El cine afroamericano se clasifica vagamente como películas hechas por, para o sobre estadounidenses negros . [1] Históricamente, las películas afroamericanas se han hecho con elencos afroamericanos y se han comercializado para audiencias afroamericanas. [1] El equipo de producción y el director a veces también eran afroamericanos. [2] Más recientemente, las películas negras con elencos multiculturales dirigidas a audiencias multiculturales también han incluido la negritud estadounidense como un aspecto esencial de la trama. [1] [2] [3]
La segregación, la discriminación, los problemas de representación, los estereotipos despectivos y los tropos cansados han perseguido al cine negro estadounidense desde el comienzo de un siglo de historia que coincidió aproximadamente con el siglo de historia del cine estadounidense. [4] [5] Desde los primeros días de las películas, los principales estudios utilizaron actores negros para atraer al público negro, aunque a menudo los relegaban a papeles secundarios , eligiendo a las mujeres como sirvientas o niñeras, y a los hombres como nativos o sirvientes [6] o de cualquier género como un " negro mágico ", una actualización del " noble salvaje ".
Los cineastas, productores, críticos y otros actores negros se han resistido de muchas maneras a los arquetipos estrechos y a la representación ofensiva. Ya en 1909, Lester A. Walton, el crítico de arte del New York Age , formulaba sofisticados argumentos contra la cosificación de los cuerpos negros en la pantalla, señalando que "la propaganda anti-negra ataca las raíces mismas de los principios fundamentales de la democracia". [7] Al destacar el impacto educativo que podría tener el cine, también argumentó que podría utilizarse para "emancipar al estadounidense blanco de sus ideas peculiares", que eran "dañinas para ambas razas". [7]
Las "películas raciales" de 1915 hasta mediados de los años 1950 siguieron un espíritu similar de " elevación racial " y "contraprogramación" educativa con la intención de combatir el racismo del sur de Jim Crow . [8] Esa sensibilidad cambió notablemente en los años 1960 y 1970. Aunque las películas de blaxploitation siguieron incluyendo personajes estereotipados, también fueron elogiadas por retratar a los negros como héroes y sujetos de sus propias historias. [9]
En la década de 1980, autores como Spike Lee y John Singleton crearon representaciones matizadas de las vidas de los negros, lo que abrió el camino para que cineastas posteriores como Jordan Peele y Ava DuVernay utilizaran una variedad de géneros (terror, historia, documental, fantasía) para explorar las vidas de los negros desde múltiples perspectivas. La exitosa película de superhéroes de 2018 de Ryan Coogler, Black Panther, también ha sido ampliamente elogiada por crear una utopía urbana afrocéntrica completamente realizada de los negros que incluye un mito fundacional, un héroe legendario y se deleita "por completo en su africanidad". [10]
El cortometraje Something Good – Negro Kiss se realizó en 1898. Las primeras películas comerciales a menudo mostraban espectáculos de juglares hasta que los actos de vodevil los superaron en popularidad. [3] [11] Un afroamericano apareció en el cine narrativo al menos ya en 1909, que es también el año en que Siegmund Lubin produjo la serie de comedia, utilizando un elenco negro, con el título despectivo Sambo . Antes de eso, los papeles cinematográficos para actores negros eran interpretados por actores blancos con la cara pintada de negro . [12] Sam Lucas se convirtió en el primer actor negro en ser elegido para un papel principal en una película convencional, apareciendo en la película de 1914 La cabaña del tío Tom . [5] [13] La Peter P. Jones Film Company se estableció en Chicago y filmó actos de vodevil, así como la Exposición Nacional del Medio Siglo de 1915 y el Jubileo de Lincoln . [ cita requerida ]
La Foster Photoplay Company de William D. Foster en Chicago fue uno de los primeros estudios en presentar a afroamericanos. [14] [15] Los elencos de sus películas incluían artistas de espectáculos teatrales en el Pekin Theatre de Robert T. Motts . [ cita requerida ] Las compañías de teatro Lafayette Players y The Ethiopian Art Theatre también tuvieron varios actores que se pasaron al cine. [ cita requerida ] REOL Productions fue un estudio de la ciudad de Nueva York que produjo películas a principios de la década de 1920 con actores de Lafayette Players. [ cita requerida ] Durante su existencia relativamente corta, REOL produjo un par de documentales, comedias y un largometraje. [16]
Lincoln Motion Picture Company se estableció en Omaha, Nebraska , antes de mudarse a Los Ángeles , y fue uno de los primeros productores negros de películas afroamericanas. [17] Su declaración de misión era "fomentar el orgullo negro" con sus "películas principalmente orientadas a la familia". [17] La efímera Ebony Film Corporation , de propiedad blanca , se fundó en 1915, pero el mal criterio de la propiedad blanca sobre sus películas cargadas de estereotipos dirigidas tanto al público blanco como al negro condujo a una protesta pública del público negro a raíz de la ira divisiva por El nacimiento de una nación . [18] La compañía cerró sus puertas en 1919, como resultado. [18] Norman Studios , fundada en 1920 en Jacksonville, Florida, produjo películas dramáticas con elencos afroamericanos, a pesar de que Norman, él mismo, era blanco. [18] Sin embargo, entre 1920 y 1928, hizo una serie de películas exitosas, protagonizadas por actores negros. [18]
Biograph realizó una serie de cortos de comedia con el comediante Bert Williams . [ cita requerida ]
Algunas de las primeras películas afroamericanas fueron clasificadas más tarde por los académicos como "Uplift Cinema", haciendo referencia al influyente movimiento de elevación del escritor y educador Booker T. Washington , que tomó forma en el Instituto Tuskegee , una de las primeras escuelas de formación de maestros de la posguerra civil en Alabama para esclavos recién liberados. Bajo su liderazgo, la universidad produjo varios cortometrajes documentales, como una forma de promover el instituto y generar apoyo entre los benefactores de la escuela. [19] Su primer documental promocional fue A Trip to Tuskegee (1909) de 1909 seguido en 1913 por A Day at Tuskegee . [19] Ese mismo año, el Post Civil War Hampton Institute de Samuel Chapman Armstrong , que se centró en "el trabajo manual y la autoayuda", [20] tomó una página del libro de Washington y creó su propio documental narrativo John Henry at Hampton: A Kind of Student Who Makes Good , específicamente para atraer a los donantes del Norte. [20] [21]
A partir de 1915 y hasta la década de 1950, las compañías de producción afroamericanas se asociaron con compañías cinematográficas independientes para crear " películas raciales ", un término que describe películas con elencos afroamericanos dirigidas a audiencias afroamericanas pobres y principalmente sureñas, realizadas por productores afroamericanos que trabajaban con presupuestos mucho más ajustados que sus rivales de Hollywood. [22]
Las películas raciales generalmente enfatizaban la superación personal y los valores de la clase media, al mismo tiempo que "fomentaban una generación entera de cineastas afroamericanos independientes y ayudaban a establecer un 'cine negro' en Estados Unidos, una forma de arte y un sistema donde los directores negros tenían la capacidad de ser independientes: recaudar dinero, filmar y editar, y componer la música de las películas ellos mismos". [8] Se realizaron casi 500 en los Estados Unidos entre 1915 y 1952, y la mayoría se exhibieron en el sureste de Estados Unidos, donde había más cines para afroamericanos. [22] [23]
Entre las primeras estrellas del género se encontraban la futura ganadora del Óscar Hattie McDaniel y el actor, cantante y activista político Paul Robeson , que más tarde sería incluido en la lista negra durante la era McCarthy . El novelista Oscar Micheaux adaptó una de sus novelas para su primera película The Homesteader , en 1919, que se considera una de las primeras películas raciales. La segunda película de Micheaux Within Our Gates , estrenada en 1920, fue como todas las películas raciales, una respuesta al racismo, y en este caso el racismo en la divisiva película de D. W. Griffith de 1915 El nacimiento de una nación . [24] Micheaux escribiría, produciría y dirigiría "cuarenta y cuatro largometrajes entre 1919 y 1948", lo que llevó al Producers Guild of America a llamarlo "el cineasta negro más prolífico, si no el independiente más prolífico, del cine estadounidense". [25]
Los primeros cineastas a veces desempeñaron papeles múltiples como actor, director y productor. Spencer Williams , que más tarde protagonizó Amos 'n' Andy , escribió y dirigió películas. [ cita requerida ] Su Amegro Films produjo la película de 1941 La sangre de Jesús . [ cita requerida ] El novelista convertido en cineasta Oscar Micheaux , que trabajó en cine mudo y más tarde se convirtió en un destacado director y productor de películas habladas. [ 8 ] William D. Alexander , conocido por sus noticieros patrocinados por el gobierno dirigidos al público afroamericano al principio de su carrera, también se convirtió en un influyente cineasta afroamericano. [ cita requerida ]
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Los principales distribuidores incluyeron a Toddy Pictures Corporation, que adquirió y relanzó películas anteriores bajo nuevos títulos y campañas publicitarias y, brevemente, Million Dollar Productions , que contó con una asociación con la estrella afroamericana Ralph Cooper . [26] [27]
Las películas musicales capturaron varios actos e intérpretes afroamericanos en película. Conocidas como soundies , fueron un precursor de los videos musicales, que a menudo se cortaron de ellas y luego se lanzaron entre los años 1940 y 1946. [28] Presentaron una enorme gama de estilos musicales e actuaciones de "pastel de queso", así como músicos tanto blancos como negros, incluida la cantante, bailarina y actriz Dorothy Dandridge , quien más tarde se convertiría en la primera nominada negra al Oscar a Mejor Actriz. [29] El actor cómico Stepin Fetchit , que fue el primer actor negro en ganar un millón de dólares, y es controvertido por su representación degradante de la sumisión negra, también apareció en ellas. [ cita requerida ] El trompetista de jazz Louis Armstrong , que pasó a hacer 20 largometrajes entre los años 1930 y 1960, también hizo soundies. [30] [31] [32]
Otros actores negros famosos por sus dotes de canto y baile incluyen al bailarín de claqué, cantante y actor Bill "Bojangles" Robinson , quien también actuó en películas de Shirley Temple . [33] La cantante, bailarina y actriz Lena Horne , a menudo reconocida por su interpretación de Stormy Weather en el musical de 1943 del mismo nombre, también fue la primera actriz negra en firmar un contrato de estudio. [34] Entre las primeras actrices más destacadas se encontraba la ganadora del Óscar Hattie McDaniel , quien ganó el premio a la Mejor Actriz de Reparto por su papel en la película de 1939 Lo que el viento se llevó . [35]
En las décadas de 1950 y 1960, Sidney Poitier se convirtió en una estrella de cine y en el primer actor negro en ganar el Oscar en una carrera competitiva por Lilies of the Field (1963), una de las muchas películas aclamadas en una larga filmografía que incluye una nominación al Oscar por The Defiant Ones (1958), que enfatizó la armonía racial como un medio para un fin, In the Heat of the Night (1967), un drama criminal que se centró en la incómoda asociación que se desarrolla entre un jefe de policía sureño blanco intolerante (interpretado por Rod Steiger ) a quien Poitier abofetea, y Guess Who's Coming to Dinner ? (1967), un éxito de taquilla, coprotagonizada por Spencer Tracy y Katharine Hepburn como los padres liberales de la prometida blanca de Poitier, incómodos por su compromiso. [36] A principios de la década de 1970, Poitier se dedicó a la dirección, para luego volver a la pantalla para interpretar a Thurgood Marshall en Separate but Equal (1991) y a Nelson Mandela en Mandela and de Klerk (1997). En 2009, Poitier recibió la Medalla Presidencial de la Libertad de los Estados Unidos . [37]
Las películas de blaxploitation son un subconjunto de las películas de explotación , un término derivado del término de marketing cinematográfico que enfatiza la promoción de una estrella de marca, un tema de tendencia o un tema excitante; en resumen, un atractivo casi seguro en la taquilla. [38] Tanto las películas de explotación como las de blaxploitation son películas B de bajo presupuesto , diseñadas para obtener ganancias. [39]
La variante negra de la década de 1970 pretendía contar historias negras con actores negros para audiencias negras, pero por lo general no eran producidas por afroamericanos. Como escribió Junius Griffin, presidente de la rama de Hollywood de la NAACP , en un artículo de opinión del New York Times en 1972: "En la actualidad, las películas negras son una 'estafa' que enriquece a los principales productores cinematográficos blancos y a muy pocos negros". [40]
También consideradas explotadoras debido a los muchos estereotipos en los que se basaban, las películas de Blaxploitation generalmente se desarrollaban en entornos estereotípicamente urbanos, los personajes afroamericanos con frecuencia eran acusados de vencer a "El Hombre", es decir, a los opresores blancos, y la violencia y el sexo a menudo ocupaban un lugar destacado. [38] A pesar de estos tropos, el cine de Blaxploitation también fue reconocido por retratar a los negros como héroes y sujetos de sus propias historias, y por ser el primer género cinematográfico en presentar música funk y soul en sus bandas sonoras . [41]
Se dice que dos películas, ambas estrenadas en 1971, inventaron el género: Sweet Sweetback's Baadasssss Song de Melvin Van Peebles , sobre un hombre negro pobre que huye de la policía blanca, y con una banda sonora de Earth, Wind & Fire fue una. La película de acción criminal Shaft del director Gordon Parks , presentó una canción temática que luego ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original por la canción principal de la película, que luego apareció en varias listas Top 100 , incluida 100 Years...100 Songs de AFI fue la otra. [24]
Otras películas notables del género incluyen el primer largometraje de Ivan Dixon , el thriller de 1972 Trouble Man , que contó con una banda sonora de Marvin Gaye ; y la película de terror experimental de 1973 de Bill Gunn Ganja & Hess , luego rehecha por Spike Lee en 2014 como Da Sweet Blood of Jesus . [24]
Si las películas de Van Peebles y Parks eran las películas por excelencia del género, entonces Pam Grier era la actriz por excelencia del género. Más tarde descrita por el director Quentin Tarantino como la primera estrella femenina del cine de acción, Grier era "parte de un pequeño grupo de mujeres que definieron el género", pasando de papeles secundarios en películas como el melodrama satírico Más allá del valle de las muñecas a papeles destacados en películas como la película de terror de 1973 Scream Blacula Scream y Coffy de 1973 , en la que interpretó a una enfermera vengativa. [42]
El movimiento cinematográfico Rebelión de Los Ángeles , también conocido como la "Escuela de Cineastas Negros de Los Ángeles" o la Rebelión de UCLA, se refiere a varias docenas de jóvenes cineastas africanos y afroamericanos que estudiaron en la Escuela de Cine de UCLA durante el lapso de 20 años entre fines de la década de 1960 y fines de la década de 1980, quienes luego crearon películas independientes de arte negro para brindar una alternativa al cine clásico de Hollywood . [43]
Películas como Killer of Sheep (1978), de Charles Burnett, que suelen tener como protagonistas a la clase trabajadora de comunidades necesitadas, han sido aclamadas como un hito, aunque hasta hace poco muchas de ellas eran difíciles de encontrar. [44] Por otro lado, Daughters of the Dust (1991), de Julie Dash , fue el primer largometraje dirigido por una mujer negra que se distribuyó en todo el país. [45]
Ambas películas están inspiradas en el contexto más amplio de los primeros días de la Rebelión de Los Ángeles: firmemente anti-Hollywood y comprometida con la narración basada en experiencias auténticas, la Rebelión de Los Ángeles se formó poco después de los disturbios de Watts de 1965, los disturbios después de un tiroteo en 1969 en el campus de la UCLA, las luchas contra Vietnam y el Movimiento del Poder Negro , que llevaron a varios estudiantes a persuadir a la universidad para "lanzar un programa de estudios etnográficos que respondiera a las comunidades locales de color... Las películas que siguieron... se forjaron en solidaridad con los movimientos anticoloniales de todo el mundo, como el Cinema Novo de Brasil y el Grupo Cine Liberación argentino ". [43] [46]
Aunque la mayoría de películas como la de Burnett nunca fueron ampliamente vistas, un resurgimiento del interés en el movimiento cinematográfico radical condujo a una retrospectiva en 2011 en el Museo Hammar de la UCLA, una retrospectiva en 2015 en la Tate Modern y un libro publicado en 2015 por la UCLA llamado LA Rebellion: Creating a New Black Cinema . [47] [46] [43] [48]
Entre la música y el drama, el cine de los años 80 fue frecuentemente cómico, lo que impulsó la exitosa carrera cinematográfica de Eddie Murphy. En 1987, la película Hollywood Shuffle del actor, comediante y director Robert Townsend satirizó la industria cinematográfica de Hollywood y su tratamiento de los afroamericanos y creó un gran revuelo. [49] En 1982, Eddie Murphy hizo la comedia de amigos 48 Hrs , que The New York Times calificó de "positivamente ingeniosa". [50] En 1983, hizo otro éxito en Trading Places con Dan Aykroyd . [51]
En 1984, ya un éxito de taquilla probado, Murphy dejó Saturday Night Live y lanzó una exitosa carrera a tiempo completo, con su primer papel protagónico en solitario en Beverly Hills Cop , que tuvo dos secuelas. [52] En 1988, hizo la tonta comedia romántica Coming to America (que condujo a la secuela menos bien recibida Coming 2 America en 2021), y en 1989 hizo la película de comedia dramática y crimen Harlem Nights , protagonizada como parte de un equipo de comedia multigeneracional que incluía a los legendarios stand-ups Richard Pryor y Redd Foxx . [53]
En 1984, el drama musical de rock de Prince Purple Rain , que contó con una banda sonora ganadora del Oscar, así como un álbum con el mismo nombre, lo lanzó como una superestrella. En el cine a tiempo completo, el drama de comedia en blanco y negro de 1986 She's Gotta Have It lanzó a Spike Lee a una carrera de más de tres décadas y contando. Más de 20 años después, su primera película fue relanzada y reimaginada como una serie de televisión de dos temporadas de 2016 con el mismo nombre. [53] Lee terminó la década con Do the Right Thing de 1989 , cuya historia que explora la tensión racial y la violencia latente le valió elogios tanto de la crítica como comerciales, y aún puede ser su película más famosa. [53]
A finales de los años 1980 también surgió el actor Denzel Washington . Interpretó al activista político Steve Biko en la película de 1987 Cry Freedom , el papel principal en Malcolm X de Spike Lee de 1992 y a varias otras figuras icónicas. Ganó el premio al Mejor Actor de Reparto por interpretar a un soldado del Ejército de la Unión condenado en el drama histórico Glory (1989). [54] Washington ganaría 17 premios NAACP Image , tres Globos de Oro, un premio Tony y un segundo premio de la Academia en 2001 por interpretar al detective corrupto en el thriller de Antoine Fuqua Training Day . [54]
En 2020, The New York Times lo clasificó como el mejor actor del siglo XXI. En 2002, Washington hizo su debut como director con la película biográfica Antwone Fisher . Su segundo trabajo como director fue The Great Debaters (2007). Su tercera película, Fences (2016), en la que también actuó, fue nominada al premio Óscar a la mejor película . [ cita requerida ]
En 2016, Steve Rose, del periódico The Guardian, señaló que "los últimos años de la década de 1980 y de la de 1990 [también] anunciaron un gran avance liderado por Do the Right Thing de Spike Lee y Boyz n the Hood de John Singleton ". [55] IndieWire llama a la década de 1990, en particular, "un período que fue testigo de una cantidad histórica de películas realizadas por directores afroamericanos que alteraron para siempre lo que pensábamos como "estética negra" y que crearon obras de referencia que continúan inspirando a los cineastas contemporáneos", y atribuye a Boyz n the Hood (1991) de John Singleton , que explora los desafíos de la vida en el gueto, Daughters of the Dust (1991) de Julie Dash sobre tres generaciones de Gullah , Eve's Bayou de Kasi Lemmons sobre las repercusiones de la aventura de un padre y la comedia dramática romántica Watermelon Woman (1996) de Cheryl Dunye como pioneras por su ambición y diversidad de género y estilo. [56] Muchos también elogian a Malcolm X (1992) de Spike Lee como la película biográfica de la década por su complejidad y su política franca, que comenzó la película con un video de la brutal golpiza policial a Rodney King , que desencadenó los disturbios de Los Ángeles de 1992. [55] [57]
Spike Lee ha creado un conjunto de trabajos que utilizan predominantemente actores negros y que tienden a explorar temas sociopolíticos que van desde la liberación sexual de las mujeres en She's Gotta Have It (1986) hasta los grupos de odio en la ganadora del Oscar Black Kkklansman (2018) más de 20 años después. Mientras que Lee es claramente político, otros cineastas contemporáneos hoy en día se basan en un subtexto político oculto a simple vista. La exitosa película de terror de Jordan Peele, Get Out (2017), también fue interpretada como una parábola de la distopía negra, y el éxito de taquilla de Ryan Coogler , Black Panther (2018), fue interpretado como un modelo de utopía negra. [ cita requerida ]
Las mujeres afroamericanas y las mujeres homosexuales y lesbianas afroamericanas también han avanzado en la dirección de películas, en el cómic de Radha Blank The 40-Year-Old Version (2020), la interpretación fantasiosa de Ava DuVernay del clásico infantil A Wrinkle in Time [1] [58] o el cortometraje de Angela Robinson DEBS (2003) convertido en adaptación de largometraje en 2004.
El director Tim Story es más conocido por comedias como Barbershop (2002), la película de superhéroes Fantastic Four (2005) y Ride Along , una franquicia de comedia de amigos. Ha sido nominado a dos premios NAACP Image Awards como dirección destacada en una película o película para televisión en 2006 y 2013. [ cita requerida ]
A principios de la década de 2000, el prolífico cineasta negro Tyler Perry comenzó a hacer películas. Las películas suelen ser detestadas por los críticos [59] y amadas por el público. En su mayoría, están dirigidas al público negro con farsas de humor físico que le han ganado seguidores leales y lo han ayudado a construir su estudio de cine con sede en Atlanta [60] . Forbes describe a Tyler Perry en un titular que dice: "De 'pobre como el infierno' a multimillonario: cómo Tyler Perry cambió el mundo del espectáculo para siempre". [60] "En 2007, la industria cinematográfica gastó 93 millones de dólares en producciones en Georgia. En 2016, gastó más de 2 mil millones de dólares". [61] [62] Fue galardonado con el Premio Humanitario Jean Hersholt en la ceremonia de los Oscar de 2021, reconociéndolo como un "individuo en la industria cinematográfica cuyos esfuerzos humanitarios han traído crédito a la industria", tanto por su generosidad personal como por su ingenio, que se extendió a la creación de un "Campamento de Cuarentena" para mantener empleados a los trabajadores habituales de la industria durante la pandemia. [59] [63]
Las entregas de premios y la afiliación a asociaciones cinematográficas han sido criticadas por excluir en gran medida a las personas de color, al igual que varias películas recientes. El crítico cultural Wesley Morris describió a The Help (2011) como "un manual del propietario", señalando que "los mejores papeles cinematográficos que tres mujeres negras tendrán durante todo el año requieren que una de ellas limpie la casa de la hija de Ron Howard ". [64] Películas anteriores como The Green Mile (1999) y The Legend of Bagger Vance (2000), donde la única función de un personaje negro era ayudar a la gente blanca, fueron criticadas de manera similar. [ cita requerida ]
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
(La selección estaba limitada por la disponibilidad).
En la década de 1980, G. William Jones dirigió una restauración de las primeras películas afroamericanas, y la Southern Methodist University tiene una colección que lleva su nombre. [24] Kino Lorber produjo la caja recopilatoria Pioneers of African-American Cinema (2015) . [24] Otras colecciones notables incluyen:
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![Maria P. Williams (1866-1932) fue profesora, reportera, actriz y guionista, pero también se le atribuye el mérito de ser la primera productora cinematográfica negra por el drama criminal mudo de cinco carretes basado en su propio guion, Flames of Wrath en 1923.[65]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c1/Nypl.digitalcollections.510d47df-b814-a3d9-e040-e00a18064a99.001.wCROPPED.tif/lossy-page1-1280px-Nypl.digitalcollections.510d47df-b814-a3d9-e040-e00a18064a99.001.wCROPPED.tif.jpg)
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