El realismo en las artes es generalmente el intento de representar el tema de manera veraz, sin artificialidad y evitando elementos especulativos y sobrenaturales . El término a menudo se usa indistintamente con naturalismo , aunque estos términos no son sinónimos. El naturalismo, como una idea relacionada con la representación visual en el arte occidental, busca representar objetos con la menor cantidad posible de distorsión y está vinculado al desarrollo de la perspectiva lineal y el ilusionismo en la Europa del Renacimiento . [1] El realismo, si bien se basa en la representación naturalista y un alejamiento de la idealización del arte académico anterior , a menudo se refiere a un movimiento histórico artístico específico que se originó en Francia después de la Revolución Francesa de 1848. Con artistas como Gustave Courbet capitalizando lo mundano, feo o sórdido, el realismo estuvo motivado por el renovado interés en el hombre común y el auge de la política de izquierdas . [2] Los pintores realistas rechazaron el Romanticismo , que había llegado a dominar la literatura y el arte franceses, con raíces a fines del siglo XVIII.
En la Europa del siglo XIX, el término "naturalismo" o "escuela naturalista" se erigió artificialmente como un término que representaba un submovimiento escindido del realismo, que intentó (sin mucho éxito) distinguirse de su padre al evitar la política y los problemas sociales, y le gustaba proclamar una base cuasi científica, jugando con el sentido de "naturalista" como estudiante de historia natural , como se conocía generalmente a las ciencias biológicas en ese momento.
Han existido varios movimientos que invocan el realismo en otras artes, como el estilo operístico del verismo , el realismo literario , el realismo teatral y el cine neorrealista italiano .
Cuando se utiliza como adjetivo, "realista" (generalmente relacionado con la apariencia visual) se distingue del arte "realista" que se ocupa del tema. De manera similar, el término "ilusionista" podría usarse para referirse a la representación precisa de las apariencias visuales en una composición. [3] [4] En pintura, el naturalismo es la representación precisa, detallada y exacta en el arte de la apariencia de escenas y objetos. También se llama mimesis o ilusionismo y se hizo especialmente marcado en la pintura europea en la pintura neerlandesa temprana de Robert Campin , Jan van Eyck y otros artistas en el siglo XV. En el siglo XIX, los pintores del movimiento artístico del realismo como Gustave Courbet no se destacaron especialmente por la representación completamente precisa y cuidadosa de las apariencias visuales; en la época de Courbet, eso era más a menudo una característica de la pintura académica , que muy a menudo representaba con gran habilidad y cuidado escenas que eran artificiales o escenas históricas imaginadas.
El realismo, o naturalismo como estilo que representa la versión no idealizada del tema, se puede utilizar para representar cualquier tipo de tema sin comprometerse a tratar lo típico o cotidiano. A pesar del idealismo general del arte clásico, esto también tenía precedentes clásicos, que resultaron útiles para defender tales tratamientos en el Renacimiento y el Barroco . Demetrio de Alopece fue un escultor del siglo IV a. C. cuya obra (todavía perdida) se decía que prefería el realismo a la belleza ideal, y durante la Antigua República Romana , los políticos preferían una representación veraz en los retratos, aunque los primeros emperadores favorecían el idealismo griego. Los retratos de Goya de la familia real española representan una especie de retrato honesto y poco favorecedor de personas importantes.
.jpg/1280px-Eilif_Peterssen-Laksefiskeren_(1889).jpg)
Una tendencia recurrente en el arte cristiano fue el "realismo", que enfatizaba la humanidad de las figuras religiosas, sobre todo Cristo y sus sufrimientos físicos en su Pasión . Siguiendo las tendencias de la literatura devocional , esto se desarrolló en la Baja Edad Media , donde algunas esculturas de madera pintadas en particular se desviaron hacia lo grotesco al representar a Cristo cubierto de heridas y sangre, con la intención de estimular al espectador a meditar sobre el sufrimiento que Cristo había sufrido en su nombre. Estas se encontraron especialmente en Alemania y Europa Central. Después de disminuir en el Renacimiento, obras similares reaparecieron en el Barroco , especialmente en la escultura española.
Los teóricos del Renacimiento iniciaron un debate que duraría varios siglos sobre el equilibrio adecuado entre la obtención de arte a partir de la observación de la naturaleza y de formas idealizadas, típicamente las que se encuentran en los modelos clásicos o en el trabajo de otros artistas en general. Algunos admitieron la importancia de lo natural, pero muchos creían que debía idealizarse en diversos grados para incluir solo lo bello. Leonardo da Vinci fue uno de los que defendió el estudio puro de la naturaleza y quiso representar toda la gama de variedades individuales de formas en la figura humana y otras cosas. [5] Leon Battista Alberti fue uno de los primeros idealizadores, que hizo hincapié en lo típico, [6] mientras que otros, como Miguel Ángel , apoyaron la selección de lo más bello; se negó a hacer retratos por esa razón. [7]
En el siglo XVII, el debate continuó. En Italia, por lo general se centró en el contraste entre el "idealismo clásico" relativo de los Carracci y el estilo "naturalista" de los caravaggistas , o seguidores de Caravaggio , que pintaban escenas religiosas como si estuvieran ambientadas en las calles secundarias de las ciudades italianas contemporáneas y usaban la palabra "naturalista" como autodescripción. Bellori , que escribió algunas décadas después de la temprana muerte de Caravaggio y no era partidario de su estilo, se refiere a "Aquellos que se glorían en el nombre de naturalistas" ( naturalisti ). [8]
Durante el siglo XIX, el naturalismo se desarrolló como un movimiento ampliamente definido en el arte europeo, aunque carecía de los fundamentos políticos que motivaron a los artistas realistas. El creador del término fue el crítico de arte francés Jules-Antoine Castagnary , quien en 1863 anunció que: «La escuela naturalista declara que el arte es la expresión de la vida en todas sus fases y en todos los niveles, y que su único objetivo es reproducir la naturaleza llevándola a su máxima potencia e intensidad: es la verdad equilibrada con la ciencia». [9] Émile Zola adoptó el término con un énfasis científico similar para sus objetivos en la novela. Muchas pinturas naturalistas cubrieron una gama similar de temas que las del impresionismo , pero utilizando estilos de pinceladas más estrictos y tradicionales. [9]
El término "siguió utilizándose indiscriminadamente para varios tipos de realismo" durante varias décadas, a menudo como un término general para el arte que estaba fuera del impresionismo y los movimientos posteriores del modernismo y que tampoco era arte académico . Los períodos posteriores de la Escuela de Barbizon francesa y la Escuela de pintura de Düsseldorf , con sus estudiantes de muchos países, y el regionalismo estadounidense del siglo XX son movimientos que a menudo también se describen como "naturalistas", aunque el término rara vez se usa en la pintura británica. Algunos historiadores del arte recientes reclamaron a Courbet o a los impresionistas para la etiqueta. [9]
El desarrollo de representaciones cada vez más precisas de las apariencias visuales de las cosas tiene una larga historia en el arte. Incluye elementos como la representación precisa de la anatomía de humanos y animales, la perspectiva y los efectos de la distancia, y los efectos detallados de la luz y el color. El arte del Paleolítico superior en Europa logró representaciones de animales notablemente realistas. El arte del Antiguo Egipto desarrolló convenciones que involucraban tanto la estilización como la idealización. El arte de la Antigua Grecia es comúnmente reconocido por haber hecho grandes progresos en la representación de la anatomía. No sobreviven obras originales en paneles o paredes de los grandes pintores griegos, pero a partir de los relatos literarios y el corpus sobreviviente de obras derivadas (en su mayoría obras grecorromanas en mosaico ), el ilusionismo parece ser muy valorado en la pintura. La famosa historia de Plinio el Viejo de los pájaros picoteando uvas pintada por Zeuxis en el siglo V a. C. bien puede ser una leyenda.
Además de la precisión en las formas, la luz y el color, las pinturas romanas muestran un conocimiento no científico pero eficaz de la representación de objetos distantes más pequeños que los más cercanos y de la representación de formas geométricas regulares como el techo y las paredes de una habitación con perspectiva. Este progreso en los efectos ilusionistas de ninguna manera significó un rechazo del idealismo; las estatuas de dioses y héroes griegos intentan representar con precisión formas idealizadas y hermosas, aunque a otras obras, como las cabezas del célebremente feo Sócrates , se les permitió caer por debajo de estos estándares ideales de belleza. El retrato romano , cuando no estaba bajo demasiada influencia griega, muestra un mayor compromiso con una representación veraz de sus sujetos, llamada verismo .
El arte de la Antigüedad tardía rechazó el ilusionismo en busca de fuerza expresiva, un cambio que ya estaba en marcha cuando el cristianismo comenzó a afectar al arte de la élite. En Occidente, los estándares clásicos del ilusionismo no comenzaron a alcanzarse nuevamente hasta finales del período medieval y principios del Renacimiento , y recibieron ayuda primero en los Países Bajos a principios del siglo XV, y alrededor de la década de 1470 en Italia, del desarrollo de nuevas técnicas de pintura al óleo que permitían pintar efectos de luz muy sutiles y precisos utilizando varias capas de pintura y esmalte. Los métodos científicos de representación de la perspectiva se desarrollaron en Italia a principios del siglo XV y se extendieron gradualmente por toda Europa, con la redescubrimiento de la precisión en la anatomía bajo la influencia del arte clásico. Al igual que en la época clásica, el idealismo siguió siendo la norma.
La representación precisa del paisaje en la pintura también se había desarrollado en la pintura del Renacimiento temprano de los Países Bajos/principios del norte y del Renacimiento italiano y luego se llevó a un nivel muy alto en la pintura de la Edad de Oro holandesa del siglo XVII , con técnicas muy sutiles para representar una variedad de condiciones climáticas y grados de luz natural. Después de ser otro desarrollo de la pintura de los Países Bajos tempranos, los sujetos de los retratos europeos de 1600 a menudo se idealizaban suavizando los rasgos o dándoles una pose artificial. Las pinturas de naturalezas muertas y los elementos de naturalezas muertas en otras obras desempeñaron un papel considerable en el desarrollo de la pintura ilusionista, aunque en la tradición de la pintura de flores de los Países Bajos carecieron durante mucho tiempo de "realismo", en el sentido de que se usaban flores de todas las estaciones, ya sea por la costumbre de ensamblar composiciones a partir de dibujos individuales o como una convención deliberada; las grandes exhibiciones de ramos en jarrones eran atípicas de las costumbres del siglo XVII; las flores se mostraban de una en una.
La representación de temas cotidianos y ordinarios en el arte también tiene una larga historia, aunque a menudo se reducía a los márgenes de las composiciones o se mostraba a una escala más pequeña. Esto se debía en parte a que el arte era caro y, por lo general, se encargaba por razones religiosas, políticas o personales específicas, lo que permitía dedicar solo una cantidad relativamente pequeña de espacio o esfuerzo a esas escenas. Las bufonadas en los márgenes de los manuscritos iluminados medievales a veces contienen pequeñas escenas de la vida cotidiana, y el desarrollo de la perspectiva creó grandes áreas de fondo en muchas escenas al aire libre. El arte medieval y del Renacimiento temprano generalmente mostraba figuras no sacras con vestimentas contemporáneas por convención.
La pintura flamenca temprana llevó la pintura de retratos a un nivel social tan bajo como el de los prósperos comerciantes de Flandes , y algunos de ellos, en particular el Retrato de Arnolfini de Jan van Eyck (1434) y, con más frecuencia, en escenas religiosas como el Retablo de Merode de Robert Campin y su taller (circa 1427), incluyen representaciones muy detalladas de interiores de clase media llenos de objetos representados con cariño. Sin embargo, estos objetos están allí al menos en gran parte porque llevan capas de significado y simbolismo complejos que socavan cualquier compromiso con el realismo por sí mismo. Los ciclos de los trabajos de los meses en el arte medieval tardío, de los que sobreviven muchos ejemplos en los libros de horas , se concentran en campesinos que trabajan en diferentes tareas a lo largo de las estaciones, a menudo en un rico fondo de paisaje, y fueron importantes tanto en el desarrollo del arte del paisaje como en la representación de la gente común de la clase trabajadora.
En el siglo XVI se puso de moda representar en grandes cuadros escenas de personas trabajando, sobre todo en los mercados de alimentos y en las cocinas; en muchos de ellos, la comida tiene tanta importancia como los trabajadores. Entre los artistas figuraron Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer en los Países Bajos, que trabajaron en un estilo esencialmente manierista, y en Italia, el joven Annibale Carracci en la década de 1580, que utilizó un estilo sin pulir, con Bartolomeo Passerotti en un punto intermedio entre los dos. Pieter Bruegel el Viejo fue pionero en las grandes escenas panorámicas de la vida campesina. Estas escenas actuaron como preludio de la popularidad de las escenas de trabajo en la pintura de género en el siglo XVII, que aparecieron en toda Europa, con la pintura holandesa del Siglo de Oro que generó varios subgéneros diferentes de tales escenas, los Bamboccianti (aunque principalmente de los Países Bajos ) en Italia, y en España el género de los bodegones , y la introducción de campesinos no idealizados en las pinturas de historia por parte de Jusepe de Ribera y Velázquez . Los hermanos Le Nain en Francia y muchos artistas flamencos, incluidos Adriaen Brouwer y David Teniers el Viejo y el Joven, pintaron campesinos, pero rara vez gente de la ciudad. En el siglo XVIII, las pequeñas pinturas de trabajadores siguieron siendo populares, en su mayoría inspiradas en la tradición holandesa y presentando mujeres.
Gran parte del arte que representaba a la gente corriente, especialmente en forma de grabados , era cómico y moralista, pero la mera pobreza de los sujetos parece haber sido relativamente rara vez parte del mensaje moral. Desde mediados del siglo XIX en adelante, se hizo hincapié en las dificultades de la vida de los pobres. A pesar de que esta tendencia coincidió con la migración a gran escala del campo a las ciudades en la mayor parte de Europa, los pintores todavía tendían a pintar a la gente rural pobre. Las escenas de calles abarrotadas de ciudades eran populares entre los impresionistas y pintores afines, especialmente las que mostraban París.
A los iluminadores de manuscritos medievales se les pedía a menudo que ilustraran tecnología, pero después del Renacimiento, tales imágenes continuaron en ilustraciones de libros y grabados, con la excepción de la pintura marina que desapareció en gran medida de las bellas artes hasta principios de la Revolución Industrial , escenas de las cuales fueron pintadas por unos pocos pintores como Joseph Wright de Derby y Philip James de Loutherbourg . Es probable que estos temas no se vendieran muy bien, y hay una notable ausencia de industria, aparte de algunas escenas ferroviarias, en la pintura hasta finales del siglo XIX, cuando comenzaron a encargarse obras, generalmente por parte de industriales o para instituciones en ciudades industriales, a menudo a gran escala, y a veces se les dio un tratamiento cuasi heroico.
El realismo estadounidense , un movimiento de principios del siglo XX, es uno de los muchos movimientos modernos que utilizan el realismo en este sentido.
El movimiento realista comenzó a mediados del siglo XIX como una reacción al Romanticismo y la pintura histórica . A favor de representaciones de la vida "real", los pintores realistas utilizaron trabajadores comunes y personas comunes en entornos comunes dedicadas a actividades reales como sujetos para sus obras. Sus principales exponentes fueron Gustave Courbet , Jean-François Millet , Honoré Daumier y Jean-Baptiste-Camille Corot . [10] [11] [12] Según Ross Finocchio, ex miembro del Departamento de Pinturas Europeas del Museo Metropolitano de Arte , los realistas utilizaron detalles sin adornos que representaban la existencia de la vida contemporánea ordinaria, coincidiendo con la literatura naturalista contemporánea de Émile Zola , Honoré de Balzac y Gustave Flaubert . [13]
El movimiento realista francés tuvo equivalentes en todos los demás países occidentales, desarrollándose algo más tarde. En particular, el grupo Peredvizhniki o Wanderers en Rusia, que se formó en la década de 1860 y organizó exposiciones a partir de 1871, incluía a muchos realistas como Ilya Repin , Vasily Perov e Ivan Shishkin , y tuvo una gran influencia en el arte ruso. En Gran Bretaña, artistas como Hubert von Herkomer y Luke Fildes tuvieron un gran éxito con pinturas realistas que trataban temas sociales.
El realismo , definido en términos generales como "la representación fiel de la realidad", [14] como movimiento literario se basa en la " realidad objetiva ". Se centra en mostrar las actividades y la vida cotidianas, principalmente entre la sociedad de clase media o baja, sin idealización romántica ni dramatización. [15] Según Kornelije Kvas, "la figuración y refiguración realistas de la realidad forman construcciones lógicas que son similares a nuestra noción habitual de realidad, sin violar el principio de tres tipos de leyes: las de las ciencias naturales, las psicológicas y las sociales". [16] Puede considerarse como un intento general de representar a los sujetos tal como se considera que existen en la realidad objetiva en tercera persona sin adornos ni interpretaciones y "de acuerdo con reglas seculares y empíricas ". [17] Como tal, el enfoque implica inherentemente la creencia de que dicha realidad es ontológicamente independiente de los esquemas conceptuales, las prácticas lingüísticas y las creencias de la humanidad y, por lo tanto, puede ser conocida por el artista, quien a su vez puede representar esta "realidad" fielmente. Como afirma Ian Watt , el realismo moderno "parte de la posición de que la verdad puede ser descubierta por el individuo a través de los sentidos" y como tal, "tiene sus orígenes en Descartes y Locke , y recibió su primera formulación completa por Thomas Reid a mediados del siglo XVIII". [18]
Aunque la era romántica anterior también fue una reacción contra los valores de la Revolución Industrial , el realismo fue a su vez una reacción al Romanticismo, y por esta razón también se lo suele llamar despectivamente "realismo burgués tradicional". [19] Algunos escritores de la literatura victoriana produjeron obras de realismo. [20] Las rigideces, convenciones y otras limitaciones del "realismo burgués" impulsaron a su vez la revuelta que luego se denominó modernismo ; a partir de 1900, el motivo impulsor de la literatura modernista fue la crítica del orden social burgués y la visión del mundo del siglo XIX, que se contrarrestó con un programa antirracionalista, antirrealista y antiburgués. [19] [21] [22]
Se dice que el realismo teatral surgió por primera vez en el drama europeo en el siglo XIX como una rama de la Revolución Industrial y la era de la ciencia. [23] [24] Algunos también citaron específicamente la invención de la fotografía como la base del teatro realista [25] [26] mientras que otros consideran que la asociación entre el realismo y el drama es mucho más antigua, como lo demuestran los principios de las formas dramáticas, como la presentación del mundo físico que se asemeja mucho a la realidad. [27]
El logro del realismo en el teatro fue dirigir la atención a los problemas sociales y psicológicos de la vida cotidiana. En sus dramas, las personas emergen como víctimas de fuerzas más grandes que ellas mismas, como individuos enfrentados a un mundo que se acelera rápidamente. [28] Estos dramaturgos pioneros presentan a sus personajes como ordinarios, impotentes e incapaces de llegar a respuestas a sus predicamentos. Este tipo de arte representa lo que vemos con nuestros ojos humanos. Antón Chéjov , por ejemplo, utilizó trabajos de cámara para reproducir una parte de la vida sin inflexiones . [29] Académicos como Thomas Postlewait notaron que a lo largo de los siglos XIX y XX, hubo numerosas uniones de formas y funciones melodramáticas y realistas, lo que podía demostrarse en la forma en que existían elementos melodramáticos en formas realistas y viceversa. [30]
En los Estados Unidos, el realismo en el drama precedió al realismo ficcional por aproximadamente dos décadas, ya que los historiadores del teatro identificaron el primer impulso hacia el realismo durante fines de la década de 1870 y principios de la de 1880. [31] Su desarrollo también se atribuye a William Dean Howells y Henry James, quienes sirvieron como portavoces del realismo, así como articuladores de sus principios estéticos. [31]
El enfoque realista del teatro se desplomó en el nihilismo y el absurdo después de la Segunda Guerra Mundial. [23]
El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que incorporó elementos del realismo que se desarrolló en Italia después de la Segunda Guerra Mundial. Entre los neorrealistas notables se encuentran Vittorio De Sica , Luchino Visconti y Roberto Rossellini . Las películas realistas generalmente se centran en cuestiones sociales. [32] Hay dos tipos de realismo en el cine: realismo continuo y realismo estético. El realismo continuo intenta utilizar estructuras narrativas y técnicas cinematográficas para crear un "efecto de realidad" para mantener su autenticidad . [32] El realismo estético, que fue solicitado por primera vez por cineastas franceses en la década de 1930 y promovido por André Bazin en la década de 1950, reconoce que "una película no puede ser arreglada para significar lo que muestra", ya que hay múltiples realismos; como tal, estos cineastas utilizan rodajes en locaciones, luz natural y actores no profesionales para garantizar que el espectador pueda tomar su propia decisión en función de la película, en lugar de ser manipulado para una "lectura preferida". [32] Siegfried Kracauer también es conocido por argumentar que el realismo es la función más importante del cine. [33]
Los cineastas estéticamente realistas utilizan planos largos , enfoque profundo y tomas de 90 grados a la altura de los ojos para reducir la manipulación de lo que ve el espectador. [32] Los cineastas neorrealistas italianos de después de la Segunda Guerra Mundial tomaron los enfoques cinematográficos realistas existentes de Francia e Italia que surgieron en la década de 1960 y los utilizaron para crear un cine de orientación política. Los cineastas franceses hicieron algunas películas realistas de orientación política en la década de 1960, como el cinéma vérité y los documentales de Jean Rouch [32] , mientras que en las décadas de 1950 y 1960, las nuevas olas cinematográficas británicas, francesas y alemanas produjeron películas de "rebanadas de vida" (por ejemplo, dramas de fregadero de cocina en el Reino Unido). [32]
El verismo fue una tradición operística posromántica asociada con compositores italianos como Pietro Mascagni , Ruggero Leoncavallo , Umberto Giordano , Francesco Cilea y Giacomo Puccini . Buscaban llevar el naturalismo de escritores influyentes de finales del siglo XIX como Émile Zola , Gustave Flaubert y Henrik Ibsen a la ópera. Este nuevo estilo presentaba un drama realista que presentaba protagonistas de clase baja valientes y defectuosos [34] mientras que algunos lo describieron como una representación intensificada de un evento realista. [35] Aunque un relato consideró a Luisa Miller y La traviata de Giuseppe Verdi como los primeros indicios del verismo, [36] algunos afirmaron que comenzó en 1890 con la primera interpretación de Cavalleria rusticana de Mascagni , y alcanzó su punto máximo a principios del siglo XX. [37] Le siguió Pagliacci de Leoncavallo, que trataba los temas de la infidelidad, la venganza y la violencia. [34]
El verismo también llegó a Gran Bretaña, donde entre sus pioneros se encontraba la colaboración teatral de la época victoriana formada por el dramaturgo WS Gilbert y el compositor Arthur Sullivan (1842-1900). [35] En concreto, su obra Iolanthe se considera una representación realista de la nobleza, aunque incluía elementos fantásticos.
_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Jean-Baptiste_Greuze_(French_-_The_Laundress_(La_Blanchisseuse)_-_Google_Art_Project.jpg)
