Scary Monsters (and Super Creeps) , también conocido simplemente como Scary Monsters , [a] es el decimocuarto álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 12 de septiembre de 1980 a través de RCA Records . Su primer álbum después de la Trilogía de Berlín ( Low , "Heroes" y Lodger ), Scary Monsters fue el intento de Bowie de crear un disco más comercial después de que la trilogía demostrara ser exitosa artísticamente pero no tanto comercialmente.
Coproducido por Bowie y Tony Visconti , Scary Monsters se grabó entre febrero y abril de 1980 en Power Station en la ciudad de Nueva York, y más tarde en Good Earth Studios en Londres. Gran parte del mismo personal de los lanzamientos anteriores regresó para las sesiones, con la guitarra adicional de Chuck Hammer y Robert Fripp , y una aparición especial de Pete Townshend . La música incorpora elementos de art rock , new wave y post-punk . A diferencia de la naturaleza improvisada de los lanzamientos anteriores, Bowie pasó tiempo escribiendo la música y las letras; varias se grabaron bajo títulos provisionales y algunas contenían elementos reelaborados de canciones anteriores inéditas. La portada del álbum es un collage a gran escala que muestra a Bowie vistiendo un disfraz de Pierrot , con referencias a sus lanzamientos anteriores en la funda trasera.
El primer sencillo del álbum , « Ashes to Ashes », revisó el personaje de Major Tom de « Space Oddity » y fue promocionado con un video musical inventivo . Scary Monsters obtuvo elogios de la crítica y comercial: encabezó la lista de álbumes del Reino Unido y restauró la posición comercial de Bowie en los EE. UU., alcanzando el puesto número 12. Scary Monsters luego sería referido por los comentaristas como el «último gran álbum» de Bowie y un punto de referencia para los lanzamientos posteriores. Fue el último álbum de estudio de Bowie para RCA y la última colaboración entre él y Visconti durante más de 20 años. Varias publicaciones lo han considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. El álbum ha sido reeditado varias veces y fue remasterizado en 2017 como parte del box set A New Career in a New Town (1977-1982) .
De 1976 a 1979, David Bowie grabó lo que se conocería como la Trilogía de Berlín , que consistió en Low , «Heroes» (ambos de 1977) y Lodger (1979), realizada en colaboración con el músico Brian Eno y el productor Tony Visconti . Aunque se consideró muy influyente, [1] la trilogía había demostrado ser menos exitosa comercialmente. [2] El desempeño comercial de Lodger , en particular, se vio obstaculizado por artistas que fueron influenciados por los lanzamientos anteriores de Berlín, como Gary Numan . [3] Según el biógrafo David Buckley, la fama de Numan indirectamente llevó a Bowie a tomar una dirección más comercial para su siguiente disco. [4]
La grabación del álbum comenzó en la Power Station de la ciudad de Nueva York en febrero de 1980. Bowie informó al productor Tony Visconti que este iba a ser un disco más comercial que sus lanzamientos anteriores. [5] [6] Eno no regresó, ya que terminó su colaboración con Bowie después de Lodger , afirmando que sentía que la Trilogía de Berlín se había "agotado" con ese disco. [7] Fue el quinto y último álbum de Bowie con la formación principal de Dennis Davis (batería), Carlos Alomar (guitarra) y George Murray (bajo), quienes habían estado juntos desde Station to Station (1976); solo Alomar continuó trabajando con Bowie a partir de entonces. [5]
El guitarrista de King Crimson, Robert Fripp , que tocó en "Heroes" , regresó para las sesiones, reemplazando al guitarrista de Lodger, Adrian Belew . [b] Bowie contrató a un guitarrista adicional, Chuck Hammer , después de escucharlo tocar con Lou Reed en Londres el año anterior. [5] Según los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray , Hammer agregó múltiples capas de texturas desplegando sintetizadores de guitarra y Fripp recuperó el mismo sonido distintivo que le dio a "Heroes" . [9] El pianista Roy Bittan , miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen , regresó de las sesiones de Station to Station . [c] [5]
Las sesiones iniciales en la Power Station duraron dos semanas y media, con una semana adicional utilizada para las sobregrabaciones . Las pistas completadas fueron únicamente instrumentales. [5] Una instrumental, titulada " Crystal Japan ", originalmente estaba destinada a ser la pista de cierre del álbum, pero se descartó a favor de una repetición de " It's No Game "; [d] [11] la repetición, titulada "It's No Game (No. 2)", se completó en su totalidad durante las sesiones iniciales. [5] Por sugerencia de Alomar, Bowie grabó una versión de "Kingdom Come" de Tom Verlaine . Bowie sintió que la pista era destacada del álbum solista homónimo de Verlaine de 1979 y le pidió a Verlaine que tocara la guitarra principal. Verlaine estuvo de acuerdo, aunque Fripp terminó tocando la guitarra principal. [e] [12]
Había un cierto grado de optimismo al hacer [ Scary Monsters ] porque había resuelto algunos de mis problemas, me sentía muy positivo sobre el futuro y creo que me puse a escribir un álbum realmente completo y bien elaborado. [5]
—David Bowie, 1999
En lugar de improvisar letras y música como lo había hecho en lanzamientos anteriores, Bowie se tomó su tiempo para componer y desarrollar las letras y melodías, [6] [5] asegurándose de que los músicos se adhirieran a sus estructuras pensadas antes de agregar sus propios toques personales. [8] Muchas de las pistas tenían títulos provisionales desde el principio. Algunos de estos incluían "People Are Turning to Gold" (" Ashes to Ashes "), "It Happens Everyday" (" Teenage Wildlife "), "Jamaica" (" Fashion "), "Cameras in Brooklyn" (" Up the Hill Backwards ") y "I Am a Laser" (" Scream Like a Baby "), que fue escrita y grabada originalmente en 1973 por un grupo de colaboradores de Bowie conocidos como Astronettes. [f] [6] [13] La letra de la canción principal , que se remonta a una canción de 1975 llamada "Running Scared", [14] se escribió en respuesta a una campaña promocional para el cereal Corn Flakes de Kellogg's , que ofrecía juguetes novedosos de "monstruos aterradores y superhéroes". [5] [10] Se grabaron otras pistas y se dejaron sin terminar, incluyendo "Is There Life After Marriage?" y una versión instrumental de " I Feel Free " de Cream ; esta última fue completamente versionada para Black Tie White Noise (1993). [15]
Las sesiones se reanudaron en abril de 1980 en Good Earth Studios en Londres, el estudio de Visconti en ese momento. [12] Fripp y el tecladista Andy Clark proporcionaron las últimas sobregrabaciones instrumentales , junto con una aparición especial del guitarrista de The Who, Pete Townshend , en «Because You're Young». [5] Las pistas vocales se grabaron al final, [5] [16] incluida la narración japonesa proporcionada por la actriz Michi Hirota para «It's No Game (No. 1)». [17]
En la época de Scary Monsters, el tipo de música que yo hacía se estaba volviendo muy aceptable ... definitivamente era el sonido de principios de los ochenta. [5]
—David Bowie, 1990
Los comentaristas han clasificado a Scary Monsters como art rock , [18] new wave y post-punk. [19] Escribiendo para AllMusic , Stephen Thomas Erlewine considera que Scary Monsters es una culminación de los trabajos de Bowie de los años 70 y que el sonido del disco no está "muy alejado del post-punk de principios de los 80". [20] Nicholas Pegg está de acuerdo, describiendo el disco como "la culminación triunfal de la fase art-rock de acero de Bowie y una puerta de entrada crucial al pop británico de principios de los 80". [5] En una retrospectiva de su carrera, Consequence of Sound describió a Scary Monsters como "un punto culminante del art pop con el que aún se comparan los futuros lanzamientos de Bowie". [21] Carr y Murray describen el sonido del álbum como más duro -y su visión del mundo más desesperada- que cualquier cosa que haya lanzado desde Diamond Dogs (1974). [9] El biógrafo Christopher Sandford escribe que líricamente, Scary Monsters reafirma temas que Bowie había explorado a lo largo de su carrera hasta ese momento, incluyendo la locura, la alienación y el "poder redentor del amor"; en este caso, sin embargo, Bowie es capaz de atraer al oyente en lugar de "congelarlo". [22]
El álbum abre con « It's No Game (No. 1) », que presenta siniestros loops de guitarra y la estridente interpretación vocal de Bowie, [23] que Chris O'Leary cita como reminiscente de la actuación de John Lennon en Plastic Ono Band (1970). [12] En parte tomada de una melodía más antigua titulada «Tired of My Life», presenta letras leídas por la actriz japonesa Michi Hirota, que fueron traducidas por Hisahi Miura. Hirota ofrece su actuación en lo que Buckley describe como una «voz machista, samurái», que se hizo por insistencia de Bowie como una forma de «romper un tipo particular de actitud sexista sobre las mujeres». [17] [23] James E. Perone escribe que la pista establece el tema del álbum de «eventos aterradores». [24]
La letra de « Up the Hill Backwards » trata sobre la lucha de enfrentar una crisis. [9] Bowie cita incorrectamente el libro de autoayuda de 1967 de Thomas Anthony Harris I'm OK – You're OK , una guía sobre cómo salvar las relaciones matrimoniales; [25] Carr y Murray ven esto como una referencia al divorcio de Bowie de Angie Bowie . [9] Musicalmente, presenta firmas de tiempo inusuales y un ritmo inspirado en Bo Diddley . [26] [27] Para la canción principal , la sección rítmica se inspiró en Joy Division ; la interpretación de batería de Davis ha sido comparada con la de Stephen Morris en « She's Lost Control » (1979). [28] [12] Descrita por Perone como punk rock , [24] la música está muy distorsionada, presentando la feroz forma de tocar la guitarra de Fripp, la batería palpitante de Davis y el acento cockney tratado de David Bowie . En cuanto a la letra, sigue una relación claustrofóbica entre una mujer (que se remonta a los días de Bowie en Berlín) y un hombre (los demonios dentro de Bowie). [14] [29]
" Ashes to Ashes " revisita el personaje de Major Tom de " Space Oddity " (1969). Más de diez años después, Major Tom es descrito como un "drogadicto", lo que se ha interpretado como un paralelo a las propias luchas de Bowie con la adicción a las drogas a lo largo de la década de 1970. [12] [30] Musicalmente, "Ashes to Ashes" está construida alrededor de un tema de sintetizador de guitarra de Hammer, aumentado por el sintetizador de Clark. Al igual que "Space Oddity" antes, la canción fue construida en etapas y presenta capas de instrumentos en su mezcla. [12] " Fashion " recuerda al anterior sencillo de Bowie " Golden Years ", con su mezcla de funk y reggae . Evolucionó a partir de una "parodia" de reggae iniciada por Clark en su sintetizador y presenta "chillidos" de guitarra de Fripp. Además de ser una pista de baile, la canción provoca elementos de fascismo , con letras como "somos el escuadrón de matones" y "gira a la izquierda, gira a la derecha". [12] [31] Las líneas "beep beep" fueron tomadas de una canción inédita anterior titulada "Rupert the Riley". [17]
« Teenage Wildlife », la canción más larga del álbum, es estructuralmente similar a « Heroes » , pero no tiene estribillo ; sus versos solo terminan con el título cantado sobre los descansos de guitarra de Fripp. Sus coros recuerdan a las Ronettes , mientras que el piano lo proporciona Roy Bittan. [12] [32] [33] La letra de la canción ha sido ampliamente interpretada. Una interpretación es que es un ataque a los imitadores de Bowie que surgieron a fines de la década de 1970, como Gary Numan , quien personalmente se creía un objetivo. [17] Carr y Murray afirman que la canción es Bowie reflexionando sobre su yo más joven, [9] mientras que Pegg la considera una confrontación con los críticos que intentaron evitar que Bowie evolucionara a lo largo de la década de 1970. [33] El propio Bowie escribió en 2008 que la letra habla sobre «tomar una visión a corto plazo de la vida, no mirar demasiado hacia el futuro y no predecir los golpes duros que se avecinan». [12] Aunque desciende de "I Am a Laser" de principios y mediados de los años 1970, " Scream Like a Baby " presenta un sonido new wave contemporáneo con letras de inestabilidad y encarcelamiento político , comparable con temas presentes en The Man Who Sold the World (1970). [9] [12] [34] Bowie grabó su voz usando varispeed , una técnica que muestra un efecto de "personalidad dividida". [17]
«Kingdom Come», la primera versión de Bowie en un álbum de estudio desde Station to Station , [35] está en la misma tonalidad que la original de Verlaine, [36] pero tiene un estilo más grandioso. [12] Doggett describe el arreglo como «una infeliz mezcla entre el sonido Motown y la esterilidad del AOR estadounidense ». [36] Líricamente, la canción presenta temas similares a otras pistas del álbum, incluida la frustración, el aburrimiento y la repetición. [36] [24] En el lanzamiento, Bowie dedicó «Because You're Young» a su hijo Duncan , que entonces tenía nueve años . Líricamente, la canción es similar a otras pistas de Scary Monsters , presentando a Bowie reflexionando y aconsejando a una generación más joven. Las contribuciones de Townshend se colocan bajas en la mezcla. [12] [37] [38] El álbum termina con « It's No Game (No. 2) », que proporciona un marcado contraste con «No. 1»; Presenta nuevas letras y es más suave y meditativo en todo momento. [23] Doggett escribe que mientras que "No. 1" "alcanzaba su clímax con señales de locura", "No. 2" "simplemente termina, drenando el color de todo lo que lo rodea". [39] De manera similar a cómo comienza el álbum, termina con el sonido de una cinta que se rebobina y se reproduce, aunque esta vez, se detiene por completo. [12] [23]
La portada de Scary Monsters es un collage a gran escala del artista Edward Bell que muestra a Bowie con el disfraz de Pierrot que usó en el video musical "Ashes to Ashes", junto con fotografías tomadas por el fotógrafo Brian Duffy . Según se informa, Duffy estaba molesto por la obra de arte final, ya que sintió que la caricatura degradaba sus fotografías. [5] [40] El disfraz de Pierrot, diseñado por Natasha Korniloff, se debe a la época en que Bowie actuó como mimo con la bailarina Lindsay Kemp en la obra de 1968 Pierrot in Turquoise . [16]
La funda trasera del LP original hacía referencia a cuatro álbumes anteriores, a saber, la Trilogía de Berlín inmediatamente anterior y Aladdin Sane de 1973 , este último también diseñado y fotografiado por Duffy. Las imágenes de portada de Low , "Heroes" y Lodger (la última muestra el torso de Bowie superpuesto a la figura de la foto desplegable interior de Aladdin Sane) fueron retratadas en pequeños marcos encalados a la izquierda de la lista de canciones. Las letras utilizadas fueron una reelaboración de las letras de Gerald Scarfe para The Wall de Pink Floyd , que se replicarían en muchas portadas de álbumes en los años siguientes. [5] [40] Estas imágenes no se reprodujeron en la reedición de Rykodisc en 1992, pero se restauraron para la edición remasterizada de EMI / Virgin de 1999. La obra de arte original del álbum enmarcada se presentó en la exhibición itinerante del museo David Bowie Is . [41]
El sencillo principal , «Ashes to Ashes», fue lanzado en forma editada por RCA Records el 1 de agosto de 1980, con la canción de Lodger «Move On» como lado B. [12] Se emitió en tres fundas diferentes, las primeras 100.000 copias incluyeron uno de los cuatro juegos de sellos, todos con Bowie con el traje de Pierrot que usó en el video musical de la canción. [30] La canción fue promocionada con un video musical que, con un presupuesto de £ 250,000 (equivalente a £ 1,400,000 en 2023), fue el video musical más caro realizado hasta ese momento. [42] Dirigido por David Mallet , quien dirigió todos los videos musicales de Lodger , [43] el video muestra a Bowie con un traje de Pierot diseñado por su ex colaboradora Natasha Korniloff. [12] Tanto el sencillo como el vídeo son considerados por los biógrafos como uno de los mejores de Bowie, [42] y Pegg afirma que dio inicio al movimiento New Romantic . [30] El sencillo debutó en el n.º 4 de la lista de sencillos del Reino Unido ; después de estrenar el vídeo musical en el programa de televisión de la BBC Top of the Pops , el sencillo saltó al n.º 1, convirtiéndose en el sencillo de Bowie con mayor venta y destronando a « The Winner Takes It All » de ABBA . Fue el segundo sencillo n.º 1 de Bowie en el Reino Unido, después de una reedición de «Space Oddity». [12] [30] [42] Sin embargo, el lanzamiento en Estados Unidos, que presenta «It's No Game (No. 1)» como lado B, tuvo peores resultados, alcanzando el n.º 79 en la lista Cash Box Top 100 y el n.º 101 en la lista Billboard Bubbling Under the Hot 100. [44]
Scary Monsters fue lanzado el 12 de septiembre de 1980. [16] RCA promocionó el álbum con el lema "Often Copied, Never Equalled", visto como una referencia directa a los actos de new wave que Bowie había inspirado a lo largo de los años. [40] El álbum fue un gran éxito comercial, alcanzando el puesto número 1 en la lista de álbumes del Reino Unido , su primero desde Diamond Dogs (1974), y permaneció en la lista durante 32 semanas, [45] su más largo tiempo desde Aladdin Sane (1973). [5] [46] El álbum restauró la posición comercial de Bowie en los EE. UU., [9] alcanzando el puesto número 12 en la lista Billboard Top LPs & Tape y permaneció en la lista durante 27 semanas. [47] Buckley escribe que con Scary Monsters , Bowie logró "el equilibrio perfecto" de creatividad y éxito comercial. [40]
El segundo sencillo, «Fashion», fue lanzado en forma editada el 24 de octubre de 1980, con «Scream Like a Baby» como lado B. [48] [49] El sencillo fue otro éxito comercial, alcanzando el puesto número 5 en el Reino Unido y el número 70 en los EE. UU. [31] Al igual que el primer sencillo, fue promocionado por un video musical dirigido nuevamente por Mallet. El video muestra a Bowie y sus músicos de apoyo como «tipos duros masticadores de chicle», intercalados con tomas de bailarines ensayando y seguidores del New Romantic. Al igual que «Ashes to Ashes», el video fue muy elogiado, y Record Mirror votó a ambos como los mejores videos musicales de 1980. [31] La canción principal fue lanzada como el tercer sencillo, nuevamente en forma editada, [34] el 2 de enero de 1981, respaldada por «Because You're Young». [49] El sencillo continuó el éxito comercial de Bowie en el Reino Unido, alcanzando el puesto número 20. [48] El cuarto y último sencillo, "Up the Hill Backwards", fue lanzado en marzo de 1981, con el sencillo japonés "Crystal Japan" como lado B. [49] Alcanzó el puesto número 32 en el Reino Unido, teniendo el peor desempeño de todos los sencillos. [48]
Scary Monsters recibió elogios universales de los críticos musicales. [5] Record Mirror le otorgó una calificación de siete estrellas de cinco; [51] la misma publicación votó a Bowie como el mejor cantante masculino de 1980, [55] al igual que el Daily Mirror . [5] Smash Hits le dio una calificación de 9 de 10, describiéndolo como "posiblemente su álbum de larga duración más consistentemente efectivo de todos". [53] Melody Maker lo llamó "un paso inquietantemente impresionante hacia los años 80", [56] mientras que Billboard predijo correctamente que "debería ser el LP de Bowie más accesible y comercialmente exitoso en años". [57] Robin Denselow de The Guardian estuvo de acuerdo, describiendo a Scary Monsters como "lleno de melodías accesibles, altamente originales que son cada vez más inaccesibles". [58]
Debra Rae Cohen de Rolling Stone consideró que el disco era una "aclaración" de las colaboraciones de Bowie con Eno y similar en línea a Aladdin Sane , y además encontró que Bowie "arreglaba viejas cuentas" a lo largo de Scary Monsters . [59] Su colega crítico Dave Marsh lo consideró uno de los mejores de Bowie, diciendo "si este es el nuevo rock artístico, estoy a favor". [52] Clint Roswell del New York Daily News también elogió el disco como el mejor de Bowie en años, nombrando "Ashes to Ashes", "Fashion", "Because You're Young" y la canción principal como canciones que reconocen al artista como "la figura preminente del pop". [60] Añadiendo más elogios estuvo James Johnson del Evening Standard , quien describió el "notable" LP como uno de los mejores del año y "demuestra que Bowie todavía puede mantener su dominio del rock mainstream cuando le da la gana". [61]
Jim Sullivan, del Boston Globe, consideró que el lado dos era más débil que el primero, pero concluyó que «Bowie sigue presentando un desafío complejo y estimulante». [62] Tom Sowa fue más moderado en The Spokesman-Review . Aclamó Scary Monsters como lo mejor de Bowie en cuatro años, destacando las contribuciones de Fripp y señaló «Ashes to Ashes» y «Because You're Young», pero criticó «Teenage Wildlife» como «cuatro minutos de plástico sobrecalentados, confusos y totalmente vergonzosos». [63] Murray le dio al álbum una evaluación más mixta en NME , afirmando: « Scary Monsters está despojado de toda esperanza, pero representa un llamado a las armas. Es un álbum que presupone la derrota, pero es desvergonzada e inequívocamente confrontativo». Además, lo llamó el disco de Bowie «realista». [64] En The New York Times , John Rockwell consideró que el álbum carecía de atractivo para todos los oyentes de rock debido a que era "demasiado deforme y feo, áspero y orgullosamente reservado". Sin embargo, lo consideró un "buen disco de su tipo particular". [65]
En su lista de fin de año, Record Mirror nombró a Scary Monsters como el segundo mejor álbum del año, detrás de Sound Affects de The Jam , [55] mientras que NME lo clasificó como el noveno mejor álbum del año. [66] En la encuesta anual de críticos musicales Pazz & Jop de The Village Voice , se ubicó en el puesto 19. [67]
Bowie decidió no apoyar a Scary Monsters en una gira de conciertos. En su lugar, continuó su carrera como actor interpretando el papel principal de Joseph "John" Merrick en la obra de Broadway The Elephant Man , que se presentó desde julio de 1980 hasta enero de 1981, y como actor invitado en la película Christiane F. (1981). [16] [68] [69] Después del asesinato de John Lennon en diciembre de 1980, Bowie se retiró a su casa en Suiza y se convirtió en un recluso. [68] [69] Sin embargo, continuó trabajando, grabando la canción principal de la película Cat People (1982) con Giorgio Moroder y " Under Pressure " con la banda de rock Queen en julio de 1981. [70] [71] Al mes siguiente, Bowie interpretó el papel principal en una adaptación de la BBC de la obra de Bertolt Brecht Baal y grabó un EP de banda sonora acompañante , ambos lanzados a principios de 1982. [72] También protagonizó las películas The Hunger y Merry Christmas, Mr. Lawrence , ambas lanzadas en 1983. [73] [74]
Bowie no lanzó otro álbum de estudio hasta Let's Dance , lanzado en abril de 1983. [75] Scary Monsters también fue el último álbum de estudio de Bowie para RCA Records, que había sido su sello desde Hunky Dory (1971). [76] Bowie estaba cada vez más insatisfecho con el sello, que sentía que estaba "explotando" su catálogo anterior. [5] Aunque RCA estaba dispuesta a renovar su contrato, Bowie firmó un nuevo contrato con EMI America Records , [77] y con Let's Dance comenzó una era de gran éxito comercial. [78]
En retrospectiva, Scary Monsters sigue recibiendo elogios. Jon Dolan de Spin escribió que, aunque la década de 1980 fue una década menos que estelar para el artista en términos creativos, comenzó la década con fuerza con Scary Monsters , elogiando la interpretación vocal de Bowie y describiendo "Ashes to Ashes" en particular como "magnífica". [84] Erlewine elogió el álbum por su culminación de las obras de Bowie de la década de 1970: "Si bien la música no está muy alejada del post-punk de principios de los 80, suena fresca, moderna y contemporánea, que es algo que Bowie perdió en el transcurso de los 80". [20] Eduardo Rivadavia elogió la "creatividad arriesgada" del disco en Ultimate Classic Rock , escribiendo que la decisión del artista de tomarse el tiempo para escribir letras resultó en algunas de las mejores letras e interpretaciones vocales de su carrera. Finalmente, calificó el álbum como uno de los "mejores esfuerzos profesionales" de Bowie. [86] El autor Peter Doggett describe Scary Monsters como una de las "declaraciones más valiosas" de Bowie, escribiendo que "anuló las expectativas de la audiencia" y lanzó una "advertencia para aquellos que pudieran atreverse a seguir sus pasos". [87]
Al reseñar la remasterización del álbum para el box set de 2017 A New Career in a New Town (1977–1982) , Chris Gerard de PopMatters destacó la interpretación vocal de Bowie en el disco como una de las mejores, y elogió aún más los arreglos y armonías de las canciones como "asombrosamente brillantes como cualquier cosa que encontrarás en el ámbito del rock 'n' roll". [88] Al analizar el álbum para su 40 aniversario en 2020, Ryan Leas de Stereogum describió a Scary Monsters como "el clásico menos anunciado de la carrera de Bowie", elogiando la forma en que Bowie pudo combinar las diferentes eras de su carrera hasta ese momento en un todo creativo. Leas concluyó: "[ Scary Monsters ] fue el álbum que mejor capturó todo lo que Bowie era, y siempre será el conducto a través del cual todo viajó, todos sus antiguos yo se plegaron y continuaron durante el resto de su vida. [89] En una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone , Scary Monsters fue votado como el séptimo mejor álbum de Bowie. La revista argumentó que sería su último álbum "satisfactorio de principio a fin". [90]
Reflexionando sobre el éxito crítico y comercial de Scary Monsters , Visconti declaró: "Sentimos que finalmente habíamos logrado nuestro Sgt. Pepper , una meta que teníamos en mente desde The Man Who Sold the World ". [5] Visconti dijo además: "Es uno de mis álbumes favoritos de Bowie". [91] A pesar de su brillante evaluación del álbum, Scary Monsters resultó ser la colaboración final entre Bowie y Visconti durante más de 20 años, después de que Bowie eligiera a Nile Rodgers para producir Let's Dance . [5] Aunque Bowie alcanzaría el megaestrellato mundial y el éxito comercial en los años siguientes, en particular con Let's Dance , muchos comentaristas consideran que Scary Monsters es "su último gran álbum" [20] [89] y el "punto de referencia" para cada nuevo lanzamiento. [5] Trabajos posteriores bien considerados como Outside (1995), [92] Earthling (1997), [93] Heathen (2002) y Reality (2003) fueron citados como "el mejor álbum desde Scary Monsters ". [94] Buckley sugirió que "Bowie debería ponerle pegatinas preventivas a su próximo álbum 'Best Since Scary Monsters ' y terminar con él". [95] El biógrafo Marc Spitz considera más preciso llamar al álbum el "último disco 'joven' de Bowie", en el sentido de que fue su "declaración final perfectamente segura" y la última vez que la "búsqueda de Bowie de lo 'nuevo' en nuestro mundo del sonido [se sintió] pura, en lugar de traicionarse a sí misma". [27]
Los biógrafos de Bowie siguen elogiando Scary Monsters . Pegg escribe que, en retrospectiva, Scary Monsters suena "tan fresco y dinámico como siempre", y puso fin a "la racha dorada de álbumes de vanguardia de Bowie". [5] O'Leary lo describió en 2019 como el álbum con el sonido más "moderno" de Bowie. [12] Spitz encuentra que el disco tiene una energía que sus álbumes "buenos" posteriores no tienen (nombrando Outside y Heathen ). [27] Doggett lo considera como una de las "declaraciones más valiosas" de Bowie, superando las expectativas de sus oyentes y al mismo tiempo enviando una advertencia a cualquiera que se atreviera a seguir sus pasos. [87] Sandford afirma que con Scary Monsters , Bowie "encontró su voz de nuevo" después de años de experimentación. [22] Perone elogia el álbum como "un equilibrio casi perfecto entre el pop y los lados experimentales [de Bowie]" y que sigue siendo uno de los "álbumes más importantes y consistentes" del artista. [24] En 2011, Paul Trynka escribió: " Scary Monsters todavía brilla hoy. Sus ritmos intensos y agitados suenan notablemente contemporáneos ... pero a pesar de la complejidad de sus arreglos hay muchos momentos de simplicidad natural". [96] Considera que el "respaldo denso, duro, rock-funk" del álbum influyó en bandas posteriores como Blur y The Strokes . [97] El productor de música electrónica estadounidense Skrillex nombró su EP de 2010 Scary Monsters and Nice Sprites en honor a Scary Monsters (y Super Creeps) . [98]
Scary Monsters ha aparecido en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos por múltiples publicaciones. En 2000, Q clasificó a Scary Monsters en el puesto número 30 en su lista de los "100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos". [99] En 2002, Pitchfork lo colocó en el puesto número 93 en su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980. [100] En 2012, Slant Magazine incluyó al álbum en el puesto número 27 en su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980, diciendo que "Bowie frena la experimentación de su trilogía de Berlín y canaliza esos floreos de sintetizador y riffs de guitarra fuera de lugar en uno de los álbumes pop más extravagantes de la década". [101] En 2013, NME clasificó al álbum en el puesto número 381 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [102] En 2018, Pitchfork lo colocó en el número 53 en su lista revisada de los 200 mejores álbumes de la década de 1980. [103] En 2020, Rolling Stone lo colocó en el número 443 en su revisión de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [104]
El álbum ha sido reeditado cinco veces hasta la fecha en disco compacto. Fue lanzado por primera vez en CD por RCA a mediados de la década de 1980. Un segundo lanzamiento en CD, en 1992 por Rykodisc y EMI , contenía cuatro pistas adicionales. [105] Un lanzamiento en CD de 1999 por EMI / Virgin , sin pistas adicionales, presentó un sonido remasterizado digitalmente de 24 bits. [106] El álbum fue reeditado en 2003 por EMI como Super Audio CD , nuevamente sin pistas adicionales. [107] En 2017, el álbum fue remasterizado para el box set A New Career in a New Town (1977-1982) lanzado por Parlophone . [108] Fue lanzado en CD, vinilo y formatos digitales, tanto como parte de esta compilación como luego por separado el año siguiente. [88] [109]
Todas las canciones escritas por David Bowie , excepto donde se indique lo contrario.
Créditos del álbum según las notas del álbum y el biógrafo Nicholas Pegg. [5] [110]
Producción
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