Georgia Totto O'Keeffe (15 de noviembre de 1887 - 6 de marzo de 1986) fue una pintora y dibujante modernista estadounidense cuya carrera abarcó siete décadas y cuyo trabajo se mantuvo en gran medida independiente de los principales movimientos artísticos . Llamada la "Madre del modernismo estadounidense", O'Keeffe ganó reconocimiento internacional por sus meticulosas pinturas de formas naturales, particularmente flores y paisajes inspirados en el desierto, que a menudo se extraían y estaban relacionadas con los lugares y entornos en los que vivía. [1] [2]
Desde 1905, cuando O'Keeffe comenzó sus estudios en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , hasta aproximadamente 1920, estudió arte o ganó dinero como ilustradora comercial o maestra para pagar su educación superior. [3] [4] Influenciada por Arthur Wesley Dow , O'Keeffe comenzó a desarrollar su estilo único comenzando con sus acuarelas de sus estudios en la Universidad de Virginia y más dramáticamente en los dibujos al carboncillo que produjo en 1915 que la llevaron a la abstracción total. Alfred Stieglitz , un comerciante de arte y fotógrafo, realizó una exhibición de sus obras en 1917. [5] Durante los siguientes años, enseñó y continuó sus estudios en el Teachers College, Universidad de Columbia .
Se mudó a Nueva York en 1918 a petición de Stieglitz y comenzó a trabajar seriamente como artista. [6] Desarrollaron una relación profesional y personal que condujo a su matrimonio el 11 de diciembre de 1924. [7] O'Keeffe creó muchas formas de arte abstracto, incluidos primeros planos de flores, como las pinturas de Red Canna , que muchos consideraron que representaban vulvas, [8] aunque O'Keeffe negó constantemente esa intención. [9] La imputación de la representación de la sexualidad de las mujeres también fue alimentada por fotografías explícitas y sensuales de O'Keeffe que Stieglitz había tomado y exhibido.
O'Keeffe y Stieglitz vivieron juntos en Nueva York hasta 1929, cuando O'Keeffe comenzó a pasar parte del año en el suroeste, lo que le sirvió de inspiración para sus pinturas de paisajes de Nuevo México e imágenes de cráneos de animales, como Cow's Skull: Red, White, and Blue (1931) y Summer Days (1936) . Después de la muerte de Stieglitz en 1946, vivió en Nuevo México durante los siguientes 40 años en su casa y estudio o casa de verano Ghost Ranch en Abiquiú , y en los últimos años de su vida, en Santa Fe . En 2014, la pintura de O'Keeffe de 1932 Jimson Weed/White Flower No. 1 se vendió por $44,405,000, en ese momento, con mucho el precio más alto pagado por cualquier pintura de una artista femenina. [10] Sus obras se encuentran en las colecciones de varios museos y, tras su muerte, se fundó el Museo Georgia O'Keeffe en Santa Fe.
Georgia O'Keeffe nació el 15 de noviembre de 1887, [15] [16] en una granja en la ciudad de Sun Prairie, Wisconsin . [17] [18] Sus padres, Francis Calyxtus O'Keeffe e Ida (Totto) O'Keeffe, eran productores lecheros. Su padre era de ascendencia irlandesa. El padre de su madre, George Victor Totto, por quien O'Keeffe recibió su nombre, era un conde húngaro que llegó a los Estados Unidos en 1848. [15] [19]
O'Keeffe fue la segunda de siete hijos. [15] Asistió a la Town Hall School en Sun Prairie. [20] A los 10 años, había decidido convertirse en artista. [21] Con sus hermanas, Ida y Anita, [22] recibió instrucción artística de la acuarelista local Sara Mann. O'Keeffe asistió a la escuela secundaria en Sacred Heart Academy en Madison, Wisconsin, como interna entre 1901 y 1902. A fines de 1902, los O'Keeffe se mudaron de Wisconsin al vecindario unido de Peacock Hill en Williamsburg, Virginia , donde el padre de O'Keeffe comenzó un negocio de fabricación de bloques de hormigón fundido rústico en previsión de una demanda de bloques en el sector de la construcción de la península de Virginia , pero la demanda nunca se materializó. [23] O'Keeffe permaneció en Wisconsin asistiendo a la Madison Central High School [24] hasta unirse a su familia en Virginia en 1903. Completó la escuela secundaria como interna en el Chatham Episcopal Institute en Virginia (ahora Chatham Hall ), graduándose en 1905. En Chatham, fue miembro de la hermandad Kappa Delta . [15] [20]
O'Keeffe enseñó y dirigió el departamento de arte en West Texas State Normal College , cuidando a su hermana menor, Claudia, a pedido de su madre. [25] En 1917, visitó a su hermano, Alexis, en un campamento militar en Texas antes de que se embarcara hacia Europa durante la Primera Guerra Mundial . Mientras estaba allí, creó la pintura The Flag , [26] que expresaba su ansiedad y depresión por la guerra. [19]
De 1905 a 1906, O'Keeffe se matriculó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , donde estudió con John Vanderpoel y se clasificó entre las mejores de su clase. [15] [21] Como resultado de contraer fiebre tifoidea , tuvo que tomarse un año de descanso de su educación. [15] En 1907, asistió a la Art Students League en la ciudad de Nueva York, donde estudió con William Merritt Chase , Kenyon Cox y F. Luis Mora . [15] En 1908, ganó el premio de naturaleza muerta William Merritt Chase de la Liga por su pintura al óleo Dead Rabbit with Copper Pot . Su premio fue una beca para asistir a la escuela de verano al aire libre de la Liga en Lake George , Nueva York. [15] Mientras estaba en la ciudad de Nueva York, O'Keeffe visitó galerías, como 291 , copropiedad de su futuro esposo, el fotógrafo Alfred Stieglitz. La galería promovió el trabajo de artistas y fotógrafos de vanguardia de Estados Unidos y Europa. [15]
En 1908, O'Keeffe descubrió que no podría financiar sus estudios. Su padre se había arruinado y su madre estaba gravemente enferma de tuberculosis . [15] No estaba interesada en una carrera como pintora basada en la tradición mimética que había formado la base de su formación artística. [21] Consiguió un trabajo en Chicago como artista comercial y trabajó allí hasta 1910, cuando regresó a Virginia para recuperarse del sarampión [27] y más tarde se mudó con su familia a Charlottesville, Virginia . [15] No pintó durante cuatro años y dijo que el olor a trementina la enfermaba. [21] Comenzó a enseñar arte en 1911. Uno de sus puestos fue en su antigua escuela, el Instituto Episcopal de Chatham, en Virginia. [15] [28]
En 1912, recibió una clase de arte de verano en la Universidad de Virginia con Alon Bement , que era miembro de la facultad del Teachers College de la Universidad de Columbia . Bajo la dirección de Bement, conoció las ideas innovadoras de Arthur Wesley Dow , colega de Bement. El enfoque de Dow estuvo influenciado por los principios de diseño y composición del arte japonés. Comenzó a experimentar con composiciones abstractas y a desarrollar un estilo personal que se alejaba del realismo. [15] [21] De 1912 a 1914, enseñó arte en las escuelas públicas de Amarillo en el Panhandle de Texas , y fue asistente de enseñanza de Bement durante los veranos. [15] Tomó clases en la Universidad de Virginia durante dos veranos más. [29] También tomó una clase en la primavera de 1914 en el Teachers College de la Universidad de Columbia con Dow, quien influyó aún más en su pensamiento sobre el proceso de hacer arte. [30] Sus estudios en la Universidad de Virginia, basados en los principios de Dow, fueron fundamentales en el desarrollo de O'Keeffe como artista. A través de su exploración y crecimiento como artista, ayudó a establecer el movimiento modernista estadounidense .
Enseñó en el Columbia College de Columbia, Carolina del Sur , a finales de 1915, donde completó una serie de abstracciones en carboncillo sumamente innovadoras [21] basadas en sus sensaciones personales. [28] A principios de 1916, O'Keeffe estaba en Nueva York en el Teachers College de la Universidad de Columbia. Envió por correo los dibujos en carboncillo a una amiga y ex compañera de clase en el Teachers College, Anita Pollitzer, quien se los llevó a Alfred Stieglitz en su galería 291 a principios de 1916. [31] Stieglitz los encontró "las cosas más puras, finas y sinceras que habían entrado en 291 en mucho tiempo" y dijo que le gustaría mostrarlos. En abril de ese año, Stieglitz exhibió diez de sus dibujos en 291. [15] [21]
Después de continuar sus estudios en Columbia a principios de 1916 y de dar clases de verano para Bement, [15] se convirtió en la directora del departamento de arte en el West Texas State Normal College , en Canyon, Texas , a partir del otoño de 1916. [32] O'Keeffe, que disfrutaba de los amaneceres y los atardeceres, desarrolló una afición por los colores intensos y nocturnos. Basándose en una práctica que comenzó en Carolina del Sur, O'Keeffe pintó para expresar sus sensaciones y sentimientos más privados. En lugar de esbozar un diseño antes de pintar, creó diseños libremente. O'Keeffe continuó experimentando hasta que creyó que realmente capturó sus sentimientos en la acuarela Light Coming on the Plains No. I (1917). [28]
Comenzó una serie de pinturas de acuarela basadas en el paisaje y las vistas expansivas durante sus caminatas, [28] [33] incluyendo pinturas vibrantes del Cañón Palo Duro . [34] Ella "capturó un paisaje monumental en esta configuración simple, fusionando pigmentos azules y verdes en gradaciones tonales casi indistintas que simulan el efecto pulsante de la luz en el horizonte del Panhandle de Texas", según la autora Sharyn Rohlfsen Udall. [28] [33]
En 1918, O'Keeffe se mudó a Nueva York, ya que Stieglitz le ofreció apoyo financiero, [35] una residencia y un lugar para pintar. Desarrollaron una estrecha relación personal y más tarde se casaron, mientras él promocionaba su trabajo. [15] Stieglitz también desaconsejó su uso de la acuarela, que se asociaba con artistas mujeres aficionadas. [35] Según el historiador de arte Charles Eldredge, "la pareja disfrutó de una posición destacada en el efervescente arte de Nueva York durante la década de 1920". [36]
O'Keeffe llegó a conocer a muchos de los primeros modernistas estadounidenses que formaban parte del círculo de artistas de Stieglitz, incluidos los pintores Charles Demuth , Arthur Dove , Marsden Hartley , John Marin y los fotógrafos Paul Strand y Edward Steichen . La fotografía de Strand, así como la de Stieglitz, inspiraron el trabajo de O'Keeffe. Stieglitz, cuya galería 291 cerró en 1917, ahora podía dedicar más tiempo a su propia práctica fotográfica, produciendo una serie de fotografías de formas naturales, estudios de nubes (una serie conocida como Equivalents ) y retratos de O'Keeffe. [36] Antes de su matrimonio con Stieglitz, los dibujos y pinturas de O'Keeffe eran con frecuencia abstractos, aunque comenzó a expandir su vocabulario visual a partir de 1924 para incluir imágenes más representativas "generalmente tomadas de la naturaleza y a menudo pintadas en serie". [37]
O'Keeffe comenzó a crear imágenes simplificadas de cosas naturales, como hojas, flores y rocas. [38] Inspirada por el precisionismo , The Green Apple , completada en 1922, representa su noción de una vida simple y significativa. [39] O'Keeffe dijo ese año, "es solo por selección, por eliminación y por énfasis que llegamos al significado real de las cosas". [39] Blue and Green Music expresa los sentimientos de O'Keeffe sobre la música a través del arte visual, utilizando colores atrevidos y sutiles. [40]
También en 1922, el periodista Paul Rosenfeld comentó "[la] esencia de la feminidad impregna sus cuadros", citando su uso del color y las formas como metáforas del cuerpo femenino. [41] Este mismo artículo también describe sus pinturas de manera sexual. [41] O'Keeffe, más famosa por su representación de flores, hizo alrededor de 200 pinturas de flores , [42] que a mediados de la década de 1920 eran representaciones de flores a gran escala, como si se vieran a través de una lente de aumento, como Amapolas orientales [43] [44] y varias pinturas de Red Canna . [45] Pintó su primera pintura de flores a gran escala, Petunia, No. 2 , en 1924 y se exhibió por primera vez en 1925. [15] Hacer representaciones ampliadas de objetos creó una sensación de asombro e intensidad emocional. [38] En 1924, Stieglitz organizó una muestra que mostraba las obras de arte de O'Keeffe junto con sus fotografías en las Galerías Anderson y ayudó a organizar otras exposiciones durante los siguientes años. [46]
_by_Georgia_O'Keefe.png/1280px-Red_Canna_(1923)_by_Georgia_O'Keefe.png)
,_Georgia_O'Keefe.jpg/1280px-Radiator_Building_%E2%80%93_Night,_New_York_(1927),_Georgia_O'Keefe.jpg)
Después de haberse mudado a un apartamento en el piso 30 del Hotel Shelton en 1925, [47] O'Keeffe comenzó una serie de pinturas de los rascacielos y el horizonte de Nueva York. [48] Una de sus obras más notables, que demuestra su habilidad para representar los edificios en el estilo precisionista, es Radiator Building–Night, New York . [49] [50] Otros ejemplos son New York Street with Moon (1925), [51] The Shelton with Sunspots, NY (1926), [52] y City Night (1926). [15] Hizo un paisaje urbano, East River desde el piso treinta del Hotel Shelton en 1928, una pintura de su vista del East River y las fábricas que emiten humo en Queens. [48] Al año siguiente hizo sus últimas pinturas del horizonte y los rascacielos de la ciudad de Nueva York y viajó a Nuevo México, que se convirtió en una fuente de inspiración para su trabajo. [49]
El Museo de Brooklyn realizó una retrospectiva de su obra en 1927. [31] En 1928, Stieglitz anunció que seis de sus pinturas de lirios de cala se vendieron a un comprador anónimo en Francia por 25.000 dólares estadounidenses, pero no hay evidencia de que esta transacción se haya producido de la forma en que Stieglitz informó. [53] [54] Como resultado de la atención de la prensa, las pinturas de O'Keeffe se vendieron a un precio más alto a partir de ese momento. [55] [54]
En 1929, viajó a Santa Fe por primera vez, [56] acompañada por su amiga Rebecca (Beck) Strand y se quedó en Taos con Mabel Dodge Luhan , quien proporcionó a las mujeres estudios. [57] Desde su habitación tenía una vista clara de las montañas de Taos , así como de la morada (casa de reuniones) de los Hermanos de la Fraternidad Piadosa de Nuestro Padre Jesús Nazareno , también conocidos como los Penitentes . [58] Posteriormente visitó Nuevo México casi todos los años a partir de 1929, a menudo permaneciendo allí durante varios meses a la vez, y regresando a Nueva York cada invierno para exhibir su trabajo en la galería de Stieglitz . [59] O'Keeffe realizó muchos viajes en manada , explorando las escarpadas montañas y desiertos de la región ese verano y luego visitó el cercano DH Lawrence Ranch , [57] donde completó su ahora famosa pintura al óleo, The Lawrence Tree , actualmente propiedad del Wadsworth Athenaeum en Hartford , Connecticut . [60] O'Keeffe visitó y pintó la cercana e histórica Iglesia de la Misión de San Francisco de Asís en Ranchos de Taos . Hizo varias pinturas de la iglesia, como lo habían hecho muchos artistas, y su pintura de un fragmento de ella recortado contra el cielo la capturó desde una perspectiva única. [61] [62]
En Nuevo México, recolectó rocas y huesos del suelo del desierto y los convirtió en temas de su obra, junto con las distintivas formas arquitectónicas y paisajísticas de la zona. [38] Conocida como una solitaria, O'Keeffe a menudo exploraba la tierra que amaba en su Ford Modelo A , que compró y aprendió a conducir en 1929. A menudo hablaba de su afición por Ghost Ranch y el norte de Nuevo México, como en 1943, cuando explicó: "Un lugar tan hermoso, intacto y solitario, una parte tan fina de lo que llamo el 'Lejano'. Es un lugar que he pintado antes... incluso ahora debo hacerlo de nuevo". [62] O'Keeffe no trabajó desde fines de 1932 hasta mediados de la década de 1930 [62] debido a crisis nerviosas. [35] Fue una artista popular, que recibió encargos mientras sus obras se exhibían en Nueva York y otros lugares. [63]
En 1933 y 1934, O'Keeffe se recuperó en Bermudas y regresó a Nuevo México en 1934. [62] En agosto de 1934, se mudó a Ghost Ranch, al norte de Abiquiú. En 1940, se mudó a una casa en la propiedad del rancho. Los acantilados multicolores que rodean el rancho inspiraron algunos de sus paisajes más famosos. [62] Entre 1934 y 1936, completó una serie de pinturas de paisajes inspiradas en el desierto de Nuevo México, a menudo con representaciones prominentes de cráneos de animales, incluyendo Cabeza de carnero con malvarrosa (1935) y Cabeza de ciervo con pedernal (1936), así como Días de verano (1936). [64] En 1936, completó lo que se convertiría en una de sus pinturas más conocidas, Días de verano . Representa una escena del desierto con un cráneo de ciervo con vibrantes flores silvestres. Parecida a la Cabeza de Carnero con Malva Real , representaba el cráneo flotando sobre el horizonte. [63] [65]
En 1938, la agencia de publicidad NW Ayer & Son se acercó a O'Keeffe para crear dos pinturas para la Hawaiian Pineapple Company (ahora Dole Food Company ) para usarlas en publicidad. [66] [67] [68] Otros artistas que produjeron pinturas de Hawái para la publicidad de la Hawaiian Pineapple Company incluyen a Lloyd Sexton, Jr. , Millard Sheets , Yasuo Kuniyoshi , Isamu Noguchi y Miguel Covarrubias . [69] La oferta llegó en un momento crítico en la vida de O'Keeffe: tenía 51 años y su carrera parecía estar estancada (los críticos decían que su enfoque en Nuevo México era limitado y calificaban sus imágenes del desierto como "una especie de producción en masa"). [70]
Llegó a Honolulu el 8 de febrero de 1939 a bordo del SS Lurline y pasó nueve semanas en Oahu , Maui , Kauai y la isla de Hawái . Sin duda, el período más productivo y vívido fue en Maui, donde se le dio total libertad para explorar y pintar. [70] [71] Pintó flores, paisajes y anzuelos hawaianos tradicionales. O'Keeffe completó una serie de 20 pinturas sensuales y verdes basadas en su viaje a Hawái; sin embargo, no pintó la piña solicitada hasta que la Hawaiian Pineapple Company envió una planta a su estudio de Nueva York. [72]
En 1945, O'Keeffe compró una segunda casa, una hacienda abandonada en Abiquiú, que transformó en vivienda y estudio. [73] Se mudó permanentemente a Nuevo México en 1949, y pasó tiempo tanto en Ghost Ranch como en la casa de Abiquiú que transformó en su estudio. [38] [46]
Todd Webb , un fotógrafo que conoció en la década de 1940, se mudó a Nuevo México en 1961. A menudo tomaba fotografías de ella, al igual que muchos otros fotógrafos estadounidenses importantes, que presentaban constantemente a O'Keeffe como una "solitaria, una figura severa y una persona hecha a sí misma". [74] Si bien se sabía que O'Keeffe tenía una "personalidad espinosa", las fotografías de Webb la retratan con una especie de "tranquilidad y calma" que sugiere una amistad relajada y revela nuevos contornos del carácter de O'Keeffe. [75]
En la década de 1940, O'Keeffe hizo una extensa serie de pinturas de lo que se llama el "Lugar Negro", a unas 150 millas (240 km) al oeste de su casa en Ghost Ranch. [76] O'Keeffe dijo que el Lugar Negro se parecía a "una milla de elefantes con colinas grises y arena blanca a sus pies". [62] Hizo pinturas del "Lugar Blanco", una formación rocosa blanca ubicada cerca de su casa en Abiquiú. [77] En 1946, comenzó a hacer de las formas arquitectónicas de su casa en Abiquiú (la pared del patio y la puerta) temas de su trabajo. [78] Fue en este período que O'Keefe también trabajó seriamente con la fotografía, proporcionando contrapartes llamativas a sus pinturas de patios y puertas. [79] Otra pintura distintiva fue Escalera a la Luna , 1958. [80] A mediados de la década de 1960, O'Keeffe produjo Cielo sobre las nubes , una serie de paisajes de nubes inspirados en sus vistas desde las ventanas de los aviones. [38] [b] El Museo de Arte de Worcester realizó una retrospectiva de su obra en 1960 [31] y diez años más tarde, el Museo Whitney de Arte Estadounidense organizó la Exposición Retrospectiva de Georgia O'Keeffe . [46]
A partir de 1946, O'Keefe trabajó con la conservadora de pinturas Caroline Keck para preservar la impresión visual de sus pinturas. La preferencia declarada de O'Keefe era que sus obras estuvieran libres de suciedad, incluso si la eliminación de dicha suciedad causaba abrasión en sus colores. Keck animó a O'Keefe a comenzar a aplicar barnices acrílicos a sus obras para facilitar su limpieza. [82]
Durante la década de 1940, O'Keeffe realizó dos retrospectivas individuales, la primera en el Art Institute of Chicago (1943). [38] La segunda fue en 1946, cuando fue la primera artista mujer en tener una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno (MoMA) en Manhattan. [42] El Museo Whitney comenzó un esfuerzo para crear el primer catálogo de su trabajo a mediados de la década de 1940. [63]
En 1972, O'Keeffe había perdido gran parte de su vista debido a la degeneración macular , [83] dejándola solo con visión periférica . Dejó de pintar al óleo sin ayuda en 1972. [84] En 1973, O'Keeffe contrató a John Bruce "Juan" Hamilton como asistente interno y luego como cuidador. Hamilton era alfarero. [85] Hamilton le enseñó a O'Keeffe a trabajar con arcilla, la animó a volver a pintar a pesar de su vista deteriorada y la ayudó a escribir su autobiografía. Trabajó para ella durante 13 años. [38] La autobiografía de la artista, Georgia O'Keeffe , publicada en 1976 por Viking Press , presentó Summer Days (1936) en la portada. Se convirtió en un éxito de ventas. [46] Durante la década de 1970, realizó una serie de obras en acuarela. [86] Continuó trabajando con lápiz y carboncillo hasta 1984. [83]
O'Keeffe se volvió cada vez más frágil a finales de sus noventa años. Se mudó a Santa Fe en 1984, donde murió el 6 de marzo de 1986, a la edad de 98 años. [87] Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas fueron esparcidas, como ella deseaba, en la tierra alrededor de Ghost Ranch. [88] Después de la muerte de O'Keeffe, su familia impugnó su testamento porque los codicilos agregados en la década de 1980 habían dejado la mayor parte de su patrimonio de $ 65 millones a Hamilton. El caso finalmente se resolvió fuera de la corte en julio de 1987. [88] [89] El caso se convirtió en un precedente famoso en la planificación patrimonial . [90] [91]
En 1938, O'Keeffe recibió un título honorario de "Doctor en Bellas Artes" del College of William & Mary . [92] Más tarde, O'Keeffe fue elegida miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras [31] y en 1966 fue elegida miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias . [93] Entre sus premios y honores, O'Keeffe recibió el Premio M. Carey Thomas en el Bryn Mawr College en 1971 y dos años más tarde recibió un título honorario de la Universidad de Harvard . [31]
En 1977, el presidente Gerald Ford le entregó a O'Keeffe la Medalla Presidencial de la Libertad , el mayor honor otorgado a los civiles estadounidenses. [94] En 1985, el presidente Ronald Reagan le otorgó la Medalla Nacional de las Artes . [46] En 1993, fue incluida en el Salón Nacional de la Fama de las Mujeres . [95]
Las pinturas de lotos de O'Keeffe pueden tener vínculos más profundos con la imaginería y el simbolismo de la vulva. En la mitología egipcia, las flores de loto son un símbolo del útero, y en la mitología india, son símbolos directos de las vulvas. [96] La historiadora de arte feminista Linda Nochlin , autora del influyente ensayo de 1971 titulado " ¿Por qué no ha habido grandes artistas mujeres? ", también interpretó Black Iris III (1926) como una metáfora morfológica de una vulva. [97] [98]
El marchante de arte Samuel Kootz fue uno de los críticos de O'Keeffe que, aunque la consideraba "la única artista mujer destacada" (en palabras de Marilyn Hall Mitchell), consideraba que la expresión sexual en su obra (y en la de otros artistas) era artísticamente problemática. [99] Kootz afirmó que "la afirmación del sexo sólo puede obstaculizar el talento de un artista, pues es un acto de desafío, de agravio, en el que la conciencia de estas cualidades retarda las afirmaciones naturales del pintor". [99]
O'Keeffe se mantuvo firme contra las interpretaciones sexuales de su obra y durante cincuenta años sostuvo que no había conexión entre las vulvas y su obra de arte. [99] Contraatacando algunas de las críticas, O'Keeffe afirmó: "Cuando la gente lee símbolos eróticos en mis pinturas, en realidad están hablando de sus propios asuntos". [100] Atribuyó los ataques de otros artistas a su obra a la proyección psicológica . O'Keeffe también fue vista como una feminista revolucionaria ; sin embargo, la artista rechazó estas nociones, afirmando que "la feminidad es irrelevante" y que "no tiene nada que ver con la creación o el logro artístico". [101]
En junio de 1918, O'Keeffe aceptó la invitación de Stieglitz para mudarse a Nueva York desde Texas después de que él le prometiera que le proporcionaría un estudio tranquilo donde pudiera pintar. En menos de un mes, tomó la primera de muchas fotografías de ella desnuda en el apartamento de su familia mientras su esposa estaba fuera. Su esposa regresó a casa una vez mientras la sesión aún estaba en curso. Ella había sospechado durante un tiempo que algo estaba pasando entre los dos y le dijo que dejara de ver a O'Keeffe o se fuera. Stieglitz se fue de casa inmediatamente y encontró un lugar en la ciudad donde él y O'Keeffe pudieran vivir juntos. Durmieron separados durante más de dos semanas. A finales de mes ya estaban en la misma cama y a mediados de agosto, cuando visitaron Oaklawn, la finca de verano de la familia Stieglitz en Lake George , en el norte del estado de Nueva York, "eran como dos adolescentes enamorados. Varias veces al día subían corriendo las escaleras hacia su dormitorio, tan ansiosos por hacer el amor que comenzaban a quitarse la ropa mientras corrían". [102] También en esta época, O'Keeffe se enfermó durante la pandemia de gripe de 1918. [ 19]
En febrero de 1921, las fotografías que Stieglitz hizo de O'Keeffe se incluyeron en una exposición retrospectiva en las Galerías Anderson. Stieglitz comenzó a fotografiar a O'Keeffe cuando ella lo visitó en la ciudad de Nueva York para ver su exposición de 1917, y continuó tomando fotografías, muchas de las cuales eran de desnudos. Esto creó una sensación pública. Cuando se retiró de la fotografía en 1937, había hecho más de 350 retratos y más de 200 fotos de ella desnuda. [38] [103] En 1978, escribió sobre lo distante que se había vuelto de ellos: "Cuando miro las fotografías que Stieglitz me tomó, algunas de ellas hace más de sesenta años, me pregunto quién es esa persona. Es como si en mi vida hubiera vivido muchas vidas". [104]
Debido a los retrasos legales causados por la primera esposa de Stieglitz y su familia, pasarían seis años antes de que él obtuviera el divorcio. O'Keeffe y Stieglitz se casaron el 11 de diciembre de 1924. [7] [46] Durante el resto de sus vidas juntos, su relación fue "una colusión... un sistema de acuerdos y compensaciones, acordados tácitamente y llevados a cabo, en su mayor parte, sin el intercambio de una palabra. Prefiriendo la evasión a la confrontación en la mayoría de los temas, O'Keeffe fue el principal agente de colusión en su unión", según la biógrafa Benita Eisler . [105] Vivían principalmente en la ciudad de Nueva York, pero pasaban los veranos en la finca familiar de su padre, Oaklawn, en Lake George en el norte del estado de Nueva York. [46]
O'Keeffe y Stieglitz tenían una relación abierta, que podía ser dolorosa para O'Keeffe cuando Stieglitz tenía aventuras con mujeres. [108] [c] En 1928, Stieglitz comenzó un romance a largo plazo con Dorothy Norman , que también estaba casada, y O'Keeffe perdió un proyecto para crear un mural para el Radio City Music Hall . Fue hospitalizada por depresión . [38] Por sugerencia de Maria Chabot y Mabel Dodge Luhan , O'Keeffe comenzó a pasar los veranos pintando en Nuevo México en 1929. [46] Viajó en tren con su amiga la pintora Rebecca Strand, esposa de Paul Strand , a Taos, donde vivieron con su mecenas que les proporcionó estudios . [57] En 1933, O'Keeffe fue hospitalizada durante dos meses después de sufrir una crisis nerviosa , en gran parte debido al romance de Stieglitz con Dorothy Norman. [110] No volvió a pintar hasta enero de 1934. [62]
O'Keeffe continuó visitando Nuevo México, sin su marido, y creó un nuevo conjunto de obras basadas en el desierto. [111] [d] O'Keeffe se liberó de los "roles de género estrictos" y adoptó una vestimenta "neutral en cuanto al género", [117] al igual que otras mujeres profesionales en Santa Fe y Taos que experimentaron allí "el espacio psicológico y la libertad sexual". [113] [108] [115] [118] [e]
Poco después de que O'Keeffe llegara a Nuevo México para pasar el verano en 1946, Stieglitz sufrió una trombosis cerebral (accidente cerebrovascular). Inmediatamente, ella voló a Nueva York para estar con él. Él murió el 13 de julio de 1946. Ella enterró sus cenizas en el lago George. [122] Pasó los siguientes tres años principalmente en Nueva York arreglando su herencia. [38]
Mantenía una relación estrecha con Beck Strand. Disfrutaban de pasar tiempo juntos, viajar [123] y vivir con "alegría". [124] Strand dijo que era más ella misma cuando estaba con O'Keeffe. En Foursome —un libro sobre O'Keeffe, Stieglitz y Beck y Paul Strand— Carolyn Burke argumenta en contra de la noción de que las mujeres estuvieran involucradas sexual o románticamente, encontrando tal lectura de su correspondencia incongruente con sus "lazos apasionados con sus maridos" y "fuertes atracciones heterosexuales". [123]
Frida Kahlo conoció a O'Keeffe en diciembre de 1931 en la ciudad de Nueva York en la inauguración de la exposición individual de Diego Rivera en el MOMA, después de lo cual se desarrolló una amistad. [125] [f] Siguieron siendo amigas y se mantuvieron en contacto cuando O'Keeffe se recuperó de una crisis nerviosa en un hospital y luego en Bermudas. [125] [126] Ambas mujeres visitaron sus casas en un par de ocasiones en la década de 1950. [125]
Entre los invitados que la visitaron en el rancho a lo largo de los años se encontraban Charles y Anne Lindbergh , la cantautora Joni Mitchell , el poeta Allen Ginsberg y el fotógrafo Ansel Adams . [127] Viajó y acampó en "Black Place" a menudo con su amiga, Maria Chabot, y más tarde con Eliot Porter . [62] [76]
La escuela secundaria Marquette en Madison, Wisconsin, pasó a llamarse escuela secundaria Georgia O'Keeffe. [128]
En 2020, los alumnos de la Academia Tymberwood (en Gravesend, Kent, Inglaterra) eligieron nuevos nombres para sus clases. Uno de los nombres ganadores para una clase de tercer año fue Georgia O'Keeffe. [129]
O'Keeffe se convirtió en una leyenda a partir de la década de 1920, conocida tanto por su espíritu independiente y su papel de modelo femenino como por sus obras de arte dramáticas e innovadoras. [88] Nancy y Jules Heller dijeron: "Lo más destacable de O'Keeffe fue la audacia y la singularidad de sus primeros trabajos". En esa época, incluso en Europa, había pocos artistas que exploraran la abstracción. Aunque sus obras pueden mostrar elementos de diferentes movimientos modernistas, como el surrealismo y el precisionismo, su trabajo tiene un estilo único y propio. [130]
Una parte sustancial de los bienes de su patrimonio fueron transferidos a la Fundación Georgia O'Keeffe, una organización sin fines de lucro. El Museo Georgia O'Keeffe abrió en Santa Fe en 1997. [88] Los activos incluían una gran parte de su trabajo, fotografías, materiales de archivo y su casa, biblioteca y propiedades en Abiquiú. La casa y estudio de Georgia O'Keeffe en Abiquiú fue designado Monumento Histórico Nacional en 1998 y ahora es propiedad del Museo Georgia O'Keeffe. [73] Una especie fosilizada de arcosaurio fue nombrada Effigia okeeffeae ("El fantasma de O'Keeffe") en enero de 2006, "en honor a Georgia O'Keeffe por sus numerosas pinturas de las tierras baldías en Ghost Ranch y su interés en la cantera Coelophysis cuando fue descubierta". [131] En noviembre de 2016, el Museo Georgia O'Keeffe reconoció la importancia de su estancia en Charlottesville al dedicarle una exposición, en la que se utilizaron acuarelas que había creado durante tres veranos. La exposición se tituló O'Keeffe en la Universidad de Virginia, 1912-1914 . [29]
En 1991, PBS emitió la producción de American Playhouse A Marriage: Georgia O'Keeffe and Alfred Stieglitz , protagonizada por Jane Alexander como O'Keeffe y Christopher Plummer como Alfred Stieglitz. [132] En 1996, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello de 32 centavos en honor a O'Keeffe. [133] En 2013, en el centenario del Armory Show , el USPS emitió un sello con Black Mesa Landscape, New Mexico/Out Back of Marie's II, 1930 de O'Keeffe como parte de su serie Modern Art in America. [134] Lifetime Television produjo una película biográfica de Georgia O'Keeffe protagonizada por Joan Allen como O'Keeffe, Jeremy Irons como Alfred Stieglitz, Henry Simmons como Jean Toomer , Ed Begley Jr. como el hermano de Stieglitz, Lee, y Tyne Daly como Mabel Dodge Luhan. Se estrenó el 19 de septiembre de 2009. [135] [136]
El 20 de noviembre de 2014, Jimson Weed/White Flower No 1 (1932) de O'Keeffe se vendió por $44,405,000 en una subasta de 2014 a la heredera de Walmart, Alice Walton , más de tres veces el récord mundial de subasta anterior para cualquier artista femenina. [137] [138]
En Equal Under the Sky: Georgia O'Keeffe and Twentieth Century Feminism , Linda M. Grasso documenta la participación de O'Keeffe durante toda su vida en el feminismo y los problemas de las mujeres. O'Keeffe alcanzó la mayoría de edad como mujer y artista en la década de 1910, en el apogeo del movimiento por el sufragio femenino y la intensa efervescencia artística del modernismo . Grasso señala que "los modernistas defendieron la ruptura, la innovación y la osadía en las formas, estilos y perspectivas del arte", y que O'Keeffe "se creó a sí misma como artista cuando el feminismo y el modernismo estaban interconectados". [139] Ya en 1915, O'Keeffe leía con entusiasmo libros y artículos sobre el sufragio femenino y la política cultural, como Women as World Builders: Studies in Modern Feminism de Floyd Dell . [140] En esta época se hablaba mucho de la « Nueva Mujer », liberada de las restricciones y las costumbres victorianas y que perseguía su propia vida, educación y expresión personal libremente. O'Keeffe mantenía un diálogo activo con su amiga sufragista Anita Pollitzer, con quien intercambiaba cartas sobre el tema. De hecho, Pollitzer fue la primera persona que presentó a Alfred Stieglitz la obra de arte de O'Keeffe. [141] También leía a Charlotte Perkins Gilman y Olive Schreiner , entre otros, junto con la revista radical The Masses , y daba conferencias sobre la bailarina modernista Isadora Duncan . En un debate con Michael Gold en 1930, O'Keeffe dijo que estaba «interesada en la opresión de las mujeres de todas las clases». [142] Gross escribe: «Mantuvo una afiliación con el Partido Nacional de la Mujer e hizo declaraciones públicas sobre la discriminación de género y los derechos de las mujeres en entrevistas, discursos, cartas y artículos hasta la década de 1970». [143]
Recibió una aceptación sin precedentes como artista mujer en el mundo de las bellas artes debido a sus poderosas imágenes gráficas y, una década después de mudarse a la ciudad de Nueva York, era la artista estadounidense mejor pagada. [144] Era conocida por un estilo distintivo en todos los aspectos de su vida. [145]
Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) de Mary Beth Edelson se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de notables artistas mujeres unidas sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles. La cabeza de Juan el Apóstol fue reemplazada por Nancy Graves , y la de Cristo por Georgia O'Keeffe. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa e histórica del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [146] [147] Judy Chicago le dio a O'Keeffe un lugar destacado en su The Dinner Party (1979) en reconocimiento a lo que muchas artistas feministas prominentes consideraron una introducción innovadora de imágenes sensuales y feministas en sus obras de arte. [148] Aunque las feministas celebraron a O'Keeffe como la creadora de la " iconografía femenina ", [149] ella no se consideraba feminista. [150] No le gustaba que la llamaran "mujer artista" y quería ser considerada una "artista". [151]
{{cite book}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )... su lugar, a través de los ojos y la lente de su amigo cercano y de toda la vida, el fotógrafo Todd Webb (1905-2000), quien produjo una gloriosa colección de fotos de ella y su entorno en sus casas de Ghost Ranch y Abiquiú entre 1955 y 1981.
La personalidad espinosa de O'Keeffe es legendaria, pero con Webb muestra el tipo de tranquilidad y calma que quería encarnar.
De 1972 a 1976-77, O'Keeffe continuó trabajando con óleo, pastel y acuarela, pero solo con ayuda. Sin embargo, podía trabajar sin ayuda con carboncillo y lápiz, y lo hizo hasta 1984.
O'Keeffe pintó su último cuadro al óleo sin ayuda en 1972.
Georgia O'Keeffe (1887–1986)... Medalla Presidencial de la Libertad recibida el 10 de enero de 1977
{{cite book}}: Mantenimiento de CS1: falta la ubicación del editor ( enlace ){{cite journal}}: CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )
Medios de comunicación de Commons
Citas de Wikiquote
Textos de Wikisource