Outside (estilizado como 1. Outside y subtitulado The Nathan Adler Diaries: A Hyper-cycle ) es el vigésimo álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 25 de septiembre de 1995 a través de Virgin Records en los Estados Unidos y Arista Records , BMG y RCA Records en otros territorios. Al reunir a Bowie con el músico Brian Eno después de la Trilogía de Berlín de finales de la década de 1970 , los dos se inspiraron en conceptos "fuera" de la corriente principal, como varios artistas marginales y de performance . Grabadas a lo largo de 1994, las sesiones experimentales vieron a Bowie concebir un mundo donde los "delitos de arte", como el asesinato, impregnan la sociedad. El proyecto Leon resultante inicialmente enfrentó la resistencia de los sellos debido a su naturaleza no comercial. La piratería del proyectollevó a sesiones adicionales en 1995 para revisar el concepto y grabar más material comercial, inspirado en un diario que Bowie escribió parala revista Q.
Influenciada por la serie de televisión Twin Peaks , la narrativa no lineal de Outside se centra en los residentes de la ficticia Oxford Town, Nueva Jersey , y sigue al detective Nathan Adler mientras investiga el asesinato de una niña de 14 años. Las pistas muestran perspectivas de personajes específicos, mientras que las palabras habladas entre las canciones transmiten más ideales de los personajes; la historia y las entradas del diario de Adler se presentaron en el folleto del CD del álbum. Musicalmente, Outside muestra estilos que van desde el rock artístico , el rock industrial y el jazz , hasta la electrónica y el ambient . La portada del álbum es un autorretrato de Bowie.
Lanzado en el apogeo del britpop en el Reino Unido, Outside recibió críticas mixtas de los críticos. Mientras que la mayoría elogió la música, otros encontraron el concepto pretencioso y difícil de seguir. Sin embargo, muchos lo consideraron el mejor disco de Bowie desde Scary Monsters de 1980. Outside alcanzó el puesto número 8 en el Reino Unido y el número 21 en los EE. UU. El sencillo principal , " The Hearts Filthy Lesson ", tuvo un desempeño pobre, pero los sencillos siguientes, " Strangers When We Meet " y un remix de " Hallo Spaceboy " con Pet Shop Boys , tuvieron un buen desempeño en el Reino Unido.
Bowie promocionó el álbum a través de la gira Outside Tour , pero fue criticado por no tocar éxitos más antiguos. Varias secuelas planeadas de Outside nunca se concretaron, dejando la historia del álbum en un suspenso. En cambio, Bowie usó ideas musicales del álbum y la gira para su siguiente disco, Earthling (1997). Retrospectivamente, Outside ha recibido evaluaciones más positivas, y la mayoría continúa elogiando la música pero criticando la historia y la duración. El álbum fue reeditado en 2003 y remasterizado en 2021 como parte del box set Brilliant Adventure (1992-2001) .
David Bowie formalizó su matrimonio con la modelo Iman en una ceremonia en junio de 1992 que contó con numerosos invitados famosos, incluido el multiinstrumentista Brian Eno , [1] con quien Bowie trabajó anteriormente en su Berlin Trilogy de finales de los años 1970. [a] [2] Principalmente conocido por su trabajo en el género ambiental en ese momento, en 1992, Eno era un productor muy respetado, trabajando con bandas como U2 en Achtung Baby (1991). [b] El presentador de radio de la BBC , John Peel, comentó: "Es una de esas personas ... que se ha convertido en una especie de papel de estadista anciano en los medios de comunicación donde la gente se toma todo lo que dice terriblemente en serio". [3] En la boda, Eno expresó interés en trabajar con Bowie nuevamente después de que le dio una cinta que mostraba los estilos que Bowie exploraría en su próximo álbum Black Tie White Noise (1993). Después de que Eno escuchara The Buddha of Suburbia (1993) de Bowie, ambos acordaron colaborar. [3] [5]
[Brian y yo] nos dimos cuenta de que a los dos nos interesaba incursionar en la periferia de la corriente principal en lugar de lanzarnos a ella. Nos enviamos largos manifiestos sobre lo que faltaba en la música y lo que deberíamos estar haciendo. Decidimos experimentar de verdad y entrar al estudio sin ni siquiera una pizca de idea. [6]
—David Bowie sobre su reencuentro con Eno, 1995
Bowie y Eno se prepararon para el nuevo proyecto a finales de 1993, lo que incluyó enviarse ideas mutuamente. El compañero de banda del primero en Tin Machine, Reeves Gabrels, recordó que una era el equivalente a "un problema matemático". [4] [7] Según el autor Paul Trynka , las ideas que se formaron "recordaban" los hallazgos musicales de Bowie durante su primer viaje a Estados Unidos a principios de 1971. [4] En busca de inspiración, la pareja visitó el hospital psiquiátrico Gugging cerca de Viena , Austria, en enero de 1994, que contenía un ala cuyos pacientes eran conocidos por su " arte marginal ". [8] [9] Bowie dijo más tarde a la revista Interview : "Algunos de ellos ni siquiera hacen [su arte] como una expresión de sí mismos; lo hacen porque su trabajo es ellos". [4] La experiencia dio el título al próximo álbum. [8]
Bowie también se sintió cautivado por el Minotauro , una figura mítica de la antigüedad clásica . Pintó la figura a principios de la década de 1990 y, después de ver un artículo del New York Times que lo analizaba, lo incorporó como motivo para Outside . [c] [5] En 1994, el interés de Bowie por el arte contemporáneo creció hasta el punto en que se unió al consejo editorial de la revista Modern Painters . [3] Su interés por artistas de performance como Rudolf Schwarzkogler , Ron Athey , Chris Burden , [d] y Damien Hirst influyeron en el concepto del nuevo álbum. Con respecto al concepto de la muerte como arte, Bowie le dijo a la revista Vox : [13]
Aparte de este interés malsano, casi obsesivo, por los artistas ritualistas, [...] [ Outside ] también tiene una especie de sensación de este nuevo paganismo que parece estar surgiendo con la llegada de las escarificaciones, los piercings, los tribalismos, los tatuajes y lo que sea. Es como un sustituto de una hambruna espiritual que está ocurriendo [y] como una tribu con recuerdos vagos de lo que solían ser sus rituales. De alguna manera están siendo arrastrados de nuevo de esta manera nueva, mutada y desviada, con el llamado sexo gratuito y la violencia en la cultura popular y la gente cortándose partes de sí mismos. Para mí, parece algo natural.
La grabación de Outside comenzó en marzo de 1994 en Mountain Studios en Montreux , Suiza. La producción estuvo a cargo de Bowie, Eno y David Richards , [5] el coproductor de Never Let Me Down (1987) y The Buddha of Suburbia . [14] Bowie y Eno se mostraron firmes en su deseo de crear algo diferente a los álbumes de Berlín. Este último explicó: "No queremos hacer otro disco de un montón de canciones. Tiene que haber un paisaje más grande en juego que ese". [15] Los colaboradores de Bowie que regresaron incluyeron a Gabrels en la guitarra, Erdal Kızılçay en el bajo, [e] y Mike Garson en el piano. [f] [4] [5] También regresó de Black Tie el baterista de Soul Asylum Sterling Campbell , a quien Bowie describió como "espontáneo y extremadamente inventivo. [Él] toca una canción de manera diferente cada vez; hay diferentes matices de su maestro, Dennis Davis ". [g] [5]
Partiendo del proceso de los trabajos más recientes de Bowie, [17] la mayoría de las pistas fueron compuestas en el momento en el estudio; [18] algunas fueron completamente improvisadas. [3] Durante las sesiones, Bowie y Eno usaron técnicas experimentales previamente utilizadas durante la Trilogía de Berlín, como las cartas de Estrategias Oblicuas de este último [5] - "mitad galleta de la fortuna , mitad cartas de 'Chance' de Monopoly " destinadas a generar ideas creativas. [12] Cada una contenía un carácter escrito, como "Eres el miembro descontento de una banda de rock sudafricana. Toca las notas que fueron suprimidas". Bowie explicó que las cartas marcaban el tono de cada día, llevando la música hacia direcciones "oscuras": "Y muy raramente caía en el cliché". [18] Eno afirmó que esto se hizo como una forma de que los músicos "te liberaran de ser tú mismo". [5] Garson y Gabrels respondieron favorablemente a las cartas, pero Kızılçay se opuso al principio, considerándolas confusas e inútiles. [4] Más tarde se quejó de los métodos de Eno al biógrafo Marc Spitz , afirmando que "ni siquiera puede tocar cuatro compases ... [ni] tocar dos armonías juntas. [...] No sé cómo se hizo tan famoso". [19]
Bowie pintó principalmente durante las sesiones. Según Eno, "casi se sentó al margen durante los primeros días de ese disco. [...] Estábamos creando situaciones musicales y ocasionalmente se unía si se volvía interesante". [5] En su diario fechado el 3 de marzo de 1994, Bowie escribió que estaba contento con la dirección musical actual y tenía planes de rehacer la canción de Buddha "Dead Against It", aunque esto nunca se llevó a cabo. [5] [7] Para componer las letras, Bowie pasó las palabras por un programa de Apple Macintosh , que reflejaba la técnica de corte inspirada en William S. Burroughs que Bowie había usado anteriormente para álbumes como Diamond Dogs (1974). [4] [20] Explicó: "Utilicé fragmentos de poemas y artículos de revistas y periódicos, y los volví a escribir y los puse en la computadora ... lo arroja todo de nuevo, y hago con ello lo que quiero". [5] Cada músico recibió su propio rincón del estudio, [7] lo que, según Trynka, contribuyó al arreglo general "como un acontecimiento artístico". [4] Al hablar de la atmósfera del estudio, Garson le dijo al biógrafo David Buckley: "Fue uno de los entornos más creativos en los que he estado. Simplemente empezábamos a tocar. No había ninguna tonalidad dada, ningún centro tonal, ninguna forma, nada". [3] Las sesiones también fueron filmadas por un equipo de cámaras; Garson comentó que "[el equipo] sabía que era especial en algún nivel". [4]
Las pistas de acompañamiento se completaron en 10 días, mientras que las sobregrabaciones continuaron intermitentemente hasta noviembre de 1994. [5] Se grabaron aproximadamente de 25 a 30 horas de material, que inicialmente se editó hasta reducirlo a dos CD de contenido: una "ópera improvisada" titulada Leon . [4] El material se mezcló en Westside Studios en Londres. [7] Eno inicialmente quería lanzar el trabajo con una portada negra y sin nombre adjunto. Gabrels elaboró: "Deja que se filtre que era David Bowie, pero sácalo como una entidad completamente separada, como The Black Album [1994] de Prince . Úsalo como una obra de arte y deja algo que genere interés para el próximo proyecto". [4] Según el biógrafo Chris O'Leary, el contenido fue pirateado y resultó en el rechazo de Bowie del concepto de Leon . [7] Gabrels comentó en su sitio web en 2003 que Leon "habría sido una declaración musical muy seria, y tal vez habría enojado a más gente que Tin Machine". [5]
Bowie inicialmente se enfrentó a la oposición de las discográficas debido a la naturaleza no comercial de las grabaciones de Leon . [5] Gabrels le dijo a Buckley: "Nunca me dijeron que había sido rechazado por falta de material comercial. Simplemente pensé que se tomó la decisión de que [ Leon ] hubiera sido una locura publicarlo desde un punto de vista comercial ... y que necesitábamos regrabar algunas canciones más". [3] Bowie eligió grabar algunas pistas más convencionales, para lo cual se realizaron sesiones en la Hit Factory en la ciudad de Nueva York de enero a febrero de 1995. Las canciones grabadas en Nueva York incluyeron "Outside", "Thru These Architects Eyes", "We Prick You", "I Have Not Been to Oxford Town", "No Control", una regrabación de la pista de Buddha " Strangers When We Meet ", y reelaboraciones de " Hallo Spaceboy " y " I'm Deranged ". [h] [5] Entre las nuevas incorporaciones se encuentran el guitarrista Carlos Alomar , [19] ex líder de la banda de Bowie que fue despedido tras el Glass Spider Tour de 1987 ; [22] el colaborador de Tin Machine Kevin Armstrong en "Thru These Architects Eyes"; [23] y el baterista de jazz Joey Baron , a quien Bowie sentía que era "tan firme" que "los metrónomos tiemblan de miedo". [5] La canción de Armstrong "Now", intentada por primera vez por Tin Machine durante las sesiones de su álbum debut de 1989 , fue adaptada para la canción principal. Según Trynka, Armstrong grabó sus contribuciones en Westside. [4]
En 1. Outside , situar el inquietante entorno de una ciudad de Diamond Dogs en los años noventa le da un giro completamente diferente. Era importante que esta ciudad, este lugar, tuviera una población, una serie de personajes. Traté de diversificar estos tipos realmente excéntricos tanto como fuera posible [...] La narrativa y las historias no son el contenido; el contenido son los espacios entre los fragmentos lineales. Las texturas extrañas y desagradables. [24]
—David Bowie explicando los personajes y el entorno de Outside , 1995
El concepto de Outside surgió el 12 de marzo de 1994, durante lo que Bowie llamó una sesión de grabación "cegadoramente orgiástica". [5] Mientras la banda improvisaba, Bowie concibió numerosos personajes en el momento, interpretando cada uno "durante quizás cinco minutos a la vez". Más tarde reveló que "casi toda la génesis de [ Outside ] está contenida en esas tres horas y media". [8] En lo que Bowie denominó un "hiperciclo de drama gótico no lineal", [3] desarrolló un mundo donde los "delitos de arte", que Jason Draper de la revista Dig! describió como "asesinato y mutilación para consumo público", impregnan la sociedad, [8] y los "atracos conceptuales" merecen su propia división policial financiada por el "Protectorado de las Artes de Londres". [25]
A finales de 1994, la revista Q le pidió a Bowie que escribiera un diario durante 10 días como una forma de contribuir a su número 100. Temiendo que el diario fuera poco interesante si se presentaba como un relato puro del día a día, revisó el concepto de Leon y escribió lo que se convirtió en la base de Outside : The Diary of Nathan Adler or the Art-Ritual Murder of Baby Grace Belew . [7] La misma historia, con leves revisiones, apareció en el folleto del CD del álbum. Según Gabrels, Bowie "investigó [el concepto de Leon ] más a fondo y lo revisó y reescribió. [...] El orden y la trama fueron impuestos/inventados ... después del hecho". Si bien los personajes carecían de motivaciones en Leon , ahora tenían personalidades y motivos distintos en Outside , similar al juego de mesa Cluedo . [7] Tomando influencias de la serie de televisión Twin Peaks , Outside trata sobre la ciudad ficticia de Oxford, Nueva Jersey , y sus habitantes, incluidos: un detective llamado Nathan Adler; una joyera llamada Ramona A. Stone; una chica de 14 años llamada Baby Grace Blue; un solitario de 78 años llamado Argelia Touchshriek; un "outsider" mestizo llamado Leon Blank; Paddy, uno de los informantes de Adler; y una figura oscura llamada El Artista/Minotauro. [5] Bowie, que interpretó a todos los personajes, [26] afirmó que los basó a todos en él mismo, [7] lo que Roch Parisien de AllMusic encontró "por lo tanto, un componente de todos los personajes anteriores que Bowie ha representado a lo largo de los años". [25]
La historia de Outside se desarrolla a lo largo de dos décadas, entre 1977 y 1999, y se presenta en una narrativa no lineal . El folleto del CD del álbum contenía las entradas del diario de Adler junto con las letras de las canciones que a veces estaban distorsionadas y eran ilegibles. [26] El álbum también invoca varios segmentos de palabra hablada como transiciones entre canciones, que brindan más información sobre la historia y los pensamientos de los personajes. Parisien consideró que las transiciones recordaban la "campiness cockney" de las pistas de Bowie de la década de 1960 "Please Mr. Gravedigger" y " The Laughing Gnome ". [i] [25] [27] Descrito por algunos como un álbum conceptual , [28] [29] Paul Gorman de Music Week encontró que el uso de la narrativa en Outside era un recuerdo a Ziggy Stardust (1972) y Diamond Dogs . [20] Bowie describió a Adler, la protagonista, como un individuo que usa la nostalgia para recordar tiempos más simples: "Está realmente bastante abatido porque las cosas se han roto en este tipo de estado caótico y fragmentado". [7] El biógrafo Chris O'Leary considera que el personaje es "más conciso" en Outside que en Leon . [7] La perspectiva de Adler se muestra en "The Hearts Filthy Lesson", [30] "No Control" y dos transiciones. [31] [27] Stone, la villana, comienza como una "sacerdotisa sin futuro" del punk rock y termina como una "dron de los buenos momentos" que maneja una joyería. Bowie manipuló su propia voz usando varios sintetizadores para retratarla. [7] Su punto de vista se da en una transición y en "I Am with Name". [31] [27]
El cuerpo desmembrado de Baby Grace Blue es encontrado en un museo de la ciudad. La escena se describe en detalle en el folleto del CD, mientras que en el álbum, las últimas palabras de la niña aparecen en una cinta de casete ("Segue - Baby Grace (A Horrid Cassette)"). [27] Bowie declaró que la voz de Grace significaba mucho para él, ya que la basó en una amiga cercana que estaba luchando con una relación en ese momento. [7] Después de que se encuentra el cuerpo, el objetivo principal de Adler es encontrar al asesino. [26] El personaje de Argelia Touchshriek "trafica con drogas de arte y huellas de ADN ". Basado en numerosos personajes de las canciones de Bowie de los años 60, Touchshriek es descrito en una transición como caminando cerca del museo donde se encontró el cuerpo y que "conoció a Leon una vez". [7] Blank, uno de los antiguos amantes de Stone, [8] es un artista marginal y sospechoso de asesinato. Bowie lo caracterizó como una mezcla del músico Tricky y el pintor Jean-Michel Basquiat . A lo largo del álbum, se le ve principalmente a través de los ojos de los demás ("Leon Takes Us Outside", "The Motel" y "Strangers When We Meet"), [31] pero se le da su propia perspectiva en "I Have Not Been to Oxford Town", [32] donde niega su participación en los asesinatos; [7] Blank también se atribuye a "Thru' These Architects Eyes", aunque la pista tiene poco que ver con la narrativa de Outside . [33] El Artista/Minotauro es una figura que "acecha detrás del asesinato ritual artístico" en el centro de la narrativa. [5] Su punto de vista se da durante "The Voyeur of Utter Destruction (as Beauty)", "Wishful Beginnings" y "I'm Deranged". [7] [31] [34] Los residentes de Oxford Town transmiten pensamientos en "A Small Plot of Land", [35] mientras que "We Prick You" se refiere a los ideales de los miembros del Tribunal de Justicia. [36]
Outside contiene una amplia variedad de estilos musicales, incluyendo rock , jazz, electrónica , rock industrial y ambient. [26] Los escritores de The Independent y BBC News lo categorizaron retrospectivamente como rock artístico y rock industrial. [37] [38] Adam Trainer de PopMatters describió de manera similar la música como "principalmente industrial y trip hop , filtrada a través de la lente del rock artístico". [39] Además, argumentó que los " paisajes sonoros " del álbum mostraban "la hibridez rock/electrónica" que sería etiquetada por los analistas musicales y la corriente principal como post-rock . [39] El biógrafo Christopher Sandford encuentra que la música evoca los "estilos de falso jazz" encontrados en Aladdin Sane (1973), [40] mientras que en la revista Spin , Barry Walters notó la presencia de rock progresivo . [41] Otros comentaristas, incluido Nick DeRiso de Ultimate Classic Rock , reconocieron estilos de techno , grunge e industrial por sobre "las bases sonoras electrónicas" que ejemplificaron la Trilogía de Berlín. [42] Otros estilos reconocidos por los biógrafos de Bowie incluyen dark ambient ("Leon Takes Us Outside"), [26] [43] acid jazz ("The Hearts Filthy Lesson"), [26] funk ("I Have Not Been to Oxford Town", "The Voyeur of Utter Destruction (as Beauty)"), [44] jazz de vanguardia y clásico ("The Motel", "A Small Plot of Land"), [3] y pop convencional ("I Have Not Been to Oxford Town", "Strangers When We Meet"). [3] [45] Ciertas pistas, como "The Hearts Filthy Lesson", "I'm Deranged" y "We Prick You", combinan elementos de jungle y drum and bass , géneros que Bowie exploraría por completo en su siguiente álbum de estudio, Earthling (1997). [26] [46]
Al hablar del sonido general del álbum, Buckley dice que es "denso y textural, apuntalado por una sección rítmica en auge". [3] Escribiendo para Rock and Roll Globe , Lee Zimmerman afirmó: "La música fluye en una oleada continua de sonido y expresión, un impulso hacia adelante que dejó poco espacio para la melodía, pero compartió un ambiente atmosférico intrigante en su lugar". [47] El autor James E. Perone encuentra que muchas pistas actúan como "piezas de estado de ánimo" para todo el álbum en lugar de pistas independientes. [26] Según el escritor Alan Franks: "Las canciones tienen una construcción lenta y cuidadosa en la línea de desenlace, pero no están escritas en absoluto como canciones pop y no están escritas particularmente como canciones de rock. Es casi como lo que Jacques Brel estaría haciendo ahora si se hubiera vuelto pesado". [3] Los biógrafos también han comparado ciertos sonidos de Outside con los álbumes anteriores de Bowie, como Diamond Dogs , [19] Lodger (1979), [48] Scary Monsters (1980), [33] y Tonight (1984). [27] En cuanto a las transiciones, Nicholas Pegg caracteriza sus estilos musicales como principalmente ambientales, con acompañamientos de guitarra, piano y sintetizador. [27] Trainer comentó que "hablan del papel de las suites de Leon en el desarrollo de Outside ". [39]
Las dos primeras pistas, "Leon Takes Us Outside" y la canción principal, preparan musicalmente el escenario para el resto del álbum. [19] [49] "The Hearts Filthy Lesson" contiene un ritmo casi atonal que Pegg llama "una losa de techno-rock industrial" sobre una "excéntrica figura de jazz-piano". [3] [30] Continuando con el sabor del jazz está "A Small Plot of Land", [19] [26] que se construye hasta un clímax para convertirse, en palabras de Pegg, en una de las "pistas más desafiantes" del álbum. [35] "Hallo Spaceboy", que se desarrolló a partir de un instrumental escrito por Gabrels titulado "Moondust", [4] es una pista industrial que Pegg llama "una vorágine hardcore de ruido de ciencia ficción, batería hipnótica de alta velocidad y un insistente riff de guitarra de cuatro notas que salta de un altavoz a otro". [3] [50] Spitz la nombra como el "rockero más convincente" de Bowie desde " Rebel Rebel " (1974). [19] "The Motel", descrita por Pegg como la pieza central del álbum, [51] es comparada por Buckley con " The Electrician " (1978) de los Walker Brothers , [3] mientras que Perone compara "I Have Not Been to Oxford Town" con " We Will Rock You " (1977) de Queen . [26] "No Control" aporta un tono más oscuro al álbum, presentando una "línea de bajo de sintetizador de bordes duros". [52] Más tarde, "I Am with Name" repite la "atmósfera" de la apertura del álbum. [53] "Wishful Beginnings" evoca "una melodía misteriosa y abstracta sobre sonidos electrónicos sintetizados en capas que se construyen lentamente". [26] "I'm Deranged" transmite estilos musicales similares que impregnan el resto del álbum. [54] Comparada con la versión original de The Buddha of Suburbia , la nueva versión de "Strangers When We Meet" contiene un arreglo más exuberante influenciado por The Joshua Tree (1987), coproducido por Eno y U2 . [26] [45] Pegg escribe que resuelve la "angustia y comedia negra " del álbum con una "rebanada relajante de pop convencional". [45] Por otro lado, Trainer consideró que era una forma "extraña" de terminar el álbum, escribiendo que era "claramente un intento de... inyectar una sensación de calma mientras se perpetúa el aire noir de misterio". [39]
Descritas por Gabrels como una "obra improvisada de tres horas", las grabaciones de Leon están disponibles a través de bootlegs en tres "suites" separadas, cada una de entre 22 y 27 minutos de duración. Un coleccionista privado también lanzó un reel de 70 minutos completamente mezclado en 2003. Según Pegg, la pieza lanzada es significativamente menos comercial que el álbum final de Outside , presentando una serie de "paisajes sonoros ambientales" y versiones más largas de las transiciones del álbum. También presenta numerosas frases y bucles repetitivos entre la interacción entre los músicos. [7] [55] Trainer encontró que las grabaciones estaban "subdesarrolladas" en comparación con Outside , describiéndolas más como "jams sueltos" tipificados por "ritmos lentos y estructuras repetitivas no formadas que carecen de la dinámica que [el álbum terminado de Outside ] produciría". [39]
La primera suite se divide en tres movimientos. El número inicial de diez minutos "I Am with Name" contiene variaciones más largas y obscenas de las transiciones de Stone y Adler. O'Leary señala que aparecen más voces en Leon que en Outside , destacando un personaje que "suena como si ratas estuvieran trepando por su cuerpo" cuatro minutos después de la suite. Le sigue un movimiento más melódico de cinco minutos titulado "We'll Creep Together", que presenta el piano "ondulante" de Garson sobre una serie de efectos de sonido como ruidos de disparos. Le sigue "I'd Rather Be Chrome", que muestra una frase repetida a lo largo de toda la pieza y contiene más narración de Adler sobre, en palabras de Pegg, un "riff merodeador y pegadizo", antes de que la letra se adentre en temas previamente explorados en Low (1977). [7] [55]
La segunda suite, titulada "The Enemy Is Fragile", está catalogada por O'Leary como la pieza central de Leon . Presenta patrones similares a "A Small Plot of Land", junto con la interpretación funk de los músicos de apoyo, numerosos efectos de sonido y narración de Adler y Stone. Parte de la narración refleja temas presentes en El silencio de los corderos (1991). La pieza va creciendo hasta un clímax con varias frases repetidas antes de terminar con un relleno de batería. [7] [55] El resto de la suite consta de la primera aparición del Artista/Minotauro y varios sintetizadores, con piano y saxofón adicionales. Una sección, titulada "Nothing to Be Desired", se publicó como pista adicional en el CD single "The Hearts Filthy Lesson", y sigue siendo el único material de Leon que se lanzó oficialmente. Después de "Nothing to Be Desired" hay largas variaciones de las transiciones de "Baby Grace" y "Algeria Touchshriek". [7] [55]
La tercera y última suite, titulada "Leon Takes Us Outside", desarrolla aún más el carácter de Blank; la sección de apertura se convirtió en la apertura de Outside . Comienza como un instrumental jazzero con guitarra, piano y sintetizadores, con frases más repetitivas y narración de Adler y Stone; una secuencia transmite completamente la historia de Adler. Según O'Leary, la suite cierra con retroalimentación y un relleno de batería. Poco después del lanzamiento de Outside , Bowie expresó su interés en hacer que el material de Leon estuviera disponible oficialmente, aunque la idea nunca se concretó. [7] [55]
Sin sello por tercera vez en tres años, el lanzamiento de Outside se retrasó mientras Bowie intentaba encontrar un distribuidor estadounidense, comentando más tarde: "Nadie quería Outside cuando lo grabamos por primera vez". [7] En junio de 1995, Bowie firmó un contrato con Virgin America Records , [5] diciéndole a Music Connection en septiembre que el sello fue "extremadamente solidario" con el concepto de Outside y le permitió a Bowie un control creativo total en el estudio. [56] Además, Virgin adquirió los derechos del trabajo de Bowie desde Let's Dance (1983) hasta Tin Machine , reeditándolos durante el resto del año con pistas adicionales. En Gran Bretaña, Bowie firmó un nuevo contrato con BMG , que publicó Black Tie y Buddha en el país. BMG ahora estaba afiliada a RCA Records , el sello de Bowie durante la década de 1970 y del que se había ido en 1982. [5] [57]
"The Hearts Filthy Lesson" fue lanzado como el primer sencillo el 11 de septiembre de 1995. [7] Fue acompañado por un video musical dirigido por Samuel Bayer que inicialmente fue prohibido en MTV debido a imágenes provocativas. [3] [30] Comercialmente, el sencillo tuvo un desempeño pobre, alcanzando el puesto número 35 en el UK Singles Chart y el número 92 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos . Pegg y Trynka afirman que Bowie deseaba mostrar un video de "mérito artístico" en lugar de atractivo para las listas. [3] [4] [30]
Outside , estilizado como 1. Outside – The Nathan Adler Diaries: A Hyper-cycle , fue lanzado el 25 de septiembre de 1995 por Virgin America en los EE. UU. y Arista, BMG y RCA en otros territorios en formatos LP y CD. [9] [5] El lanzamiento en CD fue el álbum completo de 75 minutos, mientras que el lanzamiento en LP fue una versión abreviada titulada Excerpts From 1. Outside , que presentó ediciones acortadas de «Leon Takes Us Outside» y «The Motel» y eliminó las pistas «No Control», «Wishful Beginnings», «Thru' These Architects Eyes», «Strangers When We Meet», junto con múltiples transiciones. El lanzamiento en CD japonés incluyó la toma descartada «Get Real». La portada es una pintura sobre lienzo de 1995 del propio Bowie llamada Head of DB . [5] [58] Comercialmente, Outside alcanzó el puesto número 8 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 21 en el Billboard 200 de los Estados Unidos ; El perfil de Bowie en Estados Unidos había aumentado a través de la popularidad de la versión MTV Unplugged de Nirvana de " The Man Who Sold the World ", así como de artistas que citaron la influencia de Bowie como Nine Inch Nails , Smashing Pumpkins y Marilyn Manson . [3] [5] Debido a los pedidos anticipados, Outside se convirtió en el álbum de Bowie con mayor venta desde Tonight . [40]
Bowie promocionó Outside a través de varias apariciones en televisión. [59] «Strangers When We Meet» fue lanzado como un sencillo doble lado A con una nueva grabación de «The Man Who Sold the World» mezclada por Eno el 20 de noviembre de 1995. Alcanzó el puesto número 39 en el Reino Unido y fue apoyado por un video musical, nuevamente dirigido por Bayer. [60] Bowie interpretó la canción en los Premios MTV europeos el mismo mes. [59] «Hallo Spaceboy» fue lanzado como el tercer y último sencillo el 19 de febrero de 1996 en un nuevo remix con el dúo inglés Pet Shop Boys . [59] [61] La idea se originó del miembro Neil Tennant , quien agregó líneas que hacen referencia a Major Tom de « Space Oddity » (1969). [7] Pet Shop Boys posteriormente apareció en el video de la canción, dirigido por el director de Bowie de larga data, David Mallet , e interpretó la canción con Bowie en los Brit Awards en febrero y en Top of the Pops en marzo. El sencillo tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el puesto número 12 en el Reino Unido. El remix luego reemplazó a "Wishful Beginnings" en la reedición europea de Outside de marzo de 1996 titulada 1. Outside Version 2. [ 50]
Anticipándose a que la narrativa del álbum podría resultar inaccesible para los fans cuando fuera lanzado, uno de los ejecutivos discográficos en México, Arturo López Gavito, encargó un cómic para aclarar la historia. El cómic, un ejemplar único llamado Art-Crime , fue creado por dos jóvenes ilustradores, Victor "Pico" Covarrubias y Jotavé (Jazmin Velasco-Moore). [62] Fue regalado junto con el CD. [63]
En 1995, la escena musical del Reino Unido estaba dominada por bandas de britpop como Suede , Blur , Pulp y Oasis , todas ellas en deuda con las obras de Bowie de los años 70. En su libro The Last Party , el periodista británico John Harris afirma: "David Bowie fue una influencia mucho mayor en el britpop que cualquier artista de los años 60". [3] Pegg escribe que mientras artistas más antiguos como Paul Weller y Adam Ant lanzaban exitosos discos de britpop en 1995, Bowie se situaba en la tangente de artistas de rock industrial como Nine Inch Nails y artistas de techno como Tricky, Goldie y Chemical Brothers . [5] Buckley dice que el único disco que era estilísticamente similar a Outside en ese momento era Tilt de Scott Walker , [3] lanzado cuatro meses antes. [39]
Analizando más a fondo el panorama cultural más allá de la música en ese momento, Pegg afirma que Outside llegó junto con la "glamorosa crueldad" de Pulp Fiction (1994); "habitó el ambiente ciberpunk de mala calidad " de películas como Judge Dredd , Tank Girl y 12 Monkeys (todas de 1995); y exhibió elementos de " teorías de conspiración extraterrestres " traídas al primer plano en la televisión por The X-Files . [5] Outside también fue uno de los primeros álbumes en la era de Internet y mostró la misma "angustia pre-milenial" que el sencillo de Pulp de finales de 1995 " Disco 2000 ". Las pistas de Outside también se usaron en el entretenimiento. "The Hearts Filthy Lesson" sonó en los créditos finales de Seven (1995), mientras que "A Small Plot of Land" fue el tema principal de la miniserie de la BBC de 1996 A History of British Art . Finalmente, Pegg concluye: "Por primera vez desde Scary Monsters [de 1980] , Bowie había lanzado un álbum que abordaba el espíritu de la época en todos los niveles". [5]
Las críticas de Outside fueron mixtas en el momento de su lanzamiento. Si bien la mayoría elogió la música como desafiante, muchos sintieron que el concepto general era difícil de seguir, [39] y algunos lo encontraron "pretencioso". [28] [74] [75] Entre las críticas positivas, los críticos consideraron que Outside era el mejor disco de Bowie desde Scary Monsters . [j] Un escritor de la revista Time Out elaboró: "[El] edificio de sonidos, culturas, ritmos, samples y texturas, con letras aleatorias que no cuentan tanto una historia como crean estados de ánimo con palabras, considera al oyente de mente abierta el mejor álbum de Bowie en 15 años". [5] En The Daily Telegraph , Charles Shaar Murray dio la bienvenida a "un excelente álbum de David Bowie, un genuino renacimiento creativo. Amenazante y turbio ... Su don para lo carismáticamente perturbador parece haberse reafirmado". [5] Más tarde, en la revista Mojo , Murray lo consideró el álbum de regreso "oficial" de Bowie, elogiando la música como un recordatorio de la Trilogía de Berlín y concluyó: "[Es] un álbum loco, malo y peligroso, por momentos escalofriante, bonito, feo, aterrador, apasionante y sumamente intrigante". [28]
Algunos críticos encontraron la música entre las más innovadoras de Bowie; [77] un escritor de Melody Maker anunció que Bowie "está preparado para ser una influencia saludable una vez más en una quinta generación de camaleones glamorosos ". [5] Además, un crítico de NME afirmó: "El bisturí de Bowie está ciertamente más cerca del pulso que en años". [5] Otras publicaciones, como Today , consideraron que las interpretaciones vocales de Bowie a lo largo del disco eran algunas de las mejores. [40] Con respecto a las letras, David Fricke de Rolling Stone las apreció como "inteligentes", "efectivas" y "astutas", especialmente en "I Have Not Been to Oxford Town" y "A Small Plot of Land". [71] Sin embargo, criticó las transiciones habladas, argumentando que "casi hunden el disco". [71] Paul Verna de Billboard encontró que el álbum "tropieza" en las transiciones, afirmando que "hacen avanzar la trama pero tienen poco interés musical". Argumentaron que si los oyentes "seleccionan" lo que más les interesa a lo largo del disco, Outside "tiene una oportunidad de restablecer a Bowie como un artista vital". [29]
Otros críticos expresaron valoraciones más variadas. David Browne de Entertainment Weekly encontró que la mayor parte del disco sonaba como "forraje" y sintió que se beneficiaría de una ayuda visual, como a través de actuaciones de gira. [66] Sandy Masuo de Los Angeles Times disfrutó de ciertas pistas, pero sintió que, en general, Bowie estaba experimentando en géneros que, en 1995, otros artistas estaban haciendo con más éxito. [67] Gareth Grundy de la revista Select también encontró una falta de innovación musical, aunque destacó "Hallo Spaceboy", "No Control" y "We Prick You" como destacadas. [73] Algunos críticos creyeron que el álbum atraería a los fanáticos de toda la vida de Bowie, pero desagradaría a los más nuevos. [41] Tom Doyle de Q dijo: "Los habituales pueden sentirse estafados en el frente de la melodía y esas legiones que vinieron con Let's Dance seguramente se quedarán completa y absolutamente desconcertadas. Quizás, sin embargo, ese sea el punto". [70] El álbum también generó reacciones negativas. Grundy, en particular, calificó a Outside como "la cosa más tonta que Bowie ha hecho" desde el Glass Spider Tour. Además, Taylor Parkes de Ikon se quejó de que "el deseo desesperado de Bowie de ser considerado 'intelectual' ha apagado cualquier potencial de alquimia accidental" y rápidamente descartó el disco como un "lamentable saco de mierda ... simplista, confuso e inmaduro ... simplemente, basura". [5]
En una entrevista con Music Week a principios de 1995, Bowie no expresó interés en tocar el material de Outside en vivo, calificándolo de "un proyecto demasiado ambicioso". [20] Sin embargo, después de soportar la presión de Virgin, Bowie rescindió y comenzó los ensayos para una gira por Estados Unidos en agosto de 1995, extendiendo posteriormente el número de fechas a principios de septiembre y añadiendo una etapa europea. [78] La alineación de la gira incluía a Gabrels, Garson y Alomar, con nuevas incorporaciones como el vocalista George Simms del Serious Moonlight Tour de 1983 , el director musical Peter Schwartz, el baterista Zachary Alford y la bajista Gail Ann Dorsey , [79] quienes continuarían trabajando con Bowie con frecuencia en los años siguientes. La gira Outside comenzó el 14 de septiembre. [78]
Nine Inch Nails abrió los shows americanos. El líder Trent Reznor se sintió intimidado por la idea al principio, pero aceptó amablemente. [19] [79] Las listas de canciones consistieron principalmente en el material de Outside y temas más desconocidos de la carrera de Bowie, junto con reelaboraciones de temas más antiguos para adaptarse a los estilos del nuevo álbum. Hacia el final de los sets de apertura, Bowie se unió a Nine Inch Nails en el escenario, donde los dos artistas tocaron canciones de sus propios catálogos como " Subterraneans " (1977) y " Hurt " (1994), respectivamente. [19] [78] La fusión de los dos artistas se encontró con la resistencia de las bases de fans de ambos artistas. Chris Jones de Mojo informó que durante una actuación, Bowie fue arrojado con escombros de la multitud confundida. [80] La etapa americana concluyó a fines de octubre. [78] La asociación de la gira entre Bowie y Reznor facilitó que este último realizara numerosos remixes de Outside y Earthling , así como su aparición en el video musical de " I'm Afraid of Americans " (1997). [39]
La etapa europea comenzó en noviembre de 1995 con espectáculos en el Wembley Arena de Londres, con Morrissey como acto de apertura. [78] [81] Las tensiones entre Bowie y Morrissey aumentaron, lo que llevó a este último a partir poco después de que comenzara la etapa de la gira; las fechas restantes fueron inauguradas por varias bandas locales. [19] La gira concluyó el 20 de febrero de 1996. [78] Los espectáculos en el Reino Unido, particularmente las apariciones de Morrissey, fueron generalmente criticados por los críticos de conciertos. [81] A lo largo de la gira, muchos criticaron la decisión de Bowie de no cantar éxitos conocidos, a lo que respondió: "Si no sabían que no iba a estar [tocando los éxitos], deben haber estado viviendo bajo una piedra". [78] A pesar de la mala recepción de la gira por parte de los críticos contemporáneos, Pegg afirma que mostró la progresión musical de Bowie y fue su mejor gira en 20 años. [78] Las grabaciones de la gira se lanzaron más tarde en 2020 en los álbumes en vivo Ouvrez le Chien (Live Dallas 95) y No Trendy Réchauffé (Live Birmingham 95) , [82] [83] como parte de la serie Brilliant Live Adventures (2020-2021). [84]
La historia de Outside termina en un final de suspenso, [8] con un eslogan "continuará..." en el libreto del CD. [28] Bowie inicialmente imaginó el álbum como el primero de una serie de discos que se lanzarían cada año hasta el final del milenio. [9] [26] Afirmó: "Esta es una oportunidad única en la vida, mediante un recurso narrativo, de hacer una crónica de los últimos cinco años del milenio. La intención demasiado ambiciosa es llevar esto hasta el año 2000". [20] Además explicó a Ikon : [24]
En general, una ambición a largo plazo es hacer una serie de álbumes que se extiendan hasta 1999, para intentar capturar, utilizando este dispositivo, cómo se sienten los últimos cinco años de este milenio ... Oh, tengo las más grandes esperanzas para el Fin de Siècle . Lo veo como un rito sacrificial simbólico. Lo veo como una desviación, un deseo pagano de apaciguar a los dioses, para que podamos seguir adelante. Hay una verdadera hambruna espiritual ahí afuera que se está llenando con estas mutaciones de lo que son ritos y rituales apenas recordados. [...] Tenemos este botón de pánico que nos dice que va a ser una locura colosal al final de este siglo.
Después de haber grabado horas de material extra durante las sesiones, consideró lanzar un álbum complementario a Outside antes de revelar a principios de 1997 que la continuación se llamaría 2. Contamination , y había esbozado personajes para el proyecto (incluyendo algunas "personas del siglo XVII"). [k] [5] [86] También mencionó la posibilidad de lanzar un álbum llamado Inside que habría sido un making-of sobre Outside : "Nuestro método de trabajo [será] detallado en él, un par de jams y más de esas voces". [87] Sin embargo, ninguno de estos proyectos se concretó. Después de su experiencia en el Outside Tour, Bowie tomó ideas musicales y temas de Outside y los utilizó para crear Earthling . [46]
En 2016, un día después de la muerte de Bowie , Eno recordó: "Hace aproximadamente un año comenzamos a hablar sobre Outside , el último álbum en el que trabajamos juntos. A ambos nos gustó mucho ese álbum y sentimos que se había quedado en el olvido. Hablamos de revisitarlo, llevarlo a un lugar nuevo. Estaba ansioso por eso". [88]
Outside es a menudo brillante e inspirado, audazmente experimental y, en ocasiones, frustrantemente cercano a la genialidad, pero ligeramente inferior. Es, sin duda, más que cualquier otro álbum en el catálogo [de Bowie], un álbum completamente enamorado de las ideas y que se lanza a ellas con convicción y abandono. A Bowie le gustaba pensar en sí mismo como un curador, que escogía entre la cultura nociones interesantes y las probaba. En Outside , lo hace con mayor entusiasmo y gusto que tal vez nunca antes o desde entonces. [39]
—Adam Trainer, PopMatters , 2020
Tras la muerte de Bowie, los editores de la revista Prog declararon que Outside debería ser reevaluado como uno de sus mejores trabajos. [89] Al igual que en su lanzamiento original, los críticos posteriores continúan elogiando la música como desafiante, innovadora y entre sus mejores obras, pero encuentran la historia autoindulgente. [40] [69] [90] Perone argumenta que su narrativa no lineal hace que la experiencia de escucha sea difícil de seguir, y una en la que ciertas pistas que están inherentemente ligadas al tema del álbum, en particular las transiciones, resultan ineficaces como pistas independientes. [26] Sin embargo, en las décadas posteriores a su lanzamiento, Trynka sostiene que el auge de iTunes y los patrones de escucha no lineal a través de la reproducción aleatoria han hecho que las reacciones a Outside sean más positivas, y Garson luego lo calificó como un punto culminante de su carrera. [90] Parisien argumentó más tarde: "El esfuerzo requerido para 'procesar' adecuadamente [el álbum] da sus frutos en una experiencia ricamente voyeurista donde Bowie una vez más refleja la cultura marginal en la corriente principal y nos obliga a considerar que las diferencias no son tan grandes". [25] Por otro lado, Zimmerman afirmó que más allá de la lista de canciones en sí, el álbum "ofrecía poco en cuanto a melodías cohesivas". [47] Algunos también encontraron la producción anticuada, [40] y Spitz lo llamó "el trabajo más actual de Bowie desde su material folk hippie de finales de los sesenta". [91]
Varios han criticado Outside por ser demasiado largo; [3] [90] con casi 75 minutos, es el álbum de estudio más largo de Bowie. [5] En ese momento, Bowie comentó que era "extremadamente largo para la mayoría de los estándares de CD actuales" y que la accesibilidad no era una prioridad principal al hacerlo. [56] Sin embargo, él y Eno lamentaron más tarde su larga duración, [5] y el primero declaró en 1997: "Hay demasiado en él. Realmente debería haberlo hecho en dos CD". [92] Sandford está de acuerdo, afirmando que podría haber sido más pulido y recortado. [40] Además, Perone encuentra que "realmente pide ser escuchado [de una] sentada", [26] mientras que Trainer afirmó que la segunda mitad se hace pesada. [39]
En su reseña de Outside en su 25.º aniversario, Trainer dijo que se destaca como "un disco extraño, exasperantemente denso y a menudo brillante de (y de) un artista que , habiendo sido una de las principales luces de la música popular en los años 70, estaba recién inspirado". [39] Criticó la producción como anticuada y el concepto como demasiado subdesarrollado para tener un impacto duradero, pero señaló que sus mejores pistas se encuentran entre las mejores de Bowie. Concluyó que el disco "sigue siendo una escucha convincente, complicada, frustrante y defectuosa", y debido a su estado incompleto, argumentó que los fanáticos pueden terminarlo por su cuenta. [39] En su libro The Complete David Bowie , Pegg encuentra que Outside fue hecho para los fanáticos de Diamond Dogs , Low y Lodger en lugar de Let's Dance . Al describirlo como "un álbum triunfalmente inquietante, deliciosamente desagradable", concluye: " Outdoor sigue siendo tan brillante e intrigantemente inconcluso como seguramente siempre se supuso que sería". [5]
En una clasificación retrospectiva de 2016 de los 26 álbumes de estudio de Bowie del peor al mejor, Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock colocó a Outside en el puesto número 19 y escribió: "Es un marco sólido para que Bowie y Eno se vuelvan creativos: los fondos son confiablemente intrigantes, si no siempre satisfactorios". [93] Dos años más tarde, los escritores de Consequence of Sound clasificaron a Outside en el puesto número siete en una lista similar, por encima de discos aclamados como Blackstar (2016) y Station to Station (1976), afirmando que el álbum "tuvo éxito porque Bowie se comprometió por completo con su concepto y extrañeza". [94] En 2024, los editores de Uncut clasificaron al álbum en el puesto número 112 en su lista de "Los 500 mejores álbumes de la década de 1990", llamándolo un álbum "audazmente experimental" que evitó los estilos anteriores de Bowie y agregó que "en medio del negocio vanguardista y detectivesco, Mike Garson y otros viejos amigos crearon un drama apasionante". [95]
En 2003, Columbia Records reeditó Outside en CD en el Reino Unido, con otra reedición un año después que contenía pistas adicionales, incluidas 14 remezclas y caras B. En 2015, casi 20 años después de su lanzamiento original, Friday Music lanzó el álbum completo en vinilo como un set de doble LP. [5] En 2021, el álbum fue remasterizado e incluido como parte del box set Brilliant Adventure (1992-2001) . [96] [97]
Todas las letras están escritas por David Bowie [31]
Según las notas del álbum y el biógrafo Nicholas Pegg : [5] [31]
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