Eugene Curran Kelly (23 de agosto de 1912 - 2 de febrero de 1996) fue un bailarín, actor, cantante, director y coreógrafo estadounidense. Era conocido por su estilo de baile enérgico y atlético y buscó crear una nueva forma de danza estadounidense accesible al público en general, a la que llamó "danza para el hombre común". [2] [3] Protagonizó, coreografió y, junto con Stanley Donen , codirigió algunas de las películas musicales más reconocidas de las décadas de 1940 y 1950.
Kelly es más conocido por sus actuaciones en Un americano en París (1951), que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película , Cantando bajo la lluvia (1952), que él y Donen dirigieron y coreografiaron, y otras películas musicales de esa época como Cover Girl (1944) y Anchors Aweigh (1945), por la que fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Actor . On the Town (1949), que codirigió con Donen, fue su debut como director. Más tarde, en la década de 1950, cuando los musicales menguaban en popularidad, protagonizó Brigadoon (1954) y Siempre hace buen tiempo (1955), la última película que dirigió con Donen. Su debut como director en solitario fue Invitation to the Dance (1956), uno de los últimos musicales de MGM, que fue un fracaso comercial.
Kelly hizo su debut cinematográfico en For Me and My Gal (1942) con Judy Garland , con quien también apareció en The Pirate (1948) y Summer Stock (1950). También apareció en los dramas Black Hand (1950) e Inherit the Wind (1960), [4] por los que recibió elogios de la crítica.
Continuó como director en la década de 1960, con sus créditos incluyendo A Guide for the Married Man (1967) y Hello, Dolly! (1969), [5] [6] [7] que recibió una nominación al Oscar a Mejor Película . [8] [9] Fue co-presentador y apareció en Ziegfeld Follies (1946), That's Entertainment! (1974), That's Entertainment, Part II (1976), That's Dancing! (1985), y That's Entertainment, Part III (1994).
Sus numerosas innovaciones transformaron el musical de Hollywood, y se le atribuye el mérito de haber hecho que la forma del ballet fuera comercialmente aceptable para el público cinematográfico, casi sin ayuda de nadie. [10] Según la historiadora de danza y arte Beth Genné, al trabajar con su codirector Donen en Singin' in the Rain y en películas con el director Vincent Minnelli , "Kelly ... afectó fundamentalmente la forma en que se hacen las películas y la forma en que las vemos. Y lo hizo con el ojo de un bailarín y desde la perspectiva de un bailarín". [2] Kelly recibió un Premio Honorario de la Academia en 1952 por sus logros profesionales; el mismo año, Un americano en París ganó seis Premios de la Academia, incluida la Mejor Película. Más tarde recibió premios a la trayectoria en el Kennedy Center Honors (1982) y del Screen Actors Guild y el American Film Institute . En 1999, el American Film Institute también lo clasificó como la 15.ª mayor leyenda masculina de la pantalla del cine clásico de Hollywood .
Kelly nació en el barrio East Liberty de Pittsburgh . Fue el segundo de los 5 hijos de James Patrick Joseph Kelly, un vendedor de fonógrafos , y su esposa, Harriet Catherine Curran. [11] Su padre nació en Peterborough , Ontario, Canadá, en una familia canadiense irlandesa. Su abuelo materno era un inmigrante de Derry , Irlanda, y su abuela materna era de ascendencia alemana. [12] Cuando tenía ocho años, la madre de Kelly lo inscribió a él y a su hermano James en clases de baile, junto con sus hermanas. Como recordó Kelly, ambos se rebelaron: "No nos gustaba mucho y continuamente estábamos involucrados en peleas a puñetazos con los chicos del vecindario que nos llamaban mariquitas ... No volví a bailar hasta que tuve 15 años". [13] En un momento, su sueño de la infancia fue jugar como campocorto para los Pittsburgh Pirates de su ciudad natal . [14]
Cuando decidió dedicarse a la danza, ya era un deportista consumado y capaz de defenderse. Asistió a la escuela primaria St. Raphael [15] en el barrio Morningside de Pittsburgh y se graduó de la escuela secundaria Peabody a los 16 años. Ingresó en el Pennsylvania State College como estudiante de periodismo, pero después de la crisis de 1929 dejó la escuela y encontró trabajo para ayudar económicamente a su familia. Creó rutinas de baile con su hermano menor Fred para ganar premios en concursos de talentos locales. También actuaron en clubes nocturnos locales. [13]
En 1931, Kelly se matriculó en la Universidad de Pittsburgh para estudiar economía, uniéndose a la fraternidad Theta Kappa Phi (más tarde conocida como Phi Kappa Theta tras fusionarse con Phi Kappa). [16] Se involucró en el Cap and Gown Club de la universidad , que organizaba producciones musicales originales. [17] Después de graduarse en 1933, continuó activo con el Cap and Gown Club, sirviendo como director de 1934 a 1938. Kelly fue admitido en la Facultad de Derecho de la Universidad de Pittsburgh . [18]
Su familia abrió un estudio de danza en el barrio de Squirrel Hill en Pittsburgh. En 1932, lo rebautizaron como Gene Kelly Studio of the Dance y abrieron un segundo local en Johnstown, Pensilvania, en 1933. Kelly trabajó como profesor en el estudio durante sus años de estudiante de licenciatura y de derecho en Pitt. En 1931, la sinagoga Beth Shalom de Pittsburgh le propuso enseñar danza y organizar la Kermesse anual . La iniciativa resultó un éxito, y Kelly fue contratado durante siete años hasta su partida a Nueva York. [19]
Kelly finalmente decidió dedicarse profesionalmente a la enseñanza de la danza y al entretenimiento a tiempo completo, por lo que abandonó la facultad de derecho después de dos meses. Se concentró más en la interpretación y más tarde dijo: "Con el tiempo me desencanté de la enseñanza porque la proporción de niñas a niños era de más de diez a uno, y una vez que las niñas llegaban a los 16 años, la tasa de abandono era muy alta". [13] En 1937, después de haber gestionado y desarrollado con éxito el negocio de la escuela de danza de la familia, se mudó a la ciudad de Nueva York en busca de trabajo como coreógrafo. [13] Kelly regresó a Pittsburgh, a su casa familiar en 7514 Kensington Street, en 1940, y trabajó como actor de teatro. [20]
Después de una búsqueda infructuosa de trabajo en Nueva York, Kelly regresó a Pittsburgh a su primer puesto como coreógrafo con la revista musical de Charles Gaynor Hold Your Hats en el Pittsburgh Playhouse en abril de 1938. Kelly apareció en seis de los sketches, uno de los cuales, La cumparsita , se convirtió en la base de un número español extendido en la película Anchors Aweigh ocho años después.
Su primer trabajo en Broadway , en noviembre de 1938, fue como bailarín en Leave It to Me! de Cole Porter , como el secretario del embajador estadounidense que apoya a Mary Martin mientras canta " My Heart Belongs to Daddy ". Había sido contratado por Robert Alton , quien había montado un espectáculo en el Pittsburgh Playhouse donde quedó impresionado por las habilidades de enseñanza de Kelly. Cuando Alton pasó a coreografiar el musical One for the Money , contrató a Kelly para actuar, cantar y bailar en ocho rutinas. En 1939, fue seleccionado para una revista musical, One for the Money , producida por la actriz Katharine Cornell , quien era conocida por encontrar y contratar actores jóvenes con talento.
El primer gran éxito de Kelly fue en The Time of Your Life , obra ganadora del premio Pulitzer y estrenada el 25 de octubre de 1939, en la que, por primera vez en Broadway, bailó con su propia coreografía. Ese mismo año, recibió su primer encargo como coreógrafo de Broadway, para Diamond Horseshoe, de Billy Rose . Comenzó a salir con una integrante del reparto, Betsy Blair , y se casaron el 16 de octubre de 1941.
En 1940, obtuvo el papel principal en Pal Joey de Rodgers y Hart , nuevamente coreografiada por Robert Alton. Este papel lo impulsó al estrellato. Durante su presentación, dijo a los periodistas: "No creo en la conformidad con ninguna escuela de baile. Creo lo que el drama y la música exigen. Si bien estoy cien por ciento a favor de la técnica del ballet, solo uso lo que puedo adaptar a mi propio uso. Nunca dejo que la técnica se interponga en el estado de ánimo o la continuidad". [13] Sus colegas en esta época notaron su gran compromiso con el ensayo y el trabajo duro. Van Johnson —que también apareció en Pal Joey— recordó: "Lo vi ensayar y me pareció que no había margen de mejora posible. Sin embargo, no estaba satisfecho. Era medianoche y habíamos estado ensayando desde las 8 de la mañana. Estaba bajando soñolientamente el largo tramo de escaleras cuando oí pasos entrecortados que venían del escenario... Pude ver solo una lámpara encendida. Debajo de ella, una figura estaba bailando... Gene". [13]
Las ofertas de Hollywood comenzaron a llegar, pero Kelly no tenía prisa por abandonar Nueva York. Finalmente, firmó con David O. Selznick , acordando ir a Hollywood al final de su compromiso con Pal Joey , en octubre de 1941. Antes de su contrato, también logró encajar en la coreografía de la producción teatral de Best Foot Forward . [21]
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Selznick vendió la mitad del contrato de Kelly a la Metro-Goldwyn-Mayer para su primera película: For Me and My Gal (1942), protagonizada por Judy Garland . Kelly dijo que estaba "horrorizado al verme explotado 20 veces. Tenía la horrible sensación de que era un tremendo fracaso". For Me and My Gal tuvo un muy buen desempeño y, frente a mucha resistencia interna, Arthur Freed de MGM se hizo con la otra mitad del contrato de Kelly. [13] Después de aparecer en una película dramática de serie B , Pilot No. 5 (1943) y en Christmas Holiday (1944), asumió el papel principal masculino en Du Barry Was a Lady (1943) de Cole Porter con Lucille Ball (en un papel originalmente pensado para Ann Sothern ). Su primera oportunidad de bailar con su propia coreografía llegó en su siguiente película, Thousands Cheer (1943), en la que realizó una danza de amor simulada con un trapeador. Inusualmente, en el Piloto No. 5 , Kelly interpretó al antagonista .
Logró un gran éxito como bailarín en el cine cuando la MGM lo cedió a Columbia para trabajar con Rita Hayworth en Cover Girl (1944), una película que presagiaba lo mejor de su trabajo futuro. [22] Creó una rutina memorable bailando al son de su propio reflejo. A pesar de esto, el crítico Manny Farber se sintió impulsado a elogiar la "actitud", la "claridad" y el "sentimiento" de Kelly como actor, al tiempo que concluía desfavorablemente: "Las dos cosas que hace peor, cantar y bailar, son las que se le dan para hacer con más regularidad". [23]
En la siguiente película de Kelly, Anchors Aweigh (1945), MGM le dio vía libre para idear una variedad de rutinas de baile, incluidos sus duetos con su coprotagonista Frank Sinatra y el célebre baile animado con Jerry Mouse , cuya animación fue supervisada por William Hanna y Joseph Barbera . Esa actuación fue suficiente para que Farber revirtiera por completo su evaluación anterior de las habilidades de Kelly. Al reseñar la película, Farber se entusiasmó: "Kelly es el bailarín más emocionante que aparece en las películas de Hollywood". [24] Anchors Aweigh se convirtió en una de las películas más exitosas de 1945 y Kelly fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Actor . En Ziegfeld Follies (1946), que se produjo en 1944 pero se retrasó su estreno, Kelly colaboró con Fred Astaire , por quien tenía la mayor admiración, en la rutina de baile de desafío "The Babbitt and the Bromide".
Kelly fue diferido del reclutamiento en 1940 [25] por el Sistema de Servicio Selectivo de los EE. UU. a petición de sus empleadores, pero fue clasificado 1-A, elegible para la inducción, en octubre de 1944 después de una apelación al presidente Franklin Delano Roosevelt por el jefe del Servicio Selectivo en la ciudad de Nueva York. [26] Roosevelt personalmente confirmó la apelación. [25] Fue incorporado a las fuerzas armadas un mes después, y a petición suya fue asignado a la Marina de los EE. UU. [27] [28] Sirvió en el Servicio Aéreo Naval de los EE. UU. y fue comisionado como teniente, grado junior . Estuvo destinado en la Sección Fotográfica, Washington, DC, donde ayudó a escribir y dirigir una variedad de documentales; esto estimuló su interés en el lado de la producción cinematográfica. [16] [29] Fue dado de baja en 1946. [30]
Después de que Kelly regresara del servicio naval, MGM no tenía nada planeado y lo utilizó en una película rutinaria en blanco y negro: Living in a Big Way (1947). La película fue considerada tan floja que el estudio le pidió a Kelly que diseñara e insertara una serie de rutinas de baile; notaron su habilidad para llevar a cabo tales tareas. Esto lo llevó a un papel principal en su siguiente película, con Judy Garland y el director Vincente Minnelli , una versión cinematográfica musical de la obra de teatro de SN Behrman , The Pirate (1948), con canciones de Cole Porter. The Pirate dio rienda suelta al atletismo de Kelly. Presenta el trabajo de Kelly con los Nicholas Brothers , los principales bailarines negros de su época, en una rutina de baile virtuosa. Ahora considerada un clásico, la película se adelantó a su tiempo, pero fracasó en la taquilla.
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MGM quería que Kelly volviera a los medios comerciales y más seguros, pero él luchó incansablemente por una oportunidad de dirigir su propia película musical. Mientras tanto, aprovechó su imagen de capa y espada como D'Artagnan en Los tres mosqueteros (también de 1948) y también apareció con Vera-Ellen en el ballet Matanza en la Décima Avenida en Palabras y música (de nuevo en 1948). Tenía previsto interpretar el papel principal masculino junto a Garland en Desfile de Pascua (1948), pero se rompió el tobillo jugando al voleibol. Se retiró de la película y convenció a Fred Astaire para que saliera de su retiro para reemplazarlo. [31] A continuación, apareció Take Me Out to the Ball Game (1949), su segunda película con Sinatra, donde Kelly rindió homenaje a su herencia irlandesa en la rutina "El sombrero que mi padre usó el día de San Patricio". Esta película musical convenció a Arthur Freed para que Kelly hiciera On the Town (también de 1949), en la que colaboró con Frank Sinatra por tercera y última vez. Fue un gran avance en el género cinematográfico musical y se la ha descrito como "el musical más inventivo y efervescente producido hasta el momento en Hollywood". [13]
Stanley Donen , traído a Hollywood por Kelly para ser su coreógrafo asistente, recibió el crédito de codirector por On the Town . Según Kelly: "cuando estás involucrado en hacer coreografía para una película, debes tener asistentes expertos. Necesitaba uno para ver mi actuación y otro para trabajar con el camarógrafo en el tiempo... sin gente como Stanley, Carol Haney y Jeanne Coyne nunca podría haber hecho estas cosas. Cuando llegamos a hacer On the Town , supe que era hora de que Stanley obtuviera crédito en pantalla porque ya no éramos jefes-asistentes sino cocreadores". [13] [32] Juntos, abrieron la forma musical, sacando el musical cinematográfico del estudio y llevándolo a locaciones reales, con Donen asumiendo la responsabilidad de la puesta en escena y Kelly manejando la coreografía. Kelly fue mucho más allá que antes al introducir el ballet moderno en sus secuencias de danza, llegando tan lejos en la rutina de "Un día en Nueva York" como para sustituir a cuatro especialistas líderes en ballet por Sinatra, Munshin, Garrett y Miller. [16]
Kelly le pidió al estudio un papel que le representara directamente, y aceptó el papel principal en el melodrama sobre la mafia Black Hand (1950). Esta exposición del crimen organizado se desarrolla en la " Pequeña Italia " de Nueva York a finales del siglo XIX y se centra en la Mano Negra , un grupo que extorsiona dinero bajo amenaza de muerte. En los incidentes de la vida real en los que se basa esta película, era la Mafia, no la Mano Negra, quien funcionaba como el villano. Los cineastas tuvieron que actuar con cautela cuando se enfrentaban a un crimen de primera, ya que era más seguro perseguir a una organización criminal "muerta" que a una "viva". A continuación siguió Summer Stock (1950), la última película musical de Garland para MGM, en la que Kelly realizó la rutina en solitario "You, You Wonderful You" con un periódico y una tabla de piso que crujía. En su libro Easy the Hard Way , Joe Pasternak , director de otra de las unidades musicales de MGM, destacó a Kelly por su paciencia y su disposición a dedicar todo el tiempo que fuera necesario para permitir que la enferma Garland completara su parte. [13]
Luego vinieron dos musicales que consolidaron la reputación de Kelly como figura importante del cine musical estadounidense. Primero, Un americano en París (1951) y, probablemente el musical cinematográfico más admirado, Cantando bajo la lluvia (1952). Como codirector, protagonista y coreógrafo, Kelly fue la fuerza impulsora de ambas películas. Johnny Green , el director musical de MGM en ese momento, dijo de él:
Gene es tolerante, siempre y cuando sepas exactamente lo que estás haciendo cuando trabajas con él. Es un gran jefe y le encanta el trabajo duro. Si quieres jugar en su equipo, más vale que también te guste el trabajo duro. No es cruel, pero es duro, y si Gene creía en algo, no le importaba con quién estaba hablando, ya fuera Louis B. Mayer o el portero. No se dejaba intimidar por nadie y tenía un buen historial de conseguir lo que quería. [13]
Un americano en París ganó seis premios Óscar, incluido el de Mejor Película . La película también marcó el debut de la bailarina de 19 años Leslie Caron , a quien Kelly había visto en París y llevado a Hollywood. Su secuencia de ballet de ensueño, con una duración sin precedentes de 17 minutos, fue el número de producción más caro jamás filmado en ese momento. Bosley Crowther lo describió como "un grito... uno de los mejores que se han llevado a la pantalla". [16] También en 1951, Kelly recibió un premio Óscar honorario por su contribución a los musicales cinematográficos y al arte de la coreografía.
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Al año siguiente, Singin' in the Rain presentó la famosa y muy imitada rutina de baile en solitario de Kelly con la canción principal, junto con la rutina "Moses Supposes" con Donald O'Connor y el final de "Broadway Melody" con Cyd Charisse . Aunque la película no generó inicialmente el mismo entusiasmo que creó Un americano en París , posteriormente superó a la película anterior para ocupar su actual lugar preeminente en la estima de los críticos.
En la cima de su capacidad creativa, Kelly cometió lo que en retrospectiva algunos ven como un error profesional. [16] En diciembre de 1951, firmó un contrato con MGM que lo envió a Europa durante 19 meses para utilizar los fondos de MGM congelados en Europa para hacer tres películas mientras se beneficiaba personalmente de exenciones fiscales. Solo una de estas películas fue un musical, [ aclarar ] Invitation to the Dance , un proyecto favorito de Kelly para llevar el ballet moderno al público cinematográfico general. Se vio plagado de retrasos y problemas técnicos, y fracasó cuando finalmente se estrenó en 1956.
Cuando Kelly regresó a Hollywood en 1953, el cine musical estaba empezando a sentir la presión de la televisión, y MGM recortó el presupuesto para su siguiente película Brigadoon (1954), con Cyd Charisse, lo que le obligó a rodar la película en los estudios en lugar de en Escocia. Este año también apareció como estrella invitada junto a su hermano Fred en la rutina "I Love to Go Swimmin' with Wimmen" en Deep in My Heart (1954). La negativa de MGM a prestarle para Guys and Dolls y Pal Joey puso aún más tensión en su relación con el estudio. Negoció una salida de su contrato que implicaba hacer tres películas más para MGM. La primera de ellas, It's Always Fair Weather (1955), codirigida con Donen, era una sátira musical sobre la televisión y la publicidad, e incluye su rutina de baile en patines de I Like Myself y un trío de baile con Michael Kidd y Dan Dailey que Kelly utilizó para experimentar con las posibilidades de pantalla ancha del Cinemascope . La MGM había perdido la fe en el atractivo de Kelly en taquilla, y como resultado, It's Always Fair Weather se estrenó en 17 autocines en el área metropolitana de Los Ángeles. A continuación siguió la última película musical de Kelly para la MGM, Les Girls (1957), en la que se unió a Mitzi Gaynor , Kay Kendall y Taina Elg . La tercera película que completó fue una coproducción entre MGM y él mismo, una película de serie B, The Happy Road (1957), ambientada en su amada Francia, su primera incursión en un nuevo papel como productor, director y actor. Después de dejar la MGM, Kelly regresó al trabajo teatral.
En 1958, Kelly dirigió la obra musical Flower Drum Song de Rodgers y Hammerstein . [33] A principios de 1960, Kelly, un ferviente francófilo y hablante fluido de francés, fue invitado por A. M. Julien, el administrador general de la Ópera de París y la Opéra-Comique , [13] para seleccionar su propio material y crear un ballet moderno para la compañía, la primera vez que un estadounidense recibía tal encargo. El resultado fue Pas de Dieux , basado en la mitología griega , combinado con la música del Concierto en fa de George Gershwin . Fue un gran éxito y lo llevó a ser honrado con el Chevalier de la Légion d'Honneur por el gobierno francés.
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Kelly continuó haciendo algunas apariciones en películas, como Hornbeck en la producción de Hollywood de La herencia del viento (1960) y como él mismo en Hagamos el amor (también 1960). Sin embargo, la mayoría de sus esfuerzos ahora se concentraron en la producción y dirección cinematográfica. En París, dirigió a Jackie Gleason en Gigot (1962), pero la película fue drásticamente recortada por Seven Arts Productions y fracasó. [16] Otro esfuerzo francés, el homenaje de Jacques Demy al musical de MGM, Las señoritas de Rochefort ( Les Demoiselles de Rochefort , 1967), en el que apareció Kelly, fue un éxito de taquilla en Francia y nominado a los Premios de la Academia a la Mejor Música y Banda Sonora de una Película Musical (Original o Adaptación), pero tuvo un desempeño pobre en otros lugares.
Le pidieron que dirigiera la versión cinematográfica de Sonrisas y lágrimas , que ya había sido rechazada por Stanley Donen. Acompañó a Ernest Lehman , el guionista, fuera de su casa, diciéndole: "Ve a buscar a alguien más que dirija esta mierda". [34]
Su primera incursión en la televisión fue un documental para Omnibus de NBC , Dancing is a Man's Game (1958), en el que reunió a un grupo de los mejores deportistas de Estados Unidos, incluidos Mickey Mantle , Sugar Ray Robinson y Bob Cousy , y reinterpretó sus movimientos coreográficamente, como parte de su búsqueda de toda la vida para eliminar el estereotipo afeminado del arte de la danza, al tiempo que articulaba la filosofía detrás de su estilo de baile. [16] Obtuvo una nominación al Emmy por coreografía y ahora se erige como el documento clave que explica el enfoque de Kelly hacia la danza moderna.
Kelly apareció con frecuencia en programas de televisión durante la década de 1960, incluyendo Going My Way (1962-63), que se basó en la película de 1944 del mismo nombre . Gozó de gran popularidad en los países católicos romanos fuera de los EE. UU. [16] También apareció en tres especiales de televisión importantes: The Julie Andrews Show (1965), New York, New York (1966) y Jack and the Beanstalk (1967), un programa que produjo y dirigió que nuevamente combinó animación de dibujos animados y baile en vivo, lo que le valió un premio Emmy al mejor programa infantil.
En 1963, Kelly se unió a Universal Pictures por un período de dos años. Se unió a 20th Century Fox en 1965, pero tenía poco que hacer, en parte debido a su decisión de rechazar trabajos fuera de Los Ángeles por razones familiares. Su perseverancia finalmente dio sus frutos, con el gran éxito de taquilla A Guide for the Married Man (1967), en la que dirigió a Walter Matthau . Luego, surgió una gran oportunidad cuando Fox, animada por los retornos de The Sound of Music (1965), encargó a Kelly que dirigiera Hello, Dolly! (1969), nuevamente dirigiendo a Matthau junto con Barbra Streisand . La película fue nominada a siete premios de la Academia, ganando tres .
En 1966, Kelly protagonizó un especial de televisión musical para CBS titulado Gene Kelly in New York, New York . [35] El especial se centra en Gene Kelly en una gira musical por Manhattan , bailando en lugares emblemáticos como el Rockefeller Center , el Hotel Plaza y el Museo de Arte Moderno , que sirven como telones de fondo para los entretenidos números de producción del programa. [36] El especial fue escrito por Woody Allen , quien también protagoniza junto a Kelly. Las estrellas invitadas incluyeron al coreógrafo Gower Champion , la estrella de la comedia musical británica Tommy Steele y la cantante Damita Jo DeBlanc . [37]
En 1970, hizo otro especial de televisión: Gene Kelly and 50 Girls , y fue invitado a llevar el espectáculo a Las Vegas , lo que hizo por un período de ocho semanas con la condición de que se le pagara más de lo que a cualquier artista se le había pagado allí. [16] Dirigió a los actores veteranos James Stewart y Henry Fonda en la comedia Western The Cheyenne Social Club (1970), que tuvo un pobre desempeño en taquilla. En 1973, trabajó nuevamente con Frank Sinatra como parte del especial de televisión nominado al Emmy de Sinatra , Magnavox Presents Frank Sinatra . Apareció como uno de los muchos narradores especiales en el éxito sorpresa That's Entertainment! (1974). Dirigió y coprotagonizó con su amigo Fred Astaire la secuela That's Entertainment, Part II (1976). Fue una muestra de su poder de persuasión el que logró convencer a Astaire, de 77 años (que había insistido en que su contrato excluía cualquier baile, pues hacía tiempo que se había retirado) de que interpretara una serie de duetos de canto y baile, evocando una poderosa nostalgia por los días de gloria del cine musical estadounidense.
Kelly fue invitado al especial de televisión de 1975 protagonizado por Steve Lawrence y Eydie Gormé, "Our Love Is Here to Stay", apareciendo con su hijo, Tim, y su hija, Bridget. Protagonizó la película de acción mal recibida ¡ Viva Knievel! (1977), con el entonces actor de alto perfil, Evel Knievel . Kelly continuó haciendo frecuentes apariciones en televisión. Su último papel cinematográfico fue en Xanadu (1980), un fracaso sorpresa a pesar de una banda sonora popular que generó cinco éxitos Top 20 de Electric Light Orchestra , Cliff Richard y la coprotagonista de Kelly, Olivia Newton-John . [16] En opinión de Kelly, "El concepto era maravilloso, pero simplemente no salió bien". [13] En el mismo año, fue invitado por Francis Ford Coppola para reclutar un equipo de producción para One from the Heart (1982) de American Zoetrope. Aunque la ambición de Coppola era establecer una unidad de producción que rivalizara con la Freed Unit de la MGM, el fracaso de la película puso fin a esta idea. [16] En noviembre de 1983, realizó su primera Royal Variety Performance ante Su Majestad la Reina Isabel II, en el Theatre Royal de Londres. Kelly se desempeñó como productor ejecutivo y copresentador de That's Dancing! (1985), una celebración de la historia de la danza en el musical estadounidense. La última aparición de Kelly en pantalla fue para presentar That's Entertainment! III (1994). Su último proyecto cinematográfico fue la película animada Cats Don't Dance , que no se estrenó hasta 1997, para la que Kelly actuó como consultor coreográfico no acreditado. Estaba dedicada a su memoria.
Cuando comenzó su trabajo cinematográfico colaborativo, recibió la influencia de Robert Alton y John Murray Anderson , y se esforzó por crear estados de ánimo y una visión de los personajes con sus bailes. Coreografió su propio movimiento, junto con el del conjunto, con la ayuda de Jeanne Coyne , Stanley Donen, Carol Haney y Alex Romero. [10] Experimentó con la iluminación, las técnicas de cámara y los efectos especiales para lograr una verdadera integración de la danza con el cine, y fue uno de los primeros en utilizar pantallas divididas, imágenes dobles y acción en vivo con animación, y se le atribuye el mérito de ser la persona que hizo que la forma del ballet fuera comercialmente aceptable para el público cinematográfico. [10]
En su desarrollo se hizo evidente una clara progresión, desde una concentración temprana en el claqué y el estilo de comedia musical hasta una mayor complejidad utilizando formas de ballet y danza moderna. [38] El propio Kelly se negó a categorizar su estilo: "No tengo un nombre para mi estilo de baile... Es ciertamente híbrido... He tomado prestado de la danza moderna, de la clásica y ciertamente de la danza folclórica estadounidense: claqué, jitterbugging... Pero he tratado de desarrollar un estilo que sea autóctono del entorno en el que me crié". [38] Reconoció especialmente la influencia de George M. Cohan : "Tengo mucho de Cohan en mí. Es una cualidad irlandesa, una arrogancia que hace que sobresalga la mandíbula y se ponga de puntillas, que es una buena cualidad para un bailarín masculino". [13] También estuvo muy influenciado por un bailarín afroamericano, Robert Dotson , a quien vio actuar en el Loew's Penn Theatre alrededor de 1929. Fue enseñado brevemente por Frank Harrington, un especialista en claqué afroamericano de Nueva York. [39] Sin embargo, su principal interés era el ballet, que estudió con Kotchetovsky a principios de la década de 1930. El biógrafo Clive Hirschhorn escribe: "Cuando era niño, solía correr kilómetros por parques, calles y bosques, en cualquier lugar, siempre que pudiera sentir el viento contra su cuerpo y a través de su cabello. El ballet le daba la misma sensación de euforia, y en 1933, estaba convencido de que era la forma más satisfactoria de autoexpresión". [16] También estudió danza española con Angel Cansino, el tío de Rita Hayworth . [16] En términos generales, tendía a usar el claqué y otros modismos de baile populares para expresar alegría y exuberancia, como en la canción principal de Singin' in the Rain o "I Got Rhythm" en Un americano en París , mientras que los sentimientos pensativos o románticos se expresaban más a menudo a través del ballet o la danza moderna, como en "Heather on the Hill" de Brigadoon o " Our Love Is Here to Stay " de Un americano en París . [38]
Según Delamater, la obra de Kelly "parece representar la culminación de la integración de la danza y el cine en los años 1940 y 1950". Mientras que Fred Astaire había revolucionado la filmación de danza en la década de 1930 al insistir en la fotografía de cuerpo entero de los bailarines, permitiendo solo un modesto grado de movimiento de cámara, Kelly liberó la cámara, haciendo un mayor uso del espacio, el movimiento de la cámara, los ángulos de la cámara y la edición, creando una asociación entre el movimiento de la danza y el movimiento de la cámara sin sacrificar el encuadre de cuerpo entero. El razonamiento de Kelly detrás de esto fue que sentía que la fuerza cinética de la danza en vivo a menudo se evaporaba cuando se llevaba al cine, y trató de superar parcialmente esto involucrando a la cámara en el movimiento y dando al bailarín un mayor número de direcciones en las que moverse. Los ejemplos de esto abundan en el trabajo de Kelly y están bien ilustrados en la secuencia del "Hombre prehistórico" de Un día en la ciudad y "El sombrero que mi padre usó el día de San Patricio" de Llévame al juego de pelota . [38] En 1951, resumió su visión de la siguiente manera: "Si la cámara tiene que hacer alguna contribución a la danza, este debe ser el punto focal de su contribución; el fondo fluido, dando a cada espectador una visión no distorsionada y completamente similar del bailarín y el fondo. Para lograr esto, la cámara se hace fluida, moviéndose con el bailarín, de modo que la lente se convierte en el ojo del espectador, su ojo ". [10]
El atletismo de Kelly le daba a sus movimientos una cualidad amplia y muscular distintiva, [38] y esta fue una elección deliberada de su parte, como explicó: "Hay un fuerte vínculo entre los deportes y el baile, y mi propio baile surge de mis primeros días como atleta... Creo que bailar es un juego de hombres y si lo hace bien, lo hace mejor que una mujer". [13] Caron dijo que mientras bailaba con Astaire se sentía como si estuviera flotando, Kelly bailaba cerca del suelo. [40] Se quejó contra lo que veía como el afeminamiento generalizado en el baile masculino, que, en su opinión, estigmatizaba "trágicamente" el género, alejando a los niños de ingresar a este campo:
El baile atrae a los jóvenes afeminados. No me opongo a eso siempre que no bailen de forma afeminada. Sólo digo que si un hombre baila de forma afeminada, baila mal, igual que si una mujer sale al escenario y empieza a cantar bajo. Por desgracia, la gente confunde la gracia con la suavidad. John Wayne es un hombre elegante y también lo son algunos de los grandes jugadores de béisbol... pero, por supuesto, no corren el riesgo de que los llamen mariquitas. [13]
En su opinión, "uno de nuestros problemas es que gran parte del baile lo enseñan mujeres. Se puede reconocer a muchos bailarines que reciben esta enseñanza por los movimientos de sus brazos: son suaves, flácidos y femeninos". [13] Reconoció que, a pesar de sus esfuerzos (en programas de televisión como Dancing: A Man's Game (1958), por ejemplo), la situación cambió poco con el paso de los años. [13] También intentó romper con las convenciones clasistas de los años 30 y principios de los 40, cuando los sombreros de copa y los fracs o los esmóquines eran la norma, bailando con ropa informal o de trabajo cotidiana, para que su baile fuera más relevante para el público cinéfilo. Su primera esposa, la actriz y bailarina Betsy Blair , dijo:
Un traje de marinero o sus calcetines blancos y mocasines, o las camisetas sobre su torso musculoso, daban a todos la sensación de que era un tipo normal, y tal vez ellos también podrían expresar amor y alegría bailando en la calle o pisando fuerte en los charcos... democratizó el baile en las películas. [41]
En particular, quería crear una imagen completamente diferente de la asociada con Fred Astaire, sobre todo porque creía que su físico no se adaptaba a una elegancia tan refinada: "Solía envidiar su estilo fresco y aristocrático, tan íntimo y contenido. Fred usa sombrero de copa y frac como los de la mansión; yo me los pongo y parezco un camionero". [13]
Desde mediados de la década de 1940 hasta principios de la década de 1950, su esposa Betsy Blair y él organizaban fiestas semanales en su casa de Beverly Hills , y a menudo jugaban a una versión intensamente competitiva y física de charadas , conocida como "The Game". [42]
Sus documentos se encuentran en el Centro de Investigación de Archivos Howard Gotlieb de la Universidad de Boston .
Más tarde, Kelly obtuvo la ciudadanía irlandesa en virtud del programa de ciudadanía por nacimiento en el extranjero. La solicitud fue iniciada en su nombre por su esposa, Patricia Ward Kelly. [43]
El 22 de diciembre de 1983, la mansión del actor en Beverly Hills se incendió. [44] Se atribuyó el hecho a un cableado defectuoso del árbol de Navidad. Su familia y sus mascotas lograron escapar y él sufrió quemaduras en una mano.
Kelly se casó tres veces. Su primer matrimonio fue con la actriz Betsy Blair en 1941. Tuvieron un hijo, Kerry (n. 1942), y se divorciaron en abril de 1957. [45]
En 1960, Kelly se casó con su asistente coreográfica Jeanne Coyne , quien había estado casada previamente con Stanley Donen entre 1948 y 1951. Kelly y Coyne tuvieron dos hijos, Timothy (nacido en 1962) y Bridget (nacida en 1964). Este matrimonio duró hasta que Coyne murió en 1973.
Kelly se casó con Patricia Ward en 1990 (cuando él tenía 77 años y ella 30). [46] Su matrimonio duró hasta su muerte seis años después, y ella nunca se volvió a casar. [47]
Kelly fue un partidario del Partido Demócrata durante toda su vida . Su período de mayor prominencia coincidió con la era McCarthy en los EE. UU. En 1947, formó parte del Comité por la Primera Enmienda , la delegación de Hollywood que voló a Washington para protestar en las primeras audiencias oficiales del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes . Su primera esposa, Betsy Blair, era sospechosa de ser una simpatizante comunista, y cuando United Artists , que le había ofrecido a Blair un papel en Marty (1955), estaba considerando retirarla bajo presión de la Legión Americana , Kelly amenazó con éxito la influencia de MGM en United Artists con una retirada de It's Always Fair Weather a menos que su esposa fuera restituida en el papel. [16] [42] Utilizó su posición en la junta directiva del Writers Guild of America West en varias ocasiones para mediar en disputas entre los sindicatos y los estudios de Hollywood.
Fue criado como católico romano y fue miembro de la parroquia Good Shepherd y del Catholic Motion Picture Guild en Beverly Hills, California . [48] Sin embargo, después de desencantarse por el apoyo de la Iglesia católica romana a Francisco Franco contra la Segunda República Española durante la Guerra Civil Española , [49] rompió oficialmente sus lazos con la iglesia en septiembre de 1939. Esta separación fue motivada, en parte, por un viaje que Kelly hizo a México en el que se convenció de que la iglesia había fracasado en ayudar a los pobres en ese país. [49] Después de su salida de la Iglesia católica, Kelly se convirtió en agnóstico, como se había descrito previamente a sí mismo. [50]
La salud de Kelly se fue deteriorando de forma constante a finales de los años 1980 y principios de los 1990. En julio de 1994 sufrió un derrame cerebral y estuvo internado en el hospital Ronald Reagan UCLA Medical Center durante siete semanas. A principios de 1995 sufrió otro derrame cerebral que lo dejó gravemente discapacitado. Kelly murió el 2 de febrero de 1996. [51]
Kelly apareció como actor, cantante y bailarín en películas musicales. Siempre coreografiaba sus propias rutinas de baile y, a menudo, las rutinas de baile de otros, y contaba con asistentes. Como era habitual en la época, rara vez aparecía formalmente acreditado en los títulos de las películas. [10]
1994-Gene Kelly – bailarín, cantante, actor.Un sitio web, Movie Treasures Archived July 14, 2011, at the Wayback Machine , se refiere a este premio como la "Medalla Nacional de la Libertad", lo que hace que algunas personas confundan el premio con la "Medalla Presidencial de la Libertad", que no tiene ninguna relación con el mismo. El premio que recibió Gene Kelly fue la Medalla Nacional de las Artes. El nombre de Kelly no aparece en la lista de ganadores de la Medalla Presidencial de la Libertad. Archivado el 14 de julio de 2004 en la Wayback Machine .
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