Damien Steven Hirst ( nacido el 7 de junio de 1965) es un artista y coleccionista de arte inglés. [ 1 ] Es uno de los Jóvenes Artistas Británicos (YBAs) que dominaron la escena artística en el Reino Unido durante la década de 1990. [ 2] [3] Se informa que es el artista vivo más rico del Reino Unido, con su riqueza estimada en US$384 millones en la Lista de Ricos del Sunday Times de 2020. [4] [5] [6] Durante la década de 1990 su carrera estuvo estrechamente vinculada con el coleccionista Charles Saatchi , pero las crecientes fricciones llegaron a un punto crítico en 2003 y la relación terminó. [7]
La muerte es un tema central en las obras de Hirst. [8] [9] Se hizo famoso por una serie de obras de arte en las que se conservan animales muertos (incluido un tiburón, una oveja y una vaca), a veces disecados, en formaldehído . La más conocida de ellas fue The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living , un tiburón tigre de 14 pies (4,3 m) sumergido en formaldehído en una vitrina transparente.
En septiembre de 2008, Hirst hizo un movimiento sin precedentes para un artista vivo [10] al vender una muestra completa, Beautiful Inside My Head Forever , en una subasta de Sotheby's y sin pasar por sus galerías de larga data. [11] La subasta recaudó £ 111 millones ($ 198 millones), rompiendo el récord para una subasta de un solo artista [12] así como el propio récord de Hirst con £ 10,3 millones por El becerro de oro , un animal con cuernos y pezuñas de oro de 18 quilates, conservado en formaldehído. [11]
Desde 1999, las obras de Hirst han sido cuestionadas y cuestionadas como plagiadas 16 veces. En una ocasión, después de que se descubriera que su escultura Hymn estaba basada en un juguete infantil, los procedimientos legales condujeron a un acuerdo extrajudicial . [13]
Hirst nació como Damien Steven Brennan en Bristol [14] [15] y creció en Leeds con su madre irlandesa , que trabajaba para la Citizens Advice Bureau . Nunca conoció a su padre; su madre se casó con su padrastro cuando Hirst tenía dos años y la pareja se divorció diez años después. Se dice que su padrastro era mecánico de automóviles. [16]
Su madre afirmó que perdió el control de su hijo cuando era pequeño; fue arrestado en dos ocasiones por robar en tiendas. [16] Hirst la ve como alguien que no toleraría la rebelión: cortó sus pantalones de bondage y calentó uno de sus discos de vinilo de los Sex Pistols en la cocina para convertirlo en un frutero [17] (o una maceta). [18] Él dice: "Si no le gustaba cómo iba vestido, me alejaba rápidamente de la parada de autobús". Sin embargo, ella alentó su gusto por el dibujo, que fue su única materia educativa exitosa. [17]
Su profesor de arte en la Allerton Grange School "abogó" [17] para que a Hirst se le permitiera entrar en el sexto curso, [17] donde realizó dos exámenes de nivel A, obteniendo una calificación "E" en arte. [16] Se le negó la admisión al Jacob Kramer College cuando presentó su primera solicitud, pero asistió a la escuela de arte después de una posterior solicitud exitosa para el curso de Diploma de Fundación. [16]
Asistió a una exposición de obras de Francis Davison , organizada por Julian Spalding en la Hayward Gallery en 1983. [19] Davison creó collages abstractos a partir de papel de colores cortado y rasgado que, según dijo Hirst, "me dejaron boquiabierto" y sobre los que modeló su propio trabajo durante los dos años siguientes. [19]
Trabajó durante dos años en obras de construcción en Londres, y luego estudió Bellas Artes en el Goldsmiths College (1986-1989), [16] aunque nuevamente le negaron una plaza la primera vez que solicitó. En 2007, el tutor principal de Goldsmiths, Michael Craig-Martin , citó a Hirst diciendo de An Oak Tree : "Esa pieza es, creo, la mejor pieza de escultura conceptual. Todavía no puedo sacármela de la cabeza". [20] Mientras era estudiante, Hirst tuvo una pasantía en una funeraria , una experiencia que influyó en sus temas y materiales posteriores. [21] Mientras era estudiante de arte, Hirst fue asistente en la galería de Anthony d'Offay . [22] [23] [24]
En julio de 1988, en su segundo año en el Goldsmiths College, Hirst fue el principal organizador de una exposición estudiantil independiente, Freeze , en un bloque administrativo en desuso de la London Port Authority en los Docklands de Londres . Obtuvo el patrocinio para este evento de la London Docklands Development Corporation . La muestra fue visitada por Charles Saatchi , Norman Rosenthal y Nicholas Serota , gracias a la influencia de su profesor de Goldsmiths, Michael Craig-Martin . La propia contribución de Hirst a la muestra consistió en un grupo de cajas de cartón pintadas con pintura doméstica. [25] Después de graduarse, Hirst fue incluido en la muestra New Contemporaries y en una exposición colectiva en la galería Kettle's Yard en Cambridge . Buscando un comerciante de galería, primero se acercó a Karsten Schubert , pero fue rechazado.
Hirst, junto con su amigo Carl Freedman y Billee Sellman, organizaron dos exposiciones "de almacén" en 1990, Modern Medicine y Gambler , en una antigua fábrica de galletas de Peek Freans en Bermondsey a la que denominaron "Building One". [26] [27] Saatchi llegó a la segunda exposición en un Rolls-Royce verde y, según Freedman, se quedó boquiabierto de asombro frente a (y luego compró) la primera gran instalación "animal" de Hirst, A Thousand Years , que consistía en una gran vitrina que contenía gusanos y moscas alimentándose de la cabeza de una vaca podrida. [28] También montaron Market de Michael Landy . [27] En ese momento, Hirst dijo: "No puedo esperar a estar en una posición en la que pueda hacer arte realmente malo y salirme con la mía. En este momento, si hiciera ciertas cosas, la gente las miraría, las consideraría y luego diría 'vete a la mierda'. Pero después de un tiempo puedes salirte con la tuya". [19]
1987 – Damien Hirst y Holden Rowan, Old Court Gallery, Windsor Arts Centre, Windsor, Reino Unido – Curador Derek Culley [29]
1988 – Damien Hirst: Construcciones y esculturas, Old Court Gallery, Windsor, Reino Unido - Curador Derek Culley [29]
1988 – Freeze, Muelles de Surrey, Londres, Reino Unido [29]
1989 – Nuevos Contemporáneos, Instituto de Artes Contemporáneas, Londres, Reino Unido [29]
1990 – Medicina Moderna, Edificio Uno, Londres, Reino Unido [29]
1990 – Gambler, Building One, Londres, Reino Unido [29]
1990 – Building One, Galería Emmanuel Perrotin, París, Francia [29]
Su primera exposición individual, organizada por Tamara Chodzko – Dial, In and Out of Love , se celebró en una tienda en desuso en Woodstock Street en el centro de Londres en 1991; [30] ya en 1989 había formado parte de una exposición colectiva en el Instituto de Arte Contemporáneo , [31] y la Galería Emmanuel Perrotin en París. [32] La Serpentine Gallery presentó el primer estudio de la nueva generación de artistas con la exposición Broken English , [33] en parte comisariada por Hirst. [34] En 1991 Hirst conoció al prometedor marchante de arte, Jay Jopling , que entonces lo representaba. [35]
En 1991, Charles Saatchi se había ofrecido a financiar cualquier obra de arte que Hirst quisiera hacer, y el resultado se exhibió en 1992 en la primera exposición de Jóvenes Artistas Británicos en la Galería Saatchi en el norte de Londres. La obra de Hirst se tituló La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo y era un tiburón en formol en una vitrina, y se vendió por 50.000 libras. El tiburón había sido capturado por un pescador comisionado en Australia y había costado 6.000 libras. [36] La exposición también incluyó In a Thousand Years . Como resultado de la muestra, Hirst fue nominado para el Premio Turner de ese año , pero se le otorgó a Grenville Davey .
La primera gran presentación internacional de Hirst fue en la Bienal de Venecia de 1993 con la obra Mother and Child Divided , una vaca y un ternero cortados en secciones y expuestos en una serie de vitrinas separadas. Hirst fue el comisario de la muestra Some Went Mad, Some Ran Away en 1994 en la Serpentine Gallery de Londres, donde expuso Away from the Flock (una oveja en un tanque de formaldehído). El 9 de mayo, Mark Bridger, un artista de 35 años de Oxford, entró en la galería y vertió tinta negra en el tanque, y retituló la obra Black Sheep . Posteriormente fue procesado, por deseo de Hirst, y se le concedió una libertad condicional de dos años. La escultura fue restaurada con un coste de 1.000 libras esterlinas. Cuando una fotografía de Lejos del rebaño fue reproducida en el libro de Hirst de 1997 Quiero pasar el resto de mi vida en todas partes, con todos, uno a uno, siempre, para siempre, ahora, se hizo referencia al vandalismo al permitir que el tanque se oscureciera sacando una tarjeta, reproduciendo el efecto de tinta vertiéndose en el tanque; esto dio lugar a que Hirst fuera demandado por Bridger por violar sus derechos de autor en Black Sheep. [37]
En 1995, Hirst ganó el Premio Turner. Los funcionarios de salud pública de Nueva York prohibieron Two Fucking and Two Watching, que presentaba una vaca y un toro podridos, por temor a "vomitar entre los visitantes". Hubo espectáculos en solitario en Seúl , Londres y Salzburgo . Dirigió el video de la canción " Country House " para la banda Blur . No Sense of Absolute Corruption , su primer espectáculo en solitario en la Galería Gagosian de Nueva York, se realizó el año siguiente. En Londres se mostró el cortometraje Hanging Around , escrito y dirigido por Hirst y protagonizado por Eddie Izzard . En 1997, se inauguró la exposición Sensation en la Royal Academy de Londres. Se incluyeron A Thousand Years y otras obras de Hirst, pero la principal controversia ocurrió sobre las obras de otros artistas. Sin embargo, se vio como la aceptación formal de los YBA en el establishment. [38]
En 1997, se publicó su autobiografía y libro de arte, I Want To Spend the Rest of My Life Everywhere, with Everyone, One to One, Always, Forever, Now . Con Alex James de la banda Blur y el actor Keith Allen , formó la banda Fat Les , logrando un éxito número 2 con una estridente canción de temática futbolística, Vindaloo , seguida de Jerusalem con el London Gay Men's Chorus . Hirst también pintó un patrón de color simple para la sonda Beagle 2. Este patrón se usaría para calibrar las cámaras de la sonda después de que aterrizara en Marte . Rechazó la invitación del British Council para ser el representante del Reino Unido en la Bienal de Venecia de 1999 porque "no se sentía bien". [39] Amenazó con demandar a British Airways alegando una violación de los derechos de autor por el diseño de un anuncio con manchas de colores para su aerolínea de bajo presupuesto, Go . [40]
En 2000, la escultura de Hirst Hymn (que Saatchi había comprado por un millón de libras esterlinas) ocupó el primer puesto en la exposición Ant Noises (un anagrama de "sensación") en la Galería Saatchi. Hirst fue demandado por violación de los derechos de autor sobre esta escultura (véase Apropiación más abajo). [41] Hirst vendió tres copias más de su escultura por cantidades similares a la primera. [42] En septiembre de 2000, en Nueva York, Larry Gagosian celebró la exposición de Hirst, Damien Hirst: modelos, métodos, enfoques, suposiciones, resultados y hallazgos . 100.000 personas visitaron la exposición en 12 semanas y se vendió toda la obra. [43]
El 10 de septiembre de 2002, en vísperas del primer aniversario de los ataques del 11 de septiembre al World Trade Center, Hirst dijo en una entrevista con BBC News Online:
Lo que pasa con el 11 de septiembre es que es como una obra de arte en sí misma. Fue algo terrible, pero fue concebido de esta manera para causar este tipo de impacto. Fue concebido visualmente... Hay que reconocerles algo en cierto modo porque han logrado algo que nadie hubiera creído posible, especialmente para un país tan grande como Estados Unidos. Así que, en cierto modo, merecen una felicitación, algo que mucha gente evita, lo cual es algo muy peligroso. [44]
La semana siguiente, tras la indignación pública por sus comentarios, emitió una declaración a través de su empresa, Science Ltd:
Pido disculpas sin reservas por cualquier molestia que haya causado, en particular a las familias de las víctimas de los acontecimientos de ese terrible día. [45]
En 2002, Hirst dejó de fumar y beber después de que su esposa Maia se quejara y "tuviera que mudarse porque yo era horrible". Había conocido a Joe Strummer (ex cantante de The Clash ) en Glastonbury en 1995, se hicieron buenos amigos y pasaban las vacaciones familiares con él todos los años. Justo antes de Navidad de 2002, Strummer murió de un ataque cardíaco. Esto tuvo un profundo efecto en Hirst, quien dijo: "Fue la primera vez que me sentí mortal". Posteriormente dedicó mucho tiempo a fundar una organización benéfica, Strummerville , para ayudar a los jóvenes músicos. [17]
En abril de 2003, la Saatchi Gallery abrió en un nuevo local en el County Hall de Londres , con una muestra que incluía una retrospectiva de Hirst. Esto llevó a un punto crítico una creciente tensión en su relación con Saatchi [7] (una fuente de discordia había sido quién era el principal responsable de impulsar su mutuo perfil). Hirst se desvinculó de la retrospectiva hasta el punto de no incluirla en su CV. [7] Estaba enojado porque un coche Mini que había decorado para caridad con sus manchas características se estaba exhibiendo como una obra de arte seria. [7] La muestra también echó por tierra una posible retrospectiva de Hirst en la Tate Modern . [7] Dijo que Saatchi era "infantil" [17] y "no soy el mono de organillo de Charles Saatchi ... Él sólo reconoce el arte con su billetera ... cree que puede afectar los valores del arte con el poder adquisitivo, y todavía cree que puede hacerlo". [7]
En septiembre de 2003, realizó una exposición Romance in the Age of Uncertainty en la galería White Cube de Jay Jopling en Londres, que le reportó una ganancia de £11 millones, [17] elevando su riqueza a más de £35 millones. Se informó que una escultura, Charity , había sido vendida por £1,5 millones a un coreano, Kim Chang-Il, que tenía la intención de exhibirla en la galería de su tienda departamental en Seúl . [46] La escultura de 22 pies (6,7 m) y 6 toneladas estaba basada en el modelo de la Spastic Society de los años 1960, que es de una niña con grilletes en las piernas sosteniendo una caja de recolección. En la versión de Hirst, la caja de recolección se muestra rota y vacía.
La Caridad se exhibió en el centro de Hoxton Square , frente a White Cube. Dentro de la galería de la planta baja había 12 vitrinas que representaban a los discípulos de Jesús, cada una de las cuales contenía elementos en su mayoría horripilantes, a menudo manchados de sangre, relacionados con el discípulo en particular. Al final había una vitrina vacía, que representaba a Cristo. En la planta superior había cuatro pequeñas vitrinas de vidrio, cada una de las cuales contenía una cabeza de vaca clavada con tijeras y cuchillos. Se ha descrito como una "experiencia extraordinariamente espiritual" en la tradición de la imaginería católica. [47] En ese momento, Hirst recuperó 12 obras de Saatchi (un tercio de las posesiones de Saatchi de las primeras obras de Hirst), a través de Jay Jopling, según se informa por más de £ 8 millones. Hirst había vendido estas piezas a Saatchi a principios de la década de 1990 por bastante menos, y sus primeras instalaciones costaron menos de £ 10,000. [7]
El 24 de mayo de 2004, un incendio en el almacén de Momart destruyó muchas obras de la colección Saatchi, incluidas 17 de Hirst, aunque la escultura Charity sobrevivió, ya que estaba en el patio del constructor. Ese julio, Hirst dijo de Saatchi: "Respeto a Charles. En realidad no hay una disputa. Si lo veo, hablamos, pero nunca fuimos realmente compañeros de tragos". [17]
Hirst diseñó una imagen de portada para el sencillo benéfico Band Aid 20 con la " Parca " a finales de 2004, una imagen que mostraba a un niño africano posado sobre su rodilla. [48] Este diseño no fue del agrado de los ejecutivos de la compañía discográfica, [ ¿a quiénes? ] y fue reemplazado por un reno en la nieve de pie junto a un niño. [49]
En diciembre de 2004, Saatchi vendió La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo al coleccionista estadounidense Steve Cohen por ocho millones de dólares, en un acuerdo negociado por el agente neoyorquino de Hirst, Gagosian. [50] Cohen, un gestor de fondos de cobertura de Greenwich, donó entonces la obra al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Sir Nicholas Serota había querido adquirirla para la Tate Gallery, y Hugo Swire , ministro de las Artes en la sombra, planteó una pregunta para preguntar si el gobierno garantizaría que permaneciera en el país. [51]
Hirst expuso 30 pinturas en la Galería Gagosian de Nueva York en marzo de 2005. Le había llevado tres años y medio completarlas. Estaban basadas en fotografías, en su mayoría realizadas por asistentes (que rotaban entre pinturas), pero con un acabado final de Hirst. [52] También en 2005, Hirst fundó la editorial de libros de arte Other Criteria. [53]
En febrero de 2006, inauguró una importante muestra en México, en la Galería Hilario Galguera, llamada La muerte de Dios, hacia una mejor comprensión de la vida sin Dios a bordo de El barco de los locos , una exposición que atrajo una considerable cobertura mediática como la primera muestra de Hirst en América Latina. [54] En junio de ese año, expuso junto con la obra de Francis Bacon ( Trípticos ) en la Galería Gagosian, Britannia Street, Londres, una exposición que incluía la vitrina, Mil años (1990), y cuatro trípticos: pinturas, botiquines y una nueva obra en formol titulada La tranquilidad de la soledad (para George Dyer) , influenciada por Bacon. [55]
A Thousand Years (1990) [56] contiene un ciclo de vida real. Los gusanos nacen dentro de una caja minimalista blanca, se transforman en moscas y luego se alimentan de una cabeza de vaca cortada y ensangrentada en el suelo de una vitrina de cristal claustrofóbica. Arriba, las moscas nacidas zumban en el espacio cerrado. Muchas encuentran un final violento en un insecticida; otras sobreviven para continuar el ciclo. [57] A Thousand Years fue admirada por Bacon, quien en una carta a un amigo un mes antes de morir, escribió sobre la experiencia de ver la obra en la Galería Saatchi de Londres. [58] Margarita Coppack señala que "es como si Bacon, un pintor sin heredero directo en ese medio, estuviera pasando el testigo a una nueva generación". [59] Hirst ha reconocido abiertamente su deuda con Bacon, [60] absorbiendo las imágenes viscerales y las obsesiones del pintor desde el principio y dándoles existencia concreta en forma escultórica con obras como A Thousand Years . [61]
Hirst obtuvo el récord mundial por la obra de arte más cara de un artista vivo : su Lullaby Spring , en junio de 2007, [62] cuando un gabinete de acero de 3 metros de ancho con 6.136 pastillas se vendió por 19,2 millones de dólares al jeque Hamad bin Khalifa Al-Thani , el emir de Qatar . [62]
En junio de 2007, Beyond Belief , una exposición de la nueva obra de Hirst, se inauguró en la galería White Cube de Londres. La pieza central, un Memento Mori titulado For the Love of God , era un cráneo humano recreado en platino y adornado con 8.601 diamantes con un peso total de 1.106,18 quilates. [63] Se utilizaron diamantes por un valor aproximado de 15.000.000 de libras esterlinas. Se inspiró en un cráneo del siglo XVIII, pero la única parte humana superviviente del original son los dientes. El precio de venta de For the Love of God era de 50.000.000 de libras esterlinas (100 millones de dólares o 75 millones de euros). No se vendió directamente, [64] y el 30 de agosto de 2008 se vendió a un consorcio que incluía al propio Hirst y su galería White Cube. [64]
En noviembre de 2008, el cráneo se exhibió en el Rijksmuseum de Ámsterdam junto a una exposición de pinturas de la colección del museo seleccionadas por Hirst. Wim Pijbes, el director del museo, dijo sobre la exposición: "Refuerza nuestra imagen. Por supuesto, hacemos obras de los viejos maestros, pero no somos una 'institución del pasado'. Es algo para ahora. Y Damien Hirst lo demuestra de una manera muy clara". [65]
En respuesta a esta muestra en el Rijksmuseum y a la pieza en general, en un artículo de larga duración sobre las historias entrelazadas del arte europeo y la contabilidad de partida doble , la historiadora del arte Rachel Cohen escribió: [66]
Dos años después de la venta de Por el amor de Dios , cuando los mercados financieros implosionaban por todos lados, se informó que la obra había sido vendida a un holding que resultó estar formado por el galerista de Hirst, su gerente comercial, su amigo, el multimillonario coleccionista de arte ruso Viktor Pinchuk, y el propio Hirst. Hubo quienes, al contemplar sus propias carteras de valores recientemente vacías, encontraron en el título una expresión adecuada de sus sentimientos. La obra en sí, con sus cuencas oculares cargadas de diamantes y los dientes sonrientes de su habitante original, parece imperturbable ante cualquier vacío de valor en los mercados financieros o artísticos. A este cínico epítome de nuestra era resplandeciente no le importa si fue hecha por amor a algo más que a más ceros.
En diciembre de 2008, Hirst se puso en contacto con la Design and Artists Copyright Society (DACS) para exigir que se tomaran medidas contra las obras que contenían imágenes de su escultura de calavera For the Love of God, realizada por un artista de grafitis de 16 años, Cartrain , y vendidas en la galería de Internet 100artworks.com. Siguiendo el consejo de su galería, Cartrain entregó las obras de arte a la DACS y perdió las 200 libras que había ganado; dijo: "Me encontré con Christian Zimmermann [de la DACS], quien me dijo que Hirst personalmente había ordenado que se tomaran medidas al respecto". [67] En junio de 2009, el abogado de derechos de autor Paul Tackaberry comparó las dos imágenes y dijo: "Esto no es un tema controvertido desde el punto de vista legal. Pregúntese qué parte del original (y no sólo la cantidad sino también la calidad) aparece en la nueva obra. Si una 'parte sustancial' del 'original' aparece en la nueva obra, entonces eso es todo lo que se necesita para infringir los derechos de autor... Cuantitativamente, alrededor del 80% del cráneo está en la segunda imagen". [68]
Entre abril y septiembre de 2009 tuvo lugar en el centro de arte Victor Pinchuk la exposición “Réquiem” .
En octubre de 2009, Hirst reveló que había estado pintando con su propia mano en un estilo influenciado por Francis Bacon durante varios años. Su muestra de estas pinturas, No Love Lost , se realizó en la Colección Wallace en Londres. [69]
En 2011, Damien Hirst diseñó la portada del álbum de Red Hot Chili Peppers I'm with You . [70]
La representación de Hirst de la bandera de la Unión Británica formó la pieza central del estadio para la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres. [71] En enero de 2013, Hirst se convirtió en el tercer artista británico en diseñar la estatua de los Brit Awards utilizando su estilo característico de arte NEO-Pop inspirado en su "pintura de manchas" de LSD de 2000. [72] En octubre de 2014, Hirst exhibió cápsulas, píldoras y medicamentos a gran escala en la Galería Paul Stolper titulada: 'Esquizofrenogénesis'. [73] [74]
En abril de 2016, un estudio publicado en Analytical Methods afirmó que los cadáveres conservados de Hirst filtraban gas formaldehído por encima de los límites legales en la Tate Modern ; sin embargo, se demostró que este estudio tenía fallas. [75]
En 2017, organizó con la Fundación Pinault una exposición individual en Venecia , contemporáneamente a la Bienal, en dos lugares de la ciudad: Palazzo Grassi y Punta della Dogana . El título es Tesoros del naufragio del Unbelievable , que pretende presentar tesoros antiguos de un barco griego hundido, con piezas que van desde elementos similares al Antiguo Egipto hasta reproducciones de personajes de Disney, incrustadas con conchas y corales. [76]
Entre julio de 2021 y enero de 2022, la serie Cherry Blossoms de Hirst se exhibió en la Fundación Cartier en París. [77] Luego, la exposición se trasladó al Centro Nacional de Arte de Tokio en 2022. La muestra marcó la primera gran exposición individual de Hirst en Japón. [78]
Esta obra de arte muestra un gran tiburón tigre suspendido en formaldehído. El tanque en el que flota el tiburón crea la ilusión de que el animal está cortado en tres pedazos debido a que el recipiente parece tres secciones separadas. La obra fue creada en 1991 y, desde entonces, el formaldehído que preserva al tiburón ha devorado lentamente el cuerpo del animal, que muestra signos de descomposición. [79] Hirst dice que el formaldehído que rodea al tiburón es el proceso de muerte y descomposición. [50]
Algunos críticos sostienen que las cualidades minimalistas de la obra, que coinciden con el tema "estereotípico" de la muerte, son demasiado insulsas para un artista tan prestigioso. Un crítico escribió: "Pero el famoso tiburón, encadenado a su título existencialista de bar de café -La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo- parece cada vez más ruinoso, más un espectáculo de feria, con cada exhibición desaliñada. La amenaza estereotipada que alguna vez pudo haber poseído teóricamente se ha evaporado". [80] Otro crítico de arte, Luke White, no está de acuerdo y dice que otros habían percibido anteriormente a los tiburones "... como feos y peligrosos, pero a finales de siglo, los encontraron en cambio estimulantes, fascinantes y sublimes". White sostiene que los tiburones han sido vistos como criaturas trascendentes e imponentes a lo largo de los siglos, una criatura que es la encarnación de la sublimidad [ aclaración necesaria ] así como una representación metafórica de nuestra mente ayuda, [ aclaración necesaria ] transmitiendo la importancia de lo especiales que son realmente nuestros pensamientos. [ verificación necesaria ] [81]
Beautiful Inside My Head Forever fue una subasta de dos días de las nuevas obras de Hirst en Sotheby's , Londres, que tuvo lugar el 15 y 16 de septiembre de 2008. [11] Fue inusual ya que evitó las galerías y vendió directamente al público. [82] Escribiendo en The Independent , Cahal Milmo dijo que la idea de la subasta fue concebida por el asesor comercial de Hirst durante 13 años, Frank Dunphy , quien tuvo que superar la renuencia inicial de Hirst sobre la idea. [83] Hirst finalmente defendió el concepto y refutó la acusación de que solo estaba interesado en ganar dinero.
La gente siempre se preocupa de que el dinero de alguna manera empañe el arte, pero yo siempre pensé que era repugnante que gente como Van Gogh nunca ganara dinero. Es importante asegurarse de que el arte tenga prioridad sobre el dinero. A la mayoría de la gente le preocupa que de alguna manera se pierda la integridad. Frank me dijo hace mucho tiempo: "Siempre hay que asegurarse de utilizar el dinero para perseguir el arte y no el arte para perseguir el dinero". Y creo que es verdad; hay que analizar eso con mucho cuidado. [84]
La venta recaudó 111 millones de libras (198 millones de dólares) por 218 artículos. [12] La subasta superó las expectativas, [12] y fue diez veces más alta que el récord existente de Sotheby's para una venta de un solo artista, [85] ocurriendo mientras los mercados financieros se desplomaban. [85] El Sunday Times dijo que los colegas de negocios de Hirst habían "apuntalado" [85] los precios de venta, haciendo compras u ofertas que totalizaron más de la mitad de los 70,5 millones de libras gastados en el primer día de venta: [85] Harry Blain de la galería Haunch of Venison dijo que las ofertas se ingresaron en nombre de los clientes que deseaban adquirir la obra. [85]
En noviembre de 2006, Hirst fue curador de In the darkest hour there may be light , exhibida en la Serpentine Gallery de Londres, la primera exposición pública de (una pequeña parte de) su propia colección. [86] Ahora conocida como la "colección Murderme", esta importante acumulación de obras abarca varias generaciones de artistas internacionales, desde figuras conocidas como Francis Bacon , Jeff Koons , Tracey Emin , Richard Prince , Banksy y Andy Warhol , hasta pintores británicos como John Bellany , John Hoyland y Gary Hume , [87] y artistas en etapas anteriores de sus carreras como Rachel Howard , [88] David Choe, Ross Minoru Laing, Nicholas Lumb, Tom Ormond y Dan Baldwin. [89]
Hirst está restaurando actualmente Toddington Manor , una mansión catalogada de Grado I , cerca de Cheltenham, donde pretende albergar eventualmente la colección completa. [90] En 2007, Hirst donó las esculturas de 1991 "The Acquired Inability to Escape" y "Life Without You" y la obra de 2002 "¿Quién le teme a la oscuridad?" (pintura de una mosca), y una copia de exhibición de 2007 de "Mother and Child Divided" a la Tate de su propia colección personal de obras. [91]
En 2010, Hirst estuvo entre los postores que no tuvieron éxito para hacerse cargo del Magazine Building, una estructura del siglo XIX en Kensington Gardens , que reabrió sus puertas en 2013 como la Serpentine Sackler Gallery después de su conversión por parte de Zaha Hadid . [92] En marzo de 2012, describió sus planes de abrir una galería en Vauxhall, Londres, diseñada específicamente para exhibir su colección personal, que incluye cinco piezas de Francis Bacon . La Newport Street Gallery abrió en octubre de 2015. Está ubicada en un antiguo taller de carpintería y producción de escenografía de teatro rediseñado por Peter St John y Adam Caruso , y se extiende a lo largo de Newport Street en Vauxhall. [93] [92]
Hirst fue nominado al Premio Turner en 1992, por su primera exposición de Jóvenes Artistas Británicos en la Galería Saatchi en el norte de Londres, que incluía su obra La imposibilidad física de la muerte... , y el premio le correspondió a Grenville Davey ese año. [94]
Hirst ganó el Premio Turner en 1995. [95] Se le pidió que representara al Reino Unido en la Bienal de Venecia en 1999 o que se convirtiera en miembro de la Academia Real, pero se negó. [96]
En 2012, Hirst estuvo entre los íconos culturales británicos seleccionados por el artista Sir Peter Blake para aparecer en una nueva versión de la portada de su álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles , para celebrar a las figuras culturales británicas de su vida que más admira. [97]
Hirst ha sido elogiado en reconocimiento a su celebridad y la forma en que esto ha galvanizado el interés en las artes, elevando el perfil del arte británico y ayudando a (re)crear la imagen de la " Britannia Cool ". A mediados de la década de 1990, la Secretaria de Patrimonio , Virginia Bottomley, lo reconoció como "un pionero del movimiento artístico británico", e incluso los ganaderos de ovejas se alegraron de que hubiera despertado un mayor interés en el cordero británico. [98] Janet Street-Porter elogió su originalidad, que había llevado el arte a nuevas audiencias y era el "equivalente en el mundo del arte de los conciertos de Oasis en Earl's Court". [98]
Andrés Serrano es también conocido por su impactante trabajo y entiende que la fama contemporánea no necesariamente equivale a la fama duradera, pero respalda a Hirst: "Damien es muy inteligente... Primero llamas la atención... No sé si resistirá o no la prueba del tiempo, pero creo que sí". [98] Sir Nicholas Serota comentó: "Damien es una especie de showman... Es muy difícil ser artista cuando hay una enorme atención del público y de los medios. Como Damien Hirst ha sido presentado como una figura muy importante, hay muchos escépticos dispuestos a clavarle el cuchillo". [98]
Tracey Emin dijo: "No hay comparación entre él y yo; él desarrolló una forma completamente nueva de hacer arte y claramente está en una liga propia. Sería como hacer comparaciones con Warhol". [99] A pesar de los insultos de Hirst hacia él, Saatchi sigue siendo un fiel partidario, etiquetando a Hirst como un genio, [98] y declarando:
Los libros de arte general fechados en 2105 serán tan brutales en cuanto a la edición de finales del siglo XX como lo son en cuanto a casi todos los demás siglos. Todos los artistas, excepto Jackson Pollock , Andy Warhol , Donald Judd y Damien Hirst, serán una nota a pie de página. [100]
Hirst estuvo entre los nombres de la lista de 2011 de Blake Gopnik "Los 10 artistas más importantes de la actualidad", y Gopnik interpretó la carrera de Hirst como "una metáfora de cómo el consumo se ha convertido en nuestra fuerza guía". [101]
La obra de Hirst ha recibido una oposición igualmente vehemente. El ex crítico de arte del Evening Standard , Brian Sewell , expresó lo siguiente sobre la obra de Hirst: "No creo que sea arte... No es más interesante que una pica disecada sobre la puerta de un pub. De hecho, es posible que haya más arte en una pica disecada que en una oveja muerta". [102]
El grupo artístico Stuckist fue fundado en 1999 con una agenda específica contra el arte británico por Charles Thomson y Billy Childish ; [103] Hirst es uno de sus principales objetivos. Escribieron (refiriéndose a un programa del Canal 4 sobre Hirst):
El hecho de que la obra de Hirst refleje la sociedad no es su punto fuerte, sino su debilidad, y la razón por la que está garantizado que decaerá artísticamente (y económicamente) a medida que los modelos sociales actuales se vuelvan obsoletos. Lo que Hirst ha observado perspicazmente de sus pinturas de giro en Vida y muerte y Damien Hirst es el único comentario que se debe hacer sobre toda su obra: "Son brillantes y estrafalarias, pero al fin y al cabo no tienen nada de especial". [102]
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En 2003, bajo el título Un tiburón muerto no es arte , la Stuckism International Gallery exhibió un tiburón que Eddie Saunders había exhibido por primera vez al público dos años antes que el de Hirst en su tienda de Shoreditch , JD Electrical Supplies. Thomson preguntó: "Si el tiburón de Hirst es reconocido como gran arte, ¿cómo es posible que el de Eddie, que estuvo en exhibición dos años antes, no lo sea? ¿Tal vez tengamos aquí un artista de genio no descubierto, que llegó primero, o es que un tiburón muerto no es arte en absoluto?" [104] Los Stuckists sugirieron que Hirst pudo haber obtenido la idea para su obra de la exhibición de la tienda de Saunders. [105]
En un documental de Channel 4 de 2008 llamado The Mona Lisa Curse , el crítico de arte Robert Hughes afirmó que el trabajo de Hirst era "de mal gusto" y "absurdo". Hughes dijo que era "un pequeño milagro" que se pusiera el valor de 5 millones de libras esterlinas en la Virgen Madre de Hirst (una estatua de bronce de 35 pies), que fue hecha por alguien "con tan poca habilidad". [106] Hughes llamó al tiburón de Hirst en formol "el organismo marino más sobrevalorado del mundo" y atacó al artista por "funcionar como una marca comercial", argumentando que Hirst y su trabajo demostraban que el valor financiero era ahora el único significado que quedaba para el arte. [106]
La muestra de 2009 de Hirst, No Love Lost , de pinturas de su propia mano, en la Colección Wallace en Londres, recibió "una de las respuestas negativas más unánimes a cualquier exposición en la memoria viva". [69] Tom Lubbock de The Independent calificó el trabajo de Hirst de derivado, débil y aburrido: [107] "Hirst, como pintor, está más o menos al nivel de un estudiante de arte de primer año no muy prometedor". [107] Rachel Campbell-Johnston de The Times dijo que era "escandalosamente malo". [107] Una exposición de 2012 de pinturas de Hirst en la galería White Cube en Bermondsey, titulada "Two Weeks One Summer", provocó en The Guardian el comentario de que Hirst "puede engañarse a sí mismo diciendo que es un viejo maestro y hacer que el mundo del arte se sume a la fantasía". [108]
Julian Spalding , crítico de arte británico y autor del libro Con Art – Why You Should Sell Your Damien Hirsts While You Can [109] , ha dicho:
A menudo se ha propuesto, seriamente, que Damien Hirst es un artista más grande que Miguel Ángel porque él tuvo la idea de un tiburón en un tanque, mientras que Miguel Ángel no tuvo la idea de su David... [pero] el emperador no tiene nada que hacer. Cuando se den cuenta de que no son arte, todo se derrumbará. Hirst no debería estar en la Tate. No es un artista. Lo que separa a Miguel Ángel de Hirst es que Miguel Ángel era un artista y Hirst no lo es. [110] [111]
La retrospectiva de Hirst de 2012 en la Tate Gallery, si bien batió récords de asistencia, también recibió muchas quejas. “El público escribió a la galería financiada por el Estado acusándola de malgastar el dinero de los contribuyentes al exhibir arte que era ‘repetitivo’, ‘sin sentido’ y ‘casi universalmente horrible’”. [112]
La obra de Hirst también ha sido objeto frecuente de críticas en la prensa sensacionalista. Un titular del Daily Mail decía: «Durante 1.000 años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy, las ovejas encurtidas y las camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros». Norman Tebbit , al comentar la exposición Sensation , escribió: «¿Se han vuelto completamente locos? Las obras del «artista» son trozos de animales muertos. Hay miles de artistas jóvenes que no fueron vistos, presumiblemente porque su trabajo era demasiado atractivo para la gente sensata. Los expertos en arte moderno nunca aprenden». [102]
En marzo de 2024, The Guardian informó que cuatro de las obras de animales en formaldehído de Hirst, que fueron datadas en la década de 1990 por la empresa de Hirst Science Ltd., en realidad se realizaron en 2017. Las cuatro obras en cuestión se realizaron preservando en formaldehído una paloma, dos tiburones y dos crías. [113] [114] En respuesta, Science Ltd. afirmó que las fechas que el artista había asignado a estas obras no representaban las fechas en que se realizaron, sino las fechas en que fueron concebidas. [113]
En mayo de 2024, The Guardian reveló que al menos 1.000 pinturas de puntos de colores en papel A4, que formaban parte de un proyecto de arte llamado The Currency, que Hirst había afirmado repetidamente que fueron "hechas en 2016" y que tenían el año '2016' inscrito en ellas junto con la firma de Hirst, de hecho fueron creadas varios años después de lo que se afirmaba. [115] En respuesta, los abogados de Hirst y Science Ltd. no cuestionaron que al menos 1.000 de las pinturas fechadas en 2016 se crearon años después, pero argumentaron que era la "práctica habitual" de Hirst fechar las obras de un proyecto de arte conceptual con la fecha de concepción del proyecto. [115]
En 1999, el chef Marco Pierre White dijo que Butterflies on Mars de Hirst había plagiado su propio trabajo, Rising Sun , que luego exhibió en el restaurante Quo Vadis en lugar del trabajo de Hirst. [116]
En 2000, Hirst fue demandado por violación de los derechos de autor sobre su escultura, Hymn , que era una ampliación de 20 pies (6,1 m) y seis toneladas del Young Scientist Anatomy Set de 14" de su hijo Connor , diseñado por Norman Emms, del que se venden 10.000 ejemplares al año por el fabricante de juguetes Humbrol, con sede en Hull, por 14,99 libras cada uno. [41] Hirst pagó una suma no revelada a dos organizaciones benéficas, Children Nationwide y Toy Trust, en un acuerdo extrajudicial, [41] así como un "pago de buena voluntad" a Emms. [116] La donación caritativa fue menor de lo que Emms esperaba. Hirst también aceptó restricciones sobre futuras reproducciones de su escultura. [41]
En 2006, un artista gráfico y ex investigador asociado del Royal College of Art , Robert Dixon , autor de 'Mathographics', afirmó que el grabado de Hirst, Valium, tenía "similitudes inconfundibles" con uno de sus propios diseños. El representante de Hirst lo impugnó explicando que el origen de la pieza de Hirst era de un libro The Penguin Dictionary of Curious and Interesting Geometry (1991), sin darse cuenta de que ese era un lugar donde se había publicado el diseño de Dixon. [116] [117]
En 2007, Dalya Alberge de The Times informó que el artista John LeKay , amigo de Damien Hirst entre 1992 y 1994, le había proporcionado ideas e inspiraciones para una variedad de sus obras posteriores, incluido el haberle dado una "copia duplicada marcada" de un catálogo de Carolina Biological Supply Company que LeKay había estado usando como inspiración y suministro para su trabajo, y señaló que "No tienes idea de cuánto obtuvo de este catálogo. The Cow Divided está en la página 647; es un modelo de una vaca dividida por el centro, como su pieza", una referencia a la obra de Hirst Mother and Child, Divided , una vaca y un ternero cortados por la mitad y colocados en formaldehído . [117] LeKay también sugiere que Hirst copió la idea de Por el amor de Dios de su trabajo sobre calaveras de cristal en 1993, diciendo: "Me gustaría que Damien reconociera que 'John realmente inspiró la calavera e influyó mucho en mi trabajo'". [117] El abogado de derechos de autor Paul Tackaberry revisó las imágenes del trabajo de LeKay y Hirst y no vio ninguna base para ninguna apropiación que alcanzara el nivel legal de una infracción de derechos de autor. [68]
En 2010, en 3:AM Magazine y en The Jackdaw , Charles Thomson argumentó que hay 15 casos en los que Hirst plagió el trabajo de otros, incluida su versión ampliada de un modelo de torso anatómico, Hymn (1999), que Thomson presenta junto con un modelo de torso anatómico comparable de John LeKay de Carolina Science, Yin and Yang (1990), y In Nomine Patris [ En el nombre del padre ] (2005) de Hirst , que presenta una oveja crucificada abierta en un tanque de formaldehído, después de la oveja crucificada abierta en una pose comparable de John LeKay, titulada This is My Body, This is My Blood (Este es mi cuerpo, esta es mi sangre ) (1987) montada en una tabla de madera. [118] [119] [120] [121] Otros ejemplos citados fueron la similitud de los gabinetes de Hirst con estantes y botellas, por ejemplo, My Way (1991), que se expandió para convertirse en su instalación del tamaño de una habitación, Pharmacy (1992), que Thomson relaciona con una exhibición de Joseph Cornell de gabinetes con estantes y botellas, Pharmacy (1943); y la apropiación por parte de Hirst del concepto de Lori Precious, quien había hecho efectos de vidrieras con alas de mariposa desde 1994, varios años antes que Hirst. La galería de arte lemon sky: projects + editions exhibió una selección de estas obras de Precious en la Feria de Arte Contemporáneo Year 06 en Londres en octubre de 2006, donde estas piezas fueron vistas por una gran audiencia y se habría visto en ese momento, que habían sido plagiadas de manera creíble. [118] [120] [121] Thomson también sugirió que las pinturas giratorias de Hirst y la instalación de una pelota en un chorro de aire no eran originales, ya que se habían realizado piezas similares en la década de 1960. [118] [120] [121] [122] Un portavoz de Hirst dijo que el artículo era "periodismo pobre" y que Hirst haría una refutación "exhaustiva" de las afirmaciones. [123]
En mayo de 2017, Hirst fue acusado de copiar y apropiarse del arte yoruba de Ilé-Ifẹ̀ en su obra Golden Heads (Female), que se exhibe en su exposición "Tesoros del naufragio de lo increíble" en la Bienal de Venecia . [124] [125] [126] La obra, dijeron los críticos, no recibió el contexto apropiado para los espectadores. [126]
Al comentar sobre su colección, Hirst dijo: "Como ser humano, a medida que uno avanza en la vida, uno va coleccionando. Fue ese tipo de coleccionismo entrópico lo que me interesó, simplemente acumular cosas mientras uno está vivo". [127]
En 2022, el artista y escritor Joe Machine acusó a Hirst de plagio de sus pinturas de flores de cerezo, la decimosexta acusación de plagio contra Hirst. [128]
Aunque Hirst participó físicamente en la realización de sus primeras obras, [129] siempre ha necesitado ayudantes (por ejemplo, Carl Freedman ayudó con las primeras vitrinas [130] ) y el volumen actual de trabajo producido requiere una configuración de "fábrica". [131] Esto ha llevado a cuestionamientos sobre la autenticidad, como se destacó en 1997, cuando una pintura de spin que Hirst dijo que era una "falsificación" apareció en una subasta, [ cita requerida ] aunque anteriormente había dicho que a menudo no tenía nada que ver con la creación de estas piezas. [ cita requerida ]
Hirst dijo que sólo pintó cinco cuadros de puntos porque "no me importaba hacerlo"; describió sus esfuerzos como "una mierda": "Son una mierda comparados con... la mejor persona que pintó puntos para mí fue Rachel . Ella es brillante. Absolutamente brillante. El mejor cuadro de puntos que puedes tener de mí es uno pintado por Rachel". También describe a otra asistente de pintura que se iba y le pidió uno de los cuadros. Hirst le dijo: "'haz uno tuyo'. Y ella dijo: 'No, quiero uno tuyo'. Pero la única diferencia, entre uno pintado por ella y uno mío, es el dinero". [132] Para febrero de 1999, dos asistentes habían pintado 300 cuadros de puntos. Hirst ve el verdadero acto creativo como la concepción, no la ejecución, y que, como progenitor de la idea, él es por lo tanto el artista:
El arte se desarrolla en tu cabeza... Si dijeras algo interesante, podría ser un título para una obra de arte y lo anotaría. El arte surge de todas partes. Es tu respuesta a tu entorno. Hay ideas en curso en las que he estado trabajando durante años, como cómo hacer un arcoíris en una galería. Siempre tengo una lista enorme de títulos, de ideas para exposiciones y de obras sin título. [17]
También se sabe que Hirst ofrece voluntariamente trabajos de reparación en sus proyectos después de que un cliente haya realizado una compra. Por ejemplo, este servicio se ofreció en el caso del tiburón suspendido comprado por Steven A. Cohen . [133] [134] [135]
Hirst mantuvo una breve relación con el chef Marco Pierre White en el restaurante "Quo Vadis". Su participación más conocida en un restaurante fue Pharmacy , ubicado en Notting Hill , Londres, que cerró en 2004. Aunque era uno de los propietarios, Hirst solo había alquilado su obra de arte al restaurante, por lo que pudo recuperarla y venderla en una subasta de Sotheby's , ganando más de 11 millones de libras. Algunas de las obras habían sido adaptadas, por ejemplo, firmándolas antes de la subasta. [136]
Hirst es copropietario del restaurante de mariscos, 11 The Quay, en la ciudad costera inglesa de Ilfracombe . [137] En 2016, Damien Hirst diseñó los interiores de su nuevo restaurante Pharmacy 2 en la Newport Street Gallery en Vauxhall , Londres. [138]
Las obras de arte de Hirst vendidas en su subasta de 2008, Beautiful Inside My Head Forever , recaudaron 198 millones de dólares estadounidenses. Se dice que es la mayor cantidad recaudada por cualquier artista vivo hasta la fecha. [139] Hirst tiene fama de ser el artista vivo más rico hasta la fecha. [6] En 2009, la lista anual de los individuos más ricos de Gran Bretaña e Irlanda, Sunday Times Rich List , colocó a Hirst en el puesto número 238 con un patrimonio neto de 235 millones de libras esterlinas. [140] La riqueza de Hirst fue valorada en 215 millones de libras esterlinas en la lista de ricos del Sunday Times de 2010 , lo que lo convirtió en el artista más rico de Gran Bretaña. [5] [141]
Entre sus obras se encuentran:
Entre 1992 y 2012, Hirst vivió con su novia estadounidense, Maia Norman, con quien tiene tres hijos, nacidos en 1995, 2000 y 2005. [151] [ se necesita una mejor fuente ]
Desde que se convirtió en padre, Hirst ha pasado la mayor parte de su tiempo en su remota granja cerca de Combe Martin en Devon . Hirst y Norman nunca se casaron, [152] aunque Hirst se había referido a Norman como su " esposa de hecho ". [153]
Hirst ha admitido haber tenido serios problemas con las drogas y el alcohol durante un período de diez años desde principios de los años 1990: "Empecé a tomar cocaína y a beber... Me convertí en un completo desastre balbuceante". [132] Durante este tiempo era conocido por su comportamiento salvaje y sus actos excéntricos, incluyendo, por ejemplo, ponerse un cigarrillo en la punta del pene delante de los periodistas. [154]
Es amigo del guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood, y del siete veces campeón mundial de snooker, Ronnie O'Sullivan . [155]
Hirst es un partidario de la organización de derechos indígenas Survival International . [156] En septiembre de 2008, Hirst donó la obra Beautiful Love Survival en la venta de Sotheby's en Londres, Beautiful Inside My Head Forever , para recaudar dinero para esta organización. [157] [158] Más tarde, también contribuyó con sus escritos al libro We Are One: A Celebration of Tribal Peoples , publicado en octubre de 2009, en apoyo de Survival. El libro explora la existencia de culturas indígenas en todo el mundo y las amenazas a las mismas. [159] [160]
En 2016 donó obras de arte para la subasta secreta de Art on a Postcard, [161] una organización benéfica que apoya la lucha contra la hepatitis C. [162]
En julio de 2021, Hirst anunció su primer proyecto NFT , llamado " The Currency " : consistía en 10.000 obras únicas pintadas a mano cubiertas de puntos sobre papel, cada una correspondiente a un token no fungible. Dos meses después, el proyecto generó ingresos por un total de 25.000.000 de dólares. [163] Hirst dio instrucciones a quienes compraron piezas de su última colección para que eligieran la obra de arte física o el NFT que la representaba. Se informó a los compradores de que las obras de arte correspondientes a los NFT no intercambiados serían destruidas, y las primeras 1.000 obras de arte se quemarían el 11 de octubre de 2022. Hirst transmitió en vivo la quema de sus piezas físicas en Instagram desde su galería de Londres y está dispuesto a quemar miles más de sus obras de arte para completar la transformación de las obras de arte seleccionadas para que puedan existir únicamente como NFT. [164] Se ha estimado que las obras que se queman tienen un valor colectivo de casi 10 millones de libras esterlinas. [165]
[Subtítulo:] : Solo hay dos buenas obras en la retrospectiva de Damien Hirst de la Tate.
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