El manierismo es un estilo artístico europeo que surgió en los últimos años del Alto Renacimiento italiano alrededor de 1520, se difundió alrededor de 1530 y perduró hasta fines del siglo XVI en Italia, cuando el estilo barroco lo reemplazó en gran medida. El manierismo nórdico continuó hasta principios del siglo XVII. [1]
El manierismo abarca una variedad de enfoques influenciados por, y que reaccionan a, los ideales armoniosos asociados con artistas como Leonardo da Vinci , Rafael , Vasari , [2] y el primer Miguel Ángel . Donde el arte del Alto Renacimiento enfatiza la proporción, el equilibrio y la belleza ideal, el manierismo exagera tales cualidades, a menudo dando como resultado composiciones que son asimétricas o antinaturalmente elegantes. [3] Notable por sus cualidades artificiales (en oposición a las naturalistas), [4] este estilo artístico privilegia la tensión y la inestabilidad compositivas en lugar del equilibrio y la claridad de la pintura renacentista anterior. El manierismo en la literatura y la música es notable por su estilo altamente florido y su sofisticación intelectual. [5]
La definición del manierismo y las fases que lo componen siguen siendo objeto de debate entre los historiadores del arte. Por ejemplo, algunos académicos han aplicado la etiqueta a ciertas formas de literatura (especialmente poesía) y música de la primera época moderna de los siglos XVI y XVII. El término también se utiliza para referirse a algunos pintores del gótico tardío [6] que trabajaron en el norte de Europa entre 1500 y 1530, especialmente los manieristas de Amberes [7] , un grupo no relacionado con el movimiento italiano. El manierismo también se ha aplicado por analogía a la Edad de Plata de la literatura latina . [8]
La palabra "Manierismo" deriva del italiano maniera , que significa "estilo" o "manera". Al igual que la palabra inglesa "style", maniera puede indicar un tipo específico de estilo (un estilo hermoso, un estilo abrasivo) o indicar un absoluto que no necesita calificación (alguien "tiene estilo"). [9] En la segunda edición de sus Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (1568), Giorgio Vasari [10] utilizó maniera en tres contextos diferentes: para discutir la manera o el método de trabajo de un artista; para describir un estilo personal o grupal, como el término maniera greca para referirse al estilo medieval italo-bizantino o simplemente a la maniera de Miguel Ángel; y para afirmar un juicio positivo de calidad artística. [11] Vasari también fue un artista manierista, y describió el período en el que trabajó como "la maniera moderna", o el "estilo moderno". [12] James V. Mirollo describe cómo los poetas de la "Bella maniera" intentaron superar en virtuosismo a los sonetos de Petrarca . [13] Esta noción de "Bella maniera" sugiere que los artistas que se inspiraron de esta manera buscaron copiar y mejorar a sus predecesores, en lugar de enfrentarse directamente a la naturaleza. En esencia, la "Bella maniera" utilizó lo mejor de varios materiales de origen, sintetizándolos en algo nuevo. [13]
Como etiqueta estilística, el término "manierismo" no es fácil de definir. Fue utilizado por el historiador suizo Jacob Burckhardt y popularizado por los historiadores de arte alemanes a principios del siglo XX para categorizar el arte aparentemente inclasificable del siglo XVI italiano, un arte que ya no exhibía los enfoques armoniosos y racionales asociados con el Alto Renacimiento. El "Alto Renacimiento" connotaba un período distinguido por la armonía, la grandeza y el resurgimiento de la antigüedad clásica. El término "manierista" fue redefinido en 1967 por John Shearman [14] tras la exposición de pinturas manieristas organizada por Fritz Grossmann en la Manchester City Art Gallery en 1965. [15]
Sin embargo, los historiadores difieren en cuanto a si el manierismo es un estilo, un movimiento o un período. Algunos autores lo han llamado el “Renacimiento tardío”. [16] Aunque el término sigue siendo controvertido, todavía se usa comúnmente para identificar el arte y la cultura europeos del siglo XVI. [17]
A finales del Alto Renacimiento, los jóvenes artistas experimentaron una crisis: [3] Parecía que todo lo que se podía lograr ya se había logrado. No quedaban más dificultades, técnicas o de otro tipo, por resolver. El conocimiento detallado de la anatomía, la luz, la fisonomía y la forma en que los humanos registran las emociones en la expresión y el gesto, el uso innovador de la forma humana en la composición figurativa y el uso de la sutil gradación del tono, todo había alcanzado casi la perfección. Los jóvenes artistas necesitaban encontrar un nuevo objetivo y buscaron nuevos enfoques. [18] En este punto comenzó a surgir el manierismo. [3] El nuevo estilo se desarrolló entre 1510 y 1520, ya sea en Florencia o en Roma, o en ambas ciudades simultáneamente. [19]
Este período ha sido descrito como una "extensión natural" [5] del arte de Andrea del Sarto , Miguel Ángel y Rafael. Miguel Ángel desarrolló su estilo a una edad temprana, un estilo profundamente original que fue muy admirado al principio, y luego a menudo copiado e imitado por otros artistas de la época. [5] Una de las cualidades más admiradas por sus contemporáneos era su terribilità , un sentido de grandeza imponente, y los artistas posteriores intentaron imitarlo. [5] Otros artistas aprendieron el estilo apasionado y altamente personal de Miguel Ángel copiando las obras del maestro, una forma estándar en que los estudiantes aprendían a pintar y esculpir. Su techo de la Capilla Sixtina les proporcionó ejemplos a seguir, en particular su representación de figuras reunidas a menudo llamadas ignudi y de la Sibila Libia , su vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana , las figuras de sus tumbas de los Médici y, sobre todo, su Juicio Final . El último Miguel Ángel fue uno de los grandes modelos del manierismo. [5] Algunos artistas jóvenes irrumpieron en su casa y le robaron sus dibujos. [20] En su libro Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes , Giorgio Vasari señaló que Miguel Ángel afirmó una vez: "Aquellos que son seguidores nunca pueden pasar por alto a quienes siguen". [20]
El espíritu competitivo fue cultivado por los mecenas que alentaron a los artistas patrocinados a enfatizar la técnica virtuosa y a competir entre sí por encargos. Impulsó a los artistas a buscar nuevos enfoques y escenas dramáticamente iluminadas, ropas y composiciones elaboradas, proporciones alargadas, poses muy estilizadas y una falta de perspectiva clara. Leonardo da Vinci y Miguel Ángel recibieron un encargo del gonfaloniere Piero Soderini para decorar una pared en el Salón de los Quinientos en Florencia. Estos dos artistas fueron puestos a pintar uno al lado del otro y competir entre sí, [ cita requerida ] alimentando el incentivo para ser lo más innovadores posible. [ cita requerida ]
Los primeros manieristas de Florencia (especialmente los estudiantes de Andrea del Sarto , como Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino ) se destacan por sus formas alargadas, poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, escenarios irracionales e iluminación teatral. Parmigianino (un estudiante de Correggio ) y Giulio Romano (el asistente principal de Rafael) se movían en direcciones estéticas igualmente estilizadas en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo ha sido caracterizado como una reacción o una extensión exagerada de este. En lugar de estudiar la naturaleza directamente, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar la escultura y las pinturas helenísticas de maestros del pasado. Por lo tanto, este estilo a menudo se identifica como "anticlásico", [21] aunque en ese momento se consideró una progresión natural del Alto Renacimiento. La primera fase experimental del manierismo, conocida por sus formas "anticlásicas", duró hasta aproximadamente 1540 o 1550. [19] Marcia B. Hall , profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, señala en su libro Después de Rafael que la muerte prematura de Rafael marcó el comienzo del manierismo en Roma. [ cita requerida ]
En análisis anteriores, se ha señalado que el manierismo surgió a principios del siglo XVI contemporáneamente con una serie de otros movimientos sociales, científicos, religiosos y políticos como el heliocentrismo copernicano , el Saqueo de Roma en 1527 y el creciente desafío de la Reforma Protestante al poder de la Iglesia Católica. Debido a esto, las formas alargadas y distorsionadas del estilo alguna vez fueron interpretadas como una reacción a las composiciones idealizadas prevalecientes en el arte del Alto Renacimiento. [22] Esta explicación para el cambio estilístico radical hacia 1520 ha caído en desgracia entre los académicos, aunque el arte manierista temprano todavía se contrasta marcadamente con las convenciones del Alto Renacimiento; la accesibilidad y el equilibrio logrados por la Escuela de Atenas de Rafael ya no parecían interesar a los artistas jóvenes. [ cita requerida ]
El segundo período del manierismo se suele diferenciar [ cita requerida ] de la fase anterior, denominada "anticlásica". Los manieristas posteriores enfatizaron las presunciones intelectuales y el virtuosismo artístico, características que han llevado a los críticos posteriores a acusarlos de trabajar de una "manera" antinatural y afectada ( maniera ). Los artistas maniera tomaron a su contemporáneo mayor, Miguel Ángel, como su modelo principal; el suyo era un arte que imitaba al arte, en lugar de un arte que imitaba a la naturaleza. El historiador de arte Sydney Joseph Freedberg sostiene que el aspecto intelectualizador del arte maniera implica esperar que su audiencia note y aprecie esta referencia visual: una figura familiar en un entorno desconocido encerrada entre "comillas invisibles, pero sentidas". [23] El colmo del artificio es la inclinación del pintor maniera por apropiarse indebidamente de una cita. Agnolo Bronzino y Giorgio Vasari ejemplifican esta corriente de Maniera que duró desde aproximadamente 1530 hasta 1580. El arte de Maniera, que se desarrolló principalmente en las cortes y en los círculos intelectuales de toda Europa, combina una elegancia exagerada con una atención exquisita a la superficie y al detalle: figuras de piel de porcelana se reclinan bajo una luz uniforme y templada, saludando al espectador con una mirada fría, si es que establecen contacto visual. El tema de Maniera rara vez muestra mucha emoción y, por esta razón, las obras que ejemplifican esta tendencia a menudo se califican de "frías" o "distantes". Esto es típico del llamado "estilo elegante" o Maniera en su madurez. [24]
Las ciudades de Roma, Florencia y Mantua fueron centros manieristas en Italia. La pintura veneciana siguió un rumbo diferente, representado por Tiziano en su larga carrera. Varios de los primeros artistas manieristas que habían estado trabajando en Roma durante la década de 1520 huyeron de la ciudad después del Saqueo de Roma en 1527. A medida que se extendieron por el continente en busca de empleo, su estilo se difundió por toda Italia y el norte de Europa. [25] El resultado fue el primer estilo artístico internacional desde el gótico . [26] Otras partes del norte de Europa no tuvieron la ventaja de un contacto tan directo con los artistas italianos, pero el estilo manierista hizo sentir su presencia a través de grabados y libros ilustrados. Los gobernantes europeos, entre otros, compraron obras italianas, mientras que los artistas del norte de Europa continuaron viajando a Italia, lo que ayudó a difundir el estilo manierista. Los artistas italianos individuales que trabajaron en el norte dieron origen a un movimiento conocido como el manierismo del norte . Francisco I de Francia , por ejemplo, recibió como obsequio Venus, Cupido, Locura y Tiempo de Bronzino . El estilo decayó en Italia después de 1580, cuando una nueva generación de artistas, entre ellos los hermanos Carracci , Caravaggio y Cigoli , revivió el naturalismo. Walter Friedlaender identificó este período como "antimanierismo", al igual que los primeros manieristas fueron "anticlásicos" en su reacción contra los valores estéticos del Alto Renacimiento [21] : 14 y hoy se acepta que los hermanos Carracci y Caravaggio iniciaron la transición a la pintura de estilo barroco que era dominante en 1600.
Sin embargo, fuera de Italia, el manierismo continuó hasta el siglo XVII. En Francia, a donde Rosso viajó para trabajar para la corte de Fontainebleau , se lo conoce como el « estilo Enrique II » y tuvo un impacto particular en la arquitectura. Otros centros continentales importantes del manierismo del norte incluyen la corte de Rodolfo II en Praga , así como Haarlem y Amberes . El manierismo como categoría estilística se aplica con menos frecuencia a las artes visuales y decorativas inglesas , donde se aplican más comúnmente etiquetas nativas como « isabelino » y « jacobino ». El manierismo artesanal del siglo XVII es una excepción, aplicado a la arquitectura que se basa en libros de patrones en lugar de en precedentes existentes en la Europa continental. [27]
Cabe destacar la influencia flamenca en Fontainebleau, que combinó el erotismo del estilo francés con una versión temprana de la tradición de la vanitas que dominaría la pintura holandesa y flamenca del siglo XVII. En esa época prevalecía el pittore vago , una descripción de los pintores del norte que entraron en los talleres de Francia e Italia para crear un estilo verdaderamente internacional.
Al igual que en la pintura, la escultura manierista italiana temprana fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que superara los logros del Alto Renacimiento , que en escultura significaba esencialmente Miguel Ángel, y gran parte de la lucha por lograrlo se desarrolló en encargos para llenar otros lugares en la Piazza della Signoria en Florencia, junto al David de Miguel Ángel . Baccio Bandinelli se hizo cargo del proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero fue un poco más popular entonces de lo que es ahora, y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente con "un saco de melones", aunque tuvo un efecto duradero al aparentemente introducir paneles en relieve en el pedestal de las estatuas. Al igual que otras obras suyas y de otros manieristas, elimina mucho más del bloque original de lo que hubiera hecho Miguel Ángel. [28] El Perseo con la cabeza de Medusa en bronce de Cellini es sin duda una obra maestra, diseñada con ocho ángulos de visión, otra característica manierista, y estilizada artificialmente en comparación con los David de Miguel Ángel y Donatello. [29] En sus orígenes fue orfebre; su famoso Salero de oro y esmalte (1543) fue su primera escultura y muestra su talento en su máxima expresión. [30]
Las pequeñas figuras de bronce para los gabinetes de los coleccionistas , a menudo temas mitológicos con desnudos, fueron una forma popular del Renacimiento en la que Giambologna , originalmente flamenco pero afincado en Florencia, sobresalió en la última parte del siglo. También creó esculturas de tamaño natural, de las cuales dos ingresaron a la colección de la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores idearon elegantes ejemplos alargados de la figura serpentinata , a menudo de dos figuras entrelazadas, que eran interesantes desde todos los ángulos. [31]
Las opiniones de Giorgio Vasari sobre el arte de la pintura se reflejan en los elogios que dedica a sus colegas artistas en sus Vidas de los artistas, obra de varios volúmenes : creía que la excelencia en la pintura exigía refinamiento, riqueza de invención ( invenzione ), expresada a través de una técnica virtuosa ( maniera ), e ingenio y estudio que aparecieran en la obra terminada, criterios todos ellos que enfatizaban el intelecto del artista y la sensibilidad del mecenas. El artista ya no era simplemente un miembro entrenado de un gremio local de San Lucas. Ahora ocupaba su lugar en la corte junto a eruditos, poetas y humanistas, en un clima que fomentaba el aprecio por la elegancia y la complejidad. El escudo de armas de los mecenas Medici de Vasari aparece en la parte superior de su retrato, como si fuera el propio artista. El encuadre de la imagen xilográfica de las Vidas de Vasari se llamaría " jacobino " en un entorno de habla inglesa. En él, las tumbas de los Médici de Miguel Ángel inspiran los elementos "arquitectónicos" antiarquitectónicos de la parte superior, el marco perforado de papel y los desnudos satíricos de la base. Como simple marco es extravagante: manierista, en definitiva.
Otra figura literaria de este período es Gian Paolo Lomazzo , que produjo dos obras (una práctica y otra metafísica) que ayudaron a definir la relación consciente del artista manierista con su arte. Su Trattato dell'arte della pittura, scoltura et architettura (Milán, 1584) es en parte una guía de los conceptos contemporáneos del decoro , que el Renacimiento heredó en parte de la Antigüedad, pero que el manierismo elaboró. La codificación sistemática de la estética de Lomazzo, que tipifica los enfoques más formalizados y académicos típicos de finales del siglo XVI, enfatizó una consonancia entre las funciones de los interiores y los tipos de decoraciones pintadas y esculpidas que serían adecuadas. La iconografía, a menudo enrevesada y abstrusa, es un elemento más destacado en los estilos manieristas. Su Idea del tempio della pittura ( El templo ideal de la pintura , Milán, 1590), menos práctica y más metafísica, ofrece una descripción en la línea de la teoría de los " cuatro temperamentos " de la naturaleza y la personalidad humanas, definiendo el papel de la individualidad en el juicio y la invención artística.
El manierismo fue un movimiento anticlásico que difería mucho de las ideologías estéticas del Renacimiento . [32] Aunque el manierismo fue aceptado inicialmente con positividad basándose en los escritos de Vasari , [32] más tarde fue visto de forma negativa porque se lo veía únicamente como "una alteración de la verdad natural y una repetición trillada de fórmulas naturales". [32] Como momento artístico, el manierismo implica muchas características que son únicas y específicas de la experimentación de cómo se percibe el arte. A continuación se muestra una lista de muchas características específicas que los artistas manieristas emplearían en sus obras de arte.
La obra de Jacopo da Pontormo es una de las contribuciones más importantes al manierismo. [34] A menudo extrajo su temática de narraciones religiosas; fuertemente influenciado por las obras de Miguel Ángel, [34] con frecuencia alude o utiliza formas escultóricas como modelos para sus composiciones. [32] Un elemento bien conocido de su obra es la representación de miradas de varias figuras que a menudo perforan al espectador en varias direcciones. [32] Dedicado a su trabajo, Pontormo a menudo expresó ansiedad sobre su calidad y era conocido por trabajar lenta y metódicamente. [32] Su legado es muy apreciado, ya que influyó en artistas como Agnolo Bronzino y los ideales estéticos del manierismo tardío. [34]
La obra de Pontormo José en Egipto , pintada en 1517, [32] retrata una narración continua de cuatro escenas bíblicas en las que José se reencuentra con su familia. En el lado izquierdo de la composición, Pontomoro representa una escena de José presentando a su familia al faraón de Egipto . A la derecha, José está montado en un banco con ruedas, mientras querubines llenan la composición a su alrededor además de otras figuras y grandes rocas en un camino en la distancia. Sobre estas escenas, hay una escalera de caracol por la que José guía a uno de sus hijos hasta su madre en la parte superior. La escena final, a la derecha, es la etapa final de la muerte de Jacob mientras sus hijos observan de cerca. [32]
José en Egipto de Pontormo presenta muchos elementos manieristas. Uno de ellos es el uso de colores incongruentes, como varios tonos de rosa y azul, que componen la mayor parte del lienzo . Un elemento adicional del manierismo es el manejo incoherente del tiempo en la historia de José a través de varias escenas y el uso del espacio. Mediante la inclusión de las cuatro narrativas diferentes, Pontormo crea una composición desordenada y una sensación general de ajetreo.
Rosso Fiorentino , que había sido compañero de estudios de Pontormo en el taller de Andrea del Sarto , en 1530 llevó el manierismo florentino a Fontainebleau , donde se convirtió en uno de los fundadores del manierismo francés del siglo XVI, conocido popularmente como la Escuela de Fontainebleau .
Los ejemplos de un estilo decorativo rico y frenético en Fontainebleau difundieron aún más el estilo italiano a través de los grabados en Amberes , y desde allí por todo el norte de Europa, desde Londres hasta Polonia. El diseño manierista se extendió a los artículos de lujo, como la plata y los muebles tallados. Una sensación de emoción tensa y controlada expresada en un simbolismo y una alegoría elaborados , y un ideal de belleza femenina caracterizado por proporciones alargadas son características de este estilo.
Agnolo Bronzino fue alumno de Pontormo, [35] cuyo estilo fue muy influyente y a menudo confuso en términos de averiguar la atribución de muchas obras de arte. [35] Durante su carrera, Bronzino también colaboró con Vasari como escenógrafo para la producción "Comedia de los magos", donde pintó muchos retratos . [35] La obra de Bronzino era solicitada y disfrutó de un gran éxito cuando se convirtió en pintor de la corte de la familia Medici en 1539. [35] Una característica manierista única de la obra de Bronzino fue la representación de tez lechosa . [35]
En la pintura Venus, Cupido, la locura y el tiempo , Bronzino retrata una escena erótica que deja al espectador con más preguntas que respuestas. En primer plano, Cupido y Venus están casi besándose, pero se detienen como si los hubieran pillado en el acto. Sobre la pareja hay figuras mitológicas, el Padre Tiempo a la derecha, que tira de una cortina para revelar a la pareja y la representación de la diosa de la noche a la izquierda. La composición también incluye una agrupación de máscaras, una criatura híbrida compuesta por rasgos de una niña y una serpiente, y un hombre representado con un dolor agonizante. Hay muchas teorías disponibles para la pintura, como que transmite los peligros de la sífilis o que la pintura funcionaba como un juego de corte . [36]
Los retratos manieristas de Bronzino se distinguen por una elegancia serena y una meticulosa atención al detalle. Como resultado, se ha dicho que los modelos de Bronzino proyectan un distanciamiento y una marcada distancia emocional del espectador. También hay una concentración virtuosa en capturar el patrón preciso y el brillo de los ricos textiles. Específicamente, dentro de Venus, Cupido, Locura y Tiempo , Bronzino utiliza las tácticas del movimiento manierista, la atención al detalle, el color y las formas escultóricas. La evidencia del movimiento manierista es evidente en los movimientos torpes de Cupido y Venus, mientras contorsionan sus cuerpos para abrazarse parcialmente. En particular, Bronzino pinta la tez con las muchas formas como un blanco de porcelana perfecto con un borrado suave de sus músculos que proporciona una referencia a la suavidad de la escultura.
Susana y los ancianos ( abajo ) , de Alessandro Allori (1535-1607) , se distingue por un erotismo latente y un detalle de naturaleza muerta conscientemente brillante, en una composición abarrotada y contorsionada.
Jacopo Tintoretto ha sido conocido por sus contribuciones muy diferentes a la pintura veneciana después del legado de Tiziano . Su obra, que difería mucho de sus predecesores, había sido criticada por Vasari por su "estilo fantástico, extravagante y extraño". [37] Dentro de su obra, Tintoretto adoptó elementos manieristas que lo han distanciado de la noción clásica de la pintura veneciana, ya que a menudo creó obras de arte que contenían elementos de fantasía y conservaban el naturalismo . [37] Otros elementos únicos de la obra de Tintoretto incluyen su atención al color a través del uso regular de pinceladas ásperas [37] y la experimentación con pigmentos para crear ilusión. [37]
Una obra de arte que se asocia con características manieristas es La Última Cena ; fue encargada por Michele Alabardi para San Giorgio Maggiore en 1591. [37] En La Última Cena de Tintoretto , la escena está representada desde el ángulo de un grupo de personas a lo largo del lado derecho de la composición. En el lado izquierdo de la pintura, Cristo y los Apóstoles ocupan un lado de la mesa y destacan a Judas . Dentro del espacio oscuro, hay pocas fuentes de luz; una fuente es emitida por el halo de Cristo y la antorcha colgante sobre la mesa.
En su composición distintiva, La Última Cena retrata características manieristas. Una característica que Tintoretto utiliza es un fondo negro. Aunque la pintura da cierta indicación de un espacio interior a través del uso de la perspectiva , los bordes de la composición están en su mayoría envueltos en sombras, lo que proporciona dramatismo a la escena central de La Última Cena . Además, Tintoretto utiliza los efectos de focos con luz, especialmente con el halo de Cristo y la antorcha colgando sobre la mesa. Una tercera característica manierista que Tintoretto emplea son los efectos atmosféricos de figuras formadas en humo que flotan sobre la composición.
El Greco intentó expresar la emoción religiosa con rasgos exagerados. Después de la representación realista de la forma humana y el dominio de la perspectiva alcanzados en el Alto Renacimiento, algunos artistas comenzaron a distorsionar deliberadamente las proporciones en espacios desarticulados e irracionales para lograr un efecto emocional y artístico. El Greco sigue siendo un artista profundamente original. Los estudiosos modernos lo han caracterizado como un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional. [5] Los aspectos clave del manierismo en El Greco incluyen la paleta "ácida" discordante, la anatomía alargada y torturada, la perspectiva y la luz irracionales y la iconografía oscura y perturbadora. [38] [39] El estilo de El Greco fue la culminación de desarrollos únicos basados en su herencia griega y sus viajes a España e Italia. [40]
La obra de El Greco refleja una multitud de estilos, incluyendo elementos bizantinos , así como la influencia de Caravaggio y Parmigianino, además del colorido veneciano . [40] Un elemento importante es su atención al color, ya que lo consideraba uno de los aspectos más importantes de su pintura. [41] A lo largo de su carrera, la obra de El Greco siguió teniendo una gran demanda, ya que completó importantes encargos en lugares como el Colegio de la Encarnación de Madrid . [40]
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El estilo pictórico único de El Greco y su conexión con las características manieristas son especialmente frecuentes en la obra Laocoonte . Pintada en 1610, [42] representa el relato mitológico de Laocoonte , quien advirtió a los troyanos sobre el peligro del caballo de madera que los griegos presentaron como ofrenda de paz a la diosa Minerva . Como resultado, Minerva tomó represalias en venganza invocando serpientes para matar a Laocoonte y sus dos hijos. En lugar de situar la escena en el contexto de Troya , El Greco situó la escena cerca de Toledo, España, para "universalizar la historia resaltando su relevancia para el mundo contemporáneo". [42]
El estilo único de El Greco en Laocoonte ejemplifica muchas características manieristas. Predomina el alargamiento de muchas de las formas humanas a lo largo de la composición junto con su movimiento serpenteante, lo que proporciona una sensación de elegancia. Un elemento adicional del estilo manierista son los efectos atmosféricos en los que El Greco crea un cielo brumoso y un paisaje borroso en el fondo.
Benvenuto Cellini creó en 1540 el Salero Cellini de oro y esmalte, en el que se representan a Poseidón y Anfítrite (agua y tierra) colocados en posiciones incómodas y con proporciones alargadas. Se considera una obra maestra de la escultura manierista.
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Lavinia Fontana (1552-1614) fue una retratista manierista a la que se suele reconocer como la primera artista femenina de carrera en Europa occidental. [43] Fue designada retratista ordinaria en el Vaticano . [44] Su estilo se caracteriza por estar influenciado por la familia de pintores Carracci y por los colores de la escuela veneciana. Es conocida por sus retratos de mujeres nobles y por su representación de figuras desnudas, algo inusual para una mujer de su época. [45]
Taddeo Zuccaro nació en Sant'Angelo in Vado , cerca de Urbino, hijo de Ottaviano Zuccari, pintor casi desconocido. Su hermano Federico , nacido alrededor de 1540, también fue pintor y arquitecto.
La carrera documentada de Federico Zuccaro como pintor comenzó en 1550, cuando se trasladó a Roma para trabajar con Taddeo , su hermano mayor. Continuó completando decoraciones para Pío IV y ayudó a completar las decoraciones al fresco de la Villa Farnese en Caprarola . Entre 1563 y 1565, estuvo activo en Venecia con la familia Grimani de Santa Maria Formosa. Durante su período veneciano, viajó junto a Palladio en Friuli.
Joachim Wtewael (1566-1638) continuó pintando en un estilo manierista nórdico hasta el final de su vida, ignorando la llegada del arte barroco , lo que lo convirtió quizás en el último artista manierista significativo que aún seguía trabajando. Sus temas incluían grandes escenas con naturalezas muertas al estilo de Pieter Aertsen y escenas mitológicas, muchas pequeñas pinturas de gabinete bellamente ejecutadas en cobre y la mayoría con desnudez.
Giuseppe Arcimboldo es más conocido por sus obras de arte que incorporan naturalezas muertas y retratos . [46] Su estilo es visto como manierista con el estilo de ensamblaje de frutas y verduras en el que su composición se puede representar de varias maneras, al derecho y al revés. [46] Las obras de arte de Arcimboldo también se han aplicado al manierismo en términos del humor que transmite a los espectadores, porque no tiene el mismo grado de seriedad que las obras del Renacimiento. [46] Estilísticamente, las pinturas de Arcimboldo son conocidas por su atención a la naturaleza y el concepto de una "apariencia monstruosa". [46]
Una de las pinturas de Arcimboldo que contiene varias características manieristas es Vertumnus . Pintado sobre un fondo negro hay un retrato de Rodolfo II , cuyo cuerpo está compuesto de varios vegetales, flores y frutas. [46] La broma de la pintura comunica el humor del poder, que consiste en que el emperador Rodolfo II esconde un yo interior oscuro detrás de su imagen pública. [46] Por otro lado, el tono serio de la pintura presagia la buena fortuna que prevalecería durante su reinado. [46]
Vertumnus contiene varios elementos manieristas en cuanto a su composición y mensaje. Uno de ellos es el fondo negro y plano que Arcimboldo utiliza para enfatizar el estatus y la identidad del Emperador, además de resaltar la fantasía de su reinado. En el retrato de Rodolfo II, Arcimboldo también se aleja de la representación naturalista del Renacimiento y explora la construcción de la composición al representarlo a partir de un revoltijo de frutas, verduras, plantas y flores. Otro elemento del manierismo que retrata la pintura es la doble narrativa de un chiste y un mensaje serio; el humor no se utilizaba normalmente en las obras de arte del Renacimiento.
La arquitectura manierista se caracterizó por el engaño visual y los elementos inesperados que desafiaron las normas renacentistas . [47] Los artistas flamencos, muchos de los cuales habían viajado a Italia y fueron influenciados por los desarrollos manieristas allí, fueron responsables de la propagación de las tendencias manieristas en Europa al norte de los Alpes, incluido el ámbito de la arquitectura. [48] Durante el período, los arquitectos experimentaron con el uso de formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. El ideal renacentista de armonía dio paso a ritmos más libres e imaginativos. El arquitecto más conocido asociado con el estilo manierista, y pionero en la Biblioteca Laurenciana , fue Miguel Ángel (1475-1564). [49] Se le atribuye la invención del orden gigante , una gran pilastra o columna que se extiende desde la parte inferior hasta la parte superior de una fachada de varios pisos. [50] Lo utilizó en su diseño para la Piazza del Campidoglio en Roma. El estilo arquitectónico herreriano ( en español : estilo herreriano o arquitectura herreriana ) se desarrolló en España durante el último tercio del siglo XVI bajo el reinado de Felipe II (1556-1598), [51] y continuó vigente en el siglo XVII, aunque transformado por el estilo barroco de la época. Corresponde a la tercera y última etapa de la arquitectura renacentista española , que evolucionó hacia una progresiva depuración ornamental, desde el plateresco inicial hasta el purismo clásico del segundo tercio del siglo XVI y la desnudez decorativa total que introdujo el estilo herreriano.
Antes del siglo XX, el término manierismo tenía connotaciones negativas, pero ahora se utiliza para describir el período histórico en términos más generales y sin prejuicios. [52] La arquitectura manierista también se ha utilizado para describir una tendencia en los años 1960 y 1970 que implicaba romper las normas de la arquitectura modernista y al mismo tiempo reconocer su existencia. [53] Al definir el manierismo en este contexto, el arquitecto y autor Robert Venturi escribió "Manierismo para la arquitectura de nuestro tiempo que reconoce el orden convencional en lugar de la expresión original, pero rompe el orden convencional para dar cabida a la complejidad y la contradicción y, por lo tanto, aborda la ambigüedad sin ambigüedades". [53]
Un ejemplo de arquitectura manierista es la Villa Farnese en Caprarola , [54] en la accidentada campiña de las afueras de Roma. La proliferación de grabadores durante el siglo XVI difundió los estilos manieristas con más rapidez que cualquier estilo anterior.
Llena de adornos de detalles "romanos", la puerta de entrada del castillo de Colditz ejemplifica el estilo norteño, aplicado característicamente como una "pieza decorativa" aislada contra una pared vernácula sin pretensiones. [ cita requerida ]
Desde finales de la década de 1560 en adelante, muchos edificios en La Valeta , la nueva capital de Malta , fueron diseñados por el arquitecto Girolamo Cassar en estilo manierista. Dichos edificios incluyen la Concatedral de San Juan , el Palacio del Gran Maestre y los siete albergues originales . Muchos de los edificios de Cassar fueron modificados a lo largo de los años, especialmente en el período barroco . Sin embargo, algunos edificios, como el Auberge d'Aragon y el exterior de la Concatedral de San Juan, conservan la mayor parte del diseño manierista original de Cassar. [55]
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Mientras que muchos estilos arquitectónicos exploran ideales armoniosos, el manierismo quiere llevar el estilo un paso más allá y explora la estética de la hipérbole y la exageración. [3] El manierismo es notable por su sofisticación intelectual, así como por sus cualidades artificiales (en oposición a las naturalistas). [57] El manierismo favorece la tensión y la inestabilidad compositiva en lugar del equilibrio y la claridad. [5] La definición del manierismo, y las fases que lo componen, sigue siendo objeto de debate entre los historiadores del arte.
El manierismo del norte o de Amberes es anterior al manierismo italiano y se distingue de él. Durante su auge en el siglo XVI, Amberes produjo un estilo que fue la última fase de la pintura neerlandesa temprana con elementos del Renacimiento temprano. A través de Amberes, los estilos renacentistas y manieristas se introdujeron ampliamente en Inglaterra, Alemania y el norte y este de Europa en general. [58]
El manierismo literario involucró a figuras como Miguel Ángel , Clément Marot , Giovanni della Casa , Giovanni Battista Guarini , Torquato Tasso , Verónica Franco , Miguel de Cervantes y otros. [59]
En la literatura inglesa , el manierismo se identifica comúnmente con las cualidades de los " poetas metafísicos ", de los cuales el más famoso es John Donne . [60] La ingeniosa salida de un escritor barroco, John Dryden , contra el verso de Donne en la generación anterior, ofrece un contraste conciso entre los objetivos barrocos y manieristas en las artes:
No sólo afecta la metafísica en sus sátiras, sino también en sus versos amorosos, donde sólo la naturaleza debería reinar, y confunde las mentes del bello sexo con delicadas especulaciones de filosofía cuando debería cautivar sus corazones y entretenerlos con las dulzuras del amor. [ 61 ] : 15 (cursiva añadida)
Las ricas posibilidades musicales de la poesía de finales del siglo XVI y principios del XVII proporcionaron una base atractiva para el madrigal , que rápidamente adquirió importancia como la forma musical preeminente en la cultura musical italiana, como lo analiza Tim Carter :
El madrigal, particularmente en su forma aristocrática, fue obviamente un vehículo para el "estilo elegante" del manierismo, con poetas y músicos deleitándose con ingeniosas concepciones y otros trucos visuales, verbales y musicales para deleitar al conocedor. [62]
La palabra manierismo también se ha utilizado para describir el estilo de música polifónica muy florida y contrapuntísticamente compleja creada en Francia a finales del siglo XIV. [63] Este período se conoce ahora habitualmente como el ars subtilior .
The Early Commedia dell'Arte (1550–1621): The Mannerist Context de Paul Castagno analiza el efecto del manierismo en el teatro profesional contemporáneo. [64] El de Castagno fue el primer estudio en definir una forma teatral como manierista, empleando el vocabulario del manierismo y la maniera para analizar la tipificación, exageración y effetto meraviglioso de los comici dell'arte . Véase la Parte II del libro mencionado anteriormente para una discusión completa de las características manieristas en la commedia dell'arte . El estudio es en gran parte iconográfico, presentando una evidencia pictórica de que muchos de los artistas que pintaron o imprimieron imágenes de la comedia, de hecho, provenían de los talleres de la época y estaban fuertemente arraigados en la tradición de la maniera.
El preciosismo de los minuciosos grabados de Jacques Callot parece ocultar una escala de acción mucho mayor. Los Balli di Sfessania ( literalmente, " baile de las nalgas " ) de Callot celebran el erotismo descarado de la comedia, con falos salientes, lanzas colocadas con la anticipación de una escena cómica y máscaras groseramente exageradas que mezclan lo bestial con lo humano. El erotismo de los enamorados ("amantes"), que incluía el desnudar los pechos o el velo excesivo, estaba muy de moda en las pinturas y grabados de la segunda escuela de Fontainebleau , particularmente en aquellos que detectan una influencia franco-flamenca. Castagno demuestra vínculos iconográficos entre la pintura de género y las figuras de la commedia dell'arte que demuestran cómo esta forma teatral estaba arraigada en las tradiciones culturales de finales del Cinquecento . [64]
Existen corolarios importantes entre el disegno interno , que sustituyó al disegno esterno (diseño externo) en la pintura manierista. Esta noción de proyectar una visión profundamente subjetiva como si suplantara a la naturaleza o a los principios establecidos (la perspectiva, por ejemplo), en esencia, el énfasis se aleja del objeto hacia su sujeto, ahora enfatizando la ejecución, las exhibiciones de virtuosismo o las técnicas únicas. Esta visión interna está en el corazón de la actuación de la comedia. Por ejemplo, en el momento de la improvisación, el actor expresa su virtuosismo sin prestar atención a los límites formales, el decoro, la unidad o el texto. Arlecchino se convirtió en un emblema de la discordia concors (la unión de los opuestos) manierista : en un momento era gentil y amable, luego, en un instante, se convertía en un ladrón que actuaba violentamente con su batalla. Arlecchino podía ser elegante en el movimiento, solo para tropezar torpemente con sus pies en el siguiente tiempo. Liberado de las reglas externas, el actor celebraba la evanescencia del momento; De la misma manera que Benvenuto Cellini deslumbraba a sus clientes al cubrir sus esculturas con efectos de luz y una sensación de lo maravilloso. La presentación del objeto se volvió tan importante como el objeto mismo.
En el siglo XX, el auge del neomanierismo surgió de la mano del artista Ernie Barnes . El estilo estuvo fuertemente influenciado tanto por la comunidad judía como por la comunidad afroamericana, lo que dio lugar a la exposición "La belleza del gueto" entre 1972 y 1979. La exposición recorrió las principales ciudades estadounidenses y contó con la presencia de dignatarios, atletas profesionales y celebridades. Cuando la exposición se exhibió en 1974 en el Museo de Arte Africano de Washington, DC, el representante John Conyers destacó el importante mensaje positivo de la exposición en el Registro del Congreso .
El estilo del neomanierismo, tal como lo desarrolló Barnes, incluye sujetos con miembros y cuerpos alargados, así como movimientos exagerados. Otro tema común eran los ojos cerrados de los sujetos, como una representación visual de "cuán ciegos somos ante la humanidad de los demás". [65] "Nos miramos unos a otros y decidimos inmediatamente: Esta persona es negra, así que debe serlo... Esta persona vive en la pobreza, así que debe serlo...".
En una entrevista, el director de cine Peter Greenaway menciona a Federico Fellini y a Bill Viola como dos de las principales inspiraciones de su exhaustivo y autorreferencial juego con la tensión insoluble entre la forma de base de datos de las imágenes y las diversas interfaces analógicas y digitales que las estructuran cinematográficamente. Este juego puede calificarse de neomanierista precisamente en la medida en que se distingue del (neo)barroco: "Así como el catolicismo romano ofrece el paraíso y el cielo, existe un paraíso comercial equivalente que ofrece en gran medida todo el efecto capitalista, que se asocia con el cine occidental. Ésta es mi analogía política en términos del uso de los multimedia como arma política. Yo equipararía, en cierto sentido, la gran Contrarreforma barroca, su actividad cultural, con lo que el cine, el cine americano predominantemente, ha estado haciendo en los últimos setenta años". [66]
Según el crítico de arte Jerry Saltz , el "neomanierismo" (nuevo manierismo) es uno de varios clichés que están "exprimiendo la vida del mundo del arte". [67] El neomanierismo describe el arte del siglo XXI producido por estudiantes cuyos profesores académicos "los han asustado para que sean agradablemente mansos, imitativos y ordinarios". [67]
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![Basílica Catedral de Salvador, Brasil, construida entre 1657 y 1746, Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8f/Catedral_Bas%C3%ADlica_Salvador_2019-6527.jpg/1280px-Catedral_Bas%C3%ADlica_Salvador_2019-6527.jpg)
