Eraserhead es una película de terror corporal surrealista independiente estadounidense de 1977 [3] escrita, dirigida, producida y editada por David Lynch . Lynch también creó su banda sonora y diseño de sonido, que incluía piezas de una variedad de otros músicos. Filmada en blanco y negro , fue el primer largometraje de Lynch después de varios cortometrajes. Protagonizada por Jack Nance , Charlotte Stewart , Jeanne Bates , Judith Anna Roberts , Laurel Near y Jack Fisk , cuenta la historia de un hombre (Nance) que se queda a cargo de su hijo gravemente deformado en un paisaje industrial desolado.
Eraserhead se produjo con la ayuda del American Film Institute (AFI) durante el tiempo que Lynch estudió allí. No obstante, pasó varios años en fotografía principal debido a dificultades de financiación; las donaciones de Fisk y su esposa Sissy Spacek , así como de la esposa de Nance y miembro del equipo, Catherine Coulson, mantuvieron la producción a flote. Se filmó en varias ubicaciones propiedad del AFI en California, Greystone Mansion y un conjunto de establos en desuso en los que vivía Lynch. Lynch y el diseñador de sonido Alan Splet pasaron un año trabajando en el audio de la película después de que su estudio fuera insonorizado. La banda sonora presenta música de órgano de Fats Waller e incluye la canción " In Heaven ", escrita e interpretada para la película por Peter Ivers , con letra de Lynch.
Eraserhead, que inicialmente se estrenó para un público reducido y despertó poco interés, ganó popularidad a lo largo de varias temporadas como película de medianoche . Desde su estreno, ha sido elogiada y considerada una película de culto . Sus imágenes surrealistas y sus matices sexuales se han considerado elementos temáticos clave, y su intrincado diseño de sonido, su punto culminante técnico. En 2004, la película fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". [4]
El rostro de Henry Spencer aparece superpuesto sobre un planeta en el espacio. Abre la boca y emerge una criatura parecida a un espermatozoide . El Hombre en el Planeta, un ser masculino que trabaja dentro del planeta, mueve un conjunto de palancas y la criatura se aleja nadando.
En un paisaje urbano industrial, Henry camina hacia su casa con sus compras. La hermosa chica del otro lado del pasillo lo detiene afuera de su apartamento y le informa que su novia, Mary, lo ha invitado a cenar con su familia. Henry deja sus compras en su apartamento, que está lleno de montones de tierra y plantas muertas. Esa noche, Henry visita la casa de Mary y conversa torpemente con su madre. En la mesa, le piden que triture un pollo; el ave se mueve y se retuerce en el plato y chorrea sangre cuando se corta. Después de la cena, Henry es acorralado por la madre de Mary, que intenta besarlo. Le dice que Mary ha tenido un hijo suyo y que los dos deben casarse. Mary, sin embargo, no está segura de si lo que dio a luz es un niño.
La pareja se muda al apartamento de una habitación de Henry y comienza a cuidar del niño, un bulto envuelto en pañales con una cara inhumana, parecida a una serpiente, que se parece a la criatura espermatozoide que vimos antes. El bebé rechaza toda comida y llora incesantemente y de manera intolerable. El sonido pone histérica a Mary y abandona a Henry y al niño. Henry intenta cuidar al niño y se entera de que tiene dificultades para respirar y ha desarrollado dolorosas llagas en la piel.
Henry comienza a experimentar visiones, viendo nuevamente al Hombre en el Planeta, así como a una mujer que habita su radiador y pisotea más criaturas de esperma. Después de un encuentro sexual con la Hermosa Chica del Otro Lado del Pasillo, tiene otra visión en la que la Dama del Radiador canta ("En el Cielo"), y su cabeza se desprende de su cuerpo mientras está inquieto, reemplazada por la cabeza llorando del bebé. La cabeza incorpórea de Henry cae del cielo, aterriza en una calle y se abre. Un niño la encuentra y la lleva a una fábrica de lápices para convertirla en borradores .
Henry, que se despierta, busca a la hermosa niña del otro lado del pasillo, pero la encuentra con otro hombre. Abatido, Henry regresa a su habitación. Toma un par de tijeras y, por primera vez, le quita los pañales a la niña. Se revela que la niña no tiene piel; las vendas mantenían unidos sus órganos internos y se derraman después de que se cortan las vendas. La niña jadea de dolor y Henry apuñala sus órganos con las tijeras. Las heridas arrojan un líquido espeso que cubre a la niña. La energía en la habitación se sobrecarga, lo que hace que las luces parpadeen; mientras se encienden y se apagan, la niña crece hasta alcanzar proporciones enormes. Cuando las luces se apagan por completo, la cabeza de la niña es reemplazada por el planeta que se ve al principio. Henry aparece en medio de una nube ondulante de virutas de borrador. El costado del planeta estalla y, adentro, el Hombre en el Planeta lucha con sus palancas, que ahora emiten chispas. Henry es abrazado cálidamente por la Dama del Radiador, mientras tanto la luz blanca como el ruido blanco aumentan antes de que la pantalla se vuelva negra y silenciosa.
El escritor y director David Lynch había estudiado previamente una carrera como pintor y había creado varios cortometrajes para animar sus pinturas. [5] Sin embargo, en 1970, había cambiado su enfoque hacia la realización cinematográfica y, a la edad de 24 años, aceptó una beca en el Centro de Estudios Cinematográficos Avanzados del American Film Institute . A Lynch no le gustó el curso y consideró abandonarlo, pero después de que le ofrecieran la oportunidad de producir un guion de su propia invención, cambió de opinión. Se le dio permiso para usar todo el campus de la escuela para sets de filmación; convirtió los establos en desuso de la escuela en una serie de sets y vivió allí. [6] Además, la Mansión Greystone , también propiedad del AFI, se usó para muchas escenas. [7]
Lynch había comenzado inicialmente a trabajar en un guion titulado Gardenback , basado en su pintura de una figura encorvada con vegetación creciendo de su espalda. Gardenback era un guion surrealista sobre el adulterio, que presentaba un insecto que crecía continuamente representando la lujuria de un hombre por su vecino. El guion habría resultado en una película de aproximadamente 45 minutos de duración, que el AFI consideró demasiado larga para un guion tan figurativo y no lineal. [8] En su lugar, Lynch presentó Eraserhead , que había desarrollado basándose en una ensoñación de la cabeza de un hombre que un niño pequeño lleva a una fábrica de lápices. Varios miembros de la junta del AFI todavía se oponían a producir una obra tan surrealista, pero accedieron cuando Dean Frank Daniel amenazó con dimitir si se la vetaba. [9] El guion de Lynch para Eraserhead estuvo influenciado por su lectura como estudiante de cine; La novela de Franz Kafka de 1915 La metamorfosis y el cuento de Nikolai Gogol de 1836 " La nariz " fueron fuertes influencias en el guion. [10] Lynch también confirmó en una entrevista con Metro Silicon Valley que la película "se juntó" cuando abrió una Biblia , leyó un versículo de ella y la cerró; en retrospectiva, Lynch no podía recordar si el versículo era del Antiguo Testamento o del Nuevo Testamento . [11] En 2007, Lynch dijo: "Lo creas o no, Eraserhead es mi película más espiritual". [12]
También se cree que el guion se inspiró en el miedo de Lynch a la paternidad; [7] su hija Jennifer había nacido con " pies zambos severos ", lo que requirió una cirugía correctiva extensa cuando era niña. [13] Jennifer ha dicho que su propia concepción inesperada y defectos de nacimiento fueron la base de los temas de la película. [13] El tono de la película también estuvo determinado por el tiempo que Lynch vivió en un vecindario problemático de Filadelfia . Lynch y su familia pasaron cinco años viviendo en una atmósfera de "violencia, odio y suciedad". [14] El área fue descrita como una "zona de pobreza plagada de delincuencia", que inspiró el telón de fondo urbano de Eraserhead . Al describir este período de su vida, Lynch dijo: "Vi tantas cosas en Filadelfia que no podía creer... Vi a una mujer adulta agarrarse los senos y hablar como un bebé, quejándose de que le dolían los pezones. Este tipo de cosas te hacen retroceder". [7] En su libro David Lynch: Beautiful Dark , el crítico de cine Greg Olson postula que esta época contrasta marcadamente con la infancia del director en el noroeste del Pacífico , dándole al director una "visión bipolar, de Cielo e Infierno, de Estados Unidos" que posteriormente dio forma a sus películas. [14]
El casting inicial para la película comenzó en 1971, y Jack Nance fue rápidamente seleccionado para el papel principal. Sin embargo, el personal del AFI había subestimado la escala del proyecto: inicialmente habían dado luz verde a Eraserhead después de ver un guion de veintiuna páginas, asumiendo que la proporción habitual de la industria cinematográfica de un minuto de película por página de guion reduciría la película a aproximadamente veinte minutos. Este malentendido, junto con la propia dirección meticulosa de Lynch, hizo que la película permaneciera en producción durante varios años. [6] En un ejemplo extremo de este cronograma laborioso, una escena en la película comienza con el personaje de Nance abriendo una puerta; pasó un año completo antes de que lo filmaran entrando en la habitación. Nance, sin embargo, se dedicó a producir la película y conservó el peinado poco ortodoxo que lució su personaje durante toda su gestación. [15]
Alentada por donaciones regulares del amigo de la infancia de Lynch, Jack Fisk, y la esposa de Fisk, Sissy Spacek , la producción continuó durante cinco años mientras Lynch se quedaba sin dinero. [16] [17] Los fondos adicionales fueron proporcionados por la esposa de Nance, Catherine E. Coulson , que trabajaba como camarera y donaba sus ingresos, [18] y por el propio Lynch, que repartía periódicos durante la fotografía principal de la película. [19] Durante una de las muchas pausas en el rodaje, Lynch pudo producir el cortometraje The Amputee , aprovechando el deseo del AFI de probar nuevas películas antes de comprometerse con compras al por mayor. [20] El cortometraje fue protagonizado por Coulson, que continuó trabajando con Lynch como técnico en Eraserhead . [20] El equipo de producción de Eraserhead era muy pequeño, compuesto por Lynch; el diseñador de sonido Alan Splet ; el director de fotografía Herb Cardwell, que dejó la producción por razones financieras y fue reemplazado por Frederick Elmes ; la directora de producción y técnica de utilería Doreen Small; y Coulson, quien trabajó en una variedad de roles. [21]
Los efectos físicos utilizados para crear al niño deforme se han mantenido en secreto. Lynch le vendaron los ojos al proyeccionista que trabajó en los diarios de la película para evitar revelar la naturaleza del accesorio, y se ha negado a hablar de los efectos en entrevistas posteriores. [22] El accesorio, al que Nance apodó "Spike", presentaba varias partes funcionales; su cuello, ojos y boca podían funcionar de forma independiente. [23] Lynch ha ofrecido comentarios crípticos sobre el accesorio, a veces afirmando que "nació cerca" o "tal vez lo encontraron". [24] John Patterson de The Guardian ha especulado que el accesorio puede haber sido construido a partir de un conejo desollado o un feto de cordero. [25] El niño ha sido visto como un precursor de elementos de otras películas de Lynch, como el maquillaje de John Merrick en El hombre elefante de 1980 y los gusanos de arena de Dune de 1984. [26 ]
Durante la producción, Lynch comenzó a experimentar con una técnica de grabación de diálogos que habían sido hablados fonéticamente al revés e invertir el audio resultante. Aunque la técnica no se utilizó en la película, Lynch volvió a ella para el « Episodio 2 », el tercer episodio de su serie de televisión de 1990 Twin Peaks . [27] Lynch también comenzó su interés en la meditación trascendental durante la producción de la película, [7] adoptando una dieta vegetariana y dejando de fumar y el alcohol. [28]
Lynch trabajó con Alan Splet para diseñar el sonido de la película. La pareja preparó y fabricó mantas insonorizadas para aislar su estudio, donde pasaron casi un año creando y editando los efectos de sonido de la película. La banda sonora está densamente estratificada, incluyendo hasta quince sonidos diferentes reproducidos simultáneamente usando múltiples carretes. [29] Los sonidos se crearon de diversas formas: para una escena en la que una cama se disuelve lentamente en un charco de líquido, Lynch y Splet insertaron un micrófono dentro de una botella de plástico, lo hicieron flotar en una bañera y grabaron el sonido del aire que pasaba a través de la botella. Después de ser grabados, los sonidos se aumentaron aún más mediante alteraciones en su tono, reverberación y frecuencia. [30]
Después de una proyección de prueba mal recibida , en la que Lynch cree que había mezclado la banda sonora a un volumen demasiado alto, el director cortó veinte minutos de metraje de la película, lo que elevó su duración a 89 minutos. [31] Entre el metraje cortado hay una escena en la que aparece Coulson como la partera del bebé, otra de un hombre torturando a dos mujeres (una interpretada nuevamente por Coulson) con una batería de automóvil y una de Spencer jugando con un gato muerto. [32]
La banda sonora de Eraserhead fue lanzada por IRS Records en 1982. [33] Las dos pistas incluidas en el álbum presentan extractos de música de órgano de Fats Waller y la canción " In Heaven ", escrita para la película por Peter Ivers . [34] La banda sonora fue reeditada el 7 de agosto de 2012 por Sacred Bones Records en una edición limitada de 1500 copias. [35] El álbum ha sido visto como un presagio del género de música dark ambient , y su presentación de ruido de fondo y pistas no musicales ha sido descrita por Mark Richardson de Pitchfork como "una banda sonora (dos palabras) en el sentido literal". [36]
El diseño de sonido de Eraserhead ha sido considerado uno de sus elementos definitorios. Aunque la película presenta varios elementos visuales distintivos (el bebé deforme y el extenso entorno industrial), estos se combinan con los sonidos que los acompañan, ya que el "maullido incesante" y el "paisaje auditivo evocador" se combinan con estos respectivamente. [37] La película presenta varios sonidos industriales constantes, lo que proporciona un ruido de fondo de bajo nivel en cada escena. Esto fomenta una atmósfera "amenazante" y "desconcertante", que ha sido imitada en obras como el thriller Seven de David Fincher de 1995 y la comedia negra de los hermanos Coen de 1991 Barton Fink . [37] El ruido constante de bajo nivel ha sido percibido por James Wierzbicki en su libro Music, Sound and Filmmakers: Sonic Style in Cinema como quizás un producto de la imaginación de Henry Spencer, y la banda sonora ha sido descrita como "implacablemente negligente con la diferencia entre el sueño y la realidad". [38] La película también inicia una tendencia dentro de la obra de Lynch de relacionar la música diegética con los sueños, como cuando la Dama en el Radiador canta "In Heaven" durante la secuencia de sueño extendida de Spencer. Esto también está presente en el "Episodio 2" de Twin Peaks , en el que la música diegética se traslada desde el sueño de un personaje a sus pensamientos de vigilia; y en Blue Velvet de 1986 , en el que se le da un enfoque similar a " In Dreams " de Roy Orbison . [38]
La película también se ha destacado por sus fuertes temas sexuales. Comenzando con una imagen de la concepción, la película luego retrata a Henry Spencer como un personaje que está aterrorizado, pero fascinado por el sexo. Las imágenes recurrentes de criaturas similares a espermatozoides, incluido el niño, son una presencia constante durante las escenas de sexo de la película; el aparente atractivo de " chica de al lado " de la Dama en el Radiador se abandona durante su número musical cuando comienza a aplastar violentamente las criaturas de esperma de Spencer y se encuentra agresivamente con su mirada. [39] En su libro The Monster Show: A Cultural History of Horror , David J. Skal describe la película como "que representa la reproducción humana como un espectáculo desolador, una ocupación apta solo para los condenados". [40] Skal también postula una caracterización diferente de la Dama en el Radiador, presentándola como "desesperadamente ansiosa por la aprobación de una audiencia invisible". [40] En su libro David Lynch Decoded , Mark Allyn Stewart propone que la Dama del Radiador es de hecho el subconsciente de Spencer , una manifestación de su propio impulso de matar a su hijo, quien lo abraza después de que lo hace, como para asegurarle que ha hecho lo correcto. [41]
Como personaje, Spencer ha sido visto como una figura de hombre común y corriente , con su expresión vacía y su vestimenta sencilla que lo mantienen como un arquetipo simple. [42] Spencer muestra una inactividad pacifista y fatalista a lo largo de la película, simplemente permitiendo que los eventos se desarrollen a su alrededor sin tomar el control. Este comportamiento pasivo culmina en su único acto de instigación en el clímax de la película; su aparente acto de infanticidio está impulsado por las influencias dominantes y controladoras que lo acosan. La pasividad de Spencer también ha sido vista por los críticos de cine Colin Odell y Michelle Le Blanc como un precursor de la tira cómica de Lynch de 1983-92 The Angriest Dog in the World . [43]
Eraserhead se estrenó en el festival de cine Filmex en Los Ángeles , el 19 de marzo de 1977. [44] En su noche de estreno, la película contó con la presencia de veinticinco personas; veinticuatro la vieron la noche siguiente. Sin embargo, Ben Barenholtz , director de la distribuidora Libra Films, persuadió al cine local Cinema Village para que presentara la película como una función de medianoche, donde continuó durante un año. Después de esto, se presentó durante noventa y nueve semanas en el Waverly Cinema de Nueva York , tuvo una función de medianoche de un año en el Roxie Theater de San Francisco de 1978 a 1979, y logró una permanencia de tres años en el Nuart Theatre de Los Ángeles entre 1978 y 1981. [45] Durante una serie de proyecciones en Nueva York y Los Ángeles, Eraserhead se emparejó con el cortometraje animado de 1979 Asparagus , creado por Suzan Pitt , durante casi dos años. [46]
Eraserhead fue un éxito comercial, recaudando 7 millones de dólares en los Estados Unidos y 14.590 dólares en otros territorios. [2] Eraserhead también se proyectó como parte del Festival de Cine de Londres BFI de 1978 , [47] y el Festival de Cine de Telluride de 1986. [48]
Tras el estreno de Eraserhead , Variety publicó una crítica negativa, calificándola de «un ejercicio de mal gusto repugnante». [49] La crítica expresó incredulidad por la larga gestación de la película y describió su final como imposible de ver. [49] Al comparar Eraserhead con la siguiente película de Lynch , The Elephant Man , Tom Buckley de The New York Times escribió que, si bien la última era una película bien hecha con un elenco consumado, la primera no lo era. Buckley calificó a Eraserhead de «turbiamente pretenciosa» y escribió que los aspectos de terror de la película se debían únicamente a la apariencia del niño deforme y no a su guion o sus actuaciones. [50] En 1984, Lloyd Rose de The Atlantic escribió que Eraserhead demostró que Lynch era «uno de los surrealistas más puros que jamás haya trabajado en el cine». [51] Rose describió la película como intensamente personal, encontrando que a diferencia de películas surrealistas anteriores, como la obra de Luis Buñuel de 1929 Un perro andaluz o L'Age d'Or de 1930 , las imágenes de Lynch "no nos llegan desde sus películas; nos estamos hundiendo en ellas". [51] En una reseña de 1993 para el Chicago Tribune , Michael Wilmington describió Eraserhead como única, sintiendo que la "intensidad" y la "claridad de pesadilla" de la película fueron el resultado de la atención de Lynch a los detalles en su creación debido a su participación en tantos papeles durante su producción. [52] En el ensayo de 1995 "Bad Ideas: The Art and Politics of Twin Peaks", el crítico Jonathan Rosenbaum escribió que Eraserhead representaba el mejor trabajo de Lynch. Rosenbaum escribió que el talento artístico del director disminuyó a medida que su popularidad crecía, y contrastó la película con Wild at Heart —la película más reciente de Lynch en ese momento— diciendo que "incluso la comparación más superficial de Eraserhead con Wild at Heart revela un declive artístico tan precipitado que es difícil imaginar a la misma persona haciendo ambas películas". [53] John Simon de National Review llamó a Eraserhead "un asco para los sectarios". [54]
La recepción contemporánea de la película ha sido muy favorable. En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 89% basado en 67 críticas, con una calificación promedio de 7.3/10. El consenso crítico del sitio dice: "La surrealista Eraserhead de David Lynch usa imágenes detalladas y una banda sonora espeluznante para crear una mirada extraña y perturbadora al miedo de un hombre a la paternidad". [55] En Metacritic , la película tiene una puntuación promedio ponderada de 87 sobre 100 basada en 15 críticos, lo que indica "aclamación universal". [56]
En un artículo para la revista Empire , Steve Beard calificó la película con cinco estrellas de cinco. Escribió que era "mucho más radical y disfrutable que los trabajos posteriores de Lynch en Hollywood" y destacó su mezcla de horror corporal surrealista y comedia negra . [57] Almar Haflidason de la BBC le otorgó a Eraserhead tres estrellas de cinco, describiéndola como "una hazaña nada destacable para los estándares posteriores de Lynch". [58] Haflidason escribió que la película era una reunión de ideas vagamente relacionadas, y agregó que está "tan consumida por imágenes surrealistas que hay posibilidades casi ilimitadas de leer teorías personales en ella"; la propia opinión del crítico sobre estos temas fue que representaban un miedo al compromiso personal y presentaban "un fuerte trasfondo sexual". [58] Un crítico que escribió para Film4 calificó a Eraserhead con cinco estrellas de cinco, describiéndola como "por turnos hermosa, molesta, divertida, exasperante y repelente, pero siempre erizada de una energía nerviosa". [59] El crítico de Film4 escribió que Eraserhead no se parecía a la mayoría de las películas estrenadas hasta ese momento, salvo las colaboraciones entre Luis Buñuel y Salvador Dalí ; sin embargo, Lynch niega haber visto ninguna de ellas antes de Eraserhead . [59] Escribiendo para The Village Voice , Nathan Lee elogió el uso del sonido de la película, escribiendo que "ver la película no significa nada, uno también debe escucharla ". [60] Describió el diseño de sonido de la película como "una concha intergaláctica colocada en los oídos de un coloso que se droga con ácido ". [60]
Peter Bradshaw, de The Guardian, elogió de manera similar la película y también le otorgó cinco estrellas de cinco. Bradshaw consideró que era una película hermosa y describió su diseño de sonido como "un gemido industrial, como si se filmara dentro de una fábrica en colapso o un organismo gigantesco moribundo".[ 61] La comparó con la película Alien de Ridley Scott de 1979. [61] Jason Ankeny, que escribe para AllMovie , le dio a la película una calificación de cinco estrellas de cinco; destacó el inquietante diseño de sonido de la película y lo describió como "una metáfora abierta". [48] Escribió que Eraserhead "establece las obsesiones que seguirían [a Lynch] a lo largo de su carrera", y agregó que creía que el surrealismo de la película mejoraba la comprensión de las películas posteriores del director. [48] En un artículo para The Daily Telegraph , el cineasta Marc Evans elogió tanto el diseño de sonido como la capacidad de Lynch "para hacer que lo ordinario parezca tan extraño", considerando la película como una inspiración para su propio trabajo. [62] Una reseña de la película en el mismo periódico comparó Eraserhead con las obras del dramaturgo irlandés Samuel Beckett , describiéndola como una parodia caótica de la vida familiar. [63] Manohla Dargis , escribiendo para The New York Times , llamó a la película "menos una historia directa que un ensamblaje surrealista". [26] Dargis escribió que las imágenes de la película evocaban las pinturas de Francis Bacon y eldocumental de Georges Franju de 1949 Blood of the Beasts . [26] Phil Hall de Film Threat llamó a Eraserhead la mejor película de Lynch, creyendo que la producción posterior del director no estuvo a la altura. [64] Hall destacó la banda sonora de la película y la comedia física " chaplinesca " de Nancecomo los elementos destacados de la película. [64]
Eraserhead fue lanzada en VHS el 7 de agosto de 1982 por Columbia Pictures . [65] La película fue lanzada en DVD y Blu-ray por Umbrella Entertainment en Australia; el primero fue lanzado el 1 de agosto de 2009, [66] y el segundo el 9 de mayo de 2012. [67] Los lanzamientos de Umbrella Entertainment incluyen un largometraje de 85 minutos sobre la realización de la película. [66] [67] Otros lanzamientos de medios domésticos de la película incluyen lanzamientos en DVD de Universal Pictures en 2001, Subversive Entertainment en 2006, Scanbox Entertainment en 2008, [48] y un lanzamiento en DVD y Blu-ray de Criterion Collection en septiembre de 2014. [68]
En 2004, Eraserhead fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos . La selección para el Registro se basa en que una película sea considerada "cultural, histórica o estéticamente significativa". [4] Eraserhead fue uno de los temas presentados en el documental de 2005 Midnight Movies: From the Margin to the Mainstream , que trazó el auge del fenómeno de las películas de medianoche a fines de la década de 1960 y la de 1970; Lynch participó en el documental a través de una serie de entrevistas. La producción cubre seis películas a las que se les atribuye la creación y popularización del género; también se incluyen Night of the Living Dead , El Topo , Pink Flamingos , The Harder They Come y The Rocky Horror Picture Show . [69] En 2010, la Online Film Critics Society compiló una lista de los 100 mejores debuts como directores, enumerando lo que consideraban las mejores películas debutantes de directores destacados. Eraserhead quedó en segundo lugar en la encuesta, detrás de Ciudadano Kane de Orson Welles de 1941. [70 ]
Lynch colaboró con la mayor parte del elenco y el equipo de Eraserhead nuevamente en películas posteriores. Frederick Elmes trabajó como director de fotografía en Blue Velvet , [71] The Cowboy and the Frenchman de 1988 y Wild at Heart de 1990. [72] Alan Splet proporcionó el diseño de sonido para The Elephant Man , Dune y Blue Velvet . [73] Jack Fisk dirigió episodios de la serie de televisión de Lynch de 1992 On the Air [74] y trabajó como diseñador de producción en The Straight Story de 1999 y Mulholland Drive de 2001. [75] Coulson y Nance aparecieron en Twin Peaks , [76] e hicieron más apariciones en Dune , [77] Blue Velvet , [71] Wild at Heart , [78] y Lost Highway de 1997. [79]
Tras el estreno de Eraserhead , Lynch intentó encontrar financiación para su siguiente proyecto, Ronnie Rocket , una película «sobre la electricidad y un tipo de un metro con el pelo rojo». [80] Lynch conoció al productor de cine Stuart Cornfeld durante esta época. Cornfeld había disfrutado de Eraserhead y estaba interesado en producir Ronnie Rocket ; trabajaba para Mel Brooks y Brooksfilms en ese momento, y cuando los dos se dieron cuenta de que era poco probable que Ronnie Rocket encontrara financiación suficiente, Lynch pidió ver algunos guiones ya escritos para considerarlos para su próximo proyecto. Cornfeld encontró cuatro guiones que sintió que interesarían a Lynch; al escuchar el título de The Elephant Man , el director decidió convertirla en su segunda película. [81]
Mientras trabajaba en El hombre elefante , Lynch conoció al director estadounidense Stanley Kubrick , quien le reveló que Eraserhead era su película favorita. [82] Eraserhead también sirvió como influencia en la película de Kubrick de 1980 El resplandor ; Kubrick supuestamente proyectó la película para el elenco y el equipo para "ponerlos en el estado de ánimo" que quería que la película lograra. [83] A Eraserhead también se le atribuye haber influenciado la película ciberpunk japonesa de 1989 Tetsuo: The Iron Man , la película de terror experimental de 1989 Begotten y el debut como director de Darren Aronofsky en 1998, Pi . [84] [85] [86] El artista suizo HR Giger citó a Eraserhead como "una de las mejores películas [que había] visto", [87] y dijo que se acercó más a hacer realidad su visión que incluso sus propias películas. [88] Según Giger, Lynch se negó a colaborar con él en Dune porque sentía que Giger había "robado sus ideas". [89]
