Los Jóvenes Artistas Británicos , o YBAs [1] —también conocidos como artistas Brit y Britart— son un grupo informal de artistas visuales que comenzaron a exponer juntos en Londres en 1988. Muchos de los artistas de los YBA se graduaron del curso de Bellas Artes de la Universidad Goldsmiths a fines de los años 1980, mientras que algunos del grupo se habían formado en el Royal College of Art . [2]
La escena comenzó alrededor de una serie de exposiciones dirigidas por artistas celebradas en almacenes y fábricas, comenzando en 1988 con Freeze dirigida por Damien Hirst y, en 1990, East Country Yard Show y Modern Medicine .
Se destacan por sus "tácticas de choque", el uso de materiales descartables, su vida salvaje y una actitud "a la vez opositora y emprendedora". [3] Alcanzaron una considerable cobertura mediática y dominaron el arte británico durante la década de 1990; entre las exposiciones reseñadas internacionalmente a mediados de la década de 1990 se incluyen Brilliant! y Sensation .
Muchos de los artistas fueron inicialmente apoyados y sus obras coleccionadas por Charles Saatchi . Una notable excepción es Angus Fairhurst . [4] Entre los artistas más destacados del grupo se encuentran Damien Hirst y Tracey Emin . Entre las obras clave se encuentran The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living de Hirst , un tiburón conservado en formol en una vitrina , y My Bed de Emin , una cama doble desaliñada rodeada de detritos. [2]
Existe cierto desacuerdo en cuanto al primer uso del término "jóvenes artistas británicos". Tate [5] afirma que fue Michael Corris en una nota a pie de página en Artforum , mayo de 1992, [6] Otros afirman que fue Saatchi quien ya había titulado su exposición "Jóvenes artistas británicos I" en marzo de 1992. [7] El acrónimo "YBA" (o "yBa") no se acuñó hasta 1994. [8] Se ha convertido en un término histórico, ya que la mayoría de los YBA nacieron a mediados de la década de 1960. [9]
El núcleo del grupo de YBA se graduó del curso de licenciatura en Bellas Artes de Goldsmiths en las clases de 1987 a 1990. Liam Gillick , Fiona Rae , Steve Park y Sarah Lucas se graduaron en la clase de 1987. Ian Davenport , Michael Landy , Gary Hume , Anya Gallaccio , Lala Meredith-Vula , Henry Bond y Angela Bulloch se graduaron en la clase de 1988; Damien Hirst , Angus Fairhurst , Mat Collishaw , Simon Patterson y Abigail Lane se graduaron en la clase de 1989; mientras que Gillian Wearing y Sam Taylor-Wood se graduaron de la clase de 1990, y Jason Martin se graduó con la clase de 1993. Durante los años 1987-1990, el personal docente de la Licenciatura en Bellas Artes de Goldsmiths incluyó a Jon Thompson , Richard Wentworth , Michael Craig-Martin , Ian Jeffrey , Helen Chadwick , Mark Wallinger , Judith Cowan y Glen Baxter .
Gavin Turk y Mark Francis también forman parte del grupo de artistas de la YBA. Turk y Francis estudiaron en la Chelsea School of Art de 1986 a 1989 y en el Royal College of Art de 1989 a 1991. Turk y Francis expusieron sus obras en la exposición Saatchi Sensation de la Royal Academy.
Un grupo de dieciséis estudiantes de Goldsmiths participó en una exposición colectiva de arte, llamada Freeze , de la que Damien Hirst se convirtió en el organizador principal; todavía estaba en el segundo año de la licenciatura en Bellas Artes.
Las galerías comerciales habían mostrado una falta de interés en el proyecto, y este se llevó a cabo en un espacio barato y no artístico, un bloque administrativo de los Docklands de Londres (generalmente conocido como almacén). El evento tuvo eco en la escena rave de almacenes de " Acid House " que prevalecía en ese momento, pero no logró una gran exposición en la prensa. Uno de sus efectos fue dar un ejemplo de artista como curador: a mediados de la década de 1990, los espacios de exhibición y las galerías dirigidos por artistas se convirtieron en una característica de la escena artística de Londres. [10]
Hubo un predecesor menos destacado organizado por el artista Angus Fairhurst , en el que aparecía él mismo, Damien Hirst , Abigail Lane y Mat Collishaw en una pequeña muestra llamada "Progress by Degree" en la Galería Bloomsbury de la Universidad de Londres (Instituto de Educación) poco antes de Freeze. [11]
En colaboración con Hirst, Carl Freedman (que había sido amigo suyo en Leeds antes de que Hirst se mudara a Londres y estaba ayudando a fabricar las vitrinas de Hirst) y Billee Sellman organizaron dos influyentes exposiciones en "almacén" en 1990, Modern Medicine y Gambler , en una antigua fábrica de Bermondsey que designaron Building One. Para presentar Modern Medicine, consiguieron patrocinios de 1.000 libras de figuras del mundo del arte, entre ellas Charles Saatchi . Freedman ha hablado abiertamente sobre la profecía autocumplida que estos patrocinadores ayudaron a crear, y también comentó que no mucha gente asistió a estas primeras exposiciones, incluida Freeze . En 1990, Henry Bond y Sarah Lucas organizaron la East Country Yard Show en un almacén en desuso en London Docklands que se instaló en cuatro plantas y 16.000 m2 de espacio de exposición. En un artículo publicado en The Independent , el crítico de arte Andrew Graham-Dixon dijo:
"Los graduados de Goldsmiths no tienen reparos en promocionarse a sí mismos y a su obra: algunas de las exposiciones más llamativas de Londres de los últimos meses -"The East Country Yard Show" o "Gambler", ambas celebradas en los muelles- han sido organizadas y financiadas de forma independiente por los graduados de Goldsmiths como escaparates para su obra. Esto les ha dado una reputación de prepotentes, aunque también hay que decir que en términos de ambición, atención a la exposición y pura bravuconería ha habido poco que se pueda comparar con este tipo de exposiciones en las instituciones de arte contemporáneo establecidas del país. Por ejemplo, han sido muy superiores a cualquiera de las exposiciones de arte contemporáneo que ha organizado la Tate de Liverpool en su propio recinto multimillonario en los muelles." [12]
Espacios alternativos consolidados como City Racing en el Oval de Londres y Milch dieron a muchos artistas su primera exposición. Hubo mucha actividad embrionaria en el área de Hoxton / Shoreditch del este de Londres centrada en la galería de Joshua Compston . En 1991, la Serpentine Gallery presentó un estudio de este grupo de artistas con la exposición Broken English . En 1992, Charles Saatchi organizó una serie de exposiciones de Young British Art ; la primera muestra incluyó obras de Sarah Lucas , Rachel Whiteread y Damien Hirst .
Una segunda ola de jóvenes artistas británicos apareció en 1992-1993 a través de exposiciones como 'New Contemporaries', 'New British Summertime' y 'Minky Manky' (comisariada por Carl Freedman). Entre ellos se encontraban Douglas Gordon , Christine Borland , Fiona Banner , Tracey Emin , Tacita Dean , Georgina Starr y Jane y Louise Wilson . Una exposición que incluyó a varios de los artistas de YBA fue la British Art Show quinquenal de 1995 .
Los Young British Artists revitalizaron (y en algunos casos generaron) toda una nueva generación de galerías comerciales contemporáneas como Karsten Schubert , Sadie Coles , Victoria Miro , Interim Art de Maureen Paley y White Cube de Jay Jopling . [13] La expansión del interés mejoró el mercado de las revistas de arte británico contemporáneo a través del aumento de la publicidad y la circulación. Frieze , lanzada en 1991, abrazó a los YBAs desde el principio, mientras que publicaciones establecidas como Art Monthly , Art Review , Modern Painters y Contemporary Art fueron relanzadas con un mayor enfoque en los artistas británicos emergentes.
Uno de los visitantes de Freeze fue Charles Saatchi , un importante coleccionista de arte contemporáneo y cofundador de Saatchi and Saatchi , la agencia de publicidad londinense. Saatchi visitó entonces a Gambler en un Rolls-Royce verde y, según Freedman, se quedó boquiabierto de asombro ante (y luego compró) la primera gran instalación "animal" de Hirst, A Thousand Years , que consistía en una gran vitrina que contenía gusanos y moscas alimentándose de la cabeza de una vaca en descomposición. (La instalación fue posteriormente un elemento destacado de la exposición Sensation ).
Saatchi se convirtió no sólo en el principal coleccionista de Hirst, sino también en el principal patrocinador de otras YBA, un hecho que Gavin Turk reconoció abiertamente. El mercado del arte contemporáneo en Londres se había derrumbado drásticamente a mediados de 1990 debido a una importante recesión económica, y muchas galerías comerciales contemporáneas habían cerrado. Hasta ese momento, Saatchi había coleccionado principalmente arte contemporáneo estadounidense y alemán, algunos de artistas jóvenes, pero la mayoría de artistas ya consagrados.
Su colección se exhibió públicamente en una serie de muestras en una gran fábrica de pinturas reconvertida en St John's Wood, al norte de Londres. La Galería Saatchi inspiró a jóvenes artistas a producir grandes obras de arte conceptual que no cabían en las galerías generalmente pequeñas del Londres de esa época. [14] Las exposiciones anteriores de la Galería Saatchi habían incluido figuras importantes como Warhol , Guston , Alex Katz , Serra , Kiefer , Polke , Richter y muchos más. A principios de la década de 1990, Saatchi modificó su enfoque hacia el arte británico emergente.
Saatchi organizó una serie de espectáculos llamados "Jóvenes Artistas Británicos" a partir de 1992, cuando una exhibición destacada fue el "tiburón" de Damien Hirst ( La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo ), que se convirtió en la obra icónica del arte británico en la década de 1990, [15] y el símbolo del arte británico en todo el mundo. [16] Además de (y como resultado directo de) el mecenazgo de Saatchi, los Jóvenes Artistas Británicos se beneficiaron de una intensa cobertura mediática. Esto se vio aumentado por la controversia en torno al Premio Turner anual (uno de los pocos premios importantes de Gran Bretaña para artistas contemporáneos), que tuvo a varios de los artistas como nominados o ganadores. Channel 4 se había convertido en patrocinador de la competencia, lo que llevó a perfiles televisivos de los artistas en franjas horarias de máxima audiencia.
La consolidación del estatus de los artistas comenzó en 1995 con una exposición colectiva a gran escala titulada Brilliant!, celebrada en el Walker Art Center, un respetado museo de arte de Minneapolis (Estados Unidos). El término "yBa" ya se utilizaba en 1994 [8] y más tarde lo utilizó Simon Ford en un artículo titulado "Myth Making" en marzo de 1996 en la revista Art Monthly . [17]
El marchante de arte Jay Jopling comenzó a representar a los YBA Jake & Dinos Chapman, Tracey Emin, Marcus Harvey , Damien Hirst, Gary Hume , Marc Quinn , Gavin Turk y Sam Taylor-Wood, con quien se casó en 1998. Antes de Jopling, Karsten Schubert fue el marchante más importante de artistas que luego fueron llamados YBA. Poco después de Freeze expuso a Ian Davenport, Gary Hume y Michael Landy en noviembre de 1988, quienes expusieron en Freeze, en su galería. [18]
En 1997, la Real Academia organizó una exposición de la colección de arte privada de Charles Saatchi titulada Sensation , que incluía muchas obras de artistas de la YBA.
La exposición era en realidad una muestra de la colección privada de obras de Charles Saatchi , y él poseía las piezas más importantes. El enlace fue efectuado por Norman Rosenthal de la Academia , a pesar de que hubo una fuerte oposición por parte de algunos de los académicos, tres de los cuales renunciaron. La controversia generada en los medios de comunicación sobre la muestra, en particular sobre la obra de Marcus Harvey Myra , sirvió para reforzar la importancia de los YBAs. [19] Cuando la muestra viajó a Nueva York hubo más controversia causada por la inclusión de la obra de Chris Ofili "La Santísima Virgen María". [19]
En 1997, Gillian Wearing ganó el premio anual Turner . En 1998, Chris Ofili ganó el premio anual Turner.
En 1999, Tracey Emin fue nominada al Premio Turner . Su exposición principal, My Bed (Mi cama) , que consistía literalmente en su cama desordenada y manchada, rodeada de desechos que incluían condones, zapatillas y ropa interior sucia, creó un impacto mediático inmediato y duradero y aumentó aún más su prominencia. La aparición al mismo tiempo de un grupo anti-YBA, The Stuckists , cofundado por su ex novio, Billy Childish , dio otro ángulo a la cobertura mediática.
En 2003, los YBA Jake y Dinos Chapman y Anya Gallaccio fueron nominados para el Premio anual Turner.
El 24 de mayo de 2004, un incendio en un almacén destruyó algunas obras de la colección Saatchi, entre ellas Hell de los hermanos Chapman y la "tienda" de Tracey Emin, Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995 . [20]
En 2008, YBA Angus Fairhurst murió por suicidio.
En la lista de honores de cumpleaños de 2011 , Sam Taylor-Wood y Gillian Wearing fueron nombrados miembros de la Orden del Imperio Británico por la Reina Isabel II . [21]
Varios de los YBAs han sido elegidos miembros vitalicios de la Real Academia de las Artes de Londres (fundada por Jorge III en 1768); por lo tanto, son "Académicos Reales" y pueden usar las letras "RA" después de su nombre para indicarlo.
Richard Cork (antiguo crítico de arte de The Times ) ha sido un firme defensor de los artistas, al igual que la escritora de arte Louisa Buck y la ex editora de arte de Time Out , Sarah Kent . Sir Nicholas Serota ha validado a los artistas con la nominación de varios de ellos al Premio Turner y su inclusión en la colección de la Tate .
Maureen Paley dijo: "Lo que surgió de la generación de los YBA fue la audacia, la creencia de que uno puede salirse con la suya en todo". [23]
En 2009, Iwona Blazwick , directora de la Whitechapel Art Gallery , dijo: "El momento de la YBA definitivamente ha muerto, pero cualquiera que piense que fueron un punto de inflexión se equivoca. Comenzaron algo que ha seguido creciendo desde entonces. No ha terminado". [24]
En 1998, John Windsor dijo en The Independent que el trabajo de los YBAs parecía manso comparado con el del " arte de choque " de los años 1970, incluyendo "ultrajes perversos" en la Galería Nicholas Treadwell , entre los que se encontraba una "camisa de fuerza de cuero colgante, anatómicamente detallada, completa con genitales", titulada Crucifixión rosa , de Mandy Havers. [25]
En 1999 se fundó el grupo artístico Stuckists con una agenda abiertamente anti-YBA. [26] En 2002, Britart fue duramente criticado por el director principal Sir Simon Rattle , quien, a su vez, fue acusado de tener una mala comprensión del arte conceptual y visual . [ cita requerida ]
El dramaturgo Tom Stoppard hizo una denuncia pública y Brian Sewell (crítico de arte del Evening Standard ) fue constantemente hostil, [27] al igual que David Lee , el editor de Jackdaw . Rolf Harris , el presentador de televisión y artista, destacó My Bed de Tracey Emin como el tipo de instalación que aleja a la gente del arte. "No veo cómo levantarse de la cama y dejar la cama sin hacer y ponerla en exhibición y decir que vale, no sé, 31.000 libras... No lo creo, creo que es una estafa".
Para James Heartfield , "el auge del arte de los años 1990 fomentó la dejadez. Los Jóvenes Artistas Británicos prefirieron el gesto inspirado al trabajo paciente. Agregaron la indignación pública a sus paletas, sólo para descubrir que se desvanecía muy rápidamente". [28]
Los miembros del grupo son parodiados en una tira cómica regular de Birch, titulada "Jóvenes artistas británicos", en la revista satírica británica Private Eye .
Las artistas femeninas eran claramente una minoría en el entorno dominado por los hombres de los Jóvenes Artistas Británicos. Individuos como Sarah Lucas , Jenny Saville y Rachel Whiteread han sido objeto de distintos niveles de descuido en sus representaciones mediáticas, además de ser incomparables en notoriedad con sus pares masculinos de los Jóvenes Artistas Británicos, como Hirst. [29]
El Art Society Journal de la Universidad de Sussex describe cómo las feministas de los años 1980 influyeron en las mujeres que formaban parte de la obra de los Jóvenes Artistas Británicos a través de la estrategia de subvertir los estereotipos femeninos. [29] Otros discursos en torno al trabajo femenino de los Jóvenes Artistas Británicos incluyen una discusión sobre la práctica escultórica de Rachel Whiteread . Se ha dicho que Whiteread perturba el concepto "claro" de mujeres haciendo "trabajo femenino". [30] Su obra Nine Tables intenta existir dentro de un tercer espacio, donde las formas no pueden tener un género físico, pero aún así pueden verse como objetos femeninos. [30] Daniel Ogilivie ha expresado cómo el concepto de Judith Butler de que "... el mero acto de 'hacer', de moldear el objeto, que expresa el género y no es ninguna asociación antropomórfica en la obra de arte en sí", crea lo femenino dentro de la obra de Whiteread. [30]
Con la prevalencia de la ideología feminista en la sociedad y el arte contemporáneo, los críticos han argumentado que artistas femeninas como Jenny Saville en la década de 1990 investigaron la idea artificial de "feminidad" creada por la Estructura Patriarcal. [31] Mientras asistía a la escuela de arte en Cincinnati, la pasión feminista de Saville se concibió a través de una comprensión del género dentro de la historia del arte. En sus propias palabras, descubrió que "siempre me había preguntado por qué no había habido mujeres artistas en la historia. Descubrí que las había, pero no se informó sobre ellas. Me di cuenta de que me habían afectado las ideas masculinas, al pasar por una escuela de arte dominada por hombres". [32] Ahora consciente del patriarcado institucional, Saville comenzó a pintar desnudos femeninos que no estaban idealizados. En lugar de continuar con la visión histórica masculina reconocida de los cuerpos femeninos, Saville creó representaciones de mujeres naturales con defectos genuinos. Vello púbico que sube por el estómago y alrededor de los muslos, piel descolorida y áreas de exceso de carne. [32] Al deconstruir el cuerpo femenino, Saville ha declarado: "No intento enseñar, sólo hacer que la gente discuta, que observe cómo las mujeres han sido creadas por el hombre. ¿Qué es la belleza? La belleza es generalmente la imagen masculina del cuerpo femenino. Mis mujeres son hermosas en su individualidad". [33]