Scary Monsters (y Super Creeps) , también conocido simplemente como Scary Monsters , [a] es el decimocuarto álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 12 de septiembre de 1980 a través de RCA Records . Su primer álbum después de la Trilogía de Berlín ( Low , "Heroes" y Lodger ), Scary Monsters , fue el intento de Bowie de crear un disco más comercial después de que la trilogía resultó exitosa artísticamente pero no tanto comercialmente.
Coproducida por Tony Visconti , Scary Monsters se grabó entre febrero y abril de 1980 en la Power Station de la ciudad de Nueva York y más tarde en los Good Earth Studios de Londres. Gran parte del mismo personal de lanzamientos anteriores regresó para las sesiones, con guitarra adicional de Chuck Hammer y Robert Fripp , y una aparición especial de Pete Townshend . La música incorpora elementos del art rock , new wave y post-punk . A diferencia de la naturaleza de improvisación de lanzamientos anteriores, Bowie dedicó tiempo a escribir la música y la letra; varios se grabaron con títulos provisionales y algunos contenían elementos reelaborados de canciones anteriores inéditas. La portada del álbum es un collage a gran escala que muestra a Bowie vistiendo un disfraz de Pierrot , con referencias a sus lanzamientos anteriores en la contraportada.
El sencillo principal del álbum , " Ashes to Ashes ", revisó el personaje de Major Tom de " Space Oddity " y fue promocionado con un ingenioso vídeo musical . Scary Monsters obtuvo elogios comerciales y de la crítica: encabezó la lista de álbumes del Reino Unido y restauró la posición comercial de Bowie en los EE. UU., alcanzando el puesto 12. Más tarde, los comentaristas se referirían a Scary Monsters como el "último gran álbum" de Bowie y un punto de referencia para lanzamientos posteriores. . Fue el último álbum de estudio de Bowie para RCA y la última colaboración entre él y Visconti durante más de 20 años. Varias publicaciones lo han considerado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. El álbum ha sido reeditado varias veces y remasterizado en 2017 como parte de la caja A New Career in a New Town (1977-1982) .
De 1976 a 1979, David Bowie grabó lo que se conoció como la " Trilogía de Berlín ", que constaba de Low , "Heroes" (ambas de 1977) y Lodger (1979). Realizada en colaboración con el músico Brian Eno y el productor Tony Visconti , la trilogía fue muy influyente. [1] Low fue visto como un precursor del post-rock y el post-punk , [2] [3] influyendo en artistas como Joy Division y Human League , [4] mientras que el uso de la música mundial por parte de Lodger se atribuye a inspirar artistas como Talking Heads y Paul Simon . [5]
Aunque se consideró artísticamente significativa, la trilogía había tenido menos éxito comercial. [6] La actuación comercial de Lodger se vio obstaculizada por artistas que fueron influenciados por los lanzamientos anteriores de Berlín, como Gary Numan . [7] Numan, un gran admirador de Bowie, fue menospreciado por los seguidores de Bowie como un mero imitador. El propio Bowie criticó a Numan, lo que provocó una larga disputa entre los dos artistas. Según el biógrafo David Buckley, la fama de Numan llevó indirectamente a Bowie a tomar una dirección más comercial para su próximo disco. [8]
Había un cierto grado de optimismo al hacer Scary Monsters porque había superado algunos de mis problemas, me sentía muy positivo sobre el futuro y creo que me puse a escribir un álbum realmente completo y bien elaborado. [9]
–David Bowie, 1999
En febrero de 1980, Bowie viajó a la Power Station de la ciudad de Nueva York para comenzar a grabar su próximo álbum. Visconti regresó de la "Trilogía de Berlín", a quien Bowie le dijo inmediatamente que este iba a ser un disco más comercial que sus lanzamientos anteriores. [9] [10] Eno no regresó, habiendo terminado su colaboración con Bowie después de Lodger , afirmando que sentía que la "Trilogía de Berlín" se había "agotado" con ese disco. [11] La alineación principal de Dennis Davis , Carlos Alomar y George Murray regresó para las sesiones; este sería el quinto y último álbum de Bowie que presentaría esta formación, que habían estado juntas desde Station to Station (1976). Sólo Alomar seguiría trabajando con Bowie en lo sucesivo. [9] Adrian Belew , que tocó en Lodger , le dijo a Buckley que recibió un pago por adelantado para tocar en las sesiones y se sorprendió al encontrar el disco hecho sin él. [10] En lugar de Belew, el guitarrista de King Crimson , Robert Fripp , que tocó en "Heroes" , regresó, junto con el recién llegado Chuck Hammer , a quien Bowie contrató después de escucharlo tocar con Lou Reed en Londres el año anterior. [9] Según los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray , Hammer agregó múltiples capas de textura implementando un sintetizador de guitarra y Fripp recuperó el mismo sonido distintivo que le prestó a "Heroes" . [12] Al regresar de las sesiones de Station to Station estaba el pianista Roy Bittan , que estaba grabando The River (1980) de Bruce Springsteen al mismo tiempo en el mismo estudio. [9] [12]
Las sesiones iniciales en la Power Station se llevaron a cabo durante dos semanas y media, con una semana adicional para sobregrabaciones. Durante este tiempo, sólo se completó en su totalidad "It's No Game (No. 2)". Las pistas restantes fueron únicamente instrumentales. [9] Durante las sesiones, Alomar sugirió grabar una versión de "Kingdom Come" de Tom Verlaine . Bowie sintió que la pista era la más destacada del álbum solista homónimo de Verlaine de 1979 , afirmando que "simplemente encaja en el esquema disperso de las cosas". [13] Bowie le pidió a Verlaine que tocara la guitarra principal en la pista. Verlaine aceptó, pero a su llegada al estudio, probó numerosos amplificadores de guitarra para "obtener el sonido correcto", mientras Bowie y Visconti lo dejaban en paz. Visconti recordó: "No creo que alguna vez hayamos usado una nota de su forma de tocar, si es que lo grabamos". En cambio, Fripp terminó tocando la guitarra solista. [13] Durante estas sesiones se grabó un instrumental titulado " Crystal Japan "; Originalmente estaba destinado a ser la pista de cierre del álbum, pero se eliminó a favor de una repetición de "It's No Game". En cambio, fue lanzado como sencillo en Japón, haciendo su primera aparición en un comercial de televisión japonés de 1980 para la bebida Shōchū Crystal Jun Rock. [14] [13]
En lugar de improvisar letras y música como lo había hecho en lanzamientos anteriores, Bowie informó a Visconti que quería tomarse un tiempo para componer y desarrollar las letras y melodías; [10] Visconti recordó: "En lugar de escribir inmediatamente melodías y letras terminadas, David rogó que nos tomáramos un largo descanso para pensarlo todo, por lo que aplazamos la sesión hasta dos meses después en Londres". [9] Buckley escribe que lo que Bowie presentó a Visconti fueron "algunas de las melodías más innovadoras de su carrera". [10] Según el biógrafo Nicholas Pegg , algunas de las letras escritas a mano se incluyeron en la exposición David Bowie Is de 2013 . [9] Muchas de las pistas tenían títulos de trabajo desde el principio. En un casete fechado en marzo de 1980 en el archivo de Visconti, algunas de las pistas incluían "People Are Turning to Gold" (más tarde "Ashes to Ashes"), "It Happens Everyday" (más tarde "Teenage Wildlife") y "Jamaica" (se convirtió en " Fashion" al final del desarrollo del álbum). [10] En este punto del desarrollo del álbum, "Up the Hill Backwards" era conocido como "Cameras in Brooklyn" y "Scream Like a Baby" como "I Am a Laser", escrito originalmente en 1973 y grabado por las Astronettes ( formado por los colaboradores de Bowie, Ava Cherry y Geoff MacCormack ) en Olympic Studios el mismo año. [15] Pegg escribe que había una canción llamada "¿Hay vida después del matrimonio?" que fue grabado y dejado inconcluso durante las sesiones. También se grabó una versión instrumental de " I Feel Free " de Cream y se dejó sin terminar, aunque se recuperó para Black Tie White Noise de 1993 . [16] Según Pegg, la letra de la canción principal fue escrita en respuesta a una campaña promocional del cereal Kellogg's Corn Flakes , que ofrecía juguetes novedosos de "Scary Monsters and Super Heroes". [9]
Las sesiones se reanudaron en abril de 1980 en Good Earth Studios de Londres, el propio estudio de Visconti en ese momento. [13] Aquí, se grabaron todas las voces, [9] incluida la narración japonesa proporcionada por la actriz Michi Hirota para "It's No Game (No. 1)". [17] Fripp y el teclista Andy Clark proporcionaron sobregrabaciones instrumentales adicionales , junto con una aparición especial del guitarrista de Who, Pete Townshend, en "Because You're Young". [9] Townshend, que estaba lidiando con numerosos problemas personales en ese momento, llegó al estudio de mal humor; Cuando Townshend preguntó a Bowie y Visconti qué querían de él, respondieron "acordes de Pete Townshend". En última instancia, sus contribuciones quedaron en un lugar secundario. [13]
En la época de Scary Monsters, el tipo de música que estaba haciendo se estaba volviendo muy aceptable ... definitivamente era el sonido de principios de los ochenta. [9]
–David Bowie, 1990
Los comentaristas han clasificado a Scary Monsters como art rock , [18] new wave y post-punk. [19] Stephen Thomas Erlewine , que escribe para AllMusic , considera Scary Monsters como la culminación de las obras de Bowie de los años 1970. También considera que el sonido del disco no está "muy alejado del post-punk de principios de los 80". [20] Pegg está de acuerdo y describe el disco como "la culminación triunfante de la férrea fase art-rock de Bowie y una puerta crucial al pop británico de principios de los 80". [9] En una retrospectiva de su carrera, Consequence of Sound describió Scary Monsters como "un hito del arte pop con el que todavía se comparan los futuros lanzamientos de Bowie". [21] El propio Bowie consideró el sonido del disco como "el epítome del sonido new wave de la época". [9] Carr y Murray describen el sonido del álbum como más duro – y su visión del mundo más desesperada – que cualquier cosa que haya lanzado desde Diamond Dogs (1974). [12] El biógrafo Christopher Sandford escribe que líricamente, Scary Monsters reafirma temas que Bowie había explorado a lo largo de su carrera hasta ese momento, incluida la locura, la alienación y el "poder redentor del amor"; Sin embargo, en este caso, Bowie puede atraer al oyente en lugar de "congelarlo". [22]
El álbum se abre con " It's No Game (No. 1) ", que presenta loops de guitarra siniestros y la interpretación vocal de Bowie, [23] que Chris O'Leary cita como una reminiscencia de la actuación de John Lennon en Plastic Ono Band (1970). . [13] En parte tomado de una melodía anterior titulada "Tired of My Life", presenta letras leídas por la actriz japonesa Michi Hirota, que fueron traducidas por Hisahi Miura. Hirota ofrece su actuación en lo que Buckley describe como una "voz de macho, samurái", que se hizo ante la insistencia de Bowie como una forma de "romper un tipo particular de actitud sexista hacia las mujeres". [17] [23] James Perone escribe que la pista establece el tema del álbum de "eventos aterradores". [24] La letra de " Up the Hill Backwards " trata sobre la lucha de enfrentar una crisis. [12] Bowie cita erróneamente el libro de autoayuda de Thomas Anthony Harris de 1967 Estoy bien – Estás bien , una guía sobre cómo salvar las relaciones matrimoniales; [25] Carr y Murray ven esto como una referencia al divorcio de Bowie de Angie Bowie . [12] Musicalmente, presenta compases inusuales y un ritmo inspirado en Bo Diddley . [26] [27] La canción principal se remonta a una canción de 1975 titulada "Running Scared", que David Bowie interpretó originalmente para Iggy Pop . [28] La sección rítmica se inspiró en Joy Division ; La interpretación de batería de Davis ha sido comparada con la de Stephen Morris en " She's Lost Control " (1979). [29] [13] Descrito por Perone como punk rock , [24] la música está muy distorsionada, presentando la feroz forma de tocar la guitarra de Fripp, los golpes de batería de Davis y el acento cockney tratado de Bowie . Líricamente, sigue una relación claustrofóbica entre una mujer (que se remonta a los días de Bowie en Berlín) y un hombre (los demonios dentro de Bowie). [28] [30]
" Ashes to Ashes " revisita el personaje del Mayor Tom de " Space Oddity " (1969). Más de diez años después, se describe al Mayor Tom como un "drogadicto", lo que se ha interpretado como un paralelo de las propias luchas de Bowie contra la adicción a las drogas a lo largo de la década de 1970. [13] [31] En 1990, Bowie reconoció "Ashes to Ashes" como una confrontación de su pasado: "Tienes que acomodar tu pasado dentro de tu persona. Tienes que entender por qué pasaste por ellos ... No puedes simplemente ignorarlo". para sacarlos de tu mente o fingir que no sucedieron, o simplemente decir: 'Oh, entonces yo era diferente ' " . [32] Musicalmente, "Ashes to Ashes" se basa en un tema de sintetizador de guitarra de Hammer, aumentado por el sintetizador de Clark. Al igual que "Space Oddity" antes, la canción se construyó en etapas y presenta capas de instrumentos en su mezcla. [13] " Fashion " recuerda al antiguo sencillo de Bowie " Golden Years ", con su mezcla de funk y reggae . Evolucionó a partir de una "parodia" de reggae iniciada por Clark en su sintetizador y presenta "chillidos" de guitarra de Fripp. Además de ser una pista de baile, la canción provoca elementos del fascismo , con letras como "somos el escuadrón de matones" y "gira a la izquierda, gira a la derecha". [13] [33] Las líneas "bip bip" fueron tomadas de una canción inédita titulada "Rupert the Riley". [17]
" Teenage Wildlife ", la pista más larga del álbum, es estructuralmente similar a " ' Heroes ' " pero no incluye estribillo ; sus versos sólo terminan con el título cantado sobre los descansos de guitarra de Fripp. Sus coros recuerdan a las Ronettes , mientras que el piano corre a cargo de Roy Bittan. [13] [34] [35] La letra de la canción ha sido ampliamente interpretada. Una interpretación es que son un ataque a los imitadores de Bowie que surgieron a finales de los años 1970, como Gary Numan , quien personalmente se creía un objetivo. [17] Carr y Murray afirman que la canción es Bowie reflexionando sobre su yo más joven, [12] mientras que Pegg la considera una confrontación con los críticos que intentaron evitar que Bowie evolucionara a lo largo de la década de 1970. [35] El propio Bowie escribió en 2008 que la letra trata sobre "tener una visión breve de la vida, no mirar demasiado hacia adelante y no predecir los duros golpes que se avecinan". [13] Aunque desciende de "I Am a Laser" de principios y mediados de la década de 1970, " Scream Like a Baby " presenta un sonido new wave contemporáneo con letras de inestabilidad y encarcelamiento político , comparable con temas presentes en The Man Who Sold the World. (1970). [12] [13] [36] Bowie grabó su voz usando varispeed , una técnica que muestra un efecto de "personalidad dividida". [17]
Su primera versión de un álbum de estudio desde Station to Station , [37] "Kingdom Come" está en el mismo tono que el original de Verlaine, [38] pero tiene un estilo más grandioso. [13] Doggett describe el arreglo como "un cruce infeliz entre el sonido de Motown y la esterilidad del AOR estadounidense ". [38] Líricamente, la canción presenta temas similares a otras pistas del álbum, incluida la frustración, el aburrimiento y la repetición. [38] [24] En el lanzamiento, Bowie dedicó "Because You're Young" a su hijo Duncan , que entonces tenía nueve años . Líricamente, la canción es similar a otras pistas de Scary Monsters , y presenta a Bowie reflexionando y aconsejando a una generación más joven. Las contribuciones de Townshend ocupan un lugar bajo en la mezcla. [13] [39] [40] El álbum termina con " It's No Game (No. 2) ", que proporciona un marcado contraste con "No. 1"; presenta letras nuevas y es más suave y meditativo en todas partes. [23] Doggett escribe que mientras que "No. 1" "llegó a su clímax con las señales de locura", "No. 2" "simplemente termina, drenando el color de todo lo que lo rodea". [41] De manera similar a como comienza el álbum, termina con el sonido de una cinta rebobinándose y reproduciéndose, aunque esta vez se detiene. [13] [23]
La portada de Scary Monsters es un collage a gran escala realizado por el artista Edward Bell que presenta a Bowie con el disfraz de Pierrot usado en el video musical "Ashes to Ashes", junto con fotografías tomadas por el fotógrafo Brian Duffy . Según los informes, Duffy estaba molesto por la obra de arte final, ya que sentía que la caricatura degradaba sus fotografías. La contraportada del LP original hacía referencia a cuatro álbumes anteriores, a saber, el inmediatamente anterior "Berlin Trilogy" y Aladdin Sane de 1973 , este último también fue diseñado y fotografiado por Duffy. Las imágenes de portada de Low , "Heroes" y Lodger , la última que muestra el torso de Bowie superpuesto a la figura de la fotografía interior de Aladdin Sane, fueron retratadas en pequeños marcos encalados a la izquierda de la lista de canciones. Las letras utilizadas fueron una reelaboración de las letras de Gerald Scare para The Wall de Pink Floyd , que se replicarían en muchas portadas de álbumes en los años siguientes. [42] [9] Estas imágenes no fueron reproducidas en la reedición de Rykodisc en 1992, pero fueron restauradas para la edición remasterizada de 1999 de EMI / Virgin . La obra de arte original enmarcada del álbum apareció en la exposición itinerante del museo David Bowie Is . [43]
El sencillo principal , "Ashes to Ashes", fue lanzado en forma editada por RCA Records el 1 de agosto de 1980, con la pista de Lodger "Move On" como cara B. [13] Se publicó en tres portadas diferentes, las primeras 100.000 copias incluían uno de los cuatro juegos de sellos, todos con Bowie con el traje de Pierrot que usó en el video musical de la canción. [31] La canción se promocionó con un vídeo musical , que por 250.000 libras esterlinas (equivalente a 1.100.000 libras esterlinas en 2021) fue el vídeo musical más caro jamás realizado hasta ese momento. [44] Dirigido por David Mallet , quien dirigió todos los videos musicales de Lodger , [45] el video muestra a Bowie con un traje de Pierot diseñado por su ex colaboradora Natasha Korniloff. [13] Tanto el sencillo como el vídeo son considerados por los biógrafos como uno de los mejores de Bowie, [44] y Pegg afirma que impulsó el movimiento Nuevo Romántico . [31] El sencillo debutó en el puesto 4 de la lista de sencillos del Reino Unido ; Después de estrenar el vídeo musical en el programa de televisión de la BBC Top of the Pops , el sencillo saltó al número 1, convirtiéndose en el sencillo de Bowie de mayor venta y destronando a " The Winner Takes It All " de ABBA . Fue el segundo sencillo número uno de Bowie en el Reino Unido, después de una reedición de "Space Oddity". [13] [31] [44] Sin embargo, el lanzamiento en EE. UU., que presenta "It's No Game (No. 1)" como cara B, tuvo peores resultados, alcanzando el puesto 79 en la lista Cash Box Top 100 y el No. 101 en la lista Billboard Bubbling Under the Hot 100 . [46]
RCA publicó Scary Monsters el 12 de septiembre de 1980, con el número de catálogo RCA BOW LP 2. [9] Fue promocionado por RCA con la línea promocional "Often Copied, Never Equalled", vista como una referencia directa a los actos de la nueva ola que Bowie había tenido. inspirado a lo largo de los años. [42] El álbum fue un gran éxito comercial, alcanzando el puesto número 1 en la lista de álbumes del Reino Unido , el primero desde Diamond Dogs (1974), y permaneció en la lista durante 32 semanas, [47] la más larga desde Aladdin Sane (1973). ). [9] [48] El álbum restauró la posición comercial de Bowie en los EE. UU., [12] alcanzando el puesto número 12 en la lista Billboard Top LPs & Tape y permaneció en la lista durante 27 semanas. [49] Buckley escribe que con Scary Monsters , Bowie logró "el equilibrio perfecto" entre creatividad y éxito general. [42]
El segundo sencillo, "Fashion", fue lanzado en forma editada el 24 de octubre de 1980, con "Scream Like a Baby" como cara B. [50] [51] El sencillo fue otro éxito comercial, alcanzando el puesto número 5 en el Reino Unido y el número 70 en Estados Unidos. [33] Al igual que el primer sencillo, fue promocionado mediante un vídeo musical nuevamente dirigido por Mallet. El vídeo muestra a Bowie y sus músicos de apoyo como "tipos duros que mascan chicle", intercalados con tomas de bailarines ensayando y seguidores del Nuevo Romántico. Al igual que "Ashes to Ashes", el vídeo fue muy elogiado y Record Mirror votó ambos como los mejores vídeos musicales de 1980. [33] La canción principal fue lanzada como tercer sencillo, nuevamente en forma editada, [36] el 2 de enero. 1981, con el respaldo de "Porque eres joven". [51] El sencillo continuó el éxito comercial de Bowie en el Reino Unido, alcanzando el puesto 20. [50] El cuarto y último sencillo, "Up the Hill Backwards", fue lanzado en marzo de 1981, con el sencillo japonés que no forma parte del álbum "Crystal Japón" como cara B. [51] Alcanzó el puesto 32 en el Reino Unido, con el peor desempeño de todos los sencillos. [50]
Scary Monsters recibió elogios universales de los críticos musicales. [9] Record Mirror le otorgó una calificación de siete estrellas sobre cinco; [53] la misma publicación votó a Bowie como el mejor cantante masculino de 1980, [57] al igual que el Daily Mirror . [9] Melody Maker lo llamó "un paso inquietantemente impresionante hacia los años 80", [58] mientras que Billboard predijo correctamente que "debería ser el LP de Bowie más accesible y comercialmente exitoso en años". [59] Robin Denselow de The Guardian estuvo de acuerdo y describió Scary Monsters como "lleno de melodías accesibles y muy originales que son cada vez más inaccesibles". [60]
Debra Rae Cohen de Rolling Stone encontró que el disco era una "aclaración" de las colaboraciones de Bowie con Eno y similar en tono a Aladdin Sane , encontrando además a Bowie "arreglando viejas cuentas" a lo largo de Scary Monsters . [61] Su compañero crítico Dave Marsh lo consideró uno de los mejores de Bowie y dijo: "si este es el nuevo art-rock, estoy a favor". [54] Clint Roswell del New York Daily News también elogió el disco como el mejor de Bowie en años, nombrando "Ashes to Ashes" , "Fashion", "Because You're Young" y la canción principal como canciones que reconocen al artista. como "la figura destacada del pop". [62] James Johnson del Evening Standard añadió más elogios , quien describió el "notable" LP como uno de los mejores del año y "demuestra que Bowie aún puede mantener su dominio del rock convencional cuando le apetezca". [63]
Jim Sullivan, del Boston Globe , encontró que el lado dos era más débil que el primero, pero concluyó que "Bowie continúa presentando un desafío complejo y estimulante". [64] Tom Sowa fue más suave en The Spokesman-Review . Elogió Scary Monsters como lo mejor de Bowie en cuatro años, destacó las contribuciones de Fripp y destacó "Ashes to Ashes" y "Because You're Young", pero criticó "Teenage Wildlife" como "cuatro minutos de plástico sobrecalentados, confusos y totalmente vergonzosos". ". [65] Murray dio al álbum una evaluación más variada en NME , afirmando: " Scary Monsters está desprovisto de toda esperanza, pero representa un llamado a las armas. Es un álbum que presupone la derrota, pero es descarada e inequívocamente conflictivo". Lo llamó además el disco de Bowie del "realista". [66] En The New York Times , John Rockwell consideró que el álbum carecía de atractivo para todos los oyentes de rock debido a que era "demasiado deformemente feo, tremendamente abrasivo y orgullosamente reservado. Sin embargo, lo consideró un "buen disco en su tipo particular". ". [67] Record Mirror lo nombró el segundo mejor álbum del año, detrás de Sound Affects by the Jam , [57] mientras que NME lo clasificó como el noveno mejor álbum del año. [68]
En febrero de 1980, durante las sesiones de Scary Monsters , Jack Hofsiss , el director de la obra de Broadway The Elephant Man , se acercó a Bowie para protagonizar el papel principal de Joseph "John" Merrick , un inglés gravemente deforme que fue rescatado de un espectáculo de fenómenos del cirujano Frederick Treves en la Inglaterra victoriana de la década de 1880. Hofsiss vio a Bowie en El hombre que cayó a la Tierra (1976) y creyó que su presencia encajaría con el papel. Bowie aceptó el papel en junio de 1980 e investigó exhaustivamente a Merrick durante la preparación. Retrató a Merrick mediante la mímica en lugar del uso de maquillaje. La obra se estrenó en Denver, Colorado y se desarrolló desde julio de 1980 hasta enero de 1981, y Bowie recibió inmensos elogios por su actuación. [69] [70] Bowie persiguió otros proyectos durante la ejecución de la obra, incluida la filmación de una aparición en la película de Uli Edel Christiane F. (1981) y la filmación del video musical de "Fashion" en octubre. [71]
El 8 de diciembre de 1980, el amigo de Bowie, John Lennon , con quien trabajó en Young Americans (1975), [72] fue asesinado frente a su edificio de apartamentos en Nueva York. Más tarde se descubrió que su asesino, Mark David Chapman , había asistido a una representación anterior de El hombre elefante , e incluso consideraba a Bowie un objetivo. [73] La muerte de Lennon tuvo un gran impacto en Bowie, quien se negó a renovar su contrato para la obra a principios de enero y canceló sus planes para promocionar Scary Monsters en una gira de conciertos en 1981. Posteriormente, Bowie se retiró a su casa en Suiza y se convirtió en recluso. [69] [70] Sin embargo, Bowie continuó trabajando; En julio de 1981 colaboró con Giorgio Moroder para la canción principal de la película Cat People (1982) de Paul Schrader . En la misma sesión grabó " Under Pressure " con la banda de rock Queen . [74] [75] Más tarde comenzó los ensayos para interpretar el papel principal en una adaptación de la BBC de la obra Baal de Bertolt Brecht , dirigida por Alan Clarke . La obra fue grabada en agosto de 1981 y transmitida en marzo de 1982. Bowie también grabó un EP con la banda sonora de la obra, que fue lanzado por RCA en febrero de 1982 para coincidir con la transmisión. Tras su estreno, Baal fue bien recibido y se destacó la actuación de Bowie. [71] Durante 1982, Bowie también filmó apariciones en The Hunger y Merry Christmas, Mr. Lawrence , ambas estrenadas en 1983. [76] [77]
Bowie no lanzaría otro álbum de estudio hasta Let's Dance de 1983 . Scary Monsters fue también el último álbum de estudio de Bowie para RCA Records, que había sido su sello desde Hunky Dory (1971). [78] Bowie estaba cada vez más insatisfecho con la discográfica, que sentía que estaba "ordeñando" su catálogo anterior. [9] Bowie también estaba ansioso por que expirara su acuerdo de indemnización de 1975 con su antiguo manager Tony Defries , que debía expirar en septiembre de 1982. [73] Aunque RCA estaba dispuesta a volver a firmar, Bowie firmó un nuevo contrato con EMI . America Records , [79] y con Let's Dance , comenzaron una era de gran éxito comercial. [80]
Retrospectivamente, Scary Monsters sigue recibiendo elogios. Jon Dolan de Spin escribió que aunque la década de 1980 fue una década menos que estelar para el artista creativamente, comenzó la década con fuerza con Scary Monsters , elogiando la interpretación vocal de Bowie y describiendo "Ashes to Ashes" en particular como "hermosa". [86] Erlewine elogió el álbum por su culminación de las obras de Bowie de la década de 1970: "Si bien la música no está muy alejada del post-punk de principios de los 80, suena fresca, moderna y contemporánea, que es algo que Bowie perdió". a lo largo de los años 80." [20] Eduardo Rivadavia elogió la "creatividad arriesgada" del disco en Ultimate Classic Rock , escribiendo que la decisión del artista de tomarse el tiempo para escribir letras resultó en algunas de las mejores letras e interpretaciones vocales de su carrera. Finalmente calificó el álbum como uno de los "mejores esfuerzos profesionales de Bowie". [88] El autor Peter Doggett describe Scary Monsters como una de las "declaraciones más valiosas" de Bowie, escribiendo que "anuló las expectativas de la audiencia" y lanzó una "advertencia para aquellos que se atrevan a seguir sus pasos". [89]
Al revisar la remasterización del álbum para la caja de 2017 A New Career in a New Town (1977-1982) , Chris Gerard de PopMatters destacó la interpretación vocal de Bowie en el disco como una de las mejores, complementando aún más los arreglos y armonías de las canciones como "jaw- increíblemente brillante como cualquier cosa que puedas encontrar en el reino del rock 'n' roll." [90] Al analizar el álbum para su 40 aniversario en 2020, Ryan Leas de Stereogum describió Scary Monsters como "el clásico menos anunciado de la carrera de Bowie", felicitando la forma en que Bowie fue capaz de combinar las diferentes épocas de su carrera hasta ese momento. apuntar a un todo creativo. Leas concluyó: "[ Scary Monsters ] fue el álbum que mejor capturó todo lo que era Bowie, y siempre será el conducto a través del cual todo viajó, todo su antiguo yo se plegó y continuó por el resto de su vida. [ 91 ] En una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone , Scary Monsters fue votado como el séptimo mejor álbum de Bowie. La revista argumentó que sería su último álbum "satisfactorio de principio a fin".
Reflexionando sobre el éxito comercial y de crítica de Scary Monsters , Visconti declaró: "Sentimos que finalmente habíamos logrado nuestro Sgt. Pepper , un objetivo que teníamos en mente desde El hombre que vendió el mundo ". [9] Visconti dijo además: "Es uno de mis álbumes favoritos de Bowie". [93] A pesar de su brillante evaluación del álbum, Scary Monsters resultó ser la colaboración final entre Bowie y Visconti durante más de 20 años, después de que Bowie eligiera a Nile Rodgers para producir Let's Dance . [9] Aunque Bowie alcanzaría el mega estrellato mundial y el éxito comercial en los años siguientes, en particular con Let's Dance , muchos comentaristas consideran Scary Monsters como "su último gran álbum" [20] [91] y el "punto de referencia" para cada nuevo lanzamiento. [9] Trabajos posteriores bien considerados como Outside (1995), [94] Earthling (1997), [95] Heathen (2002) y Reality (2003) fueron citados como "el mejor álbum desde Scary Monsters ". [96] Buckley sugirió que "Bowie debería etiquetar preventivamente su próximo álbum 'Best Since Scary Monsters ' y terminar con eso". [97] El biógrafo Marc Spitz considera más exacto llamar al álbum "el último disco 'joven' de Bowie", ya que fue su "declaración perfectamente segura" final y la última vez que la "búsqueda de lo 'nuevo' de Bowie en nuestro mundo del sonido [se sentía] puro, en lugar de traicionarse a sí mismo". [27]
Los biógrafos de Bowie siguen elogiando Scary Monsters . Pegg escribe que, retrospectivamente, Scary Monsters suena "tan fresco y dinámico como siempre" y puso fin a "la racha dorada de álbumes de vanguardia de Bowie". [9] O'Leary lo describió en 2019 como el álbum con el sonido más "moderno" de Bowie. [13] Spitz considera que el disco tiene una energía que sus "buenos" álbumes posteriores no tienen (nombrando Outside y Heathen ). [27] Doggett la considera como una de las "declaraciones más valiosas" de Bowie, superando las expectativas de sus oyentes y al mismo tiempo enviando una advertencia a cualquiera que se atreviera a seguir sus pasos. [89] Sandford afirma que con Scary Monsters , Bowie "encontró su voz de nuevo" después de años de experimentación. [22] Perone elogia el álbum como "un equilibrio casi perfecto entre el pop y el lado experimental [de Bowie]" y que sigue siendo uno de los "álbumes más importantes y consistentes" del artista. [24] En 2011, Paul Trynka escribió: " Scary Monsters todavía brilla hoy. Sus ritmos intensos y agitados suenan notablemente contemporáneos ... pero a pesar de la complejidad de sus arreglos, hay muchos momentos de simple simplicidad". [98] Considera que el "respaldo denso, duro, de rock y funk" del álbum influyó en bandas posteriores como Blur and the Strokes . [99]
Scary Monsters ha aparecido en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos mediante múltiples publicaciones. En 2000, Q clasificó a Scary Monsters en el puesto 30 de su lista de los "100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos". [100] En 2002, Pitchfork lo colocó en el puesto 93 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980. [101] En 2012, Slant Magazine incluyó el álbum en el puesto 27 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980, diciendo: "Bowie frena la experimentación de su trilogía de Berlín y canaliza esas florituras de sintetizador y licks de guitarra fuera de lugar en uno de Los álbumes pop más extravagantes de la década." [102] En 2013, NME clasificó el álbum en el puesto 381 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [103] En 2018, Pitchfork lo colocó en el puesto 53 en su lista revisada de los 200 mejores álbumes de la década de 1980. [104] En 2020, Rolling Stone lo colocó en el puesto 443 en su revisión de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [105]
El álbum ha sido reeditado cinco veces hasta la fecha en disco compacto. Fue lanzado por primera vez en CD por RCA Records a mediados de la década de 1980. Un segundo lanzamiento en CD, en 1992 de Rykodisc y EMI , contenía cuatro pistas extra. [106] Un CD de 1999 de EMI / Virgin , sin pistas extra, presentaba sonido remasterizado digitalmente de 24 bits. [107] El álbum fue relanzado en 2003 por EMI como un Super Audio CD , nuevamente sin pistas extra. [108] En 2017, el álbum fue remasterizado para la caja A New Career in a New Town (1977-1982) lanzada por Parlophone . [109] Fue lanzado en formato CD, vinilo y digital, como parte de esta compilación y luego por separado al año siguiente. [90] [110]
Todas las canciones escritas por David Bowie , excepto donde se indique lo contrario.
Créditos del álbum según las notas y el biógrafo Nicholas Pegg. [9] [111]
Producción
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