Funk es un género musical que se originó en las comunidades afroamericanas a mediados de la década de 1960, cuando los músicos crearon una nueva forma de música rítmica y bailable a través de una mezcla de varios géneros musicales que fueron populares entre los afroamericanos a mediados del siglo XX. Le resta importancia a la melodía y las progresiones de acordes y se centra en un fuerte ritmo rítmico de una línea de bajo interpretada por un bajista eléctrico y una parte de batería interpretada por un percusionista , a menudo a tempos más lentos que otra música popular. El funk normalmente consiste en un ritmo de percusión complejo con instrumentos rítmicos que tocan ritmos entrelazados que crean una sensación "hipnótica" y "bailable". [3] Utiliza los mismos acordes extendidos ricamente coloreados que se encuentran en el jazz bebop , como acordes menores con séptimas y undécimas agregadas, y acordes de séptima dominante con novenas y decimoterceras alteradas.
El funk se originó a mediados de la década de 1960, con el desarrollo de James Brown de un ritmo característico que enfatizaba el tiempo fuerte , con un fuerte énfasis en el primer tiempo de cada compás ("The One"), y la aplicación de semicorcheas con swing y síncopa. en todas las líneas de bajo, patrones de batería y riffs de guitarra. [4] Los músicos influenciados por el rock y la psicodelia , Sly and the Family Stone y Parliament-Funkadelic, fomentaron ejemplos más eclécticos del género a partir de finales de la década de 1960. [5] Otros grupos musicales desarrollaron las innovaciones de Brown durante las décadas de 1970 y 1980, incluidos Kool and the Gang , [6] Ohio Players , Fatback Band , Jimmy Castor Bunch, Earth, Wind & Fire , BT Express , Shalamar , [7] One Way, Lakeside , Dazz Band , The Gap Band , Slave , Aurra , Roger Troutman & Zapp , Con Funk Shun , Cameo , Bar-Kays y Chic .
Los derivados del funk incluyen el avant-funk , una variedad de funk de vanguardia ; boogie , un híbrido de música electrónica y funk; funk metal ; G-funk, una mezcla de gangsta rap y funk psicodélico ; Timba , una forma de música bailable cubana funky; y mermelada de funk. También es la principal influencia del Washington go-go , un subgénero del funk. [8] Las muestras de funk y breakbeats se han utilizado ampliamente en el hip hop y la música electrónica de baile .
La palabra funk inicialmente se refería (y todavía se refiere) a un olor fuerte. Se deriva originalmente del latín "fumigare" (que significa "fumar") a través del francés antiguo "fungiere" y, en este sentido, se documentó por primera vez en inglés en 1620. En 1784, se utilizó por primera vez "funky", que significa "moho". documentado, lo que, a su vez, condujo a una sensación de "terrenal" que fue retomada alrededor de 1900 en la jerga del jazz temprano para algo "profundo o fuertemente sentido". [9] [10] Aunque en la cultura blanca, el término "funk" puede tener connotaciones negativas de olor o estar de mal humor ("en un funk"), en las comunidades africanas, el término "funk", aunque todavía está vinculado al olor corporal, tuvo la sensación positiva de que el esfuerzo honesto y trabajador de un músico le llevaba a sudar, y de su "esfuerzo físico" surgía una interpretación "exquisita" y "superlativa". [11]
En las primeras sesiones improvisadas , los músicos se animaban unos a otros a " bajarse " diciéndose: "¡Ahora, ponle un poco de olor !". Al menos ya en 1907, las canciones de jazz llevaban títulos como Funky . El primer ejemplo es un tema no grabado de Buddy Bolden , recordado como "Funky Butt" o "Buddy Bolden's Blues", con letras improvisadas que eran, según Donald M. Marquis, "cómicas y ligeras" o "crudas y francamente obscenas". " pero, de una forma u otra, refiriéndose al ambiente sudoroso en los bailes donde tocaba la banda de Bolden. [12] [13] Todavía en la década de 1950 y principios de la de 1960, cuando "funk" y "funky" se usaban cada vez más en el contexto de la música jazz , los términos todavía se consideraban poco delicados e inapropiados para su uso en compañía educada. Según una fuente, el baterista Earl Palmer , nacido en Nueva Orleans , "fue el primero en usar la palabra 'funky' para explicar a otros músicos que su música debería ser más sincopada y bailable". [14] El estilo evolucionó más tarde hacia un ritmo bastante duro e insistente, lo que implica una cualidad más carnal . Esta forma temprana de música marcó el patrón para los músicos posteriores. [15] La música fue identificada como lenta, sexy, suelta, orientada a riffs y bailable. [ cita necesaria ]
El significado de "funk" sigue cautivando el género de la música, el sentimiento y el conocimiento negros. Los estudios recientes sobre estudios negros han utilizado el término "funk" en sus muchas versiones para considerar la gama de movimientos y cultura negros. En particular, Funk the Erotic: Transaesthetics and Black Sexual Cultures de LH Stallings explora estos múltiples significados del "funk" como una forma de teorizar la sexualidad, la cultura y la hegemonía occidental dentro de las muchas localizaciones del "funk": "fiestas callejeras, drama/teatro". , strippers y clubes de striptease, pornografía y ficción autoeditada". [dieciséis]
Al igual que el soul, el funk se basa en la música dance , por lo que tiene un fuerte "papel rítmico". [17] El sonido del funk se basa tanto en los "espacios entre las notas" como en las notas que se tocan; como tal, los silencios entre notas son importantes. [18] Si bien existen similitudes rítmicas entre el funk y la música disco , el funk tiene un "ritmo de baile central que es más lento, más sexy y más sincopado que la música disco", y los músicos de la sección rítmica del funk añaden más "subtexturas", complejidad y "personalidad" a la música principal. ritmo que un conjunto disco programado basado en sintetizadores. [19]
Antes del funk, la mayor parte de la música pop se basaba en secuencias de corcheas, porque los tempos rápidos hacían inviables subdivisiones adicionales del ritmo. [3] La innovación del funk fue que al usar tempos más lentos (seguramente influenciados por el resurgimiento del blues a principios de los 60), el funk "creó espacio para una mayor subdivisión rítmica, por lo que un compás de 4/4 ahora podría acomodar posibles ubicaciones de 16 notas. " [3] Específicamente, al hacer que la guitarra y la batería tocaran en ritmos de semicorcheas "motorizados", creó la oportunidad para que los otros instrumentos tocaran "un estilo más sincopado y dividido", lo que facilitó un movimiento hacia un estilo más "liberado". líneas de bajo. Juntas, estas "partes entrelazadas" crearon una sensación "hipnótica" y "bailable". [3]
Gran parte del funk se basa rítmicamente en una estructura bicelular onbeat/offbeat, que se originó en las tradiciones musicales del África subsahariana . Nueva Orleans se apropió de la estructura bifurcada del mambo y la conga afrocubanos a finales de la década de 1940 y la hizo suya. [20] El funk de Nueva Orleans, como se le llamaba, obtuvo elogios internacionales en gran medida porque la sección rítmica de James Brown lo utilizó con gran efecto. [21]
El funk utiliza los mismos acordes extendidos de ricos colores que se encuentran en el bebop jazz, como acordes menores con séptimas y undécimas agregadas, o acordes de séptima dominante con novenas alteradas. Algunos ejemplos de acordes utilizados en funk son los acordes de undécima menor (p. ej., fa menor undécima); séptima dominante con una novena aguda añadida y una cuarta suspendida (p. ej., C7 (#9) sus 4); acordes de novena dominante (p. ej., F9); y acordes de sexta menor (p. ej., do menor 6). [18] El acorde de sexta novena se utiliza en funk (por ejemplo, F 6/9); es un acorde mayor con una sexta y una novena añadidas. [18] En funk, los acordes de séptima menor son más comunes que las tríadas menores porque se descubrió que las tríadas menores tenían un sonido demasiado fino. [22] Algunos de los solistas de funk más conocidos y hábiles tienen experiencia en jazz . El trombonista Fred Wesley y los saxofonistas Pee Wee Ellis y Maceo Parker se encuentran entre los músicos más notables del género musical funk, habiendo trabajado con James Brown , George Clinton y Prince .
A diferencia del bebop jazz, con sus cambios de acordes complejos y rápidos, el funk prácticamente abandonó los cambios de acordes, creando vamps estáticos de un solo acorde (a menudo alternando un acorde de séptima menor y un acorde de séptima dominante relacionado, como La menor a D7) con acordes melodo-armónicos. movimiento y una sensación rítmica compleja y conductora. Aunque algunas canciones funk son principalmente vampiros de un solo acorde, los músicos de la sección rítmica pueden embellecer este acorde moviéndolo hacia arriba o hacia abajo un semitono o un tono para crear acordes de paso cromáticos. Por ejemplo, " Play That Funky Music " (de Wild Cherry ) utiliza principalmente un acorde de novena mi, pero también utiliza fa#9 y fa9. [23]
Los acordes utilizados en las canciones funk suelen implicar un modo dórico o mixolidio , a diferencia de las tonalidades mayores o menores naturales de la mayoría de la música popular. El contenido melódico se obtuvo mezclando estos modos con la escala de blues . En la década de 1970, la música jazz recurrió al funk para crear un nuevo subgénero de jazz-funk , que se puede escuchar en grabaciones de Miles Davis ( Live-Evil , On the Corner ) y Herbie Hancock ( Head Hunters ).
El funk continúa la tradición musical africana de improvisación , en el sentido de que en una banda de funk, el grupo normalmente "sentiría" cuándo cambiar, "jamming" y "grooving", incluso en la etapa de grabación de estudio, que podría basarse únicamente en la marco esqueleto para cada canción. [24] El funk utiliza la "improvisación colectiva", en la que los músicos en los ensayos tenían lo que era metafóricamente una "conversación" musical, un enfoque que se extendía a las actuaciones en el escenario. [25]
Funk crea un ritmo intenso mediante el uso de fuertes riffs de guitarra y líneas de bajo tocadas con bajo eléctrico . Al igual que las grabaciones de Motown , las canciones funk utilizan líneas de bajo como pieza central de las canciones. De hecho, se ha llamado al funk el estilo en el que la línea de bajo es más prominente en las canciones, [26] con el bajo tocando el "gancho" de la canción. [27] Las primeras líneas de bajo funk usaban síncopa (típicamente corcheas sincopadas), pero con la adición de una "sensación de conducción" mayor que en el funk de Nueva Orleans, y usaban notas de escala de blues junto con la tercera mayor por encima de la raíz. [28] Las líneas de bajo funk posteriores utilizan síncopa de semicorcheas, escalas de blues y patrones repetitivos, a menudo con saltos de una octava o un intervalo mayor. [27]
Las líneas de bajo funk enfatizan patrones repetitivos, ritmos fijos, ejecución continua y bajos con golpes y estallidos . Bofetadas y estallidos utilizan una mezcla de notas bajas palmadas con el pulgar (también llamadas "golpeadas") y notas altas "reventadas" (o punteadas) con los dedos, lo que permite que el bajo tenga un papel rítmico similar al de un tambor, que se convirtió en un elemento distintivo del funk. . Los jugadores notables de slap y funky incluyen a Bernard Edwards ( Chic ), Robert "Kool" Bell , Mark Adams ( Slave ), Johnny Flippin ( Fatback ) [29] y Bootsy Collins . [30] Si bien el slap y el funky son importantes, algunos bajistas influyentes que tocan funk, como Rocco Prestia (de Tower of Power ), no utilizaron este enfoque y, en su lugar, utilizaron un método típico de estilo de dedos basado en el estilo de interpretación Motown de James Jamerson. . [30] Larry Graham de Sly and the Family Stone es un bajista influyente. [31]
El bajo funk tiene una "sensación de percusión terrenal", en parte debido al uso de notas fantasma rítmicas y apagadas [31] (también llamadas "notas muertas"). [30] Algunos bajistas de funk usan unidades de efectos electrónicos para alterar el tono de su instrumento, como "filtros de envolvente" (un efecto de auto-wah que crea un sonido "pegajoso, viscoso, curandero y almibarado") [32] y imita los tonos de bajo del sintetizador de teclado [33] (por ejemplo, el filtro de envolvente Mutron ) [27] y los efectos de bajo fuzz saturados , que se utilizan para crear el "tono fuzz clásico que suena como discos de Funk de la vieja escuela". [34] Otros efectos que se utilizan incluyen el flanger y el coro de bajo . [27] Collins también usó un Mu-Tron Octave Divider , un pedal de octava que, como el pedal Octavia popularizado por Hendrix , puede duplicar una nota una octava por encima y por debajo para crear un "sonido de graves futurista y grueso". [35]
La batería funk crea un ritmo al enfatizar el "sentimiento y la emoción" del baterista, que incluyen "fluctuaciones ocasionales de tempo", el uso de la sensación de swing en algunas canciones (por ejemplo, "Cissy Strut" de The Meters y "I'll Take You There" de The Staple Singers , que tienen una sensación de medio swing) y menos uso de rellenos (ya que pueden disminuir el ritmo). [36] Los rellenos de batería son "pocos y económicos", para garantizar que la batería permanezca "en el bolsillo", con un tempo y ritmo constantes. [37] Estas técnicas de ejecución se complementan con una configuración para la batería que a menudo incluye bombos y timbales amortiguados y tambores bien afinados. [36] Los bateristas de funk suelen realizar sonidos de contrabajo con un solo pedal, un enfoque que "acentúa la segunda nota... [y] amortigua la resonancia del parche", lo que da un sonido de bombo corto y amortiguado. [36]
James Brown utilizó dos bateristas como Clyde Stubblefield y John 'Jabo' Starks en grabaciones y shows de soul. [38] Al utilizar dos bateristas, la banda JB pudo mantener un sonido rítmico "sólido sincopado", lo que contribuyó al ritmo distintivo "Funky Drummer" de la banda. [38]
En la interpretación del baterista de Tower of Power , David Garibaldi , hay muchas notas fantasma y golpes de aro . [36] Una parte clave del estilo de batería funk es el uso del charles, siendo abrir y cerrar los charles durante la ejecución (para crear efectos de acento "salpicaduras") como enfoque importante. [39] En el funk se utilizan semicorcheas a dos manos en los charles, a veces con cierto grado de sensación de swing. [36]
Jim Payne afirma que la batería funk utiliza un enfoque "muy abierto" para la improvisación en torno a ideas rítmicas de la música latina, ostinatos , que se repiten "con sólo ligeras variaciones", un enfoque que, según él, provoca la naturaleza "fascinante" del funk. [40] Payne afirma que se puede pensar en el funk como "rock tocado de una manera más sincopada", particularmente con el bombo, que toca patrones sincopados de corchea y semicorchea que fueron innovados por el baterista Clive Williams (con Joe Tex ); George Brown (con Kool & the Gang ) y James "Diamond" Williams (con The Ohio Players ). [41] Al igual que con el rock, la caja proporciona ritmos de fondo en la mayoría del funk (aunque con notas fantasma suaves adicionales). [40]
En el funk, los guitarristas suelen mezclar acordes de corta duración (apodados "stabs") con ritmos y riffs más rápidos. [17] Los guitarristas que tocan partes rítmicas a menudo tocan semicorcheas, incluso con notas fantasma de percusión. [17] Se prefieren las extensiones de acordes, como los acordes de novena. [17] Normalmente, el funk utiliza "dos partes de guitarra [eléctrica] entrelazadas", con un guitarrista rítmico y un "guitarrista tenor" que toca notas individuales. Los dos guitarristas intercambian sus líneas para crear un " bolsillo entrelazado de llamada y respuesta ". [42] Si una banda solo tiene un guitarrista, este efecto puede recrearse sobregrabando en el estudio o, en un show en vivo, haciendo que un solo guitarrista toque ambas partes, en la medida de lo posible. [42]
En las bandas de funk, los guitarristas suelen tocar en un estilo de percusión, utilizando un estilo de punteo llamado "chank" o "chicken scratch", en el que las cuerdas de la guitarra se presionan ligeramente contra el diapasón y luego se sueltan rápidamente lo suficiente para silenciar ". Sonido de "raspado" que se produce mediante un rasgueo rítmico rápido de la mano opuesta cerca del puente . [43] Los primeros ejemplos de esa técnica utilizada en el Rhythm and Blues se escuchan en la canción de Johnny Otis " Willie and the Hand Jive " de 1957, con el futuro guitarrista de la banda de James Brown, Jimmy Nolen . La técnica se puede dividir en tres enfoques: la "chika", el "chank" y el "choke". Con la "chika" viene un sonido apagado de cuerdas golpeando contra el diapasón; "chank" es un ataque entrecortado que se realiza soltando el acorde con la mano que se inquieta después de rasguearlo; y "asfixia" generalmente utiliza todas las cuerdas rasgueadas y muy silenciadas. [18]
El resultado de estos factores fue un sonido de guitarra rítmica que parecía flotar en algún lugar entre los golpes graves del bajo eléctrico y el tono cortante de la caja y los charles , con una sensación rítmicamente melódica que llegaba hasta lo más profundo del bolsillo. El guitarrista Jimmy Nolen , guitarrista de James Brown desde hace mucho tiempo, desarrolló esta técnica. Sin embargo, en " Give It Up or Turnit a Loose " de Brown (1969), la parte de guitarra de Jimmy Nolen tiene una estructura tonal básica. El patrón de puntos de ataque es el énfasis, no el patrón de lanzamientos. La guitarra se usa de la misma manera que se usaría un tambor africano o idiófono. Nolen creó un "tono limpio y agudo" utilizando " guitarras de jazz de cuerpo hueco con pastillas P-90 de bobina simple" conectadas a un amplificador Fender Twin Reverb con los medios bajos y los agudos altos. [44]
Funk guitarists playing rhythm guitar generally avoid distortion effects and amp overdrive to get a clean sound, and given the importance of a crisp, high sound, Fender Stratocasters and Telecasters were widely used for their cutting treble tone.[44] The mids are often cut by guitarists to help the guitar sound different from the horn section, keyboards and other instruments.[44] Given the focus on providing a rhythmic groove, and the lack of emphasis on instrumental guitar melodies and guitar solos, sustain is not sought out by funk rhythm guitarists.[44] Funk rhythm guitarists use compressor volume-control effects to enhance the sound of muted notes, which boosts the "clucking" sound and adds "percussive excitement to funk rhythms" (an approach used by Nile Rodgers).[45]
Guitarist Eddie Hazel from Funkadelic is notable for his solo improvisation (particularly for the solo on "Maggot Brain") and guitar riffs, the tone of which was shaped by a Maestro FZ-1 Fuzz-Tone pedal.[35] Hazel, along with guitarist Ernie Isley of the Isley Brothers, was influenced by Jimi Hendrix's improvised, wah-wah infused solos. Ernie Isley was tutored at an early age by Hendrix, when Hendrix was a part of the Isley Brothers backing band and temporarily lived in the Isleys' household. Funk guitarists use the wah-wah sound effect along with muting the notes to create a percussive sound for their guitar riffs. The phaser effect is often used in funk and R&B guitar playing for its filter sweeping sound effect, an example being the Isley Brothers' song "Who's That Lady".[46] Michael Hampton, another P-Funk guitarist, was able to play Hazel's virtuosic solo on "Maggot Brain", using a solo approach that added in string bends and Hendrix-style feedback.[35]
En el funk se utiliza una variedad de instrumentos de teclado. El piano acústico se utiliza en funk, incluso en "September" de Earth Wind & Fire y " Will It Go Round in Circles " de Billy Preston . El piano eléctrico se utiliza en canciones como "Chameleon" de Herbie Hancock (un Fender Rhodes ) y "Mercy, Mercy, Mercy" de Joe Zawinul (un Wurlitzer ). El clavinet se utiliza por su tono de percusión y se puede escuchar en canciones como " Superstition " y " Higher Ground " de Stevie Wonder y " Use Me " de Bill Withers . El órgano Hammond B-3 se utiliza en funk, en canciones como "Cissy Strut" de The Meters y "Love the One You're With" (con Aretha Franklin cantando y Billy Preston en los teclados).
La gama de teclados de Bernie Worrell de sus grabaciones con Parliament Funkadelic demuestra la amplia gama de teclados utilizados en el funk, ya que incluyen el órgano Hammond ("Funky Woman", "Hit It and Quit It", "Wars of Armageddon"); piano eléctrico RMI ("Quiero saber si es bueno para ti?", " Libera tu mente ", "Loose Booty"); piano acústico ("Funky Dollar Bill", "Jimmy tiene un poco de perra dentro de él"); clavinet ("Proceso alegre", "Arriba para bajar", "Red Hot Mama"); sintetizador Minimoog ("Atmosphere", " Flash Light ", "Aqua Boogie", "Knee Deep", "Let's Take It to the Stage"); y sintetizador de conjunto de cuerdas ARP (" Chocolate City ", " Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker) ", "Undisco Kidd").
Los sintetizadores se utilizaron en el funk tanto para aumentar el sonido profundo del bajo eléctrico como para reemplazarlo por completo en algunas canciones. [47] Se utilizó un bajo sintetizador funk, generalmente un Minimoog , porque podía crear sonidos en capas y nuevos tonos electrónicos que no eran factibles en el bajo eléctrico. [47]
En la década de 1970, el funk usaba muchos de los mismos estilos vocales que se usaban en la música afroamericana en la década de 1960, incluidas influencias de blues, gospel, jazz y doo-wop. [38] Al igual que estos otros estilos afroamericanos, el funk usaba "[gritos, gritos, chillidos, gemidos, tarareos y riffs melódicos", junto con estilos como llamada y respuesta y narración de historias (como la tradición oral africana). acercarse). [48] La llamada y respuesta en el funk puede ser entre el cantante principal y los miembros de la banda que actúan como coristas . [49]
A medida que el funk surgió del soul, las voces del funk comparten el enfoque del soul; sin embargo, las voces funk tienden a ser "más puntuadas, enérgicas, rítmicamente percusivas [,] y menos embellecidas" con adornos, y las líneas vocales tienden a parecerse a partes de trompeta y tienen ritmos "impulsados". [50] Las bandas de funk como Earth, Wind & Fire tienen partes vocales de armonía . [19] Canciones como " Super Bad " de James Brown incluían "doble voz" junto con "gritos, gritos y alaridos". [51] Los cantantes de funk utilizaron una "estética negra" para actuar que hacía uso de "un intercambio colorido y animado de gestos, expresiones faciales, posturas corporales y frases vocales" para crear una actuación atractiva. [52]
Las letras de la música funk abordaban los problemas que enfrentaba la comunidad afroamericana en los Estados Unidos durante la década de 1970, que surgieron debido al alejamiento de una economía industrial de clase trabajadora a una economía de la información, que perjudicaba a la clase trabajadora negra. [53] Las canciones funk de The Ohio Players, Earth, Wind & Fire y James Brown plantearon problemas que enfrentan los negros de bajos ingresos en las letras de sus canciones, como las malas "condiciones económicas y temas de la vida pobre en el centro de la ciudad en las comunidades negras". ". [54]
La canción de Funkadelic " One Nation Under A Groove " (1978) trata sobre los desafíos que los negros superaron durante el movimiento de derechos civiles de la década de 1960, e incluye una exhortación para que los negros de la década de 1970 capitalizaran las nuevas "oportunidades sociales y políticas" que habían tenido. estarán disponibles en la década de 1970. [55] La canción de los Isley Brothers "Fight the Power" (1975) tiene un mensaje político. [56] La canción del Parlamento "Chocolate City" (1975) se refiere metafóricamente a Washington, DC y otras ciudades estadounidenses que tienen una población mayoritariamente negra, y llama la atención sobre el poder potencial que ejercen los votantes negros y sugiere que se considere a un presidente negro. en el futuro. [57]
Los temas políticos de las canciones funk y el objetivo de los mensajes a una audiencia negra se hicieron eco de la nueva imagen de los negros que se creó en las películas de Blaxploitation , que mostraban a "hombres y mujeres afroamericanos defendiendo su posición y luchando por lo correcto". [58] Tanto las películas funk como Blaxploitation abordaron los problemas que enfrentan los negros y contaron historias desde una perspectiva negra. [58] Otro vínculo entre el funk de los años 1970 y las películas de Blaxploitation es que muchas de estas películas utilizaban bandas sonoras funk (por ejemplo, Curtis Mayfield para Superfly ; James Brown y Fred Wesley para Black Caesar y War for Youngblood ). [59]
Las canciones funk incluían un lenguaje metafórico que entendían mejor los oyentes que estaban "familiarizados con la estética negra y la lengua vernácula [negra]". [60] Por ejemplo, las canciones funk incluían expresiones como "agita tu máquina de hacer dinero", "funk tú mismo" y "mueve tu cuerpo de boogie". [61] Otro ejemplo es el uso de "malo" en la canción "Super Bad" (1970), que los oyentes negros sabían que significaba "bueno" o "excelente". [49]
En la década de 1970, para sortear las restricciones a la obscenidad radiofónica, los artistas funk usaban palabras que sonaban como palabras no permitidas y dobles sentidos para eludir estas restricciones. [62] Por ejemplo, The Ohio Players tenía una canción titulada "Fopp" que se refería a "Fopp me right, don't me fopp mal/Estaremos foppin' toda la noche...". [62] Algunas canciones funk usaban palabras inventadas que sugerían que estaban "escribiendo letras en una neblina constante de humo de marihuana", como " Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop) " del Parlamento, que incluye palabras como "bioaquadooloop". [62] La base principal de oyentes blancos a menudo no era capaz de entender los mensajes líricos del funk, lo que contribuyó a la falta de éxito del funk en las listas de música popular entre el público blanco durante la década de 1970. [63]
Los arreglos de la sección de trompeta con grupos de instrumentos de metal se utilizan a menudo en las canciones funk. [19] Las secciones de trompeta funk podrían incluir saxofón (a menudo saxo tenor), trompeta, trombón y, para secciones de trompeta más grandes, como quintetos y sextetos, un saxo barítono. [3] Las secciones de trompeta tocaban partes "rítmicas y sincopadas", a menudo con "frases poco convencionales" que enfatizan el "desplazamiento rítmico". [3] Las introducciones de canciones funk son un lugar importante para los arreglos de trompeta. [3]
Secciones de trompeta funk interpretadas en un "estilo de percusión rítmica" que imitaba el enfoque utilizado por los guitarristas rítmicos funk. [64] Las secciones de trompeta "puntuarían" la letra tocando en los espacios entre las voces, usando "ráfagas rítmicas cortas en staccato". [64] Los trompetistas de funk notables incluyeron a Alfred "PeeWee" Ellis , el trombonista Fred Wesley y el saxo alto Maceo Parker . [64] Secciones de trompetas funk notables que incluyen Phoenix Horns (con Earth, Wind & Fire), Horny Horns (con Parliament), Memphis Horns (con Isaac Hayes ) y MFSB (con Curtis Mayfield ). [64]
Los instrumentos en las secciones de trompeta funk variaban. Si hubiera dos trompetistas, podrían ser trompeta y saxo, trompeta y trombón, o dos saxos. [3] Un trío de trompeta estándar estaría formado por trompeta, saxo y trombón, pero los tríos de una trompeta con dos saxos, o dos trompetas con un saxo, también eran bastante comunes. [3] Un cuarteto se configuraría de la misma manera que un trío de trompa estándar, pero con un trompetista, un saxo o (con menos frecuencia) un trombón adicional. Los quintetos serían un trío de saxos (normalmente alto/tenor/barítono, o tenor/tenor/barítono) con una trompeta y un trombón, o un par de trompetas y saxos con un trombón. Con seis instrumentos, la sección de trompeta normalmente estaría formada por dos trompetas, tres saxos y un trombón. [3]
Las canciones notables con secciones de trompeta funk incluyen:
En bandas o espectáculos donde no es posible contratar una sección de trompetas, un teclista puede tocar las partes de trompeta en un sintetizador con parches de metales; sin embargo, es importante elegir un sintetizador y un parche de metales que suenen auténticos. [3] En la década de 2010, con los sintetizadores micro-MIDI, es posible que incluso hubiera sido posible que otro instrumentista tocara las partes de metales del teclado, lo que permitía al teclista continuar componiendo a lo largo de la canción. [3]
Las bandas de funk de la década de 1970 adoptaron la moda y el estilo afroamericano, incluidos " pantalones acampanados , zapatos de plataforma, aretes de aro, [peinados] afro, chalecos de cuero,... collares de cuentas", [65] camisas dashiki , monos y botas. [66] En contraste con bandas anteriores como The Temptations , que vestían "trajes a juego" y "cortes de pelo prolijos" para atraer al público blanco, las bandas de funk adoptaron un "espíritu africano" en su vestimenta y estilo. [60] George Clinton y el Parlamento son conocidos por sus disfraces imaginativos y su "libertad de vestimenta", que incluía sábanas que actuaban como batas y capas. [67]
El funk se formó mediante una mezcla de varios géneros musicales que fueron populares entre los afroamericanos a mediados del siglo XX. La musicóloga Anne Danielsen escribió que el funk podría ubicarse en el linaje del Rhythm and Blues, el Jazz y el Soul. [68] El sociólogo Darby E. Southgate escribió que el funk es "una amalgama de gospel, soul, jazz fusión, ritmo y blues y rock negro". [1]
Las características distintivas de la expresión musical afroamericana tienen sus raíces en las tradiciones musicales del África subsahariana y encuentran su expresión más temprana en espirituales, cánticos de trabajo, gritos de alabanza, gospel, blues y "ritmos corporales" ( hambone , patting juba , y patrones de gritos de timbre, aplausos y pisotones).
Al igual que otros estilos de expresión musical afroamericana, incluidos el jazz, la música soul y el R&B, la música funk acompañó a muchos movimientos de protesta durante y después del Movimiento por los Derechos Civiles .
Gerhard Kubik señala que, con la excepción de Nueva Orleans , los primeros blues carecían de polirritmias complejas , y había una "ausencia muy específica de patrones de línea de tiempo asimétricos ( patrones clave ) en prácticamente toda la música afroamericana de principios del siglo XX... sólo en En algunos géneros de Nueva Orleans aparece ocasionalmente un indicio de patrones de líneas de tiempo simples en forma de patrones transitorios llamados 'stomp' o coros de parada del tiempo. Estos no funcionan de la misma manera que las líneas de tiempo africanas. [69]
A finales de la década de 1940, esto cambió un poco cuando la estructura de línea temporal bicelular se introdujo en el blues de Nueva Orleans . Los músicos de Nueva Orleans fueron especialmente receptivos a las influencias afrocubanas precisamente en el momento en que se estaba formando el R&B. [70] Dave Bartholomew y el profesor Longhair (Henry Roeland Byrd) incorporaron instrumentos afrocubanos, así como el patrón de clave y figuras bicelulares relacionadas en canciones como "Carnival Day" (Bartholomew 1949) y "Mardi Gras In New Orleans". " (Pelo largo 1949). Robert Palmer informa que, en la década de 1940, el profesor Longhair escuchó y tocó con músicos de las islas y "cayó bajo el hechizo de los discos de mambo de Pérez Prado ". [20] El estilo particular del Profesor Pelo Largo era conocido localmente como rumba-boogie . [21]
Una de las grandes contribuciones de Longhair fue su enfoque particular de adoptar patrones bicelulares basados en claves en el R&B de Nueva Orleans . El enfoque rítmico de Longhair se convirtió en un modelo básico del funk. Según el Dr. John (Malcolm John "Mac" Rebennack Jr.), el Profesor "puso el funk en la música... Lo de Pelo Largo tuvo una relación directa, diría yo, con una gran parte de la música funk que evolucionó en Nueva Orleans. " [71] En su "Mardi Gras in New Orleans", el pianista emplea el motivo de 2-3 claves onbeat/offbeat en un " guajeo " de rumba-boogie. [72]
La sensación de subdivisión sincopada pero directa de la música cubana (a diferencia de las subdivisiones oscilantes ) echó raíces en el R&B de Nueva Orleans durante esta época. Alexander Stewart afirma: "Con el tiempo, músicos de fuera de Nueva Orleans comenzaron a aprender algunas de las prácticas rítmicas [de Crescent City]. Los más importantes de ellos fueron James Brown y los bateristas y arreglistas que empleó. El repertorio inicial de Brown había utilizado principalmente música aleatoria. ritmos, y algunas de sus canciones más exitosas fueron baladas 12/8 (por ejemplo, "Por favor, por favor, por favor" (1956), "Bewildered" (1961), "I Don't Mind" (1961)). Un tipo de soul más funky requería 4/4 metros y un estilo diferente de tocar la batería". [73] Stewart señala: "El estilo singular de Rhythm & Blues que surgió en Nueva Orleans en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial jugó un papel importante en el desarrollo del funk. En un desarrollo relacionado, los ritmos subyacentes de la música popular estadounidense experimentó una transición básica, aunque generalmente no reconocida, de tresillo o sensación aleatoria a corcheas pares o rectas". [74]
James Brown acreditó a la banda de gira de R&B de los años 50 de Little Richard , The Upsetters de Nueva Orleans, como "la primera en poner el funk en el ritmo" del rock and roll . [75] Tras su salida temporal de la música secular para convertirse en evangelista en 1957, algunos de los miembros de la banda de Little Richard se unieron a Brown and the Famous Flames , comenzando una larga serie de éxitos para ellos en 1958. A mediados de la década de 1960, James Brown había desarrolló su ritmo característico que enfatizaba el tiempo fuerte , con gran énfasis en el primer tiempo de cada compás para grabar su sonido distintivo, en lugar del tiempo de fondo que tipificaba la música afroamericana. [76] Brown a menudo indicaba a su banda con el comando "¡En el uno!", cambiando el énfasis/acento de la percusión del tiempo de fondo uno- dos -tres - cuatro de la música soul tradicional al tiempo fuerte uno -dos-tres-cuatro, pero con un ritmo de guitarra sincopado de notas pares (en las negras dos y cuatro) que presenta un swing metálico repetitivo y contundente . Este ritmo de uno-tres lanzó el cambio en el estilo musical característico de Brown, comenzando con su exitoso sencillo de 1964, " Out of Sight ", y sus éxitos de 1965, " Papa's Got a Brand New Bag " y " I Got You (I Feel Good) ". .
El estilo funk de Brown se basaba en partes contrapuntísticas entrelazadas: líneas de bajo sincopadas , patrones de batería de 16 tiempos y riffs de guitarra sincopados. [4] Los principales ostinatos de guitarra de "Ain't it Funky" (c. finales de la década de 1960) son un ejemplo del refinamiento de Brown del funk de Nueva Orleans: un riff irresistiblemente bailable, reducido a su esencia rítmica. En "Ain't it Funky", la estructura tonal es básica. Las innovaciones de Brown lo llevaron a él y a su banda a convertirse en el acto funk fundamental; También llevaron el estilo de música funk aún más a la vanguardia con lanzamientos como " Cold Sweat " (1967), " Mother Popcorn " (1969) y " Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine " (1970), descartando incluso el blues de doce compases que aparece en su música anterior. En cambio, la música de Brown estaba superpuesta con "voces pegadizas y himnos" basadas en "vampiros extensos" en los que también usaba su voz como "un instrumento de percusión con frecuentes gruñidos rítmicos y con patrones de sección rítmica... [que se asemejan] a los polirritmos de África Occidental . " – una tradición evidente en las canciones y cánticos de trabajo afroamericanos. [77] A lo largo de su carrera, la voz frenética de Brown, frecuentemente salpicada de gritos y gruñidos, canalizó el "ambiente extático de la iglesia negra" en un contexto secular. [77]
Después de 1965, el director de banda y arreglista de Brown fue Alfred "Pee Wee" Ellis . Ellis atribuye la adopción por parte de Clyde Stubblefield de las técnicas de percusión de Nueva Orleans como base del funk moderno: "Si, en un estudio, dijeras 'tócala funky', eso podría implicar casi cualquier cosa. Pero 'dame un ritmo de Nueva Orleans'. obtuviste exactamente lo que querías y Clyde Stubblefield fue solo el epítome de esta batería funky". [78] Stewart afirma que el sentimiento popular se transmitió desde "Nueva Orleans, a través de la música de James Brown, hasta la música popular de la década de 1970". [74] Con respecto a los diversos motivos funk, Stewart afirma que este modelo "... es diferente de una línea de tiempo (como clave y tresillo ) en que no es un patrón exacto, sino más bien un principio organizativo flexible". [79]
En una entrevista de 1990, Brown ofreció su razón para cambiar el ritmo de su música: "Cambié del tiempo positivo al tiempo fuerte... Así de simple, en realidad". [80] Según Maceo Parker , ex saxofonista de Brown, tocar en el tiempo fuerte al principio le resultó difícil y le llevó un tiempo acostumbrarse. Reflexionando sobre sus primeros días con la banda de Brown, Parker informó que tenía dificultades para tocar "en el uno" durante las presentaciones en solitario, ya que estaba acostumbrado a escuchar y tocar con el acento en el segundo tiempo. [81]
Un nuevo grupo de músicos comenzó a desarrollar aún más el enfoque del "funk rock". Las innovaciones fueron destacadas por George Clinton , con sus bandas Parliament y Funkadelic . Juntos, produjeron un nuevo tipo de sonido funk fuertemente influenciado por el jazz y el rock psicodélico . Los dos grupos compartían miembros y a menudo se les denomina colectivamente "Parlamento-Funkadelic". La gran popularidad del Parliament-Funkadelic dio lugar al término " P-Funk ", que se refería a la música de las bandas de George Clinton y definió un nuevo subgénero. Clinton desempeñó un papel principal en varias otras bandas, incluidas Parlet , Horny Horns y Brides of Funkenstein, todas parte del conglomerado P-Funk. "P-funk" también pasó a significar algo en su quintaesencia, de calidad superior, o sui generis .
Siguiendo el trabajo de Jimi Hendrix a finales de la década de 1960, artistas como Sly and the Family Stone combinaron el rock psicodélico de Hendrix con el funk, tomando prestados pedales wah , cajas fuzz , cámaras de eco y distorsionadores vocales del primero, así como blues rock. y jazz . [82] En los años siguientes, grupos como Parliament-Funkadelic de Clinton continuaron con esta sensibilidad, empleando sintetizadores y trabajos de guitarra orientados al rock. [82]
Otros grupos musicales retomaron los ritmos y el estilo vocal desarrollado por James Brown y su banda, y el estilo funk comenzó a crecer. Dyke and the Blazers , con sede en Phoenix, Arizona , lanzaron " Funky Broadway " en 1967, quizás el primer disco de la era de la música soul en tener la palabra "funky" en el título. En 1969, Jimmy McGriff lanzó Electric Funk , presentando su distintivo órgano sobre una sección de trompeta resplandeciente. Mientras tanto, en la Costa Oeste , Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band estuvo lanzando temas funk comenzando con su primer álbum en 1967, culminando con el sencillo clásico "Express Yourself" en 1971. También del área de la Costa Oeste, más específicamente Oakland. En California , surgió la banda Tower of Power (TOP), que se formó en 1968. Su álbum debut, East Bay Grease , lanzado en 1970, se considera un hito en el funk. A lo largo de la década de 1970, TOP tuvo muchos éxitos y la banda ayudó a hacer de la música funk un género exitoso, con una audiencia más amplia.
En 1970, " Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) " de Sly & the Family Stone alcanzó el puesto número 1 en las listas, al igual que " Family Affair " en 1971. En particular, estos temas proporcionaron al grupo y al género un éxito cruzado y mayor. reconocimiento, sin embargo, tal éxito se les escapó a sus pares de bandas de funk comparativamente talentosos y moderadamente populares. Los Meters definieron el funk en Nueva Orleans , comenzando con sus diez éxitos de R&B "Sophisticated Cissy" y " Cissy Strut " en 1969. Otro grupo que definió el funk en esta época fueron los Isley Brothers , cuyo funky éxito de R&B número uno de 1969, " It's Your Thing ", marcó un gran avance en la música afroamericana, salvando las distancias entre los sonidos jazzísticos de Brown, el rock psicodélico de Jimi Hendrix y el soul optimista de Sly & the Family Stone y Mother's Finest . The Temptations , que anteriormente habían ayudado a definir el " sonido Motown ", una mezcla distintiva de pop-soul, adoptaron este nuevo sonido psicodélico también hacia finales de los años 1960. Su productor, Norman Whitfield , se convirtió en un innovador en el campo del soul psicodélico, creando éxitos con un sonido más nuevo y funky para muchos actos de Motown , incluidos " War " de Edwin Starr , " Scaring Faces Once " de Undisputed Truth y " Papa Was". A Rollin' Stone " de los Temptations. Los productores de Motown, Frank Wilson (" Keep On Truckin' ") y Hal Davis (" Dancing Machine ") hicieron lo mismo. Stevie Wonder y Marvin Gaye también adoptaron ritmos funk para algunos de sus mayores éxitos de la década de 1970, como " Superstition " y " You Haven't Done Nothin' ", y " I Want You " y " Got To Give It Up ". respectivamente.
La década de 1970 fue la era de mayor visibilidad para la música funk. Además de Parliament Funkadelic , artistas como Sly and the Family Stone , Rufus & Chaka Khan , Bootsy's Rubber Band , Isley Brothers , Ohio Players , Con Funk Shun , Kool and the Gang , the Bar-Kays , Commodores , Roy Ayers , Curtis Mayfield y Stevie Wonder , entre otros, consiguieron reproducción en la radio. La música disco le debe mucho al funk. Muchas de las primeras canciones e intérpretes disco provenían directamente de entornos orientados al funk. Algunos éxitos de la música disco, como todos los éxitos de Barry White , " Kung Fu Fighting " de Biddu y Carl Douglas , " Love To Love You Baby " de Donna Summer , " Love Hangover " de Diana Ross , KC and the Sunshine. " I'm Your Boogie Man " de Band , " I'm Every Woman " de Chaka Khan (también conocida como la Reina del Funk) y "Le Freak" de Chic incluyen notoriamente riffs y ritmos derivados del funk. En 1976, Rose Royce consiguió un éxito número uno con un disco puramente dance-funk, " Car Wash ". Incluso con la llegada de la música disco, el funk se hizo cada vez más popular hasta principios de los años 1980.
La música funk también se exportó a África y se fusionó con cantos y ritmos africanos para formar Afrobeat . Al músico nigeriano Fela Kuti , que estuvo fuertemente influenciado por la música de James Brown, se le atribuye la creación del estilo y lo denominó "Afrobeat".
El jazz-funk es un subgénero de la música jazz caracterizado por un fuerte ritmo de fondo ( groove ), sonidos electrificados [83] y un predominio temprano de sintetizadores analógicos . La integración de la música y los estilos funk, soul y R&B en el jazz dio como resultado la creación de un género cuyo espectro es bastante amplio y abarca desde una fuerte improvisación jazzística hasta el soul, funk o disco con arreglos de jazz, riffs de jazz y solos de jazz, y a veces voces de soul. [84] El jazz-funk es principalmente un género estadounidense , donde fue popular durante los años 1970 y principios de los 1980, pero también logró un notable atractivo en el circuito de clubes de Inglaterra a mediados de los años 1970. Géneros similares incluyen soul jazz y jazz fusión , pero ninguno se superpone por completo con el jazz-funk. En particular, el jazz-funk es menos vocal, más arreglado y presenta más improvisación que el soul jazz, y conserva una fuerte sensación de groove y R&B frente a algunas producciones de jazz fusión.
En la década de 1980, en gran parte como reacción contra lo que se consideraba el exceso de indulgencia de la música disco , muchos de los elementos centrales que formaron la base de la fórmula P-Funk comenzaron a ser usurpados por instrumentos electrónicos , cajas de ritmos y sintetizadores . Las secciones de trompeta de saxofones y trompetas fueron reemplazadas por teclados de sintetizador , y a las trompas que quedaron se les dieron líneas simplificadas, y se dieron pocos solos de trompeta a los solistas. Los teclados eléctricos clásicos del funk, como el órgano Hammond B3 , el Hohner Clavinet y/o el piano Fender Rhodes , comenzaron a ser sustituidos por los nuevos sintetizadores digitales como el Yamaha DX7 y sintetizadores analógicos controlados por microprocesador como el Prophet-5 y Oberheim OB-X . Las cajas de ritmos electrónicas como Roland TR-808 , Linn LM-1 y Oberheim DMX comenzaron a reemplazar a los " bateristas funky " del pasado, y el estilo slap y pop de tocar el bajo a menudo fue reemplazado por líneas de bajo de teclado de sintetizador. Las letras de las canciones funk comenzaron a cambiar de sugerentes dobles sentidos a contenidos más gráficos y sexualmente explícitos.
Influenciado por Kraftwerk , el DJ de rap afroamericano Afrika Bambaataa desarrolló el electro-funk, un estilo de funk minimalista impulsado por máquinas con su sencillo " Planet Rock " en 1982. [85] También conocido simplemente como electro, este estilo de funk fue impulsado por sintetizadores. y el ritmo electrónico de la caja de ritmos TR-808 . El sencillo " Renegades of Funk " siguió en 1983. [85] Michael Jackson también fue influenciado por el electro-funk. [86] En 1980, la música techno-funk utilizó la caja de ritmos programable TR-808, [87] mientras que el sonido de Kraftwerk influyó [88] en artistas electro-funk posteriores como Mantronix . [89]
Rick James fue el primer músico funk de la década de 1980 en asumir el manto del funk dominado por el P-Funk en la década de 1970. Su álbum Street Songs de 1981 , con los sencillos "Give It to Me Baby" y " Super Freak ", convirtió a James en una estrella y allanó el camino para la futura dirección de la explícitaidad en el funk.
Prince formó The Time , originalmente concebido como telonero para él y basado en su " sonido Minneapolis ", una mezcla híbrida de funk, R&B , rock , pop y new wave . Con el tiempo, la banda pasó a definir su propio estilo de funk sencillo basado en una musicalidad estricta y temas sexuales.
Al igual que Prince, otras bandas surgieron durante la era P-Funk y comenzaron a incorporar sexualidad desinhibida, temas orientados al baile, sintetizadores y otras tecnologías electrónicas para continuar creando éxitos funk. Estos incluían a Cameo , Zapp , Gap Band , Bar-Kays y Dazz Band , quienes encontraron sus mayores éxitos a principios de la década de 1980. En la segunda mitad de la década de 1980, el funk puro había perdido su impacto comercial; sin embargo, los artistas pop, desde Michael Jackson hasta Culture Club, solían utilizar ritmos funk.
Si bien el funk fue alejado de la radio por el hábil hip hop comercial , el R&B contemporáneo y el nuevo jack swing , su influencia continuó extendiéndose. Artistas como Steve Arrington y Cameo todavía recibieron una gran difusión y tenían un gran número de seguidores en todo el mundo. Las bandas de rock comenzaron a adoptar elementos del funk en su sonido, creando nuevas combinaciones de " funk rock " y " funk metal ". Extreme , Red Hot Chili Peppers , Living Color , Jane's Addiction , Prince , Primus , Urban Dance Squad , Fishbone , Faith No More , Rage Against the Machine , Infectious Grooves e Incubus difundieron el enfoque y los estilos adquiridos por los pioneros del funk a nuevas audiencias en mediados y finales de los años 1980 y 1990. Estas bandas inspiraron más tarde el movimiento funkcore underground de mediados de la década de 1990 y artistas actuales inspirados en el funk como Outkast , Malina Moye , Van Hunt y Gnarls Barkley .
En la década de 1990, artistas como Me'shell Ndegeocello , Brooklyn Funk Essentials y el movimiento de acid jazz (predominantemente con sede en el Reino Unido) , incluidos artistas y bandas como Jamiroquai , Incognito , Galliano , Omar , Los Tetas y los Brand New Heavies , continuaron con fuertes elementos de funk. Sin embargo, nunca estuvieron cerca de alcanzar el éxito comercial del funk en su apogeo, con la excepción de Jamiroquai, cuyo álbum Travelling Without Moving vendió alrededor de 11,5 millones de unidades en todo el mundo y sigue siendo el álbum de funk más vendido de la historia. [90] Mientras tanto, en Australia y Nueva Zelanda, las bandas que tocaban en el circuito de pubs, como Supergroove , Skunkhour y the Truth , conservaron una forma más instrumental de funk.
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Desde finales de la década de 1980, los artistas de hip hop han sampleado regularmente viejas melodías funk. Se dice que James Brown es el artista más sampleado en la historia del hip hop, mientras que P-Funk es el segundo artista más sampleado; muestras de antiguas canciones de Parliament y Funkadelic formaron la base del West Coast G-funk .
Los ritmos originales que presentan riffs de bajo o guitarra rítmica de estilo funk tampoco son infrecuentes. Dr. Dre (considerado el progenitor del género G-funk) ha reconocido abiertamente estar fuertemente influenciado por la psicodelia de George Clinton: "En los años 70, eso era lo único que hacía la gente: drogarse, usar afros , pantalones acampanados y escuchar al Parlamento. -Funkadelic Por eso llamé a mi álbum The Chronic y basé mi música y los conceptos como lo hice: porque su mierda fue una gran influencia en mi música. [91] Digital Underground contribuyó en gran medida al renacimiento del funk en la década de 1990 al educar a sus oyentes con conocimientos sobre la historia del funk y sus artistas. George Clinton calificó a Digital Underground como " Sons of the P ", como también se titula su segundo lanzamiento de larga duración. El primer lanzamiento de DU, Sex Packets , estaba lleno de samples de funk, siendo el más conocido, " The Humpty Dance ", un sample de "Let's Play House" de Parliament. Un álbum funk muy fuerte de DU fue su lanzamiento de 1996 Future Rhythm . Gran parte de la música dance de club contemporánea, el drum and bass en particular, tiene muchos sampleos de ritmos de batería funk.
El funk es un elemento importante de ciertos artistas identificados con la escena de las jam bands de finales de los 90 y 2000. A finales de la década de 1990, la banda Phish desarrolló un sonido en vivo llamado "cow funk" (también conocido como "space funk"), que consistía en ritmos de graves profundos y bailables extendidos y, a menudo, enfatizaba el pedal pesado "wah" y otros efectos psicodélicos del guitarrista. y Clavinet en capas del teclista. [92] Phish comenzó a tocar temas más funky en sus sets alrededor de 1996, y The Story of the Ghost de 1998 estuvo fuertemente influenciado por el funk. Si bien el funk de Phish era tradicional en el sentido de que a menudo acentuaba el tiempo 1 del compás 4/4, también era muy exploratorio e implicaba construir improvisaciones hacia picos energéticos antes de hacer la transición a un rock and roll progresivo altamente compuesto.
Medeski Martin & Wood , Robert Randolph & the Family Band , Galactic , Jam Underground , Soulive y Tiny Universe de Karl Denson se inspiraron en gran medida en la tradición funk. Dumpstaphunk se basa en la tradición funk de Nueva Orleans, con sus ritmos ásperos y graves y sus conmovedoras voces en cuatro partes.
Desde mediados de la década de 1990, la escena revivalista del nu-funk o funk, centrada en la escena de coleccionistas de deep funk , está produciendo nuevo material influenciado por los sonidos de raros funk 45. Los sellos incluyen Desco, Soul Fire , Daptone , Timmion, Napolitan, Bananarama, Kay-Dee y Tramp. Estos sellos suelen publicar discos de 45 rpm. Aunque se especializa en música para DJ de funk poco comunes, ha habido algunos cruces con la industria musical convencional, como la aparición de Sharon Jones en 2005 en Late Night with Conan O'Brien . Aquellos que mezclan acid jazz , acid house , trip hop y otros géneros con funk incluyen a Tom Tom Club , [93] Brainticket , [94] Groove Armada , et al. [95] [96]
Durante la década de 2000 y principios de la de 2010, algunas bandas de punk funk como Out Hud y Mongolian MonkFish actuaron en la escena del indie rock . La banda independiente Rilo Kiley , siguiendo su tendencia a explorar una variedad de estilos rockeros, incorporó el funk en su canción " The Moneymaker " del álbum Under the Blacklight . Prince, con sus álbumes posteriores, dio un renacimiento al sonido funk con canciones como "The Everlasting Now", " Musicology ", "Ol' Skool Company" y " Black Sweat ". Particle , [97] por ejemplo, es parte de una escena que combina elementos de música digital hecha con computadoras, sintetizadores y samples con instrumentos analógicos, sonidos y elementos de improvisación y composición del funk. [98] [99]
Desde principios de la década de 1970, el funk ha desarrollado varios subgéneros. Mientras George Clinton y el Parlamento hacían una variación más dura del funk, bandas como Kool and the Gang , Ohio Players y Earth, Wind and Fire hacían música funk con influencia disco. [100]
El funk rock (también escrito como funk-rock o funk/rock ) fusiona elementos funk y rock . [101] Su primera encarnación fue escuchada desde finales de los años 60 hasta mediados de los 70 por músicos como Jimi Hendrix , Frank Zappa , Gary Wright , David Bowie , Mother's Finest y Funkadelic en sus álbumes anteriores.
Se pueden incorporar muchos instrumentos al funk rock, pero el sonido general se define por un ritmo definitivo de bajo o batería y guitarras eléctricas . Los ritmos del bajo y la batería están influenciados por la música funk pero con más intensidad, mientras que la guitarra puede tener influencias funk o rock, generalmente con distorsión . Prince , Jesse Johnson , Red Hot Chili Peppers y Fishbone son artistas importantes del funk rock.
El término "avant-funk" se ha utilizado para describir actos que combinaban el funk con las preocupaciones del art rock . [102] Simon Frith describió el estilo como una aplicación de la mentalidad del rock progresivo al ritmo en lugar de a la melodía y la armonía. [102] Simon Reynolds caracterizó el avant-funk como una especie de psicodelia en la que "el olvido debía alcanzarse no elevándose por encima del cuerpo, sino más bien a través de la inmersión en lo físico, la pérdida de uno mismo a través del animalismo". [102]
Los actos del género incluyen a la banda alemana de krautrock Can , [103] los artistas de funk estadounidenses Sly Stone y George Clinton , [104] y una ola de artistas británicos y estadounidenses de principios de los años 1980 (incluidos Public Image Ltd , Talking Heads , The Pop Group , Gang of Four , Bauhaus , Cabaret Voltaire , Defunkt , A Something Ratio y 23 Skidoo ) [105] que adoptaron estilos de música dance negra como el disco y el funk. [106] Los artistas de la escena no wave de Nueva York de finales de la década de 1970 también exploraron el avant-funk, influenciados por figuras como Ornette Coleman . [107] Reynolds notó las preocupaciones de estos artistas por cuestiones como la alienación , la represión y la tecnocracia de la modernidad occidental . [102]
El go-go se originó en Washington, DC , área con la que sigue asociado, junto con otros lugares del Atlántico Medio. Inspirado en cantantes como Chuck Brown , el "padrino del Go-go", es una mezcla de funk, ritmo y blues y hip hop temprano , con un enfoque en instrumentos de percusión de baja fidelidad y improvisaciones en persona en lugar de pistas de baile . Como tal, es principalmente música de baile con énfasis en la llamada y respuesta del público en vivo . Los ritmos go-go también se incorporan a la percusión callejera.
Boogie es una música electrónica influenciada principalmente por el funk y el post-disco. El enfoque minimalista del boogie, compuesto por sintetizadores y teclados, ayudó a establecer la música electro y house. Boogie, a diferencia del electro, enfatiza las técnicas de bofetadas del bajo pero también de los sintetizadores de bajo. Los artistas incluyen a Vicky "D" , Komiko , Peech Boys , Kashif y más tarde Evelyn King .
El electro funk es un híbrido de música electrónica y funk. Básicamente, sigue la misma forma que el funk y conserva las características del funk, pero está hecho total (o parcialmente) con el uso de instrumentos electrónicos como el TR-808 . Comúnmente se implementaban codificadores de voz o cajas de conversación para transformar las voces. La banda electro pionera Zapp utilizaba habitualmente este tipo de instrumentos en su música. Bootsy Collins también comenzó a incorporar un sonido más electrónico en álbumes solistas posteriores . Otros artistas incluyen a Herbie Hancock , Afrika Bambaataa , Egypt Lover , Vaughan Mason & Crew , Midnight Star y Cybotron .
El funk metal (a veces compuesto de forma diferente, como funk-metal ) es un género musical de fusión que surgió en la década de 1980, como parte del movimiento del metal alternativo . Por lo general, incorpora elementos de funk y heavy metal (a menudo thrash metal ) y, en algunos casos, otros estilos, como el punk y la música experimental . Presenta riffs de guitarra de heavy metal contundentes , ritmos de bajo contundentes característicos del funk y, a veces, rimas de estilo hip hop en un enfoque de rock alternativo para escribir canciones. Un ejemplo principal es la banda de rock totalmente afroamericana Living Color , de quienes Rolling Stone ha dicho que son "pioneros del funk-metal" . [108] A finales de los 80 y principios de los 90, el estilo prevalecía más en California , particularmente en Los Ángeles y San Francisco . [109] [110]
G-funk es un género musical de fusión que combina gangsta rap y funk. Generalmente se considera que fue inventado por raperos de la costa oeste y que Dr. Dre lo hizo famoso . Incorpora sintetizadores melódicos y de múltiples capas, ritmos lentos e hipnóticos, bajos profundos, voces femeninas de fondo, un extenso muestreo de melodías de P-Funk y un portamento agudo de sintetizador de ondas de sierra. A diferencia de otros actos de rap anteriores que también utilizaban muestras de funk (como EPMD y Bomb Squad ), el G-funk a menudo usaba menos muestras inalteradas por canción.
La timba es una forma de música de baile popular cubana funky. Para 1990, varias bandas cubanas habían incorporado elementos de funk y hip-hop en sus arreglos y ampliaron la instrumentación del conjunto tradicional con una batería estadounidense, saxofones y un formato de dos teclados. Las bandas de timba como La Charanga Habanera o Bamboleo suelen tener trompetas u otros instrumentos que tocan partes cortas de melodías de Earth, Wind and Fire , Kool and the Gang u otras bandas de funk estadounidenses. Si bien muchos motivos funk exhiben una estructura basada en claves , se crean de manera intuitiva, sin una intención consciente de alinear las distintas partes con un patrón guía . Timba incorpora motivos funk en una estructura de clave abierta e intencional.
A pesar de la popularidad del funk en la música moderna, pocas personas han examinado el trabajo de las mujeres funk . Las mujeres funk notables incluyen a Chaka Khan , Labelle , Brides of Funkenstein , Klymaxx , Mother's Finest , Lyn Collins , Betty Davis y Teena Marie . Como explica la crítica cultural Cheryl Keyes en su ensayo "She Was Too Black for Rock and Too Hard for Soul: (Re)discovering the Musical Career of Betty Mabry Davis", la mayor parte de los estudios sobre el funk se han centrado en el trabajo cultural de los hombres. Ella afirma que "Betty Davis es una artista cuyo nombre no ha sido anunciado como pionero en los anales del funk y el rock. La mayoría de los escritos sobre estos géneros musicales han colocado tradicionalmente a artistas masculinos como Jimi Hendrix, George Clinton (de Parliament-Funkadelic) y el bajista Larry Graham como creadores de tendencias en la formación de una sensibilidad musical rock". [111]
En The Feminist Funk Power of Betty Davis and Renée Stout , Nikki A. Greene [112] señala que el estilo provocativo y controvertido de Davis la ayudó a alcanzar popularidad en la década de 1970, cuando se centró en temas de autoempoderamiento y motivación sexual. Además, esto afectó la capacidad del joven artista para atraer grandes audiencias y alcanzar el éxito comercial. Greene también señala que Davis nunca fue nombrado portavoz oficial ni defensor de los movimientos feministas y de derechos civiles de la época, aunque más recientemente [ ¿cuándo? ] su trabajo se ha convertido en un símbolo de liberación sexual para las mujeres de color. La canción de Davis "If I'm In Luck I Just Might Get Picked Up", de su álbum debut homónimo, generó controversia y fue prohibida por la NAACP de Detroit . [113] Maureen Mahan, musicóloga y antropóloga, examina el impacto de Davis en la industria musical y el público estadounidense en su artículo "Dicen que es diferente: raza, género, género y la feminidad negra liberada de Betty Davis".
Laina Dawes, autora de What Are You Doing Here: A Black Woman's Life and Liberation in Heavy Metal , cree que la política de respetabilidad es la razón por la que artistas como Davis no obtienen el mismo reconocimiento que sus homólogos masculinos: "Culpo a lo que llamo política de respetabilidad". Como parte de la razón por la que el funk-rock algunas de las mujeres de los años 70 no son más conocidas, a pesar de la importancia de su música y presencia, muchas de las mujeres del funk-rock representaban el comportamiento agresivo y la sexualidad que muchas personas no tenían. cómodo con." [114]
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Según Francesca T. Royster, en el libro Funk: The Music, The People, and The Rhythm of The One de Rickey Vincent , analiza el impacto de Labelle, pero solo en secciones limitadas. Royster critica el análisis que Vincent hace del grupo y afirma: "Es una pena, entonces, que Vincent preste tan mínima atención a las interpretaciones de Labelle en su estudio. Esto refleja, desafortunadamente, un sexismo aún constante que da forma a la evaluación de la música funk. En Funk , el análisis de Vincent sobre Labelle es breve: comparte un solo párrafo con las Pointer Sisters en su subcapítulo de tres páginas, 'Funky Women'. Escribe que mientras " Lady Marmalade " "descubrió los estándares de insinuaciones sexuales y disparó el estatus de estrella del grupo", la "imagen brillante de la banda se deslizó en la resaca disco y finalmente se desperdició cuando el trío se separó en busca de un solo". estatus" (Vincent, 1996, 192). [115] Muchas artistas femeninas que se consideran del género funk, también comparten canciones de los géneros disco , soul y R&B ; Labelle entra en esta categoría de mujeres que se dividen entre géneros debido a una visión crítica de la teoría musical y la historia del sexismo en Estados Unidos. [116]
En el siglo XXI, [ ¿cuándo? ] artistas como Janelle Monáe han abierto las puertas a más estudios y análisis sobre el impacto femenino en el género musical funk. [ dudoso ] El estilo de Monáe dobla los conceptos de género , sexualidad y autoexpresión de una manera similar a la forma en que algunos pioneros masculinos del funk rompieron los límites. [117] Sus álbumes se centran en conceptos afrofuturistas , centrándose en elementos de empoderamiento femenino y negro y visiones de un futuro distópico . [118] En su artículo "Janelle Monáe and Afro-sonic Feminist Funk", Matthew Valnes escribe que la participación de Monae en el género funk se yuxtapone con la visión tradicional del funk como un género centrado en los hombres. Valnes reconoce que el funk está dominado por los hombres, pero ofrece una idea de las circunstancias sociales que llevaron a esta situación. [117] [ se necesita aclaración ]
Las influencias de Monáe incluyen a su mentor Prince, Funkadelic, Lauryn Hill y otros artistas de funk y R&B, pero según Emily Lordi, "[Betty] Davis rara vez figura entre las muchas influencias de Janelle Monáe, y ciertamente los conceptos de alta tecnología y virtuosismo de la cantante más joven. Las actuaciones y las canciones meticulosamente producidas están muy alejadas de la estética proto-punk de Davis, pero... al igual que Davis, ella también está estrechamente vinculada con un mentor masculino visionario (Prince) al que alude . Electric Ladyland de Hendrix , pero también cita implícitamente el círculo de mujeres que inspiraron al propio Hendrix: ese grupo, llamado Cosmic Ladies o Electric Ladies, estaba dirigido en conjunto por el amante de Hendrix, Devon Wilson, y Betty Davis. [119]
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Los pioneros del black-funk-metal regresan en forma justa cuando los guerreros del black-rock Living Colour se separaron en 1995.