El teatro del siglo XX describe un período de grandes cambios en la cultura teatral del siglo XX, principalmente en Europa y América del Norte. Hubo un desafío generalizado a las reglas establecidas desde hace mucho tiempo en torno a la representación teatral, lo que resultó en el desarrollo de muchas nuevas formas de teatro, incluido el modernismo , el expresionismo , el impresionismo , el teatro político y otras formas de teatro experimental , así como el desarrollo continuo de formas teatrales ya establecidas como el naturalismo y el realismo .
A lo largo del siglo, la reputación artística del teatro mejoró después de haber sido ridiculizado durante todo el siglo XIX. Sin embargo, el crecimiento de otros medios, especialmente el cine , ha dado como resultado un papel disminuido dentro de la cultura en general. A la luz de este cambio, los artistas teatrales se han visto obligados a buscar nuevas formas de relacionarse con la sociedad. Las diversas respuestas ofrecidas en respuesta a esto han impulsado las transformaciones que conforman su historia moderna. [1]
Los avances en áreas como la teoría de género y la filosofía posmoderna identificaron y crearon temas para que el teatro los explorara. Estas representaciones, a veces explícitamente metateatrales, tenían como objetivo confrontar las percepciones y suposiciones del público para plantear preguntas sobre su sociedad. Estas obras desafiantes e influyentes caracterizaron gran parte de las últimas dos décadas del siglo XX.
Aunque el teatro se desarrolló principalmente en Europa y América del Norte a principios de siglo, en los 50 años siguientes se adoptaron formas teatrales no occidentales. Influenciados por el desmantelamiento de los imperios y el desarrollo continuo de la teoría poscolonial , muchos artistas nuevos utilizaron elementos de sus propias culturas y sociedades para crear un teatro diversificado.
El realismo se centra en el intento de representar el tema de forma veraz, sin artificialidad y evitando las convenciones artísticas o los elementos inverosímiles, exóticos y sobrenaturales. Para muchos artistas de teatro a lo largo del siglo, el realismo pretendía dirigir la atención hacia los problemas sociales y psicológicos de la vida cotidiana.
Influenciados por las ideas de Sigmund Freud , Charles Darwin y otros, muchos artistas comenzaron a encontrar un enfoque psicológico para el teatro que enfatizaba las dimensiones internas de los personajes en escena. Esto se llevó a cabo tanto en el escenario en los estilos de actuación, en la escritura de obras de teatro y en el diseño teatral . Comenzando con el trabajo de los dramaturgos rusos Ivan Turgenev , Alexander Ostrovsky y Leo Tolstoy y continuado por Emile Zola en Francia y Henrik Ibsen en Noruega a fines del siglo XIX , el realismo llegó a dominar la mayor parte de la cultura teatral del siglo XX en Gran Bretaña y América del Norte.
En Rusia, el movimiento hacia el realismo comenzó antes que en cualquier otro lugar del mundo. Basándose en el trabajo de pioneros anteriores, Constantin Stanislavski y Vladimir Nemirovich-Danchenko fundaron el Teatro de Arte de Moscú en 1898, con la intención de reformar un teatro ruso dominado por el melodrama para convertirlo en uno en el que el arte de alta calidad estuviera disponible para el público en general. En quizás el encuentro teatral más importante del siglo XX, los dos se reunieron durante 18 horas épicas, desde las 2 p. m. hasta las 8 a. m. de la mañana siguiente, y sentaron las bases de una de las compañías más influyentes del siglo. [2] Juntos forjarían una compañía profesional con un espíritu de conjunto que desalentaba la vanidad individual, seleccionando actores de la clase de Nemirovich en la escuela filarmónica y del grupo amateur de la Sociedad de Arte y Literatura de Stanislavsky, junto con otros actores profesionales; crearían un teatro realista de renombre internacional, con precios populares por las localidades, cuya estética orgánicamente unificada reuniría las técnicas del Meiningen Ensemble y las del Théâtre Libre de André Antoine (que Stanislavsky había visto durante sus viajes a París). [3]
El 29 de diciembre de 1898, el teatro inauguró La gaviota de Antón Chéjov con el propio Stanislavski interpretando el papel de Trigorin y Vsevolod Meyerhold como Treplev en "uno de los mayores acontecimientos en la historia del teatro ruso y uno de los mayores desarrollos en la historia del drama mundial". [4] Nemirovich describió los aplausos, que llegaron después de un silencio prolongado, como estallando del público como una presa rompiéndose y la producción recibió elogios unánimes de la prensa. [5] Los analistas posteriores atribuyen el éxito de la producción a la fidelidad de su delicada representación de la vida cotidiana, su interpretación íntima y de conjunto y la resonancia de su estado de ánimo de incertidumbre abatida con la disposición psicológica de la intelectualidad rusa de la época. [6] Las producciones de Ibsen, Shakespeare y El tío Vania , El jardín de los cerezos y Las tres hermanas de Chéjov también tuvieron mucho éxito en los primeros días de la compañía.
Tras el éxito del Teatro de Arte de Moscú, Stanislavski se propuso crear un sistema unificado de interpretación que capacitara a actores y actrices para crear caracterizaciones creíbles para sus actuaciones. Desarrollado principalmente entre 1911 y 1916 y revisado a lo largo de su vida, el enfoque se basaba en parte en el concepto de memoria emocional, por el cual un actor se concentra internamente para representar las emociones de un personaje en el escenario. Las áreas de estudio incluyen la concentración, la voz, las habilidades físicas, la memoria emocional, la observación y el análisis dramático. El sistema Stanislavski se practicaba ampliamente en la Unión Soviética y en los Estados Unidos, donde los experimentos en su uso comenzaron en la década de 1920 y continuaron en muchas escuelas y talleres profesionales.
A principios del siglo XX, Rusia vivió una Edad de Plata cultural y el teatro no fue una excepción. En 1916, el número total de teatros en producción solo en Moscú ascendía a cerca de 200. Estos teatros, abiertos todo el año y de temporada, producían principalmente farsas, comedias, vodeviles e incluso melodramas, pero también había un número significativo de teatros que ofrecían teatro realista o naturalista . Entre ellos se encontraban el Teatro Maly de Aleksey Suvorin y el Teatro Dramático de Moscú (1914-19). Si bien hubo varias actrices-directoras en San Petersburgo y Moscú, como Vera Komissarzhevskaya e Ida Rubinstein , el curso del teatro ruso en la Edad de Plata estuvo dominado en gran medida por hombres. [7]
Después de la Primera Guerra Mundial y la Revolución rusa , muchos artistas de teatro abandonaron Rusia para ir a otros países, entre ellos Georges Pitoëff a Francia, Theodore Komisarjevsky a Gran Bretaña y, famosamente, Mikhael Chekhov a los Estados Unidos, exportando el sistema Stanislavski y contribuyendo al desarrollo de un "teatro de directores" en el mundo de la posguerra. [8]
En Estados Unidos, las obras de William Vaughn Moody The Great Divide (1906) y The Faith Healer (1909) señalaron el camino hacia un drama estadounidense más realista con su énfasis en los conflictos emocionales que se encuentran en el corazón de los conflictos sociales contemporáneos. Otros dramaturgos clave que señalaron el paso al realismo a principios de siglo incluyen a Edward Sheldon , Charles Rann Kennedy y Rachel Crothers . En el escenario, el teatro estadounidense estaba dominado por la familia Barrymore : Lionel Barrymore , Ethel Barrymore (la "Primera Dama del Teatro Americano") y John Barrymore ("... el actor más influyente e idolatrado de su época"). Fueron tan populares que incluso se escribió una obra sobre ellos: The Royal Family de George S. Kaufman y Edna Ferber , una parodia de los Barrymore, con especial atención a John y Ethel Barrymore.
A principios de siglo, ningún dramaturgo estadounidense tuvo tanta influencia en el desarrollo del drama como Eugene O'Neill . Nacido en el teatro desde una edad temprana, pasó gran parte de su juventud en trenes y entre bastidores en teatros, antes de desarrollar su talento con los Provincetown Players en la ciudad de Nueva York. Entre 1916 y 1920, escribió varias obras para la compañía antes de estrenar su primer éxito de crítica Beyond the Horizon en 1920, que ganó el Premio Pulitzer de Drama . A eso le siguieron éxitos críticos y comerciales, incluyendo The Emperor Jones , Anna Christie (Premio Pulitzer 1922), Desire Under the Elms (1924), Strange Interlude (Premio Pulitzer 1928), Mourning Becomes Electra (1931), The Iceman Cometh (1939) y su única comedia conocida, Ah, Wilderness !. Después de su muerte, se publicó su obra magna y obra maestra Largo viaje hacia la noche y a menudo se considera una de las mejores obras de teatro estadounidenses del siglo XX.
La crisis económica de la Gran Depresión condujo a la creación del Federal Theatre Project (1935-1939), un programa del New Deal que financió el teatro y otras representaciones artísticas en vivo en todo el país. La directora nacional Hallie Flanagan transformó el proyecto en una federación de teatros regionales que crearon arte relevante, alentaron la experimentación e hicieron posible que millones de estadounidenses vieran teatro por primera vez. El proyecto empleó directamente a 15.000 hombres y mujeres y representó 1.200 producciones para casi 30 millones de personas en 200 teatros de todo el país, de las cuales el 65% se presentaron de forma gratuita, con un costo total de 46 millones de dólares. [9]
Entre las figuras clave de principios de siglo se incluyen George S. Kaufman , George Kelly , Langston Hughes , SN Behrman , Sidney Howard , Robert E. Sherwood y un grupo de dramaturgos que siguieron el camino de búsqueda filosófica de O'Neill: Philip Barry , Thornton Wilder y William Saroyan .
El modernismo fue un movimiento predominantemente europeo que se desarrolló como una ruptura consciente con las formas de arte tradicionales. Representa un cambio significativo en las sensibilidades culturales, a menudo atribuido a las consecuencias de la Primera Guerra Mundial . [10] Al principio, el teatro modernista fue en gran parte un intento de realizar el teatro reformado sobre principios naturalistas como los propugnados por Émile Zola en la década de 1880. Sin embargo, una reacción simultánea contra el naturalismo impulsó al teatro en una dirección muy diferente. Debiendo mucho al simbolismo , el movimiento intentó integrar poesía, pintura, música y danza en una fusión armoniosa. Ambos movimientos aparentemente conflictivos encajan bajo el término "modernismo". [11]
El teatro político es un intento de repensar la naturaleza y la función del teatro a la luz de la dinámica de la sociedad que lo rodea y de la participación del público en él. Condujo a teorías profundas y originales sobre la actuación, la puesta en escena y la escritura teatral . [12]
A principios del siglo XX, muchos veían el teatro como un "asunto demasiado popular". [13] Con frecuencia, los verdaderos reformadores de la primera parte del siglo exigían teatros cada vez más pequeños, donde sus técnicas pudieran llegar a un público selecto. Aun así, estos mismos practicantes a menudo soñaban con que su arte sería un verdadero teatro del pueblo: un teatro para el pueblo. Inspirados por una comprensión del teatro griego y muy influenciados por Nietzsche , buscaban un evento ritual profundo o extático que involucrara música y movimiento, en un espacio sin arco de proscenio . Más tarde, practicantes como Vsevolod Meyerhold y Bertolt Brecht iniciarían un intento de tender un puente sobre el "abismo" entre el modernismo y el pueblo. [14]
En el teatro musical popular ha habido diferentes tendencias y fases de éxito comercial, entre las que se incluyen obras como las siguientes:
El teatro posmoderno es un fenómeno reciente en el teatro mundial, que surge de la filosofía posmoderna que se originó en Europa a mediados del siglo XX. El teatro posmoderno surgió como una reacción contra el teatro modernista. La mayoría de las producciones posmodernas se centran en destacar la falibilidad de la verdad definitiva, en lugar de alentar al público a alcanzar su propia comprensión individual. En esencia, el teatro posmoderno plantea preguntas en lugar de intentar proporcionar respuestas.
A principios del siglo XX, muchos públicos europeos estuvieron expuestos al mundo teatral "exótico" de las representaciones japonesas y chinas . Esto llevó a muchos profesionales occidentales a interpretar e incorporar estos estilos en sus propios teatros: la más notable fue la adaptación de la ópera china que hizo Bertolt Brecht para apoyar su efecto de "alienación". La influencia del teatro no occidental en la cultura teatral del siglo XX ha sido a menudo crucial para nuevos desarrollos. Sin embargo, el período durante y después de la llegada de la teoría poscolonial en los años 1960 y 1970 ha dado lugar a un enorme desarrollo en la práctica teatral en todo el mundo. Esto ha creado, por primera vez, un teatro verdaderamente global. [15]
Entre las figuras significativas y algunas teorías y movimientos emblemáticos del período se incluyen:
Durante el siglo XX, el Premio Nobel de Literatura fue otorgado a los siguientes autores, principalmente dramaturgos :
Los Premios Nobel de Literatura de 2000 y 2005 fueron otorgados a los dramaturgos Gao Xingjian y Harold Pinter , respectivamente, la mayoría de cuyas obras fueron compuestas en el siglo XX.