recomendación de Cowell, Cage se dirigió a San Francisco para buscar empleo y buscar a su compañero de estudios y compositor Lou Harrison . Según Cowell, los dos compositores compartían un interés por la percusión y la danza y probablemente se llevarían bien si se los presentaban. De hecho, los dos establecieron inmediatamente un fuerte vínculo al conocerse y comenzaron una relación de trabajo que continuó durante varios años. Harrison pronto ayudó a Cage a conseguir un puesto de profesor en el Mills College , enseñando el mismo programa que en la UCLA y colaborando con la coreógrafa Marian van Tuyl . Había varios grupos de danza famosos presentes, y el interés de Cage por la danza moderna creció aún más. [43] Después de varios meses se fue y se mudó a Seattle , Washington, donde encontró trabajo como compositor y acompañante de la coreógrafa Bonnie Bird en el Cornish College of the Arts . Los años de la escuela de Cornualles resultaron ser un período particularmente importante en la vida de Cage. Además de enseñar y trabajar como acompañante, Cage organizó un conjunto de percusión que realizó una gira por la Costa Oeste y le dio al compositor su primera fama. Su reputación mejoró aún más con la invención del piano preparado, un piano cuyo sonido se modifica con objetos colocados sobre, debajo o entre las cuerdas, en 1940. Este concepto fue pensado originalmente para una actuación en una sala demasiado pequeña para incluir un conjunto de percusión completo. También fue en la Escuela de Cornualles donde Cage conoció a varias personas que se convirtieron en amigos de por vida, como el pintor Mark Tobey y la bailarina Merce Cunningham . Esta última se convertiría en la pareja romántica y colaboradora artística de Cage durante toda su vida.
Cage abandonó Seattle en el verano de 1941 después de que el pintor László Moholy-Nagy lo invitara a enseñar en la Escuela de Diseño de Chicago (que luego se convertiría en el Instituto de Diseño IIT ). El compositor aceptó en parte porque esperaba encontrar oportunidades en Chicago, que no estaban disponibles en Seattle, para organizar un centro de música experimental. Estas oportunidades no se materializaron. Cage enseñó en la Escuela de Diseño de Chicago y trabajó como acompañante y compositor en la Universidad de Chicago . En un momento dado, su reputación como compositor de percusión le valió un encargo de la Columbia Broadcasting System para componer una banda sonora para una obra de radio de Kenneth Patchen . El resultado, The City Wears a Slouch Hat , fue bien recibido, y Cage dedujo que vendrían encargos más importantes. Con la esperanza de encontrarlos, dejó Chicago para ir a la ciudad de Nueva York en la primavera de 1942.
En Nueva York, los Cage se alojaron primero con el pintor Max Ernst y Peggy Guggenheim . A través de ellos, Cage conoció a importantes artistas como Piet Mondrian , André Breton , Jackson Pollock y Marcel Duchamp , entre muchos otros. Guggenheim les brindó un gran apoyo: los Cage podían quedarse con ella y Ernst durante el tiempo que quisieran, y ella se ofreció a organizar un concierto de la música de Cage en la inauguración de su galería, lo que incluía pagar el transporte de los instrumentos de percusión de Cage desde Chicago. Después de enterarse de que Cage había conseguido otro concierto en el Museo de Arte Moderno (MoMA) , Guggenheim retiró todo apoyo e, incluso después del exitoso concierto en el MoMA, Cage se quedó sin hogar, sin trabajo y sin dinero. Los encargos que esperaba no se concretaron. Él y Xenia pasaron el verano de 1942 con la bailarina Jean Erdman y su marido Joseph Campbell . Sin los instrumentos de percusión, Cage volvió a recurrir al piano preparado, produciendo un cuerpo sustancial de obras para interpretaciones de varios coreógrafos, incluido Merce Cunningham, quien se había mudado a la ciudad de Nueva York varios años antes. Cage y Cunningham finalmente se involucraron románticamente, y el matrimonio de Cage, que ya se estaba rompiendo a principios de la década de 1940, terminó en divorcio en 1945. Cunningham siguió siendo la pareja de Cage por el resto de su vida. Cage también contrarrestó la falta de instrumentos de percusión escribiendo, en una ocasión, para voz y piano cerrado: la pieza resultante, The Wonderful Widow of Eighteen Springs (1942), rápidamente se hizo popular y fue interpretada por el célebre dúo de Cathy Berberian y Luciano Berio . [45] En 1944, apareció en At Land de Maya Deren , una película experimental muda de 15 minutos.
Al igual que su vida personal, la vida artística de Cage atravesó una crisis a mediados de la década de 1940. El compositor estaba experimentando una creciente desilusión con la idea de la música como medio de comunicación: el público rara vez aceptaba su trabajo, y el propio Cage también tenía problemas para entender la música de sus colegas. A principios de 1946, Cage aceptó ser tutor de Gita Sarabhai , un músico indio que llegó a los EE. UU. para estudiar música occidental. A cambio, le pidió que le enseñara sobre la música y la filosofía indias. [46] Cage también asistió, a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, a las conferencias de D. T. Suzuki sobre el budismo zen , [47] y leyó más a fondo las obras de Coomaraswamy . [30] Los primeros frutos de estos estudios fueron obras inspiradas en conceptos indios: Sonatas e interludios para piano preparado, Cuarteto de cuerdas en cuatro partes y otros. Cage aceptó el objetivo de la música tal como le explicó Sarabhai: "sobriar y aquietar la mente, volviéndola así susceptible a las influencias divinas". [48]
A principios de 1946, su antiguo profesor Richard Buhlig organizó un encuentro entre Cage y la pianista nacida en Berlín Grete Sultan , que había escapado de la persecución nazi a Nueva York en 1941. [49] Se hicieron amigos íntimos de por vida, y Cage más tarde le dedicó parte de su Música para piano y su monumental ciclo para piano Etudes Australes . En 1949, recibió una beca Guggenheim . [50]
Después de una actuación en el Carnegie Hall de Nueva York en 1949, Cage recibió una beca de la Fundación Guggenheim , que le permitió hacer un viaje a Europa, donde conoció a compositores como Olivier Messiaen y Pierre Boulez . Más importante fue el encuentro casual de Cage con Morton Feldman en la ciudad de Nueva York a principios de 1950. Ambos compositores asistieron a un concierto de la Filarmónica de Nueva York , donde la orquesta interpretó la Sinfonía opus 21 de Anton Webern , seguida de una pieza de Sergei Rachmaninoff . Cage se sintió tan abrumado por la pieza de Webern que se fue antes que Rachmaninoff; y en el vestíbulo, conoció a Feldman, que se iba por la misma razón. [51] Los dos compositores rápidamente se hicieron amigos; algún tiempo después, Cage, Feldman, Earle Brown , David Tudor y el alumno de Cage, Christian Wolff , llegaron a ser conocidos como "la escuela de Nueva York". [52] [53]
A principios de 1951, Wolff le regaló a Cage una copia del I Ching [54] , un texto clásico chino que describe un sistema de símbolos utilizado para identificar el orden en los eventos aleatorios. Esta versión del I Ching fue la primera traducción completa al inglés y había sido publicada por el padre de Wolff, Kurt Wolff de Pantheon Books en 1950. El I Ching se usa comúnmente para la adivinación , pero para Cage se convirtió en una herramienta para componer utilizando el azar. [55] Para componer una pieza musical, Cage ideaba preguntas para hacerle al I Ching ; luego, el libro se usaba de la misma manera que se usa para la adivinación. Para Cage, esto significaba "imitar a la naturaleza en su forma de operar". [56] [57] Su interés de toda la vida en el sonido en sí mismo culminó en un enfoque que produjo obras en las que los sonidos estaban libres de la voluntad del compositor:
Cuando oigo lo que llamamos música, me parece que alguien está hablando. Y hablando de sus sentimientos, o de sus ideas sobre las relaciones. Pero cuando oigo el tráfico, el sonido del tráfico —aquí en la Sexta Avenida, por ejemplo— no tengo la sensación de que alguien esté hablando. Tengo la sensación de que el sonido está actuando. Y me encanta la actividad del sonido... No necesito que el sonido me hable. [58]
Aunque Cage había utilizado el azar en algunas ocasiones anteriores, sobre todo en el tercer movimiento del Concierto para piano preparado y orquesta de cámara (1950-51), [59] el I Ching le abrió nuevas posibilidades en este campo. Los primeros resultados de este nuevo enfoque fueron Imaginary Landscape No. 4 para 12 receptores de radio y Music of Changes para piano. Esta última obra fue escrita para David Tudor, [60] a quien Cage conoció a través de Feldman, otra amistad que duró hasta la muerte de Cage. [c] Tudor estrenó la mayoría de las obras de Cage hasta principios de la década de 1960, cuando dejó de tocar el piano y se concentró en componer música. El I Ching se convirtió en la herramienta estándar de Cage para la composición: lo utilizó en prácticamente todas las obras compuestas después de 1951, y finalmente se decidió por un algoritmo informático que calculaba los números de una manera similar a lanzar monedas para el I Ching .
A pesar de la fama que le reportaron Sonatas e Interludios y de las conexiones que cultivó con compositores y músicos estadounidenses y europeos, Cage era bastante pobre. Aunque todavía tenía un apartamento en el 326 de Monroe Street (que ocupaba desde alrededor de 1946), su situación financiera en 1951 empeoró tanto que mientras trabajaba en Music of Changes , preparó un conjunto de instrucciones para Tudor sobre cómo completar la pieza en caso de que él muriera. [61] Sin embargo, Cage logró sobrevivir y mantuvo una vida artística activa, dando conferencias y actuaciones, etc.
En 1952-1953 completó otro proyecto gigantesco: el Williams Mix , una pieza de música en cinta , que Earle Brown y Morton Feldman ayudaron a armar. [62] También en 1952, Cage compuso la pieza que se convirtió en su creación más conocida y más controvertida: 4′33″ . La partitura indica al intérprete que no toque el instrumento durante toda la duración de la pieza (cuatro minutos y treinta y tres segundos) y está destinada a ser percibida como compuesta por los sonidos del entorno que los oyentes escuchan mientras se interpreta. Cage concibió "una pieza silenciosa" años antes, pero se mostró reacio a escribirla; y, de hecho, el estreno (dado por Tudor el 29 de agosto de 1952 en Woodstock, Nueva York ) causó un alboroto en la audiencia. [63] La reacción a 4′33″ fue sólo una parte de un panorama más amplio: en general, fue la adopción de procedimientos aleatorios lo que tuvo consecuencias desastrosas para la reputación de Cage. La prensa, que solía reaccionar favorablemente a la percusión anterior y a la música preparada para piano, ignoró sus nuevas obras, y se perdieron muchas amistades y conexiones valiosas. Pierre Boulez, que solía promover la obra de Cage en Europa, se oponía al enfoque particular de Cage sobre el uso del azar, y también lo hacían otros compositores que cobraron prominencia durante la década de 1950, por ejemplo, Karlheinz Stockhausen . [64]
Durante esta época, Cage también impartía clases en el vanguardista Black Mountain College, en las afueras de Asheville, Carolina del Norte . Cage enseñó en la universidad durante los veranos de 1948 y 1952 y estuvo de residente durante el verano de 1953. Mientras estaba en el Black Mountain College en 1952, organizó lo que se ha llamado el primer " happening " (véase la discusión a continuación) en los Estados Unidos, más tarde titulado Theatre Piece No. 1 , un evento de performance multimedia de múltiples capas que se realizó el mismo día en que Cage lo concibió y que "influiría enormemente en las prácticas artísticas de los años 50 y 60". Además de Cage, entre los participantes se encontraban Cunningham y Tudor. [65]
A partir de 1953, Cage se dedicó a componer música para danza moderna, en particular las danzas de Cunningham (la pareja de Cage también adoptó el azar, fascinada por el movimiento del cuerpo humano), así como a desarrollar nuevos métodos de uso del azar, en una serie de obras a las que se refirió como The Ten Thousand Things . En el verano de 1954 se mudó de Nueva York y se instaló en Gate Hill Cooperative , una comunidad en Stony Point, Nueva York , donde entre sus vecinos se encontraban David Tudor, MC Richards , Karen Karnes , Stan VanDerBeek y Sari Dienes . La situación financiera del compositor mejoró gradualmente: a fines de 1954, él y Tudor pudieron embarcarse en una gira europea. De 1956 a 1961, Cage impartió clases de composición experimental en The New School, y de 1956 a 1958 también trabajó como director de arte y diseñador de tipografía. [66] Entre sus obras completadas durante los últimos años de la década se encuentran el Concierto para piano y orquesta (1957-58), una obra fundamental en la historia de la notación gráfica , [67] y Variaciones I (1958).
Cage estuvo afiliado a la Universidad Wesleyan y colaboró con miembros de su departamento de música desde la década de 1950 hasta su muerte en 1992. En la universidad, el filósofo, poeta y profesor de clásicos Norman O. Brown se hizo amigo de Cage, una asociación que resultó fructífera para ambos. [68] [69] En 1960, el compositor fue nombrado miembro de la facultad del Centro de Estudios Avanzados (ahora el Centro de Humanidades) en las Artes Liberales y las Ciencias de Wesleyan, [70] donde comenzó a impartir clases de música experimental. En octubre de 1961, Wesleyan University Press publicó Silence , una colección de conferencias y escritos de Cage sobre una amplia variedad de temas, incluida la famosa Lecture on Nothing que se compuso utilizando un esquema de duración complejo, muy parecido a algunas de las músicas de Cage. Silence fue el primer libro de seis de Cage, pero sigue siendo su más leído e influyente. [d] [30] A principios de los años 1960, Cage inició su asociación de por vida con CF Peters Corporation . Walter Hinrichsen, el presidente de la corporación, le ofreció a Cage un contrato exclusivo e instigó la publicación de un catálogo de las obras de Cage, que apareció en 1962. [66]
Edition Peters publicó pronto una gran cantidad de partituras de Cage, y esto, junto con la publicación de Silence , condujo a una prominencia mucho mayor para el compositor que nunca antes; una de las consecuencias positivas de esto fue que en 1965 Betty Freeman estableció una beca anual para los gastos de manutención de Cage, que se emitiría desde 1965 hasta su muerte. [71] A mediados de la década de 1960, Cage estaba recibiendo tantos encargos y solicitudes de apariciones que no podía cumplirlos. Esto fue acompañado por una apretada agenda de giras; en consecuencia, la producción compositiva de Cage de esa década fue escasa. [30] Después del Atlas Eclipticalis orquestal (1961-62), una obra basada en mapas estelares , que estaba completamente notada, Cage pasó gradualmente a, en sus propias palabras, "música (no composición)". La partitura de 0′00″ , terminada en 1962, originalmente comprendía una sola frase: «En una situación provista de máxima amplificación, realiza una acción disciplinada», y en la primera interpretación la acción disciplinada era Cage escribiendo esa frase. La partitura de Variations III (1962) abunda en instrucciones para los intérpretes, pero no hace referencias a la música, a los instrumentos musicales o a los sonidos.
Muchas de las Variaciones y otras piezas de los años 1960 eran de hecho " happenings ", una forma de arte establecida por Cage y sus estudiantes a finales de los años 1950. Las clases de "Composición experimental" de Cage en The New School se han vuelto legendarias como una fuente estadounidense de Fluxus , una red internacional de artistas, compositores y diseñadores. La mayoría de sus estudiantes tenían poca o ninguna formación en música. La mayoría eran artistas. Entre ellos se encontraban Jackson Mac Low , Allan Kaprow , Al Hansen , George Brecht , Ben Patterson y Dick Higgins , así como muchos otros a los que Cage invitó de forma extraoficial. Entre las piezas famosas que resultaron de las clases se incluyen Time Table Music de George Brecht y Alice Denham in 48 Seconds de Al Hansen . [72] Tal como lo estableció Cage, los happennings eran eventos teatrales que abandonaban el concepto tradicional de público en el escenario y ocurrían sin un sentido de duración definida. En cambio, se dejaban al azar. Tenían un guion mínimo, sin trama. De hecho, un "happening" se llama así porque ocurre en el presente, intentando detener el concepto del paso del tiempo. Cage creía que el teatro era la ruta más cercana a la integración del arte y la vida real. El término "happenings" fue acuñado por Allan Kaprow, uno de sus estudiantes, quien lo definió como un género a finales de los años cincuenta. Cage conoció a Kaprow mientras buscaba setas con George Segal y lo invitó a unirse a su clase. Al seguir estos desarrollos, Cage fue fuertemente influenciado por el tratado seminal de Antonin Artaud El teatro y su doble , y los happennings de este período pueden verse como un precursor del movimiento Fluxus que siguió. En octubre de 1960, el estudio de Mary Bauermeister en Colonia acogió un concierto conjunto de Cage y el artista de video Nam June Paik (amigo y discípulo de Cage), quien en el transcurso de su interpretación de Etude for Piano cortó la corbata de Cage y luego vertió una botella de champú sobre las cabezas de Cage y Tudor. [73]
En 1967, el libro de Cage A Year from Monday fue publicado por primera vez por Wesleyan University Press. Los padres de Cage murieron durante la década: su padre en 1964, [74] y su madre en 1969. Cage hizo que sus cenizas fueran esparcidas en las montañas Ramapo , cerca de Stony Point, y pidió que se hiciera lo mismo con él después de su muerte. [75]
La obra de Cage de los años sesenta incluye algunas de sus piezas más grandes y ambiciosas, por no decir socialmente utópicas, que reflejan el estado de ánimo de la época pero también su absorción de los escritos de Marshall McLuhan , sobre los efectos de los nuevos medios, y R. Buckminster Fuller , sobre el poder de la tecnología para promover el cambio social. HPSCHD (1969), una obra multimedia gigantesca y de larga duración realizada en colaboración con Lejaren Hiller , incorporó la superposición masiva de siete clavecines que tocaban extractos determinados por el azar de las obras de Cage, Hiller y una breve historia de los clásicos canónicos, con 52 cintas de sonidos generados por computadora, 6.400 diapositivas de diseños, muchos proporcionados por la NASA , y mostrados desde sesenta y cuatro proyectores de diapositivas, con 40 películas cinematográficas. La pieza fue interpretada inicialmente en una función de cinco horas en la Universidad de Illinois en 1969, a la que el público llegó después de que la pieza había comenzado y se fue antes de que terminara, deambulando libremente por el auditorio durante el tiempo que estuvieron allí. [76]
También en 1969, Cage produjo la primera obra completamente escrita en años: Cheap Imitation para piano. La pieza es una reelaboración controlada por el azar de Sócrates de Erik Satie y, como lo notaron tanto los oyentes como el propio Cage, simpatiza abiertamente con su fuente. Aunque el afecto de Cage por la música de Satie era bien conocido, era muy inusual que compusiera una obra personal, una en la que el compositor estuviera presente. Cuando se le preguntó sobre esta aparente contradicción, Cage respondió: "Obviamente, Cheap Imitation se encuentra fuera de lo que puede parecer necesario en mi trabajo en general, y eso es inquietante. Soy el primero en sentirme perturbado por ello". [77] La afición de Cage por la pieza dio lugar a una grabación (algo poco frecuente, ya que a Cage no le gustaba hacer grabaciones de su música) realizada en 1976. [78] En general, Cheap Imitation marcó un cambio importante en la música de Cage: volvió a escribir obras completamente notadas para instrumentos tradicionales y probó varios enfoques nuevos, como la improvisación , que anteriormente desalentaba, pero que pudo utilizar en obras de la década de 1970, como Child of Tree (1975). [79]
Cheap Imitation se convirtió en la última obra que Cage interpretó en público. La artritis había afectado a Cage desde 1960, y a principios de la década de 1970 sus manos estaban dolorosamente hinchadas y lo dejaban incapaz de actuar. [80] Sin embargo, todavía tocó Cheap Imitation durante la década de 1970, [81] antes de finalmente tener que dejar de actuar. Preparar manuscritos también se volvió difícil: antes, las versiones publicadas de las piezas se hacían en la escritura caligráfica de Cage; ahora, los manuscritos para publicación tenían que ser completados por asistentes. Las cosas se complicaron aún más con la salida de David Tudor de la interpretación, que sucedió a principios de la década de 1970. Tudor decidió concentrarse en la composición en su lugar, y así Cage, por primera vez en dos décadas, tuvo que empezar a depender de encargos de otros intérpretes y de sus respectivas habilidades. Entre estos intérpretes se encontraban Grete Sultan , Paul Zukofsky , Margaret Leng Tan y muchos otros. Aparte de la música, Cage continuó escribiendo libros de prosa y poesía ( mesósticos ). M fue publicado por primera vez por Wesleyan University Press en 1973. En enero de 1978, Cage fue invitado por Kathan Brown de Crown Point Press a dedicarse al grabado, y Cage continuaría produciendo series de grabados cada año hasta su muerte; estos, junto con algunas acuarelas tardías , constituyen la mayor parte de su arte visual existente. En 1979, Empty Words de Cage fue publicado por primera vez por Wesleyan University Press.
En 1987, Cage completó una pieza llamada Two , para flauta y piano, dedicada a los intérpretes Roberto Fabbriciani y Carlo Neri. El título se refería al número de intérpretes necesarios; la música consistía en fragmentos breves anotados que se debían tocar a cualquier tempo dentro de las restricciones de tiempo indicadas. Cage escribió unas cuarenta Number Pieces , como llegaron a conocerse, una de las últimas fue Eighty (1992, estrenada en Múnich el 28 de octubre de 2011), generalmente empleando una variante de la misma técnica. El proceso de composición, en muchas de las Number Pieces posteriores, fue una simple selección del rango de tonos y tonos de ese rango, utilizando procedimientos aleatorios; [30] la música se ha relacionado con las inclinaciones anárquicas de Cage. [82] One 11 (es decir, la undécima pieza para un solo intérprete), completada a principios de 1992, fue la primera y única incursión de Cage en el cine. Cage concibió su último trabajo musical con Michael Bach Bachtischa : "ONE13" para violonchelo con arco curvo y tres altavoces, que se publicó años después.
Otra nueva dirección, también tomada en 1987, fue la ópera: Cage produjo cinco óperas, todas con el mismo título Europera , entre 1987 y 1991. Europeras I y II requieren mayores esfuerzos que III , IV y V , que son de escala de cámara. Fueron encargadas por la Ópera de Frankfurt para celebrar su septuagésimo quinto cumpleaños y, según el crítico musical Mark Swed , requirieron "un esfuerzo enorme por parte del compositor, requiriendo dos asistentes a tiempo completo y dos computadoras zumbando día y noche". [83] Estas piezas causaron un gran revuelo en el mundo de la ópera en ese momento con sus métodos poco convencionales de puesta en escena y secuenciación. Se utilizaron muchas piezas estándar del repertorio operístico, pero no en un orden preestablecido; más bien, se seleccionaron al azar, lo que significa que no hay dos representaciones exactamente iguales. Muchos de los que iban a ser parte de estas representaciones se negaron a participar, citando la imposibilidad de las solicitudes que estaba haciendo Cage. Días antes del estreno de Europas 1 y 2, la Ópera de Frankfurt se incendió, lo que desencadenó una serie de reveses que llevaron a una temporada en salas que recibió reacciones encontradas, incluida una actuación tan mala que Cage escribió una carta a sus músicos criticando su interpretación de su composición. [83]
En el transcurso de la década de 1980, la salud de Cage empeoró progresivamente. No sólo sufría de artritis, sino también de ciática y arteriosclerosis . Tuvo un derrame cerebral que le dejó restringido el movimiento de su pierna izquierda y, en 1985, se rompió un brazo. Durante este tiempo, Cage siguió una dieta macrobiótica . [84] Sin embargo, desde que la artritis comenzó a acosarlo, el compositor era consciente de su edad y, como observó el biógrafo David Revill, "el fuego que comenzó a incorporar en su obra visual en 1985 no es sólo el fuego que ha dejado de lado durante tanto tiempo -el fuego de la pasión- sino también el fuego como transitoriedad y fragilidad". El 11 de agosto de 1992, mientras preparaba el té de la tarde para él y Cunningham, Cage sufrió otro derrame cerebral. Fue llevado al Hospital St. Vincent en Manhattan, donde murió en la mañana del 12 de agosto. [85] Tenía 79 años. [2]
Según sus deseos, el cuerpo de Cage fue incinerado y sus cenizas esparcidas en las montañas Ramapo , cerca de Stony Point , Nueva York, en el mismo lugar donde había esparcido las cenizas de sus padres. [75] La muerte del compositor ocurrió solo unas semanas antes de una celebración de su 80 cumpleaños organizada en Frankfurt por el compositor Walter Zimmermann y el musicólogo Stefan Schaedler. [2] El evento se llevó a cabo según lo planeado, incluida una interpretación del Concierto para piano y orquesta de David Tudor y Ensemble Modern . Merce Cunningham murió por causas naturales en julio de 2009. [86]
Las primeras piezas completadas de Cage se han perdido en la actualidad. Según el compositor, las primeras obras eran piezas muy cortas para piano, compuestas mediante procedimientos matemáticos complejos y carentes de "atractivo sensual y poder expresivo". [87] Cage comenzó entonces a producir piezas improvisando y escribiendo los resultados, hasta que Richard Buhlig le recalcó la importancia de la estructura. La mayoría de las obras de principios de la década de 1930, como Sonata para clarinete (1933) y Composición para 3 voces (1934), son muy cromáticas y delatan el interés de Cage por el contrapunto . Casi al mismo tiempo, el compositor también desarrolló un tipo de técnica de fila de tonos con filas de 25 notas. [88] Después de estudiar con Schoenberg, que nunca enseñó dodecafonía a sus estudiantes, Cage desarrolló otra técnica de fila de tonos, en la que la fila se dividía en motivos cortos, que luego se repetían y transponían de acuerdo con un conjunto de reglas. Este enfoque se utilizó por primera vez en Dos piezas para piano ( c. 1935 ) y luego, con modificaciones, en obras más grandes como Metamorfosis y Cinco canciones (ambas de 1938).
Poco después de que Cage comenzara a escribir música para percusión y danza moderna, empezó a utilizar una técnica que colocaba la estructura rítmica de la pieza en primer plano. En Imaginary Landscape No. 1 (1939) hay cuatro grandes secciones de 16, 17, 18 y 19 compases, y cada sección está dividida en cuatro subsecciones, las primeras tres de las cuales tenían 5 compases de duración. First Construction (in Metal) (1939) amplía el concepto: hay cinco secciones de 4, 3, 2, 3 y 4 unidades respectivamente. Cada unidad contiene 16 compases y está dividida de la misma manera: 4 compases, 3 compases, 2 compases, etc. Finalmente, el contenido musical de la pieza se basa en dieciséis motivos. [89] Estas "proporciones anidadas", como las llamaba Cage, se convirtieron en una característica habitual de su música a lo largo de la década de 1940. La técnica se elevó a una gran complejidad en piezas posteriores como Sonatas e Interludios para piano preparado (1946-48), en las que muchas proporciones utilizaban números no enteros (1¼, ¾, 1¼, ¾, 1½ y 1½ para la Sonata I , por ejemplo), [90] o A Flower , una canción para voz y piano cerrado, en la que se utilizan dos conjuntos de proporciones simultáneamente. [91]
A finales de la década de 1940, Cage comenzó a desarrollar otros métodos para romper con la armonía tradicional. Por ejemplo, en Cuarteto de cuerdas en cuatro partes (1950), Cage compuso por primera vez una serie de gamas : acordes con instrumentación fija. La pieza progresa de una gama a otra. En cada caso, la gama se seleccionaba solo en función de si contenía la nota necesaria para la melodía, por lo que el resto de las notas no formaban ninguna armonía direccional. [30] El Concierto para piano preparado (1950-51) utilizó un sistema de diagramas de duraciones, dinámicas, melodías, etc., de los cuales Cage elegía utilizando patrones geométricos simples. [30] El último movimiento del concierto fue un paso hacia el uso de procedimientos aleatorios, que Cage adoptó poco después. [92]
.svg/1280px-King_Wen_(I_Ching).svg.png)
También se utilizó un sistema de gráficos (junto con proporciones anidadas) para la gran obra para piano Music of Changes (1951), solo que aquí el material se seleccionaría de los gráficos utilizando el I Ching . Toda la música de Cage desde 1951 fue compuesta utilizando procedimientos aleatorios, más comúnmente utilizando el I Ching . Por ejemplo, las obras de Music for Piano se basaron en imperfecciones del papel: las imperfecciones mismas proporcionaban tonos, lanzamientos de monedas y números de hexagramas del I Ching se usaban para determinar los accidentes, las claves y las técnicas de interpretación. [93] Se creó toda una serie de obras aplicando operaciones aleatorias, es decir, el I Ching , a los gráficos estelares : Atlas Eclipticalis (1961-62), y una serie de estudios: Etudes Australes (1974-75), Freeman Etudes (1977-90) y Etudes Boreales (1978). [94] Los estudios de Cage son extremadamente difíciles de interpretar, una característica dictada por las opiniones sociales y políticas de Cage: la dificultad garantizaría que "una actuación mostrara que lo imposible no es imposible" [95] —siendo esta la respuesta de Cage a la noción de que resolver los problemas políticos y sociales del mundo es imposible. [96] Cage se describió a sí mismo como anarquista y fue influenciado por Henry David Thoreau . [e]
Otra serie de obras aplicó procedimientos aleatorios a música preexistente de otros compositores: Cheap Imitation (1969; basada en Erik Satie), Some of "The Harmony of Maine" (1978; basada en Belcher ) e Hymns and Variations (1979). En estas obras, Cage tomaría prestada la estructura rítmica de los originales y la rellenaría con tonos determinados mediante procedimientos aleatorios, o simplemente reemplazaría algunos de los tonos de los originales. [98] Otra serie de obras, las llamadas Number Pieces , todas completadas durante los últimos cinco años de la vida del compositor, hacen uso de corchetes de tiempo : la partitura consiste en fragmentos cortos con indicaciones de cuándo comenzar y terminar (por ejemplo, desde cualquier lugar entre 1′15" y 1′45", y desde 2′00" hasta 2′30"). [99]
El método de Cage para utilizar el I Ching no era ni mucho menos una mera aleatoriedad. Los procedimientos variaban de una composición a otra y, por lo general, eran complejos. Por ejemplo, en el caso de Cheap Imitation , las preguntas exactas que se le hacían al I Ching eran las siguientes:
En otro ejemplo de música tardía de Cage, Etudes Australes , el procedimiento de composición implicaba colocar una tira transparente en el mapa estelar, identificar los tonos del mapa, transferirlos al papel y luego preguntarle al I Ching cuáles de estos tonos debían permanecer simples y cuáles debían convertirse en partes de agregados (acordes), y los agregados se seleccionaban de una tabla de unos 550 agregados posibles, compilada de antemano. [94] [101]
Finalmente, algunas de las obras de Cage, particularmente aquellas completadas durante la década de 1960, presentan instrucciones para el intérprete, en lugar de música completamente notada. La partitura de Variations I (1958) presenta al intérprete seis cuadrados transparentes, uno con puntos de varios tamaños, cinco con cinco líneas que se cruzan. El intérprete combina los cuadrados y usa líneas y puntos como un sistema de coordenadas , en el que las líneas son ejes de varias características de los sonidos, como la frecuencia más baja, la estructura de sobretonos más simple, etc. [102] Algunas de las partituras gráficas de Cage (por ejemplo, Concert for Piano and Orchestra , Fontana Mix (ambas de 1958)) presentan al intérprete dificultades similares. Aún otras obras del mismo período consisten solo en instrucciones de texto. La partitura de 0′00″ (1962; también conocida como 4′33″ No. 2 ) consiste en una sola oración: "En una situación provista de máxima amplificación, realice una acción disciplinada". En la primera actuación, Cage escribió esa frase. [103]
Musicircus (1967) simplemente invita a los intérpretes a reunirse y tocar juntos. El primer Musicircus contó con múltiples intérpretes y grupos en un gran espacio que debían comenzar y terminar de tocar en dos períodos de tiempo particulares, con instrucciones sobre cuándo tocar individualmente o en grupos dentro de estos dos períodos. El resultado fue una superposición masiva de muchas músicas diferentes una sobre otra según lo determinado por la distribución aleatoria, produciendo un evento con una sensación específicamente teatral. Muchos Musicircus se han celebrado posteriormente, y continúan ocurriendo incluso después de la muerte de Cage. La English National Opera (ENO) se convirtió en la primera compañía de ópera en celebrar un Musicircus de Cage el 3 de marzo de 2012, en el London Coliseum . [104] [105] El Musicircus de ENO contó con artistas como el bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones y el compositor Michael Finnissy junto con el director musical de ENO , Edward Gardner , el ENO Community Choir, cantantes de ENO Opera Works y un colectivo de talentos profesionales y aficionados que actuaron en los bares y la recepción del Coliseum Opera House de Londres. [106]
Este concepto de circo seguiría siendo importante para Cage durante toda su vida y estuvo muy presente en piezas como Roaratorio, un circo irlandés en Finnegans Wake (1979), una interpretación sonora de múltiples niveles tanto de su texto Writing for the Second Time Through Finnegans Wake como de grabaciones musicales y de campo tradicionales realizadas en Irlanda. La pieza estaba basada en la famosa novela de James Joyce, Finnegans Wake , que era uno de los libros favoritos de Cage y del que extrajo textos para varias de sus obras.
Como Cage utilizaba procedimientos aleatorios para eliminar de la música los gustos y disgustos del compositor y del intérprete, a Cage no le gustaba el concepto de improvisación, que está inevitablemente ligado a las preferencias del intérprete. En una serie de obras que comenzó en la década de 1970, encontró formas de incorporar la improvisación. En Child of Tree (1975) y Branches (1976) se pide a los intérpretes que utilicen ciertas especies de plantas como instrumentos, por ejemplo el cactus . La estructura de las piezas está determinada por el azar de sus elecciones, al igual que el resultado musical; los intérpretes no tenían conocimiento de los instrumentos. En Inlets (1977) los intérpretes tocan grandes caracolas llenas de agua ; al inclinar con cuidado la concha varias veces, es posible lograr que se forme una burbuja en el interior, que produce sonido. Sin embargo, como es imposible predecir cuándo sucederá esto, los intérpretes tuvieron que seguir inclinando las conchas; como resultado, la interpretación estuvo dictada por el puro azar. [107]
Aunque Cage empezó a pintar en su juventud, lo abandonó para concentrarse en la música. Su primer proyecto visual maduro, Not Wanting to Say Anything About Marcel , data de 1969. La obra consta de dos litografías y un grupo de lo que Cage llamó plexiglás : serigrafías sobre paneles de plexiglás . Los paneles y las litografías consisten en fragmentos de palabras en diferentes tipos de letra, todos regidos por operaciones aleatorias. [108]
Desde 1978 hasta su muerte, Cage trabajó en Crown Point Press, donde produjo series de grabados cada año. El primer proyecto que completó allí fue el grabado Score Without Parts (1978), creado a partir de instrucciones completamente anotadas y basado en varias combinaciones de dibujos de Henry David Thoreau. A este le siguió, el mismo año, Seven Day Diary , que Cage dibujó con los ojos cerrados, pero que se ajustaba a una estructura estricta desarrollada mediante operaciones aleatorias. Finalmente, los dibujos de Thoreau dieron forma a las últimas obras producidas en 1978, Signals . [109]
Entre 1979 y 1982, Cage produjo una serie de grandes series de grabados: Changes and Disappearances (1979-80), On the Surface (1980-82) y Déreau (1982). Estas fueron las últimas obras en las que utilizó el grabado. [110] En 1983 comenzó a utilizar diversos materiales no convencionales, como guata de algodón, espuma, etc., y luego utilizó piedras y fuego ( Eninka , Variations , Ryoanji , etc.) para crear sus obras visuales. [111] En 1988-1990 produjo acuarelas en el Mountain Lake Workshop.
La única película que Cage produjo fue una de las Number Pieces, One 11 , encargada por el compositor y director de cine Henning Lohner , quien trabajó con Cage para producir y dirigir la película monocromática de 90 minutos. Se completó solo unas semanas antes de su muerte en 1992. One 11 consiste enteramente en imágenes de juegos de luz eléctrica determinados por el azar. Se estrenó en Colonia, Alemania, el 19 de septiembre de 1992, acompañada por la interpretación en vivo de la pieza para orquesta 103 .
A lo largo de su vida adulta, Cage también ejerció de conferenciante y escritor. Algunas de sus conferencias se incluyeron en varios libros que publicó, el primero de los cuales fue Silence: Lectures and Writings (1961). Silence no solo incluía conferencias sencillas, sino también textos ejecutados en diseños experimentales y obras como Lecture on Nothing (1949), que estaban compuestas en estructuras rítmicas. Los libros posteriores también presentaban diferentes tipos de contenido, desde conferencias sobre música hasta poesía: los mesósticos de Cage.
Cage también era un ávido micólogo aficionado . [112] En el otoño de 1969, dio una conferencia sobre el tema de los hongos comestibles en la Universidad de California, Davis, como parte de su curso "Música en diálogo". [113] Cofundó la Sociedad Micológica de Nueva York con cuatro amigos, [66] y su colección de micología se encuentra actualmente en el departamento de Colecciones Especiales de la Biblioteca McHenry de la Universidad de California, Santa Cruz .
Las obras de Cage que no utilizaban el azar, en particular las de finales de los años 1940 como Sonatas e Interludios , recibieron elogios de la crítica: las Sonatas se interpretaron en el Carnegie Hall en 1949. La adopción de operaciones aleatorias por parte de Cage en 1951 le costó varias amistades y le valió numerosas críticas de otros compositores. Los partidarios del serialismo , como Pierre Boulez y Karlheinz Stockhausen, rechazaron la música indeterminada; Boulez, que alguna vez mantuvo una relación amistosa con Cage, lo criticó por "adoptar una filosofía teñida de orientalismo que enmascara una debilidad básica en la técnica compositiva". [114] Los críticos prominentes del serialismo, como el compositor griego Iannis Xenakis, fueron igualmente hostiles hacia Cage: para Xenakis, la adopción del azar en la música era "un abuso del lenguaje y... una abrogación de la función de un compositor". [115]
Un artículo del profesor y crítico Michael Steinberg , Tradición y responsabilidad , criticaba la música de vanguardia en general:
El auge de una música que carece totalmente de compromiso social también aumenta la separación entre compositor y público, y representa otra forma de alejamiento de la tradición. El cinismo con el que parece haberse producido este alejamiento en particular está perfectamente simbolizado en el relato de John Cage sobre una conferencia pública que había dado: "Más tarde, durante el período de preguntas, di una de las seis respuestas previamente preparadas, independientemente de la pregunta formulada. Esto fue un reflejo de mi compromiso con el zen". Si bien la famosa pieza muda de Cage [es decir, 4′33″ ], o sus Paisajes para una docena de receptores de radio pueden tener poco interés como música, son de enorme importancia histórica como representación de la abdicación completa del poder del artista. [116]
La postura estética de Cage fue criticada, entre otros, por el destacado escritor y crítico Douglas Kahn . En su libro de 1999 Noise, Water, Meat: A History of Sound in the Arts , Kahn reconoció la influencia que Cage tuvo en la cultura, pero señaló que "uno de los efectos centrales de la batería de técnicas de silenciamiento de Cage fue el silenciamiento de lo social". [117]
Aunque gran parte de la obra de Cage sigue siendo controvertida, [118] [119] su influencia en innumerables compositores, artistas y escritores es notable. [120] Después de que Cage introdujera procedimientos aleatorios en sus obras, Boulez, Stockhausen y Xenakis siguieron siendo críticos, pero todos adoptaron procedimientos aleatorios en algunas de sus obras (aunque de una manera mucho más restringida); y la escritura para piano de Stockhausen en su posterior Klavierstücke estuvo influenciada por Music of Changes de Cage y David Tudor. [121] Otros compositores que adoptaron procedimientos aleatorios en sus obras fueron Witold Lutosławski , [122] Mauricio Kagel , [123] y muchos otros. La música en la que parte de la composición y/o interpretación se deja al azar se denominó música aleatoria , un término popularizado por Pierre Boulez. La obra de Helmut Lachenmann estuvo influenciada por el trabajo de Cage con técnicas extendidas . [124]
Los experimentos de estructura rítmica de Cage y su interés en el sonido influyeron en varios compositores, comenzando primero con sus asociados estadounidenses cercanos Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff (y otros compositores estadounidenses, como La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich y Philip Glass ), y luego extendiéndose a Europa. [125] [126] [127] Por ejemplo, muchos compositores de la escuela experimental inglesa reconocen su influencia: [128] Michael Parsons , Christopher Hobbs , John White , [129] Gavin Bryars , quien estudió brevemente con Cage, [130] y Howard Skempton . [131] El compositor japonés Tōru Takemitsu también ha citado la influencia de Cage. [132] En 1986, recibió un doctorado honorario del Instituto de las Artes de California . [133] Cage es un Premio Kioto de 1989; El premio fue establecido por Kazuo Inamori . [134] El Premio John Cage fue fundado y establecido en 1992 por la Fundación para las Artes Contemporáneas en honor al fallecido compositor, y entre los destinatarios se encuentran Meredith Monk , Robert Ashley y Toshi Ichiyanagi . [135]
Tras la muerte de Cage, Simon Jeffes , fundador de la Penguin Café Orchestra , compuso una pieza titulada "CAGE DEAD", utilizando una melodía basada en las notas contenidas en el título, en el orden en que aparecen: C, A, G, E, D, E, A y D. [136]
La influencia de Cage también fue reconocida por grupos de rock como Sonic Youth (que interpretaron algunas de las Number Pieces [137] ) y Stereolab (que nombró una canción en honor a Cage [138] ), el compositor y guitarrista de rock y jazz Frank Zappa , [139] y varios artistas y bandas de música noise : el musicólogo Paul Hegarty rastreó el origen de la música noise hasta 4′33″ . [140] El desarrollo de la música electrónica también estuvo influenciado por Cage: a mediados de la década de 1970, el sello Obscure Records de Brian Eno lanzó obras de Cage. [141] El piano preparado, que Cage popularizó, aparece en gran medida en el álbum Drukqs de Aphex Twin de 2001. [ 142] El trabajo de Cage como musicólogo ayudó a popularizar la música de Erik Satie, [143] [144] y su amistad con artistas expresionistas abstractos como Robert Rauschenberg ayudó a introducir sus ideas en el arte visual. Las ideas de Cage también encontraron su camino en el diseño de sonido : por ejemplo, el diseñador de sonido ganador del Premio de la Academia Gary Rydstrom citó el trabajo de Cage como una gran influencia. [145] Radiohead emprendió una colaboración de composición e interpretación con la troupe de baile de Cunningham en 2003 porque el líder del grupo musical, Thom Yorke, consideraba a Cage uno de sus "héroes artísticos de todos los tiempos". [146] En la canción de 2000 de The Tragically Hip Tiger the Lion de su álbum Music @ Work , el letrista Gord Downie se refiere a Cage y sus teorías. [147]
En 2012, entre una amplia gama de celebraciones del centenario estadounidenses e internacionales, [148] [149] se celebró un festival de ocho días en Washington DC, con lugares que se encontraron notablemente más entre los museos de arte y universidades de la ciudad que en espacios de actuación. A principios del año del centenario, el director Michael Tilson Thomas presentó los Song Books de Cage con la Sinfónica de San Francisco en el Carnegie Hall de Nueva York. [150] [151] Otra celebración tuvo lugar, por ejemplo, en Darmstadt, Alemania, que en julio de 2012 rebautizó su estación central como John Cage Railway Station durante el período de sus cursos anuales de nueva música . [19] En la Ruhrtriennale de Alemania, Heiner Goebbels puso en escena una producción de Europeras 1 y 2 en una fábrica reconvertida de 36.000 pies cuadrados y encargó una producción de Lecture on Nothing creada e interpretada por Robert Wilson . [152] Jacaranda Music tenía cuatro conciertos planeados en Santa Mónica, California , para la semana del centenario. [153] [154] John Cage Day fue el nombre que se le dio a varios eventos celebrados durante 2012 para conmemorar el centenario de su nacimiento.
En 2012, Juraj Kojs organizó un proyecto para celebrar el centenario del nacimiento de Cage, titulado On Silence: Homage to Cage. Consistía en 13 obras encargadas creadas por compositores de todo el mundo, como Kasia Glowicka , Adrian Knight y Henry Vega , cada una de 4 minutos y 33 segundos de duración en honor a la famosa obra de Cage de 1952, 4′33″ . El programa fue apoyado por la Foundation for Emerging Technologies and Arts, Laura Kuhn y el John Cage Trust. [155]
En un homenaje a la obra de danza de Cage, la compañía de danza Bill T. Jones/Arnie Zane en julio de 2012 "presentó una pieza fascinante llamada 'Story/Time'. Estaba inspirada en la obra de Cage de 1958 'Indeterminacy', en la que [Cage y luego Jones, respectivamente,] se sentaban solos en el escenario, leyendo en voz alta... una serie de historias de un minuto que [ellos] habían escrito. Los bailarines de la compañía de Jones actuaron mientras [Jones] leía". [146]
cuando Harvard University Press lo llamó, en un anuncio de un libro en 1990, "sin duda el compositor más influyente del último medio siglo", sorprendentemente, eso fue demasiado modesto.
John Cage es probablemente el más influyente... de todos los compositores estadounidenses hasta la fecha.
Información general y catálogos
Colecciones de enlaces
Temas específicos
Escuchando
Medios de comunicación
