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En la cultura teatral de Europa y Estados Unidos del siglo XIX existió una amplia gama de movimientos . En Occidente , incluyen el Romanticismo , el melodrama , las obras bien hechas de Scribe y Sardou , las farsas de Feydeau , las obras problemáticas del naturalismo y el realismo , la obra de arte total operística de Wagner , las obras de teatro y óperas de Gilbert y Sullivan , las comedias de salón de Wilde , el simbolismo y el protoexpresionismo en las últimas obras de August Strindberg y Henrik Ibsen . [1]
El melodrama , que comenzó a aparecer en Francia tras la abolición de los monopolios teatrales durante la Revolución Francesa , se convirtió en la forma teatral más popular del siglo. El melodrama en sí se remonta a la Grecia clásica, pero el término mélodrame no apareció hasta 1766 y solo entró en uso popular en algún momento después de 1800. Las obras de August von Kotzebue y René Charles Guilbert de Pixérécourt establecieron el melodrama como la forma dramática dominante de principios del siglo XIX. [2] Kotzebue, en particular, fue el dramaturgo más popular de su tiempo, escribiendo más de 215 obras que se produjeron en todo el mundo. Su obra El extranjero (1789) a menudo se considera la obra melodramática clásica. Aunque los monopolios y los subsidios se restablecieron bajo Napoleón , el melodrama teatral continuó siendo más popular y atrajo a un público más amplio que el drama y las óperas patrocinadas por el estado.
El melodrama implicaba una plétora de efectos escénicos , un estilo de actuación intensamente emocional pero codificado y una tecnología escénica en desarrollo que hizo avanzar las artes del teatro hacia una puesta en escena grandiosa y espectacular. También era una forma de teatro altamente reactiva que cambiaba y se adaptaba constantemente a nuevos contextos sociales, nuevos públicos y nuevas influencias culturales. Esto, en parte, ayuda a explicar su popularidad a lo largo del siglo XIX. [3] David Grimsted, en su libro Melodrama Unveiled (1968), sostiene que:
Sus convenciones eran falsas, su lenguaje, forzado y vulgar, sus personajes, estereotipos, y su moral y teología, groseras simplificaciones. Sin embargo, su atractivo era grande y comprensible. Tomaba en serio la vida de la gente común y rendía un gran respeto a su pureza y sabiduría superiores. [...] Y su parábola moral luchaba por reconciliar los temores sociales y la grandeza de la vida con la confianza de la época en los estándares morales absolutos, el progreso ascendente del hombre y una providencia benévola que aseguraba el triunfo de los puros. [4]
En París, el siglo XIX fue testigo de un florecimiento del melodrama en los numerosos teatros que se ubicaban en el popular Boulevard du Crime , especialmente en la Gaîté . Sin embargo, todo esto llegaría a su fin cuando la mayoría de estos teatros fueron demolidos durante la reconstrucción de París llevada a cabo por el barón Haussmann en 1862. [5]
A finales del siglo XIX, el término melodrama se había reducido casi exclusivamente a un género específico de entretenimiento de salón: palabras habladas más o menos rítmicamente (a menudo poesía), no cantadas, a veces más o menos representadas, al menos con cierta estructura o trama dramática, sincronizadas con un acompañamiento musical (normalmente piano). Se lo menospreciaba como un género para autores y compositores de menor estatura (probablemente también por eso prácticamente no se recuerdan creaciones de este género).
En Alemania, hubo una tendencia hacia la precisión histórica en vestuario y escenarios , una revolución en la arquitectura teatral y la introducción de la forma teatral del Romanticismo alemán . Influenciados por las tendencias de la filosofía y las artes visuales del siglo XX, los escritores alemanes estaban cada vez más fascinados con su pasado teutónico y tenían un creciente sentido de nacionalismo romántico . Las obras de Gotthold Ephraim Lessing , Johann Wolfgang von Goethe , Friedrich Schiller y otros dramaturgos del Sturm und Drang inspiraron una creciente fe en el sentimiento y el instinto como guías de la conducta moral. Los románticos tomaron prestado de la filosofía de Immanuel Kant para formular la base teórica del arte "romántico". Según los románticos, el arte es de enorme importancia porque da a las verdades eternas una forma concreta y material que el limitado aparato sensorial humano puede aprehender. Entre los que se autodenominaron románticos durante este período, August Wilhelm Schlegel y Ludwig Tieck fueron los más profundamente interesados en el teatro. [6] Después de un tiempo, el Romanticismo fue adoptado en Francia con las obras de Victor Hugo , Alexandre Dumas , Alfred de Musset y George Sand .
Durante la década de 1830, el teatro francés luchó contra la Comédie-Française , que mantenía un fuerte dominio neoclásico sobre el repertorio y alentaba los modos tradicionales de escritura trágica en los nuevos dramaturgos. Este enfrentamiento culminó en el estreno de Hernani de Victor Hugo en 1830. La gran multitud que asistió al estreno estaba llena de conservadores y censores que abuchearon el espectáculo por desobedecer las normas clásicas y querían detener la representación. Pero Hugo organizó un ejército romántico de escritores bohemios y radicales para asegurarse de que el estreno tuviera que seguir adelante. El motín resultante representó el rechazo en Francia de las tradiciones clásicas y el triunfo del Romanticismo. [7]
Sin embargo, en la década de 1840, el entusiasmo por el drama romántico se había desvanecido en Francia y un nuevo "Teatro del Sentido Común" lo reemplazó.
En Francia, la " obra bien hecha " de Eugene Scribe (1791-1861) se hizo popular entre los dramaturgos y el público. Desarrollada por primera vez por Scribe en 1825, la forma tiene un fuerte sabor neoclásico, involucra una trama concisa y un clímax que tiene lugar cerca del final de la obra. La historia depende de una pieza clave de información que se oculta a algunos personajes, pero que otros (y el público) conocen. Un recurso recurrente que emplea la obra bien hecha es el uso de cartas o papeles que caen en manos no deseadas, para provocar giros en la trama y clímax. El suspenso y el ritmo aumentan hasta una escena culminante, en la que el héroe triunfa en un revés imprevisto de la fortuna. [8]
El propio Scribe escribió más de 400 obras de este tipo, utilizando en esencia una fábrica literaria con escritores que aportaban la historia, otro el diálogo, un tercero los chistes, etc. Aunque fue muy prolífico y popular, no estuvo exento de detractores: Théophile Gautier se preguntaba cómo era posible que "un autor sin poesía, lirismo, estilo, filosofía, verdad o naturalismo pudiera ser el escritor más exitoso de su época, a pesar de la oposición de la literatura y la crítica". [9]
Su estructura fue empleada por los dramaturgos realistas Alexandre Dumas, hijo , Emile Augier y Victorien Sardou . Sardou en particular fue uno de los dramaturgos más populares del mundo entre 1860 y 1900. Adaptó la obra bien hecha a todo tipo de drama, desde comedias hasta espectáculos históricos. En Gran Bretaña, dramaturgos como Wilkie Collins , Henry Arthur Jones y Arthur Pinero retomaron el género, y Collins describió la obra bien hecha como: "Hazlos reír; hazlos llorar; hazlos esperar". George Bernard Shaw pensaba que las obras de Sardou personificaban la decadencia y la insensatez en la que había caído el teatro de finales del siglo XIX, un estado al que llamó "Sardoodledom". [8]
A principios del siglo XIX, la Ley de Licencias permitía que se representaran obras de teatro en Londres durante el invierno en solo dos teatros: Drury Lane y Covent Garden . Estos dos enormes teatros tenían dos palcos reales, enormes galerías y un foso con bancos donde la gente podía entrar y salir durante las representaciones. Tal vez el episodio más revelador de la popularidad del teatro a principios del siglo XIX sean los disturbios teatrales de Old Price de 1809. Después de que Covent Garden se incendiara, John Philip Kemble , el director del teatro, decidió aumentar los precios en el foso, los palcos y el tercer nivel. Los miembros del público odiaron los nuevos precios que pensaban que les negaban el acceso a un lugar de reunión nacional y dieron lugar a tres meses de disturbios hasta que finalmente Kemble se vio obligado a disculparse públicamente y a bajar los precios de nuevo. [10] Para escapar de las restricciones, los teatros no patentados a lo largo del Strand , como el Sans Pareil , intercalaron escenas dramáticas con interludios musicales y sketches cómicos después de que la Oficina del Lord Chamberlain les permitiera representar Burlettas , lo que llevó a la formación del West End moderno . Fuera del área metropolitana de Londres, teatros como el Anfiteatro Astley y el Coburg también pudieron operar fuera de las reglas. La creciente popularidad de estas formas comenzó a hacer que el sistema de patentes fuera inviable y los límites entre los dos comenzaron a difuminarse durante la década de 1830 hasta que finalmente la Ley de Licencias se abandonó en 1843 con la Ley de Teatros . El Parlamento esperaba que esto civilizara al público y condujera a una dramaturgia más culta; en cambio, creó una explosión de salas de música , comedias y melodramas sensacionalistas. [11]
Percy Bysshe Shelley y Lord Byron fueron los dramaturgos literarios más importantes de su tiempo (aunque las obras de Shelley no se representaron hasta más tarde en el siglo). Shakespeare fue enormemente popular y comenzó a representarse con textos más cercanos al original, a medida que la drástica reescritura de las versiones teatrales de los siglos XVII y XVIII se fue eliminando gradualmente durante la primera mitad del siglo. Las obras de Kotzebue fueron traducidas al inglés y A Tale of Mystery de Thomas Holcroft fue el primero de muchos melodramas ingleses. Pierce Egan , Douglas William Jerrold , Edward Fitzball , James Roland MacLaren y John Baldwin Buckstone iniciaron una tendencia hacia historias más contemporáneas y rurales en preferencia a los melodramas históricos o fantásticos habituales. James Sheridan Knowles y Edward Bulwer-Lytton establecieron un drama "caballeresco" que comenzó a restablecer el antiguo prestigio del teatro entre la aristocracia . [12]
Los teatros a lo largo del siglo estuvieron dominados por actores-directores que dirigían los establecimientos y a menudo actuaban en los papeles principales. Henry Irving , Charles Kean y Herbert Beerbohm Tree son ejemplos de directores que crearon producciones en las que eran los intérpretes estrella. Irving dominó especialmente el Teatro Lyceum durante casi 30 años, desde 1871 hasta 1899, y su público lo adoraba como un héroe. Cuando murió en 1905, el rey Eduardo VII y Theodore Roosevelt enviaron sus condolencias. Entre estos actores-directores, Shakespeare fue a menudo el escritor más popular, ya que sus obras les brindaron una gran oportunidad dramática y reconocimiento de nombre. El espectáculo escénico de estas producciones a menudo era más importante que la obra y los textos a menudo se cortaban para dar la máxima exposición a los papeles principales. Sin embargo, también introdujeron reformas significativas en el proceso teatral. Por ejemplo, William Charles Macready fue el primero en introducir ensayos adecuados en el proceso. Antes de esto, los actores principales rara vez ensayaban sus papeles con el resto del elenco: la instrucción más famosa de Edmund Kean a sus compañeros actores era: "Ponte delante de mí en el escenario y haz lo peor que puedas". [10]
Los melodramas, las comedias ligeras, las óperas, Shakespeare y el drama clásico inglés, las pantomimas , las traducciones de farsas francesas y, a partir de la década de 1860, las operetas francesas, continuaron siendo populares, junto con el burlesque victoriano . Los dramaturgos de mayor éxito fueron James Planché y Dion Boucicault , cuya inclinación por hacer de los últimos inventos científicos elementos importantes en sus tramas ejerció una considerable influencia en la producción teatral. Su primer gran éxito, London Assurance (1841) fue una comedia al estilo de Sheridan, pero escribió en varios estilos, incluido el melodrama. T. W. Robertson escribió comedias domésticas populares e introdujo un estilo de actuación y escenografía más naturalista en el escenario británico en la década de 1860.
En 1871, el productor John Hollingshead reunió al libretista WS Gilbert y al compositor Arthur Sullivan para crear un espectáculo navideño, dando origen sin saberlo a uno de los grandes dúos de la historia del teatro. Las 14 óperas cómicas de Gilbert y Sullivan , como HMS Pinafore (1878) y The Mikado (1885), tuvieron tanto éxito que tuvieron una enorme influencia en el desarrollo del teatro musical en el siglo XX. [13] Esto, junto con una gran mejora en el alumbrado público y el transporte en Londres y Nueva York, condujo a un auge de la construcción de teatros de finales de la época victoriana y eduardiana en el West End y en Broadway. A finales de siglo, la comedia musical eduardiana llegó a dominar el escenario musical. [14]
En la década de 1890, las comedias de Oscar Wilde y George Bernard Shaw ofrecían un comentario social sofisticado y eran muy populares.
En los Estados Unidos , Filadelfia fue el centro teatral dominante hasta la década de 1820. Allí, Thomas Wignell estableció el Chestnut Street Theatre y reunió a un grupo de actores y dramaturgos que incluía a William Warren , Susanna Rowson y Thomas Abthorpe Cooper, quien más tarde fue considerado el actor principal en América del Norte. En su infancia después de la Revolución estadounidense , muchos estadounidenses lamentaron la falta de un "drama nativo", incluso mientras dramaturgos como Royall Tyler , William Dunlap , James Nelson Barker , John Howard Payne y Samuel Woodworth sentaron las bases para un drama estadounidense separado de Gran Bretaña. Parte de la razón de la escasez de obras originales en este período puede ser que a los dramaturgos rara vez se les pagaba por su trabajo y era mucho más barato para los gerentes adaptar o traducir obras extranjeras. La tradición sostenía que la remuneración era principalmente en forma de una actuación benéfica para el escritor en la tercera noche de una función, pero muchos gerentes eludían esta costumbre simplemente cerrando el espectáculo antes de la tercera función. [15]
Conocido como el "Padre del drama americano", Dunlap creció viendo obras de teatro presentadas por oficiales británicos y estuvo profundamente inmerso en la cultura teatral mientras vivía en Londres justo después de la Revolución. Como director del John Street Theatre y del Park Theatre en la ciudad de Nueva York, trajo de vuelta a su país las obras y los valores teatrales que había visto. Como muchos dramaturgos-directores de su época, Dunlap adaptó o tradujo obras melodramáticas de dramaturgos franceses o alemanes, pero también escribió unas 29 obras originales, entre ellas El padre (1789) , André (1798) y El padre italiano (1799). [16]
Entre 1820 y 1830, las mejoras en las condiciones materiales de la vida estadounidense y la creciente demanda de entretenimiento por parte de una clase media en ascenso llevaron a la construcción de nuevos teatros en Nueva York, Filadelfia, Boston y Washington , incluidos el Chatham Garden , el Federal Street , el Tremont , el Niblo's Garden y el Bowery . Durante la primera parte de este período, Filadelfia siguió siendo el principal centro teatral: las obras a menudo se estrenaban en Baltimore en septiembre u octubre antes de trasladarse a teatros más grandes en Filadelfia hasta abril o mayo, seguido de una temporada de verano en Washington o Alexandria . Sin embargo, las rivalidades y las fuerzas económicas más grandes llevaron a una serie de quiebras para cinco importantes compañías de teatro en solo ocho meses entre el 1 de octubre de 1828 y el 27 de mayo de 1829. Debido a esto y a la importación de artistas del star system como Clara Fisher , Nueva York se convirtió en la ciudad dominante en el teatro estadounidense. [15]
En la década de 1830, el Romanticismo floreció en Europa y América, con escritores como Robert Montgomery Bird en primer plano. Dado que el Romanticismo enfatizaba las verdades eternas y los temas nacionalistas, encajaba perfectamente con la identidad nacional emergente de los Estados Unidos. El Gladiador de Bird fue bien recibido cuando se estrenó en 1831 y se representó en Drury Lane en Londres en 1836 con Edwin Forrest como Espartaco, y The Courier proclamó que "Estados Unidos ha reivindicado finalmente su capacidad de producir un dramaturgo del más alto nivel". Al tratar la insurgencia de los esclavos en la Antigua Roma , El Gladiador ataca implícitamente la institución de la esclavitud en los Estados Unidos al "transformar a los rebeldes de la época anterior a la guerra en rebeldes neoclásicos". [17] Forrest seguiría interpretando el papel en más de mil representaciones en todo el mundo hasta 1872. Tras el éxito de su temprana colaboración, Bird y Forrest trabajarían juntos en más estrenos de Oralloosa, Son of the Incas y The Broker of Bogota . Pero el éxito de The Gladiator llevó a desacuerdos contractuales, con Bird argumentando que Forrest, que había ganado decenas de miles de dólares con las obras de Bird, le debía más de los 2.000 dólares que le habían pagado.
Los espectáculos de juglares surgieron como breves burlescos y entreactos cómicos a principios de la década de 1830. Se desarrollaron hasta alcanzar su forma completa en la década siguiente. En 1848, los espectáculos de juglares con la cara pintada de negro eran la forma de arte nacional, traduciendo el arte formal como la ópera a términos populares para una audiencia general. Cada espectáculo consistía en parodias cómicas, números de variedades, bailes y actuaciones musicales que se burlaban de las personas específicamente de ascendencia africana. Los espectáculos eran interpretados por caucásicos maquillados o con la cara pintada de negro con el propósito de representar el papel de personas negras . Las canciones y los sketches de los juglares presentaban varios personajes comunes , los más populares eran el esclavo y el dandy . Estos se dividían a su vez en subarquetipos como la mammy , su contraparte el viejo moreno , la provocativa mulata y el soldado negro. Los juglares afirmaban que sus canciones y bailes eran auténticamente negros, aunque el alcance de la influencia negra sigue siendo objeto de debate.
Los actores estrella acumulaban un número inmensamente fiel de seguidores, comparable a las celebridades modernas o las estrellas del deporte. Al mismo tiempo, el público siempre había tratado a los teatros como lugares para dar a conocer sus sentimientos, no solo hacia los actores, sino hacia sus compañeros de teatro de diferentes clases o persuasiones políticas, y los disturbios teatrales eran algo habitual en Nueva York. [18] Un ejemplo del poder de estas estrellas es el motín de Astor Place en 1849, que fue causado por un conflicto entre la estrella estadounidense Edwin Forrest y el actor inglés William Charles Macready . El motín enfrentó a inmigrantes y nativistas entre sí, dejando al menos 25 muertos y más de 120 heridos.
En la era anterior a la Guerra Civil, también se representaron muchos tipos de dramas más políticos en los Estados Unidos. A medida que Estados Unidos avanzaba hacia el oeste en las décadas de 1830 y 1840, los teatros comenzaron a presentar obras que romantizaban y enmascaraban el tratamiento de los nativos americanos como Pocahontas , El jefe pawnee, De Soto y Metamora o el último de los wampanoag . Unas cincuenta de estas obras se produjeron entre 1825 y 1860, incluidas representaciones burlescas del "buen salvaje" de John Brougham . [19] Como reacción a los acontecimientos actuales, muchos dramaturgos escribieron comedias cortas que trataban los principales problemas de la época. Por ejemplo, Removing the Deposits fue una farsa producida en 1835 en el Bowery como reacción a la batalla de Andrew Jackson con los bancos y los whigs y los demócratas, o Love of No Politics fue una obra que trataba la lucha entre los dos partidos políticos de Estados Unidos.
En 1852, Harriet Beecher Stowe publicó la novela antiesclavista La cabaña del tío Tom y, sin ninguna ley de derechos de autor fuerte, fue inmediatamente llevada a escena en escenarios de todo el país. En el Teatro Nacional de Nueva York, fue un gran éxito y se representó durante más de doscientas funciones hasta doce veces por semana hasta 1854. La adaptación de George Aiken fue una producción de seis actos que se sostuvo por sí sola, sin ningún otro entretenimiento o pieza final. [20] La reacción de los juglares a La cabaña del tío Tom es indicativa del contenido de las plantaciones en ese momento. Los actos de Tom reemplazaron en gran medida a otras narrativas de plantaciones, particularmente en el tercer acto. Estos sketches a veces apoyaban la novela de Stowe, pero con la misma frecuencia la ponían patas arriba o atacaban al autor. Cualquiera que fuera el mensaje pretendido, generalmente se perdía en la atmósfera alegre y bufonesco de la pieza. Personajes como Simon Legree a veces desaparecían, y el título se cambiaba con frecuencia a algo más alegre como "Tío Tom feliz" o "La cabaña del tío papá". El propio tío Tom era retratado con frecuencia como un lameculos inofensivo que merecía ser ridiculizado. Las compañías conocidas como Tommer se especializaban en este tipo de parodias, y los espectáculos teatrales de Tom integraban elementos del espectáculo de juglares y competían con él durante un tiempo.
Después de la Guerra Civil , el teatro estadounidense estuvo dominado por melodramas, espectáculos de juglares, comedias, farsas, circos, vodeviles, burlescos, óperas, operetas, musicales, revistas musicales, espectáculos de medicina, salas de juegos y espectáculos del Salvaje Oeste. Muchos dramaturgos y trabajadores del teatro estadounidenses lamentaron el "fracaso del dramaturgo estadounidense", incluidos Augustin Daly , Edward Harrigan , Dion Boucicault y Bronson Howard . Sin embargo, a medida que las ciudades y las áreas urbanas prosperaron gracias a la inmigración a fines del siglo XIX, la agitación social y la innovación en tecnología, comunicación y transporte tuvieron un profundo efecto en el teatro estadounidense. [21]
En Boston, aunque excluidos de la sociedad de la Edad Dorada , los artistas irlandeses estadounidenses comenzaron a tener éxito, incluidos Lawrence Barrett , James O'Neill , Dan Emmett , Tony Hart , Annie Yeamans , John McCullough , George M. Cohan y Laurette Taylor , y los dramaturgos irlandeses llegaron a dominar el escenario, incluidos Daly, Harrigan y James Herne . [22]
En 1883, los hermanos Kiralfy se reunieron con Thomas Edison en Menlo Park para ver si la bombilla eléctrica podía incorporarse a un ballet musical llamado Excelsior que iban a presentar en los jardines de Niblo en la ciudad de Nueva York. Edison, que era un artista, se dio cuenta del potencial que tenía esta aventura para crear demanda para su invento y juntos diseñaron un final para la producción que estaría iluminado por más de quinientas bombillas unidas a los trajes de los bailarines y a la escenografía. Cuando el espectáculo se estrenó el 21 de agosto, fue un éxito inmediato y posteriormente se representaría en Buffalo, Chicago, Denver y San Francisco. Así nació la iluminación eléctrica en el teatro y cambiaría radicalmente no solo la iluminación del escenario, sino también los principios del diseño escénico. [22]
La Edad Dorada fue también la edad de oro de las giras teatrales en Estados Unidos: mientras que la ciudad de Nueva York era la meca de los ambiciosos, los talentosos y los afortunados, en el resto del país una red de teatros grandes y pequeños sustentaba una enorme industria de estrellas famosas, pequeñas compañías, espectáculos de juglares, vodeviles y circos. Por ejemplo, en 1895, el Teatro Burt de Toledo (Ohio) ofrecía melodramas populares por hasta treinta centavos la entrada y acogía una audiencia media de 45.000 personas al mes en 488 representaciones de 64 obras diferentes. En promedio, entre 1880 y 1910, entre 250 y 300 espectáculos, muchos de ellos originados en Nueva York, recorrieron el país cada año. Mientras tanto, los propietarios de teatros de éxito empezaron a ampliar su alcance, como el imperio teatral de BF Keith y Edward F. Albee , que abarcaba más de setecientos teatros, incluido el Palace de Nueva York. [23] Esto culminó con la fundación del Sindicato de Teatro en 1896.
La importancia de la ciudad de Nueva York como centro teatral creció en la década de 1870 alrededor de Union Square hasta que se convirtió en el principal centro teatral, y el Distrito Teatral se desplazó lentamente hacia el norte desde el bajo Manhattan hasta que finalmente llegó al centro de la ciudad a fines del siglo.
En el escenario musical, Harrigan y Hart innovaron con obras musicales cómicas a partir de la década de 1870, pero las importaciones de Londres llegaron a dominar, comenzando con el burlesque victoriano , luego Gilbert y Sullivan a partir de 1880 y finalmente (en competencia con George M. Cohan y los musicales de los Gershwin) las comedias musicales eduardianas a principios del siglo y en la década de 1920. [14]
En Alemania, el teatro entró en un estado de decadencia del que no se recuperó hasta la década de 1890. Los principales dramaturgos de la época fueron Otto Ludwig y Gustav Freytag . La falta de nuevos dramaturgos no se sintió con intensidad porque las obras de Shakespeare , Lessing, Goethe y Schiller eran prominentes en el repertorio. La fuerza teatral más importante en la Alemania de finales del siglo XIX fue la de Jorge II, duque de Sajonia-Meiningen y su Meiningen Ensemble , bajo la dirección de Ludwig Chronegk . Las producciones del Ensemble a menudo se consideran las más históricamente precisas del siglo XIX, aunque su objetivo principal era servir a los intereses del dramaturgo. Las producciones del Ensemble utilizaron vestuario y mobiliario detallados e históricamente precisos, algo que no tenía precedentes en Europa en ese momento. El Meiningen Ensemble se sitúa al comienzo del nuevo movimiento hacia la producción unificada (o lo que Richard Wagner llamaría la Gesamtkunstwerk ) y el ascenso del director (a expensas del actor) como el artista dominante en la creación teatral. [24]
El Meiningen Ensemble viajó por toda Europa entre 1874 y 1890 y obtuvo un éxito sin precedentes allá donde fue. El público se había cansado del teatro de entretenimiento superficial y corriente y comenzaba a exigir una forma de expresión más creativa e intelectualmente estimulante que el Ensemble podía ofrecer. Por lo tanto, el Meiningen Ensemble puede considerarse el precursor del movimiento de teatro artístico que surgió en Europa a fines de la década de 1880. [25]
Richard Wagner (1813-1883) rechazó la tendencia contemporánea hacia el realismo y sostuvo que el dramaturgo debería ser un creador de mitos que retrata un mundo ideal a través de la expresión de los impulsos y aspiraciones internas de un pueblo. Wagner utilizó la música para derrotar los caprichos personales de los intérpretes. La melodía y el ritmo de la música le permitieron tener un mayor control personal sobre la interpretación que con el drama hablado. Al igual que con el Meininger Ensemble, Wagner creía que el autor-compositor debía supervisar cada aspecto de la producción para unificar todos los elementos en una " obra de arte maestra ". [26] Wagner también introdujo un nuevo tipo de auditorio que abolió los palcos laterales, los fosos y las galerías que eran una característica destacada de la mayoría de los teatros europeos y los reemplazó con un auditorio en forma de abanico de 1745 asientos que tenía 50 pies (15 m) de ancho en el proscenio y 115 pies (35 m) en la parte trasera. Esto permitió que todos los asientos del auditorio disfrutaran de una vista completa del escenario y significó que no había asientos "buenos".
En Rusia , Aleksandr Griboyédov , Aleksandr Pushkin y Nikolai Polevoy fueron los dramaturgos más destacados. Como en otros lugares, Rusia estaba dominada por el melodrama y el teatro musical. El drama más realista comenzó a surgir con las obras de Nikolai Gogol y la actuación de Mikhail Shchepkin . Bajo la estrecha supervisión del gobierno, el teatro ruso se expandió considerablemente. El príncipe Alexander Shakhovskoy abrió teatros estatales y escuelas de formación, intentó elevar el nivel de la producción rusa después de un viaje a París y estableció regulaciones para gobernar las compañías que permanecieron en vigor hasta 1917. [27]
El realismo comenzó antes en el siglo XIX en Rusia que en el resto de Europa y adoptó una forma más intransigente. [28] Comenzando con las obras de Ivan Turgenev (que utilizó "detalles domésticos para revelar la agitación interna"), Aleksandr Ostrovsky (que fue el primer dramaturgo profesional de Rusia), Aleksey Pisemsky (cuyo Un destino amargo (1859) anticipó el naturalismo ) y Leo Tolstoy (cuyo El poder de las tinieblas (1886) es "una de las obras naturalistas más efectivas"), una tradición de realismo psicológico en Rusia culminó con el establecimiento del Teatro de Arte de Moscú por Konstantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko . [29]
A Ostrovsky se le atribuye a menudo la creación de un drama peculiarmente ruso. Sus obras Basta de estupidez en cada hombre sabio (1868) y La tormenta (1859) se inspiran en la vida que mejor conocía, la de la clase media. Otros dramaturgos rusos importantes del siglo XIX incluyen a Alexander Sukhovo-Kobylin (cuya Muerte de Tarelkin (1869) anticipó el Teatro del absurdo ) y Mikhail Saltykov-Shchedrin .
El naturalismo , un movimiento teatral nacido a partir de El origen de las especies (1859) de Charles Darwin y de las condiciones políticas y económicas contemporáneas, tuvo como principal defensor a Émile Zola . Su ensayo "El naturalismo en el teatro" (1881) sostenía que la poesía está en todas partes, no en el pasado o en la abstracción: "Hay más poesía en el pequeño apartamento de un burgués que en todos los palacios vacíos y carcomidos de la historia".
La realización de las ideas de Zola se vio obstaculizada por la falta de dramaturgos capaces de escribir dramas naturalistas. André Antoine surgió en la década de 1880 con su Théâtre Libre , que solo estaba abierto a los miembros y, por lo tanto, estaba exento de censura. Rápidamente se ganó la aprobación de Zola y comenzó a poner en escena obras naturalistas y otras piezas realistas extranjeras. Antoine era único en su diseño de escenarios, ya que construía escenarios con la " cuarta pared " intacta, y solo decidía qué pared quitar más tarde. Los dramaturgos franceses más importantes de este período fueron escuchados por primera vez por Antoine, incluidos Georges Porto-Riche, François de Curel y Eugène Brieux . [30]
La obra de Henry Arthur Jones y Arthur Wing Pinero marcó un nuevo rumbo en el teatro inglés. Si bien su trabajo abrió el camino, el desarrollo de obras dramáticas más significativas se debe principalmente al dramaturgo Henrik Ibsen .
Ibsen nació en Noruega en 1828. Escribió 25 obras de teatro, de las cuales las más famosas son Casa de muñecas (1879), Espectros (1881), El pato salvaje (1884) y Hedda Gabler (1890). Casa de muñecas y Espectros escandalizaron a los conservadores: la marcha de Nora en Casa de muñecas fue vista como un ataque a la familia y al hogar, mientras que las alusiones a enfermedades venéreas y mala conducta sexual en Espectros fueron consideradas profundamente ofensivas a los estándares de decencia pública. Ibsen refinó la fórmula teatral bien hecha de Scribe para hacerla más apropiada al estilo realista. Proporcionó un modelo para los escritores de la escuela realista. Además, sus obras Rosmersholm (1886) y Cuando despertemos (1899) evocan una sensación de fuerzas misteriosas que actúan en el destino humano, que iba a ser un tema principal del simbolismo y del llamado " Teatro del absurdo ".
Después de Ibsen, el teatro británico experimentó una revitalización con la obra de George Bernard Shaw , Oscar Wilde y (de hecho, a partir de 1900) John Galsworthy . A diferencia de la mayor parte de la obra sombría e intensamente seria de sus contemporáneos, Shaw y Wilde escribieron principalmente en forma cómica .
El teatro del siglo XVIII se iluminaba con velas y lámparas de aceite, que se utilizaban principalmente para iluminar el teatro, sin ningún otro propósito. Esto cambió a principios del siglo XIX con la introducción de la iluminación a gas , que fue adoptada lentamente por los principales teatros durante las décadas de 1810 y 1820 para iluminar el teatro y el escenario. La introducción de la iluminación a gas revolucionó la iluminación del escenario. Proporcionaba una luz algo más natural y adecuada para la representación y el espacio escénico detrás del arco del proscenio. Si bien no había forma de controlar las luces de gas, esto también cambiaría pronto. En Gran Bretaña, los teatros de Londres desarrollaron la iluminación de cal para el escenario a fines de la década de 1830. En París, la lámpara de arco de carbono eléctrica comenzó a usarse en la década de 1840. Ambos tipos de iluminación se podían operar manualmente y se podían enfocar mediante una lente adjunta, lo que le dio al teatro la capacidad de enfocar la luz sobre artistas específicos por primera vez. [31]
A partir de la década de 1880, los teatros comenzaron a electrificarse gradualmente y el Teatro Savoy se convirtió en el primer teatro del mundo en introducir un sistema de iluminación teatral completamente electrificado en 1881. Richard D'Oyly Carte , quien construyó el Savoy, explicó por qué había introducido la luz eléctrica: "Los mayores inconvenientes para el disfrute de las representaciones teatrales son, sin duda, el aire viciado y el calor que impregnan todos los teatros. Como todos saben, cada quemador de gas consume tanto oxígeno como muchas personas y, además, provoca un gran calor. Las lámparas incandescentes no consumen oxígeno y no provocan un calor perceptible". [32] Cabe destacar que la introducción de la luz eléctrica coincidió con el auge del realismo: las nuevas formas de iluminación fomentaron detalles escénicos más realistas y un estilo de actuación más sutil y realista. [33]
Una de las transiciones escénicas más importantes de este siglo fue la de pasar de los escenarios bidimensionales, tan utilizados, a los decorados tridimensionales. Anteriormente, como entorno bidimensional, los decorados no proporcionaban un entorno físico envolvente para la acción dramática que se desarrollaba en el escenario. Esto cambió cuando se introdujeron los decorados tridimensionales en la primera mitad del siglo. Esto, junto con el cambio en la dinámica del público y del escenario, así como el avance en la arquitectura teatral que permitía cambios de escena ocultos, hizo que el teatro se volviera más representativo en lugar de presentacional, e invitó al público a ser transportado a un mundo "otro" concebido. A principios del siglo XIX también se produjo la innovación del panorama móvil: un decorado pintado sobre una tela larga, que podía desenrollarse por el escenario haciendo girar carretes, creaba una ilusión de movimiento y de lugares cambiantes. [34]
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