Damien Steven Hirst ( / h ɜːr s t / ; né Brennan ; nacido el 7 de junio de 1965) es un artista y coleccionista de arte inglés. [1] Es uno de los Jóvenes Artistas Británicos (YBA) que dominaron la escena artística en el Reino Unido durante la década de 1990. [2] [3] Según se informa, es el artista vivo más rico del Reino Unido, con una riqueza estimada en 384 millones de dólares según la lista de ricos del Sunday Times de 2020 . [4] [5] [6] Durante la década de 1990 su carrera estuvo estrechamente vinculada con la del coleccionista Charles Saatchi , pero las crecientes fricciones llegaron a un punto crítico en 2003 y la relación terminó. [7]
La muerte es un tema central en las obras de Hirst. [8] [9] Se hizo famoso por una serie de obras de arte en las que se conservan animales muertos (entre ellos un tiburón, una oveja y una vaca), a veces disecados, en formaldehído . El más conocido de ellos fue La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo , un tiburón tigre de 4,3 m (14 pies) sumergido en formaldehído en una vitrina transparente. También ha realizado " pinturas giratorias ", creadas sobre una superficie circular giratoria, y "pinturas puntuales", que son filas de círculos de colores aleatorios creados por sus asistentes. [ cita necesaria ]
En septiembre de 2008, Hirst hizo un movimiento sin precedentes para un artista vivo [10] al vender una exposición completa, Beautiful Inside My Head Forever , en Sotheby's mediante subasta y evitando sus galerías de larga data. [11] La subasta recaudó £111 millones ($198 millones), rompiendo el récord para una subasta de un solo artista [12] así como el propio récord de Hirst con £10,3 millones por The Golden Calf , un animal con cuernos de oro de 18 quilates y Pezuñas, conservadas en formaldehído. [11]
Desde 1999, las obras de Hirst han sido cuestionadas y impugnadas por plagiadas 16 veces. En un caso, después de que se descubrió que su escultura Hymn estaba basada estrechamente en un juguete infantil, los procedimientos legales llevaron a un acuerdo extrajudicial . [13]
Hirst nació como Damien Steven Brennan en Bristol [14] [15] y creció en Leeds con su madre irlandesa que trabajaba para la Oficina de Asesoramiento a los Ciudadanos . Nunca conoció a su padre; su madre se casó con su padrastro cuando Hirst tenía dos años y la pareja se divorció 10 años después. Según los informes, su padrastro era mecánico de motores. [dieciséis]
Su madre afirmó que perdió el control de su hijo cuando era pequeño, ya que fue arrestado en dos ocasiones por hurto. [16] Hirst la ve como alguien que no toleraría la rebelión: cortó sus pantalones bondage y calentó uno de sus discos de vinilo de Sex Pistols en la cocina para convertirlo en un frutero [17] (o en una maceta). [18] Él dice: "Si a ella no le gustaba cómo estaba vestido, rápidamente me sacaba de la parada de autobús". Sin embargo, ella fomentó su gusto por el dibujo, que fue su única materia educativa exitosa. [17]
Su profesor de arte en la escuela Allerton Grange "suplicó" [17] que a Hirst se le permitiera ingresar al sexto curso, [17] donde tomó dos niveles A, logrando una calificación "E" en arte. [16] Se le negó la admisión al Jacob Kramer College cuando presentó su solicitud por primera vez, pero asistió a la escuela de arte después de una posterior solicitud exitosa para el curso Foundation Diploma. [dieciséis]
Asistió a una exposición de obras de Francis Davison , organizada por Julian Spalding en la Hayward Gallery en 1983. [19] Davison creó collages abstractos a partir de papeles de colores rasgados y cortados que, según Hirst, "me dejaron boquiabierto", y que modeló. su propio trabajo durante los próximos dos años. [19]
Trabajó durante dos años en obras de construcción en Londres, luego estudió Bellas Artes en el Goldsmiths College (1986-1989), [16] aunque nuevamente le negaron una plaza la primera vez que presentó su solicitud. En 2007, el tutor principal de Goldsmiths, Michael Craig-Martin, citó a Hirst diciendo sobre An Oak Tree : "Creo que esa pieza es la mejor pieza de escultura conceptual. Todavía no puedo sacármela de la cabeza. " [20] Mientras era estudiante, Hirst estuvo en una morgue , una experiencia que influyó en sus temas y materiales posteriores. [21] Mientras estudiaba arte, Hirst fue asistente en la galería de Anthony d'Offay . [22] [23] [24]
En julio de 1988, en su segundo año en Goldsmiths College, Hirst fue el organizador principal de una exposición estudiantil independiente, Freeze , en un bloque administrativo en desuso de la Autoridad Portuaria de Londres en los Docklands de Londres . Obtuvo el patrocinio para este evento de la London Docklands Development Corporation . La exposición fue visitada por Charles Saatchi , Norman Rosenthal y Nicholas Serota , gracias a la influencia de su profesor de Goldsmiths, Michael Craig-Martin . La propia contribución de Hirst a la exposición consistió en un grupo de cajas de cartón pintadas con pintura doméstica. [25] Después de graduarse, Hirst fue incluido en la exposición New Contemporaries y en una exposición colectiva en la galería Kettle's Yard en Cambridge . En busca de un marchante de galería, se dirigió primero a Karsten Schubert , pero fue rechazado.
Hirst, junto con su amigo Carl Freedman y Billee Sellman, comisarió dos exposiciones emprendedoras de "almacén" en 1990, Modern Medicine and Gambler , en una antigua fábrica de galletas Peek Freans de Bermondsey a la que denominaron "Building One". [26] [27] Saatchi llegó al segundo espectáculo en un Rolls-Royce verde y, según Freedman, se quedó boquiabierto de asombro frente (y luego compró) la primera gran instalación "animal" de Hirst, Mil años . que consiste en una gran vitrina que contiene gusanos y moscas que se alimentan de la cabeza de una vaca en descomposición. [28] También montaron Market de Michael Landy . [27] En ese momento, Hirst dijo: "No puedo esperar a estar en una posición para hacer arte realmente malo y salirme con la mía. En este momento, si hacía ciertas cosas, la gente las miraría, las consideraría y luego "Di 'que te jodan'. Pero después de un tiempo puedes salirte con la tuya". [19]
1987 – Damien Hirst y Holden Rowan, Old Court Gallery, Windsor Arts Centre, Windsor, Reino Unido – Curador Derek Culley [29]
1988 – Damien Hirst: Construcciones y Escultura, Old Court Gallery, Windsor, Reino Unido -Curador Derek Culley [29]
1988 – Freeze, Surrey Docks, Londres, Reino Unido [29]
1989 – Nuevos Contemporáneos, Instituto de Arte Contemporáneo, Londres, Reino Unido [29]
1990 – Medicina Moderna, Building One, Londres, Reino Unido [29]
1990 – Gambler, Building One, Londres, Reino Unido [29]
1990 – Edificio Uno, Galería Emmanuel Perrotin, París, FR [29]
Su primera exposición individual, organizada por Tamara Chodzko – Dial, In and Out of Love , se llevó a cabo en una tienda en desuso en Woodstock Street, en el centro de Londres, en 1991; [30] ya en 1989 había formado parte de una exposición colectiva en el Instituto de Arte Contemporáneo , [31] y en la Galería Emmanuel Perrotin de París. [32] La Serpentine Gallery presentó el primer estudio de la nueva generación de artistas con la exposición Broken English , [33] comisariada en parte por Hirst. [34] En 1991, Hirst conoció al prometedor marchante de arte, Jay Jopling , quien entonces lo representaba. [35]
En 1991, Charles Saatchi se había ofrecido a financiar cualquier obra de arte que Hirst quisiera hacer, y el resultado se exhibió en 1992 en la primera exposición de Jóvenes Artistas Británicos en la Galería Saatchi en el norte de Londres. El trabajo de Hirst se tituló La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo y era un tiburón en formaldehído en una vitrina y se vendió por 50.000 libras esterlinas. El tiburón había sido capturado por un pescador contratado en Australia y había costado £6.000. [36] La exposición también incluyó En mil años . Como resultado del programa, Hirst fue nominado para el Premio Turner de ese año , pero fue otorgado a Grenville Davey .
La primera gran presentación internacional de Hirst fue en la Bienal de Venecia en 1993 con la obra Mother and Child Divided , una vaca y un ternero cortados en secciones y exhibidos en una serie de vitrinas separadas. Fue curador de la muestra Some Went Mad, Some Ran Away en 1994 en la Serpentine Gallery de Londres, donde expuso Away from the Flock (una oveja en un tanque de formaldehído). El 9 de mayo, Mark Bridger, un artista de Oxford de 35 años, entró en la galería, vertió tinta negra en el tanque y retituló la obra Black Sheep . Posteriormente fue procesado, por deseo de Hirst, y se le impuso dos años de libertad condicional. La escultura fue restaurada a un coste de 1.000 libras esterlinas. Cuando se reprodujo una fotografía de Away from the Flock en el libro de Hirst de 1997 Quiero pasar el resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, para siempre, ahora, se hizo referencia al vandalismo al permitir que el tanque oscurecerse tirando de una tarjeta, reproduciendo el efecto de la tinta que se vierte en el tanque; Esto resultó en que Bridger demandara a Hirst por violar sus derechos de autor sobre Black Sheep. [37]
En 1995, Hirst ganó el Premio Turner. Los funcionarios de salud pública de Nueva York prohibieron Two Fucking and Two Watching con una vaca y un toro en descomposición, por temor a "vómitos entre los visitantes". Hubo exposiciones individuales en Seúl , Londres y Salzburgo . Dirigió el video del tema " Country House " para la banda Blur . Al año siguiente se realizó su primera exposición individual en la Gagosian Gallery de Nueva York, No Sense of Absolute Corruption . En Londres se proyectó el cortometraje Hang Around , escrito y dirigido por Hirst y protagonizado por Eddie Izzard . En 1997 se inauguró la exposición Sensation en la Royal Academy de Londres. Se incluyeron Mil años y otras obras de Hirst, pero la principal controversia se produjo sobre las obras de otros artistas. Sin embargo, fue visto como la aceptación formal de los YBA en el establecimiento. [38]
En 1997, se publicó su autobiografía y libro de arte, Quiero pasar el resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, para siempre, ahora . Con Alex James de la banda Blur y el actor Keith Allen , formó la banda Fat Les , logrando un éxito número 2 con una estridente canción con temática de fútbol, Vindaloo , seguida de Jerusalem con el London Gay Men's Chorus . Hirst también pintó un patrón de color simple para la sonda Beagle 2 . Este patrón se utilizaría para calibrar las cámaras de la sonda después de su aterrizaje en Marte . Rechazó la invitación del British Council para ser representante del Reino Unido en la Bienal de Venecia de 1999 porque "no le parecía bien". [39] Amenazó con demandar a British Airways alegando una violación de los derechos de autor por un diseño de anuncio con manchas de colores para su aerolínea de bajo presupuesto, Go . [40]
En 2000, la escultura Hymn de Hirst (que Saatchi había comprado por un millón de libras esterlinas) obtuvo la primera posición en la exposición Ant Noises (un anagrama de "sensación") en la Galería Saatchi. Luego, Hirst fue demandado por violación de los derechos de autor sobre esta escultura (ver Apropiación a continuación). [41] Hirst vendió tres copias más de su escultura por cantidades similares a las de la primera. [42] En septiembre de 2000, en Nueva York, Larry Gagosian celebró la exposición Hirst, Damien Hirst: modelos, métodos, enfoques, suposiciones, resultados y hallazgos . 100.000 personas visitaron la muestra en 12 semanas y toda la obra se vendió. [43]
El 10 de septiembre de 2002, en vísperas del primer aniversario de los ataques del 11 de septiembre al World Trade Center, Hirst dijo en una entrevista con BBC News Online:
Lo que pasa con el 11 de septiembre es que es como una obra de arte en sí misma. Fue malvado, pero fue ideado de esta manera para este tipo de impacto. Fue ideado visualmente... Hay que reconocérselo en algún nivel porque han logrado algo que nadie hubiera creído posible, especialmente para un país tan grande como Estados Unidos. Entonces, en un nivel, necesitan felicitaciones, algo que mucha gente evita, lo cual es algo muy peligroso. [44]
La semana siguiente, tras la indignación pública por sus comentarios, emitió una declaración a través de su empresa, Science Ltd:
Pido disculpas sin reservas por cualquier malestar que haya causado, en particular a las familias de las víctimas de los acontecimientos de ese terrible día. [45]
En 2002, Hirst dejó de fumar y beber después de que su esposa Maia se quejara y "tuviera que mudarse porque yo era muy horrible". Conoció a Joe Strummer (ex cantante principal de The Clash ) en Glastonbury en 1995, se hicieron buenos amigos y pasaron vacaciones familiares anuales con él. Poco antes de la Navidad de 2002, Strummer murió de un infarto. Esto tuvo un profundo efecto en Hirst, quien dijo: "Fue la primera vez que me sentí mortal". Posteriormente dedicó mucho tiempo a fundar una organización benéfica, Strummerville , para ayudar a los jóvenes músicos. [17]
En abril de 2003, la Galería Saatchi abrió sus puertas en un nuevo local en County Hall, Londres , con una muestra que incluyó una retrospectiva de Hirst. Esto llevó a un punto crítico la creciente tensión en su relación con Saatchi [7] (una fuente de discordia había sido quién era el mayor responsable de impulsar su perfil mutuo). Hirst se desvinculó de la retrospectiva hasta el punto de no incluirla en su CV. [7] Estaba enojado porque un auto Mini que había decorado para caridad con sus puntos característicos se exhibía como una obra de arte seria. [7] La exposición también echó por tierra una posible retrospectiva de Hirst en la Tate Modern . [7] Dijo que Saatchi era "infantil" [17] y "No soy el organillo de Charles Saatchi... Él sólo reconoce el arte con su billetera... cree que puede afectar los valores del arte con poder adquisitivo, y todavía cree que puede hacerlo". [7]
En septiembre de 2003, presentó una exposición Romance in the Age of Uncertainty en la galería White Cube de Jay Jopling en Londres, lo que le reportó 11 millones de libras esterlinas, [17] elevando su riqueza a más de 35 millones de libras esterlinas. Se informó que una escultura, Charity , había sido vendida por £1,5 millones a un coreano, Kim Chang-Il, que pretendía exhibirla en la galería de sus grandes almacenes en Seúl . [46] La escultura de 22 pies (6,7 m) y 6 toneladas se basó en el modelo de la Spastic Society de la década de 1960, que es el de una niña con grilletes en las piernas sosteniendo una caja de recolección. En la versión de Hirst, la caja de recolección se muestra abierta y vacía.
Charity se exhibió en el centro de Hoxton Square , frente a White Cube. Dentro de la galería de la planta baja había 12 vitrinas que representaban a los discípulos de Jesús, cada caja contenía en su mayoría artículos horripilantes, a menudo manchados de sangre, relevantes para el discípulo en particular. Al final había una vitrina vacía, que representaba a Cristo. Arriba había cuatro pequeñas vitrinas, cada una de las cuales contenía una cabeza de vaca clavada con tijeras y cuchillos. Ha sido descrita como una "experiencia extraordinariamente espiritual" en la tradición de la imaginería católica. [47] En ese momento, Hirst volvió a comprar 12 obras de Saatchi (un tercio de las propiedades de Saatchi en las primeras obras de Hirst), a través de Jay Jopling, supuestamente por más de £ 8 millones. Hirst había vendido estas piezas a Saatchi a principios de la década de 1990 por bastante menos; sus primeras instalaciones costaron menos de 10.000 libras esterlinas. [7]
El 24 de mayo de 2004, un incendio en el almacén de Momart destruyó muchas obras de la colección Saatchi, incluidas 17 de Hirst, aunque la escultura Charity sobrevivió, ya que estaba afuera en el patio del constructor. Ese julio, Hirst dijo de Saatchi: "Respeto a Charles. En realidad no hay una pelea. Si lo veo, hablamos, pero en realidad nunca fuimos compañeros de bebida". [17]
Hirst diseñó una imagen de portada para el sencillo benéfico Band Aid 20 con " Grim Reaper " a finales de 2004, y una imagen que muestra a un niño africano sentado sobre sus rodillas. [48] Este diseño no fue del agrado de los ejecutivos de la discográfica, [ ¿quién? ] y fue reemplazado por renos en la nieve junto a un niño. [49]
En diciembre de 2004, Saatchi vendió La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo al coleccionista estadounidense Steve Cohen, por 8 millones de dólares, en un acuerdo negociado por el agente de Hirst en Nueva York, Gagosian. [50] Cohen, un administrador de fondos de cobertura de Greenwich, luego donó la obra al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Sir Nicholas Serota había querido adquirirlo para la Tate Gallery, y Hugo Swire , ministro en la sombra de las Artes, preguntó si el gobierno se aseguraría de que permaneciera en el país. [51]
Hirst expuso 30 pinturas en la Galería Gagosian de Nueva York en marzo de 2005. Tardaron tres años y medio en completarse. Se basaron estrechamente en fotografías, en su mayoría de asistentes (que rotaban entre pinturas) pero con un acabado final a cargo de Hirst. [52] También en 2005, Hirst fundó la editorial de libros de arte Other Criteria. [53]
En febrero de 2006, inauguró una importante muestra en México, en la Galería Hilario Galguera, llamada La muerte de Dios, hacia una mejor comprensión de la vida sin Dios a bordo del barco de los locos , exposición que atrajo considerable cobertura mediática como la primera muestra de Hirst en América Latina. [54] En junio de ese año, expuso junto a la obra de Francis Bacon ( Triptychs ) en la Gagosian Gallery, Britannia Street, Londres, una exposición que incluía la vitrina, A Thousand Years (1990), y cuatro trípticos: pinturas, medicina gabinetes y una nueva obra formaldehída titulada La tranquilidad de la soledad (para George Dyer) , influenciada por Bacon. [55]
Mil años (1990) [56] contiene un ciclo de vida real. Los gusanos eclosionan dentro de una caja minimalista blanca, se convierten en moscas y luego se alimentan de una cabeza de vaca cortada y ensangrentada en el piso de una vitrina de vidrio claustrofóbica. Arriba, las moscas nacidas zumban en el espacio cerrado. Muchos encuentran un final violento en un insecto-cortador; otros sobreviven para continuar el ciclo. [57] Mil años fue admirado por Bacon, quien en una carta a un amigo un mes antes de morir, escribió sobre la experiencia de ver la obra en la Galería Saatchi de Londres. [58] Margarita Coppack señala que "Es como si Bacon, un pintor sin heredero directo en ese medio, estuviera entregando el testigo a una nueva generación". [59] Hirst ha reconocido abiertamente su deuda con Bacon, [60] absorbiendo las imágenes viscerales y obsesiones del pintor desde el principio y dándoles existencia concreta en forma escultórica con obras como Mil años . [61]
Hirst obtuvo el récord mundial de la obra de arte más cara de un artista vivo : su Lullaby Spring en junio de 2007, [62] cuando un gabinete de acero de 3 metros de ancho con 6.136 pastillas se vendió por 19,2 millones de dólares al jeque Hamad bin Khalifa Al. -Thani , el Emir de Qatar . [62]
En junio de 2007, Beyond Belief , una exposición del nuevo trabajo de Hirst, se inauguró en la galería White Cube de Londres. La pieza central, un Memento Mori titulado Por el amor de Dios , era un cráneo humano recreado en platino y adornado con 8.601 diamantes con un peso total de 1.106,18 quilates. [63] Se utilizaron diamantes por valor de aproximadamente £ 15.000.000. Fue modelado a partir de un cráneo del siglo XVIII, pero la única parte humana que se conserva del original son los dientes. El precio de venta de Por el amor de Dios fue de 50.000.000 de libras esterlinas (100 millones de dólares o 75 millones de euros). No se vendió directamente [64] y el 30 de agosto de 2008 se vendió a un consorcio que incluía al propio Hirst y su galería White Cube. [64]
En noviembre de 2008, el cráneo se exhibió en el Rijksmuseum de Ámsterdam junto a una exposición de pinturas de la colección del museo seleccionadas por Hirst. Wim Pijbes, el director del museo, dijo sobre la exposición: "Mejora nuestra imagen. Por supuesto, hacemos los viejos maestros, pero no somos una 'institución de ayer'. Es por ahora. Y Damien Hirst lo muestra de una manera muy fuerte. ". [sesenta y cinco]
En diciembre de 2008, Hirst se puso en contacto con la Design and Artists Copyright Society (DACS) exigiendo que se tomaran medidas sobre las obras que contenían imágenes de su escultura de calavera Por el amor de Dios, realizadas por un artista de graffiti de 16 años, Cartrain , y vendidas en Internet. galería 100artworks.com. Siguiendo el consejo de su galería, Cartrain entregó las obras de arte a DACS y perdió las 200 libras esterlinas que había ganado; dijo: "Conocí a Christian Zimmermann [de DACS] quien me dijo que Hirst ordenó personalmente que se tomaran medidas sobre el asunto". [66] En junio de 2009, el abogado de derechos de autor Paul Tackaberry comparó las dos imágenes y dijo: "Esto es bastante no contencioso legalmente. Pregúntese qué parte del original, y no solo la cantidad sino también la calidad, aparece en la nueva ¿Trabajo? Si una 'parte sustancial' del 'original' aparece en el nuevo trabajo, entonces eso es todo lo que se necesita para infringir los derechos de autor... Cuantitativamente, alrededor del 80% del cráneo está en la segunda imagen". [67]
En abril-septiembre de 2009 tuvo lugar la exposición Réquiem en el centro de arte Victor Pinchuk.
En octubre de 2009, Hirst reveló que había estado pintando con su propia mano en un estilo influenciado por Francis Bacon durante varios años. Su exposición de estas pinturas, No Love Lost , estuvo en la Colección Wallace de Londres. [68]
En 2011, Damien Hirst diseñó la portada del álbum I'm with You de Red Hot Chili Peppers . [69]
La representación de Hirst de la bandera de la Unión Británica formó la pieza central de la arena para la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres. [70] En enero de 2013, Hirst se convirtió en el tercer artista británico en diseñar la estatua de los Brit Awards utilizando su característico estilo de arte NEO-Pop inspirado en su "pintura puntual" de LSD del año 2000 . [71] En octubre de 2014, Hirst exhibió cápsulas, píldoras y medicamentos a gran escala en la Galería Paul Stolper con el título: 'Esquizofrenogénesis'. [72] [73]
En abril de 2016, un estudio publicado en Analytical Methods afirmó que los cadáveres conservados de Hirst tenían fugas de gas formaldehído por encima de los límites legales en la Tate Modern ; sin embargo, se demostró que este estudio era defectuoso. [74]
En 2017, organizó con la Fundación Pinault una exposición individual en Venecia , simultáneamente a la Bienal , en dos lugares de la ciudad: Palazzo Grassi y Punta della Dogana . El título es Treasures from the Wreck of the Unbelievable , y pretende presentar tesoros antiguos de un barco griego hundido, con piezas que van desde elementos similares al antiguo Egipto hasta reproducciones de personajes de Disney, con incrustaciones de conchas y corales. [75]
Desde julio de 2021 hasta enero de 2022, la serie Cherry Blossoms de Hirst se exhibió en la Fundación Cartier de París. [76] Luego, la exposición se trasladó al Centro Nacional de Arte de Tokio en 2022. La muestra marcó la primera gran exposición individual de Hirst en Japón. [77]
Esta obra de arte presenta un gran tiburón tigre suspendido en formaldehído. El tanque en el que flota el tiburón crea la ilusión de que el animal está cortado en tres pedazos debido a que el contenedor parece tres secciones separadas. La obra fue creada en 1991 y, desde entonces, el formaldehído que preserva al tiburón ha ido devorando lentamente el cuerpo del animal, que muestra signos de descomposición. [78] Hirst dice que el formaldehído que rodea al tiburón es el proceso de muerte y descomposición. [50]
Algunos críticos sostienen que las cualidades minimalistas de la obra, que coinciden con el tema "estereotipado" de la muerte, son demasiado insulsas para un artista tan prestigioso. Un crítico escribió: "Pero el famoso tiburón, encadenado a su título existencialista de cafetería – La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo – parece cada vez más ruinoso, más espectáculo de feria, con cada presentación desaliñada. ¡Qué amenaza cliché puede ser alguna vez! teóricamente poseído se ha evaporado." [79] Otro crítico de arte, Luke White, no está de acuerdo y dice que otros habían percibido anteriormente a los tiburones "... como feos y peligrosos, pero a finales de siglo, los encontraron estimulantes, fascinantes y sublimes". White sostiene que los tiburones han sido vistos como criaturas trascendentes e impresionantes a lo largo de los siglos, una criatura que es la encarnación de la sublimidad [ se necesita aclaración ] , así como una representación metafórica de nuestra mente, ayuda, [ se necesita aclaración ] transmitir la importancia de lo especial que es. nuestros pensamientos realmente lo son. [ se necesita verificación ] [80]
Beautiful Inside My Head Forever fue una subasta de dos días de la nueva obra de Hirst en Sotheby's , Londres, que tuvo lugar los días 15 y 16 de septiembre de 2008. [11] Fue inusual ya que pasó por alto las galerías y vendió directamente al público. [81] Escribiendo en The Independent , Cahal Milmo dijo que la idea de la subasta fue concebida por el asesor comercial de Hirst durante 13 años, Frank Dunphy , quien tuvo que superar la desgana inicial de Hirst sobre la idea. [82] Hirst finalmente defendió el concepto y refutó la acusación de que solo estaba interesado en ganar dinero.
A la gente siempre le preocupa que el dinero de alguna manera empañe el arte, pero siempre pensé que era repugnante que personas como Van Gogh nunca ganaran dinero. Es importante asegurarse de que el arte tenga prioridad sobre el dinero. A la mayoría de la gente le preocupa que de alguna manera usted pierda su integridad. Frank me dijo hace mucho tiempo: "Siempre debes asegurarte de usar el dinero para perseguir el arte y no el arte para perseguir el dinero". Y creo que eso es cierto; hay que mirar eso con mucho cuidado. [83]
La venta recaudó £111 millones ($198 millones) por 218 artículos. [12] La subasta superó las expectativas, [12] y fue diez veces mayor que el récord existente de Sotheby's para la venta de un solo artista, [84] ocurriendo cuando los mercados financieros se desplomaron. [84] El Sunday Times dijo que los colegas de negocios de Hirst habían "apuntalado" [84] los precios de venta, realizando compras o ofertas que ascendieron a más de la mitad de los £70,5 millones gastados en el primer día de venta: [84] Harry Blain del La galería Haunch of Venison dijo que las ofertas se presentaron en nombre de clientes que deseaban adquirir la obra. [84]
En noviembre de 2006, Hirst fue curador de En la hora más oscura puede haber luz , mostrada en la Serpentine Gallery de Londres, la primera exposición pública de (una pequeña parte de) su propia colección. [85] Ahora conocida como la 'colección Murderme', esta importante acumulación de obras abarca varias generaciones de artistas internacionales, desde figuras conocidas como Francis Bacon , Jeff Koons , Tracey Emin , Richard Prince , Banksy y Andy Warhol , hasta los británicos. pintores como John Bellany , John Hoyland y Gary Hume , [86] y artistas en etapas anteriores de sus carreras Rachel Howard , [87] David Choe, Ross Minoru Laing, Nicholas Lumb, Tom Ormond y Dan Baldwin. [88]
Actualmente, Hirst está restaurando Toddington Manor , catalogado como Grado I , cerca de Cheltenham, donde tiene la intención de albergar eventualmente la colección completa. [89] En 2007, Hirst donó las esculturas de 1991 "La incapacidad adquirida para escapar" y "La vida sin ti" y la obra de 2002 "¿Quién teme a la oscuridad?" (pintura de moscas) y una copia de exposición de 2007 de "Mother and Child Divided" para Tate de su colección personal de obras. [90]
En 2010, Hirst estuvo entre los postores fracasados para hacerse cargo del Magazine Building, una estructura del siglo XIX en Kensington Gardens , que reabrió sus puertas en 2013 como Serpentine Sackler Gallery después de su conversión por parte de Zaha Hadid . [91] En marzo de 2012, describió sus planes para abrir una galería en Vauxhall, Londres, diseñada específicamente para exhibir su colección personal, que incluye cinco piezas de Francis Bacon . La Newport Street Gallery se inauguró en octubre de 2015. Está ubicada en un antiguo taller de carpintería y producción de escenografía de teatro rediseñado por Peter St John y Adam Caruso , y se extiende a lo largo de Newport Street en Vauxhall. [92] [91]
Hirst fue nominado al Premio Turner en 1992, por su primera exposición de Jóvenes Artistas Británicos en la Galería Saatchi en el norte de Londres, que incluía su La imposibilidad física de la muerte... , y el premio fue para Grenville Davey ese año. [93]
Hirst ganó el Premio Turner en 1995. [94] Le pidieron que representara al Reino Unido en la Bienal de Venecia en 1999 o que se convirtiera en miembro de la Academia Real, pero se negó. [95]
En 2012, Hirst estuvo entre los íconos culturales británicos seleccionados por el artista Sir Peter Blake para aparecer en una nueva versión de la portada de su álbum para Sgt. de los Beatles . Pepper's Lonely Hearts Club Band , para celebrar a las figuras culturales británicas de su vida que más admira. [96]
Hirst ha sido elogiado en reconocimiento a su celebridad y la forma en que ésta ha galvanizado el interés en las artes, elevando el perfil del arte británico y ayudando a (re)crear la imagen de " Cool Britannia ". A mediados de la década de 1990, la entonces Secretaria de Patrimonio , Virginia Bottomley, lo reconoció como "un pionero del movimiento artístico británico", e incluso los criadores de ovejas se alegraron de que hubiera despertado un mayor interés en el cordero británico. [97] Janet Street-Porter elogió su originalidad, que había llevado el arte a nuevas audiencias y era el "equivalente en el mundo del arte de los conciertos de Oasis en Earl's Court". [97]
Andrés Serrano también es conocido por sus trabajos impactantes y entiende que la fama contemporánea no necesariamente equivale a una fama duradera, pero respalda a Hirst: "Damien es muy inteligente... Primero llamas la atención... Si resistirá o no la prueba de tiempo, no lo sé, pero creo que así será". [97] Sir Nicholas Serota comentó: "Damien es una especie de showman... Es muy difícil ser artista cuando hay una gran atención del público y de los medios. Debido a que Damien Hirst se ha convertido en una figura muy importante, hay Hay muchos escépticos dispuestos a clavar el cuchillo". [97]
Tracey Emin dijo: "No hay comparación entre él y yo; desarrolló una forma completamente nueva de hacer arte y está claramente en una liga propia. Sería como hacer comparaciones con Warhol". [98] A pesar de los insultos de Hirst hacia él, Saatchi sigue siendo un firme partidario, etiquetando a Hirst como un genio, [97] y afirmando:
Los libros de arte general fechados en 2105 serán tan brutales en la edición de finales del siglo XX como lo son en casi todos los demás siglos. Todos los artistas, excepto Jackson Pollock , Andy Warhol , Donald Judd y Damien Hirst, estarán en una nota a pie de página. [99]
Hirst estaba entre los nombres de la lista de 2011 de Blake Gopnik "Los 10 artistas más importantes de la actualidad", y Gopnik interpretó la carrera de Hirst como "una metáfora de cómo el consumo se ha convertido en nuestra fuerza rectora". [100]
Ha habido una oposición igualmente vehemente al trabajo de Hirst. Del trabajo de Hirst, el ex crítico de arte del Evening Standard , Brian Sewell , expresó lo siguiente: "No lo considero arte... No es más interesante que una pica disecada sobre la puerta de un pub. De hecho, bien puede haber Más arte en una pica disecada que en una oveja muerta." [101]
El grupo artístico Stuckist fue fundado en 1999 con una agenda anti-Britart específica por Charles Thomson y Billy Childish ; [102] Hirst es uno de sus principales objetivos. Escribieron (refiriéndose a un programa del Canal 4 en Hirst):
El hecho de que la obra de Hirst refleje la sociedad no es su fortaleza sino su debilidad, y la razón por la que está garantizado su declive artístico (y financiero) a medida que los modos sociales actuales se vuelven obsoletos. Lo que Hirst ha observado perspicazmente de sus pinturas en Vida y Muerte y Damien Hirst es el único comentario que se necesita hacer de toda su obra: "Son brillantes y estrafalarias, pero al final hay mierda". del día." [101]
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En 2003, bajo el título Un tiburón muerto no es arte , la Stuckism International Gallery exhibió un tiburón que Eddie Saunders había expuesto al público por primera vez dos años antes que Hirst's en su tienda de Shoreditch , JD Electrical Supplies. Thomson preguntó: "Si el tiburón de Hirst es reconocido como un gran arte, entonces ¿por qué el de Eddie, que estuvo en exhibición durante dos años antes, no lo es? ¿Tal vez tenemos aquí a un artista genio no descubierto, que llegó allí primero, o es ¿Que un tiburón muerto no es arte en absoluto?" [103] Los Stuckistas sugirieron que Hirst pudo haber sacado la idea de su trabajo del escaparate de la tienda de Saunders. [104]
En un documental de Channel 4 de 2008 llamado The Mona Lisa Curse , el crítico de arte Robert Hughes afirmó que el trabajo de Hirst era "de mal gusto" y "absurdo". Hughes dijo que fue "un pequeño milagro" que se pusiera el valor de £ 5 millones en la Virgen Madre de Hirst (una estatua de bronce de 35 pies), que fue hecha por alguien "con tan poca facilidad". [105] Hughes llamó al tiburón de Hirst en formaldehído "el organismo marino más sobrevalorado del mundo" y atacó al artista por "funcionar como una marca comercial", argumentando que Hirst y su trabajo demostraron que el valor financiero era ahora el único significado que quedó para el arte. [105]
La exposición de Hirst de 2009, No Love Lost , de pinturas de su propia mano, en la Colección Wallace de Londres, recibió "una de las respuestas negativas más unánimes a cualquier exposición que se recuerde". [68] Tom Lubbock de The Independent calificó el trabajo de Hirst como derivado, débil y aburrido: [106] "Hirst, como pintor, está aproximadamente al nivel de un estudiante de arte de primer año no muy prometedor". [106] Rachel Campbell-Johnston de The Times dijo que era "sorprendentemente malo". [106] Una exposición de pinturas de Hirst en 2012 en la galería White Cube en Bermondsey, titulada "Two Weeks One Summer", provocó en The Guardian el comentario de que Hirst "puede engañarse a sí mismo de que es un viejo maestro y dejar que el mundo del arte lo acompañe". con la fantasía". [107]
Julian Spalding , crítico de arte británico y autor del libro Con Art: ¿Por qué deberías vender tus Damien Hirsts mientras puedas ? [108] ha dicho:
A menudo se ha propuesto, en serio, que Damien Hirst es un artista más grande que Miguel Ángel porque tuvo la idea de un tiburón en un tanque, mientras que Miguel Ángel no tuvo la idea de su David... [pero] el emperador no tiene nada puesto. Cuando se sepa que esto no es arte, todo se derrumbará. Hirst no debería estar en la Tate. No es un artista. Lo que separa a Miguel Ángel de Hirst es que Miguel Ángel era un artista y Hirst no lo es. [109] [110]
La retrospectiva de Hirst de 2012 en la Tate Gallery, si bien estableció récords de asistencia, también recibió muchas quejas. "Los miembros del público escribieron a la galería financiada por el estado acusándola de desperdiciar el dinero de los contribuyentes al exhibir arte que era 'repetitivo', 'sin sentido' y 'casi universalmente horrible'." [111]
El trabajo de Hirst también ha sido objeto frecuente de críticas en la prensa sensacionalista. Un titular del Daily Mail decía: "Durante 1.000 años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy, las ovejas encurtidas y las camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros". Norman Tebbit , comentando la exposición Sensation , escribió: "¿Se han vuelto completamente locos? Las obras del 'artista' son trozos de animales muertos. Hay miles de artistas jóvenes que no pudieron ver, presumiblemente porque su trabajo Era demasiado atractivo para la gente cuerda. Los expertos en arte moderno nunca aprenden." [101]
En 1999, el chef Marco Pierre White dijo que Mariposas en Marte de Hirst había plagiado su propio trabajo, Sol naciente , que luego exhibió en el restaurante Quo Vadis en lugar del trabajo de Hirst. [112]
En 2000, Hirst fue demandado por violación de derechos de autor sobre su escultura, Hymn , que era una ampliación de 20 pies (6,1 m) y seis toneladas del conjunto de anatomía del joven científico de 14 pulgadas de su hijo Connor , diseñado por Norman Emms, 10.000 de los cuales. se venden al año por el fabricante de juguetes Humbrol , con sede en Hull , por £ 14,99 cada uno. [41] Hirst pagó una suma no revelada a dos organizaciones benéficas, Children Nationwide y Toy Trust, en un acuerdo extrajudicial, [41] así como un "pago de buena voluntad" a Emms. [112] La donación caritativa fue menor de lo que Emms había esperado. Hirst también aceptó restricciones sobre futuras reproducciones de su escultura. [41]
En 2006, un artista gráfico y ex investigador asociado en el Royal College of Art , Robert Dixon , autor de 'Mathographics', alegó que el Valium impreso de Hirst tenía "similitudes inequívocas" con uno de sus propios diseños. El gerente de Hirst cuestionó esto explicando que el origen de la pieza de Hirst provenía de un libro The Penguin Dictionary of Curious and Interesting Geometry (1991), sin darse cuenta de que este era un lugar donde se había publicado el diseño de Dixon. [112] [113]
En 2007, Dalya Alberge de The Times informó que el artista John LeKay , amigo de Damien Hirst entre 1992 y 1994, había proporcionado ideas e inspiraciones para una variedad de sus obras posteriores, incluso haberle dado una "copia duplicada marcada". " de un catálogo de Carolina Biological Supply Company que LeKay había estado utilizando como inspiración y suministro para su trabajo, y señaló que "No tienes idea de cuánto obtuvo de este catálogo. The Cow Divided está en la página 647; es un modelo de un vaca dividida por el centro, como su pieza", en referencia a la obra de Hirst Mother and Child, Divided , una vaca y un ternero cortados por la mitad y colocados en formaldehído . [113] LeKay también sugiere que Hirst copió la idea de Por el amor de Dios de su trabajo sobre calaveras de cristal en 1993, diciendo: "Me gustaría que Damien reconociera que 'John realmente inspiró la calavera e influyó mucho en mi trabajo'. '" [113] El abogado de derechos de autor Paul Tackaberry revisó imágenes del trabajo de LeKay y Hirst y no vio ninguna base para ninguna apropiación que alcanzara el nivel legal de una infracción de derechos de autor. [67]
En 2010, en 3:AM Magazine y en The Jackdaw , Charles Thomson argumentó que hay 15 casos en los que Hirst plagió el trabajo de otros, incluida su versión ampliada de un modelo anatómico de torso, Hymn (1999), que Thomson presenta junto a un John comparable. El modelo anatómico del torso de LeKay de Carolina Science, Yin and Yang (1990), y In Nomine Patris [ En el nombre del padre ] de Hirst (2005), que presenta una oveja crucificada abierta en un tanque de formaldehído, según el modelo comparable de John LeKay. Representa una oveja crucificada abierta, titulada Este es mi cuerpo, esta es mi sangre (1987) montada sobre una tabla de madera. [114] [115] [116] [117] Otros ejemplos citados fueron la similitud de los gabinetes de Hirst con estantes y botellas, por ejemplo, My Way (1991), que se expandió hasta convertirse en su instalación del tamaño de una habitación, Pharmacy (1992), que Thomson se refiere a una exhibición de gabinete con estantes y botellas de Joseph Cornell, Farmacia (1943); y la apropiación del concepto por parte de Hirst de Lori Precious, quien había hecho efectos de vidrieras con alas de mariposa en 1994, varios años antes que Hirst. La galería de arte Lemon Sky: Projects + Editions exhibió una selección de estas obras de Precious en la Feria de Arte Contemporáneo Year 06 en Londres en octubre de 2006, donde estas piezas fueron vistas por un gran público y habrían sido vistas en ese momento, para haber plagiado de manera creíble. [114] [116] [117] Thomson también sugirió que las pinturas giratorias de Hirst y la instalación de una bola en un chorro de aire no eran originales, ya que se habían hecho piezas similares en la década de 1960. [114] [116] [117] [118] Un portavoz de Hirst dijo que el artículo era "periodismo pobre" y que Hirst haría una refutación "completa" de las afirmaciones. [119]
En mayo de 2017, Hirst fue acusado de copiar y apropiarse del arte yoruba de Ilé-Ifẹ̀ en su obra Golden Heads (Female), que se exhibe en su exposición "Treasures from the Wreck of the Unbelievable" en la Bienal de Venecia . [120] [121] [122] La obra, dijeron los críticos, no recibió el contexto apropiado para los espectadores. [122]
Al comentar sobre su colección, Hirst dijo: "Como ser humano, a medida que avanzas por la vida, simplemente coleccionas. Fue ese tipo de coleccionismo entrópico lo que me interesó, simplemente acumular cosas mientras estás vivo". [123]
En 2022, el artista y escritor Joe Machine acusó a Hirst de plagio de sus pinturas de flores de cerezo, la decimosexta acusación de plagio contra Hirst. [124]
Aunque Hirst participó físicamente en la realización de las primeras obras, [125] siempre ha necesitado asistentes (por ejemplo, Carl Freedman ayudó con las primeras vitrinas [126] ) y el volumen actual de trabajo producido requiere una instalación de "fábrica". [127] esto ha llevado a preguntas sobre la autenticidad, como se destacó en 1997, cuando apareció a la venta una pintura giratoria que Hirst dijo que era una "falsificación", [ cita necesaria ] aunque anteriormente había dicho que a menudo no tenía nada que ver con la creación de estas piezas. [ cita necesaria ]
Hirst dijo que él solo pintó cinco cuadros puntuales porque "no podría ser un idiota haciéndolo"; describió sus esfuerzos como "mierda": "Son una mierda en comparación con... la mejor persona que alguna vez pintó manchas para mí fue Rachel . Ella es brillante. Absolutamente jodidamente brillante. La mejor pintura que puedo tener es una pintada por Raquel." También describe a otro asistente de pintura que se iba y pidió uno de los cuadros. Hirst le dijo que "haciera uno propio". Y ella dijo: 'No, quiero uno de los tuyos'. Pero la única diferencia, entre uno pintado por ella y uno mío, es el dinero.'" [128] En febrero de 1999, dos asistentes habían pintado 300 cuadros puntuales. Hirst considera que el verdadero acto creativo es la concepción, no la ejecución, y que, como progenitor de la idea, él es, por tanto, el artista:
El arte sigue en tu cabeza... Si dijeras algo interesante, podría ser el título de una obra de arte y lo escribiría. El arte viene de todas partes. Es tu respuesta a tu entorno. Hay ideas en curso en las que he estado trabajando durante años, como cómo hacer un arcoíris en una galería. Siempre tengo una lista enorme de títulos, de ideas para exposiciones y de obras sin título. [17]
Hirst también es conocido por trabajar como voluntario en reparaciones en sus proyectos después de que un cliente ha realizado una compra. Por ejemplo, este servicio se ofreció en el caso del tiburón suspendido adquirido por Steven A. Cohen . [129] [130] [131]
Hirst tuvo una breve colaboración con el chef Marco Pierre White en el restaurante "Quo Vadis". Su restaurante más conocido fue Pharmacy , ubicado en Notting Hill , Londres, que cerró en 2004. Aunque era uno de los propietarios, Hirst solo había alquilado su obra de arte al restaurante, por lo que pudo recuperarla y venderla en Sotheby's. subasta, ganando más de £11 millones. Algunas de las obras habían sido adaptadas, por ejemplo, firmándolas antes de la subasta. [132]
Hirst es copropietario del restaurante de mariscos 11 The Quay, en la ciudad costera inglesa de Ilfracombe . [133] En 2016, Damien Hirst diseñó los interiores de su nuevo restaurante Pharmacy 2 en la Newport Street Gallery en Vauxhall , Londres. [134]
El arte de Hirst vendido en su subasta en 2008, Beautiful Inside My Head Forever , recaudó 198 millones de dólares. Se dice que es la mayor cantidad recaudada por cualquier artista vivo hasta la fecha. [135] Hirst tiene fama de ser el artista vivo más rico hasta la fecha. [6] En 2009, el cuadro recopilado anualmente de las personas más ricas de Gran Bretaña e Irlanda, Sunday Times Rich List , colocó a Hirst en el puesto 238 con un patrimonio neto de £235 millones. [136] La riqueza de Hirst fue valorada en £215 millones en la Lista de ricos del Sunday Times de 2010 , lo que lo convirtió en el artista más rico de Gran Bretaña. [5] [137]
Sus obras incluyen:
Entre 1992 y 2012, Hirst vivió con su novia estadounidense, Maia Norman, con quien tiene tres hijos, nacidos en 1995, 2000 y 2005. [147] [ se necesita mejor fuente ]
Desde que se convirtió en padre, Hirst ha pasado la mayor parte de su tiempo en su remota granja cerca de Combe Martin en Devon . Hirst y Norman nunca se casaron, [148] aunque Hirst se había referido a Norman como su " esposa de hecho ". [149]
Hirst ha admitido graves problemas con las drogas y el alcohol durante un período de diez años desde principios de los años 1990: "Empecé a tomar cocaína y a beber... Me convertí en un puto desastre balbuceante". [128] Durante este tiempo era conocido por su comportamiento salvaje y actos excéntricos que incluían, por ejemplo, ponerse un cigarrillo en la punta del pene frente a los periodistas. [150]
Es amigo del guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood , y del siete veces campeón mundial de billar, Ronnie O'Sullivan . [151]
Hirst es partidario de la organización de derechos indígenas Survival International . [152] En septiembre de 2008, Hirst donó la obra Beautiful Love Survival en la venta de Sotheby's en Londres, Beautiful Inside My Head Forever , para recaudar dinero para esta organización. [153] [154] Más tarde, también contribuyó con sus escritos al libro We Are One: A Celebration of Tribal Peoples , publicado en octubre de 2009, en apoyo de Survival. El libro explora la existencia y las amenazas a las culturas indígenas en todo el mundo. [155] [156]
En 2016 donó obras de arte para la subasta secreta de Art on a Postcard, [157] una organización benéfica que apoya la lucha contra la hepatitis C. [158]
En julio de 2021, Hirst anunció su primer proyecto NFT , llamado " La moneda " : constaba de 10.000 obras únicas sobre papel cubiertas de puntos pintadas a mano, cada una de las cuales corresponde a un token no fungible. Dos meses después, el proyecto recaudó un total de 25.000.000 de dólares. [159] Hirst instruyó a quienes compraron piezas de su última colección a elegir la obra de arte física o el NFT que la representa. Se informó a los compradores que las obras de arte correspondientes a los NFT no intercambiados serían destruidas y que las primeras 1000 obras de arte se quemarían el 11 de octubre de 2022. Transmitió la quema de sus piezas físicas en Instagram en vivo desde su galería de Londres y está listo para quemar miles. más de su obra de arte para completar la transformación de las obras de arte seleccionadas para que puedan existir únicamente como NFT. [160] Se ha estimado que las obras quemadas valen en conjunto casi £ 10 millones. [161]
[Subtítulo:] : Sólo hay dos buenas obras en la retrospectiva de Damien Hirst de la Tate.
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