La pintura victoriana se refiere a los estilos distintivos de pintura en el Reino Unido durante el reinado de la reina Victoria (1837-1901). El primer reinado de Victoria se caracterizó por un rápido desarrollo industrial y cambios sociales y políticos, que convirtieron al Reino Unido en una de las naciones más poderosas y avanzadas del mundo. La pintura en los primeros años de su reinado estuvo dominada por la Real Academia de las Artes y por las teorías de su primer presidente, Joshua Reynolds . Reynolds y la academia estaban fuertemente influenciados por el pintor renacentista italiano Rafael , y creían que el papel de un artista era hacer que el tema de su trabajo pareciera lo más noble e idealizado posible. Este había demostrado ser un enfoque exitoso para los artistas del período preindustrial, donde los principales temas de los encargos artísticos eran retratos de la nobleza y escenas militares e históricas. En el momento del ascenso de Victoria al trono, este enfoque empezaba a considerarse obsoleto y anticuado. El ascenso de la clase media rica había cambiado el mercado del arte, y una generación que había crecido en una era industrial creía en la importancia de la precisión y la atención al detalle, y que el papel del arte era reflejar el mundo, no idealizar. él.
A finales de la década de 1840 y principios de la de 1850, un grupo de jóvenes estudiantes de arte formó la Hermandad Prerrafaelita como reacción contra las enseñanzas de la Real Academia. Sus obras se basaban en pintar con la mayor precisión posible la naturaleza cuando era posible, y al pintar escenas imaginarias para asegurarse de mostrar lo más fielmente posible la escena tal como habría aparecido, en lugar de distorsionar el tema de la pintura para que pareciera noble. También sintieron que el papel del artista era contar lecciones morales y eligieron temas que el público de la época habría entendido como cuentos morales. Estaban particularmente fascinados por los recientes avances científicos que parecían refutar la cronología bíblica , ya que se relacionaban con la atención de los científicos a los detalles y la voluntad de desafiar sus propias creencias existentes. Aunque la Hermandad Prerrafaelita tuvo una vida relativamente corta, sus ideas fueron muy influyentes.
La guerra franco-prusiana de 1870 llevó a que varios artistas impresionistas franceses influyentes se mudaran a Londres, trayendo consigo nuevos estilos de pintura. Al mismo tiempo, una grave depresión económica y la creciente difusión de la mecanización hicieron de las ciudades británicas un lugar cada vez más desagradable para vivir, y los artistas se volvieron contra el énfasis en reflejar la realidad. Una nueva generación de pintores y escritores conocida como movimiento estético sintió que el dominio de la compra de arte por parte de la clase media con poca educación y el énfasis prerrafaelita en reflejar la realidad de un mundo feo estaban provocando una disminución en la calidad. de pintura. El movimiento estético se concentró en crear obras que representaran la belleza y los hechos nobles, como una distracción de lo desagradable de la realidad. A medida que la calidad de vida en Gran Bretaña seguía deteriorándose, muchos artistas recurrieron a pintar escenas del pasado preindustrial, mientras que muchos artistas dentro del movimiento estético, independientemente de sus propias creencias religiosas, pintaron arte religioso porque les daba una razón para pintar. escenas y retratos idealizados e ignorar la fealdad y la incertidumbre de la realidad.
La época victoriana terminó en 1901, cuando muchos de los artistas victorianos más destacados ya habían muerto. A principios del siglo XX, las actitudes y artes victorianas se volvieron extremadamente impopulares. El movimiento modernista , que llegó a dominar el arte británico, se inspiraba en las tradiciones europeas y tenía poca conexión con las obras británicas del siglo XIX. Debido a que los pintores victorianos habían sido en general extremadamente hostiles hacia estas tradiciones europeas, los pintores y críticos modernistas se burlaron de ellos o los ignoraron en la primera mitad del siglo XX. En la década de 1960, algunas obras prerrafaelitas volvieron a ponerse de moda entre elementos de la contracultura de la década de 1960 , que las veían como predecesoras de las tendencias de la década de 1960. Una serie de exposiciones en las décadas de 1960 y 1970 restauraron aún más su reputación, y una importante exposición de obras prerrafaelitas en 1984 fue una de las exposiciones de mayor éxito comercial en la historia de la Tate Gallery . Si bien el arte prerrafaelita volvió a ser popular, la pintura victoriana no prerrafaelita sigue estando generalmente pasada de moda, y la falta de colecciones importantes en los Estados Unidos ha restringido un conocimiento más amplio de la misma.
Cuando Alexandrina Victoria, de 18 años, heredó el trono del Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda como reina Victoria en 1837, el país disfrutaba de una paz inquebrantable desde la victoria final sobre Napoleón en 1815. [4] En 1832, la Representación de la Ley del Pueblo (comúnmente conocida como Ley de Reforma) y sus equivalentes en Escocia e Irlanda habían abolido muchas de las prácticas corruptas del sistema político británico, dando al país un gobierno estable y relativamente representativo. [5] La Revolución Industrial estaba en marcha y en 1838 se inauguró el ferrocarril de Londres y Birmingham , que unía el norte industrial de Inglaterra con las ciudades y puertos del sur; [6] en 1850 se habían instalado más de 6.200 millas (10.000 km) de ferrocarriles y se completó la transformación de Gran Bretaña en una superpotencia industrial. [7] El triunfo percibido de la tecnología, el progreso y el comercio pacífico se celebró en la Gran Exposición de 1851 , organizada por el esposo de Victoria, Albert , que atrajo a más de 40.000 visitantes por día para ver las más de 100.000 exhibiciones de manufactura, agricultura e ingeniería en exhibición. [8]
Si bien la economía británica había estado tradicionalmente dominada por la aristocracia terrateniente del campo, la Revolución Industrial y las reformas políticas habían reducido en gran medida su influencia y habían creado una clase media en auge de comerciantes, fabricantes e ingenieros en Londres y las ciudades industriales del norte. [9] Los nuevos ricos generalmente estaban dispuestos a mostrar su riqueza a través de la exhibición de arte, [10] y eran lo suficientemente ricos como para pagar altos precios por obras de arte, pero en general tenían poco interés en los viejos maestros , prefiriendo obras modernas de artistas locales. . [9] En 1844, el Parlamento declaró legales los sindicatos de arte , que encargaban obras de arte a artistas famosos, pagándolas mediante una lotería en la que la obra de arte terminada era el premio; Esto no sólo ofreció una entrada al mundo del arte para personas que tal vez no hubieran podido permitirse el lujo de comprar una pintura importante, sino que estimuló un mercado creciente de grabados . [11]
La pintura británica había estado fuertemente influenciada por Joshua Reynolds (1723-1792), el primer presidente de la Real Academia de las Artes , quien creía que el propósito del arte era "concebir y representar a sus sujetos de una manera poética, no confinado a la mera materia". de hecho", y que los artistas deberían aspirar a emular al pintor renacentista italiano Rafael al hacer que sus sujetos parezcan lo más cercanos posible a la perfección. [12]
En el momento de la ascensión de Victoria, la Royal Academy dominaba el arte británico, siendo la Exposición anual de Verano de la Royal Academy el evento más importante en el mundo de las artes. [13] La Real Academia también controlaba las prestigiosas escuelas de arte de la Real Academia, que enseñaban con un enfoque muy limitado en técnicas aprobadas. [13] La pintura al estilo de Rafael había demostrado ser un éxito comercial para los artistas que servían a una nobleza interesada principalmente en retratos familiares, escenas militares y escenas de la historia, la religión y la mitología clásica, pero en el momento de la ascensión de Victoria comenzaba a ser vista como un callejón sin salida. . [9] La destrucción de las Casas del Parlamento a finales de 1834, y los posteriores concursos para seleccionar artistas que decoraran su reemplazo, pusieron de relieve la falta de artistas británicos competentes capaces de pintar temas históricos y literarios, [14] que en el tiempo fueron considerados la forma más importante de pintura. [10] [C] A partir de 1841, la nueva y muy influyente revista satírica Punch ridiculizó cada vez más a la Royal Academy y a los artistas británicos contemporáneos. [15]
El fundamental Pintores modernos de John Ruskin , cuyo primer volumen se publicó en 1843, sostenía que el propósito del arte era representar el mundo y permitir al espectador formarse sus propias opiniones sobre el tema, no idealizarlo. [2] Ruskin creía que sólo representando la naturaleza con la mayor precisión posible podría el artista reflejar las cualidades divinas dentro del mundo natural. [15] Una próxima generación de artistas jóvenes, la primera que creció en una era industrial en la que la representación precisa de los detalles técnicos se consideraba una virtud y una necesidad, llegó a estar de acuerdo con este punto de vista. [2] En 1837, Charles Dickens comenzó a publicar novelas que intentaban reflejar la realidad de los problemas del presente, en lugar del pasado o un presente idealizado; sus escritos fueron muy admirados por muchos miembros de la nueva generación de artistas. [13]
En 1837, el pintor Richard Dadd y un grupo de amigos formaron The Clique , un grupo de artistas que rechazaban la tradición de la Academia de temas históricos y retratos en favor de la pintura de género populista . [16] Si bien la mayoría de The Clique regresó a la Royal Academy en la década de 1840, [16] después del encarcelamiento de Dadd tras el asesinato de su padre en 1843, fueron el primer grupo de artistas importantes que desafiaron las posiciones de la Royal Academy. . [13]
En el momento de la ascensión de Victoria, el artista británico vivo más importante era JMW Turner . Turner se había hecho un nombre a finales del siglo XVIII con una serie de acuarelas de paisajes muy apreciadas y expuso su primera pintura al óleo en 1796. [17] Un aliado incondicional de la Real Academia durante toda su vida, fue elegido Académico Real de pleno derecho. en 1802 a la edad de 27 años. [17] En 1837 renunció a su puesto como profesor de perspectiva en la Real Academia y en 1840 conoció a John Ruskin. El primer volumen de Pintores modernos de Ruskin fue una defensa de Turner, argumentando que la grandeza de Turner se había desarrollado a pesar, no debido a, la influencia de Reynolds y el consiguiente deseo de idealizar los temas de sus pinturas. [2]
En la década de 1840, Turner estaba pasando de moda. A pesar de la defensa de Ruskin de su trabajo como en última instancia "una transcripción completa de todo el sistema de la naturaleza", [15] Turner (quien en 1845 se había convertido en el académico de mayor edad y vicepresidente de la Real Academia [18] ) había llegado a ser visto por artistas más jóvenes para encarnar la grandilocuencia y la obstinación, y para ser producto de un período romántico anterior fuera de contacto con la era moderna. [2]
En 1848, tres jóvenes estudiantes de las escuelas de arte de la Royal Academy, [19] William Holman Hunt , John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti , formaron la Hermandad Prerrafaelita (PRB). El PRB rechazó las ideas de Joshua Reynolds, y tenía una filosofía basada en trabajar desde la naturaleza con la mayor precisión posible siempre que fuera posible, y cuando era necesario pintar desde la imaginación esforzarse en mostrar el evento como lo más probable era que hubiera sucedido, no en de la manera que parezca más atractiva o noble. [20]
El PRB se inspiró en las exposiciones científicas y consideró que este enfoque científico era en sí mismo un instrumento de bien moral. [20] Los detalles intensamente trabajados y la atención a la precisión demostraron que se había trabajado duro y dedicación en sus pinturas, y así ilustraron la virtud del trabajo, en contraste con el "manejo relajado e irresponsable" de las técnicas de los viejos maestros o el " "Indolencia desafiante" del Impresionismo . [21] Además de esto, sentían que era deber del artista elegir temas que ilustraran lecciones morales de algún tipo. [21] Los primeros trabajos de PRB se destacaron por la inclusión de flores, lo que se adaptaba bien a su propósito. Las flores se podían usar en casi cualquier escena, se podían usar para transmitir mensajes en el entonces popular lenguaje de las flores , e ilustrarlas con precisión mostraba la dedicación del artista a la precisión científica. [21]
La época victoriana se caracterizó por un rápido avance científico y por actitudes rápidamente cambiantes hacia la religión a medida que los avances en geología, astronomía y química refutaban la cronología bíblica . El PRB encontró fascinantes estos avances, basados en la atención al detalle y la voluntad de desafiar las creencias existentes sobre la base de los hechos observados. El fundador del PRB, William Holman Hunt, lideró una revolución en el arte religioso inglés, visitó Tierra Santa y estudió la evidencia arqueológica y la vestimenta y apariencia de la población local para pintar escenas bíblicas con la mayor precisión posible. [23]
En 1854, el PRB se había derrumbado como organización, pero su estilo siguió dominando la pintura británica. [19] Una exposición de obras prerrafaelitas en la Exposición Universal de París de 1855 fue bien recibida. [24] La Exposición de Tesoros de Arte de 1857 en Manchester, que exhibió obras de artistas contemporáneos junto con 2000 obras de maestros europeos, recibió 1.300.000 visitantes, lo que aumentó aún más el conocimiento de los estilos de pintura modernos. [24] En 1856, el coleccionista de arte John Sheepshanks presentó a la nación su colección de pinturas modernas, que junto con las exhibiciones de la Gran Exposición formaron el Museo de South Kensington en junio de 1857 (más tarde dividido en el Museo de Artes Visuales de Victoria y Alberto y el Museo de Ciencias de la Ingeniería y Tecnología de Fabricación). [24]
La pintura siguió siendo un campo dominado por artistas masculinos en este momento. En 1859, se hizo circular una petición de 38 artistas femeninas a todos los académicos reales solicitando la apertura de la Academia a las mujeres. [25] Más tarde ese año, Laura Herford presentó un dibujo de calificación a la Academia firmado simplemente "AL Herford"; cuando la Academia lo aceptó, la Academia la aceptó como su primera alumna en 1860. [26] [D] La Escuela de Bellas Artes Slade , fundada en 1871, reclutó activamente alumnas. [25]
En la década de 1860, el movimiento prerrafaelita se dividió y algunos de sus seguidores abandonaron el realismo estricto en favor de la poesía y el atractivo. Particularmente en el caso de Rossetti, esto tendió a plasmarse en pinturas de mujeres. [27] Como ocurrió con muchos otros artistas y escritores de la época, a medida que su fe religiosa decayó, Rossetti vio cada vez más el amor como el tema más importante. [28]
Este movimiento hacia la representación de los efectos del amor se hizo explícito en Venus Verticordia ("Venus la tornera de corazones"), pintada por Rossetti a mediados de la década de 1860. [28] [E] El título y el tema provienen de la Bibliotheca Classica de John Lemprière , y se refiere a una oración a Venus para alejar los corazones de las mujeres romanas del libertinaje y la lujuria y volverlos hacia la modestia y la virtud. [30] Alrededor de Venus, las rosas representan el amor, la madreselva representa la lujuria y el pájaro representa la brevedad de la vida humana. Ella sostiene la Manzana Dorada de la Discordia y la flecha de Cupido , que se cree que es una referencia a la Guerra de Troya y la destructividad del amor. [31]
A John Ruskin no le gustó mucho la pintura. Si bien ahora se cree que su disgusto por la pintura se debía a su disgusto por la representación de la forma femenina desnuda, [32] afirmó que sus problemas con la pintura estaban relacionados con la representación de las flores y le escribió a Rossetti para informarle que "Fueron maravillosos conmigo por su realismo; horribles -no puedo usar otra palabra- por su grosería: mostrando un poder enorme, mostrando ciertas condiciones de falta de sentimiento que subyacen a todo lo que estás haciendo ahora". [33] La hostilidad de Ruskin hacia la pintura provocó una disputa entre Ruskin y Rossetti, y Rossetti se alejó de los pensamientos prerrafaelitas y se acercó a la nueva doctrina del arte por el arte expuesta por Algernon Charles Swinburne . [34] [35]
Desde la época de George Stubbs (1724-1806), Gran Bretaña ha tenido una fuerte tradición de pintura de animales , un campo que se había ganado respeto debido a las altamente competentes pinturas de animales de James Ward de principios del siglo XIX. [36] La cría selectiva de ganado, especialmente perros, se había vuelto muy popular, lo que dio lugar a un mercado lucrativo de dibujos y pinturas de animales premiados. [36] A principios del siglo XIX, las Tierras Altas de Escocia experimentaron un dramático aumento en popularidad entre los ricos de Gran Bretaña, particularmente por las oportunidades que ofrecían para la caza . [36] Un pintor en particular, Edwin Landseer (1802-1873), aprovechó la oportunidad que le brindó el auge de los viajes escoceses, viajó a Escocia por primera vez en 1824 y regresó cada año para cazar, disparar, pescar y dibujar. [37]
Landseer se hizo muy conocido por sus pinturas de los paisajes, la gente y particularmente la vida silvestre de Escocia, hasta el punto de que sus pinturas, junto con las novelas de Sir Walter Scott , se convirtieron en el principal medio a través del cual la gente del resto del Reino Unido llegó a imagen Escocia. [39] [F] Sus obras tenían tanta demanda que los derechos de grabado (el derecho a hacer duplicados impresos de una obra) generalmente se vendían por al menos tres o cuatro veces el costo de venta de cada obra, y era raro que una obra suya para vender por menos de £ 1000. [36] En 1840, Landseer sufrió un ataque de enfermedad mental y sufrió alcoholismo y enfermedades mentales durante el resto de su vida, aunque continuó trabajando con éxito. [41] En años posteriores se hizo más conocido como el diseñador de los leones de bronce en la base de la Columna de Nelson , inaugurada en 1867. [41]
Landseer y otros pintores de animales como el británico Rivière también se hicieron conocidos por sus pinturas sentimentales de perros. El doliente jefe del viejo pastor de Landseer , que muestra a un perro pastor sentado junto a un ataúd, fue particularmente bien considerado por John Ruskin, quien lo describió como "un poema conmovedor sobre lienzo que, sin lugar a dudas, ha hecho que muchos corazones valientes se despierten". "Juega a la mujer" moviéndola hasta las lágrimas". [39] Muchos de los artistas de la época eran entusiastas cazadores y aceptaban como un hecho que la naturaleza era intrínsecamente cruel y que aprender a abrazar esta crueldad era una señal de virilidad. [42] En este contexto, los perros que exhibían emociones eran un tema muy popular en una época de fe religiosa en rápido declive, lo que sugiere la posibilidad de una nobleza dentro de la naturaleza que trascendía la crueldad y la voluntad de vivir como fuerza impulsora. [43]
En la década de 1870, la Larga Depresión destruyó la economía y la confianza de Gran Bretaña, y el espíritu de progreso simbolizado por la Gran Exposición comenzó a desvanecerse, hasta el punto de que en 1904 GK Chesterton describió el Palacio de Cristal como "el templo de un credo olvidado". [46] Algunos artistas en ascenso, como George Frederic Watts, se quejaron de que el creciente mecanismo de la vida diaria y la importancia de la prosperidad material para la clase media cada vez más dominante de Gran Bretaña estaban haciendo que la vida moderna fuera cada vez más desalmada. [47] La guerra franco-prusiana de 1870 provocó que un gran número de artistas franceses como Claude Monet y Camille Pissarro se trasladaran a Londres, trayendo consigo nuevos estilos de pintura. [48] El Renacimiento , del crítico de arte Walter Pater , publicado en 1873, provocó una reacción contra el prerrafaelismo, argumentando que la única manera digna de conducir la vida era a través de la búsqueda del placer y el amor por el arte y la belleza por sí mismos. amor. [49]
En este contexto, una nueva generación de pintores como Frederic Leighton y James Abbott McNeill Whistler se apartaron de las tradiciones de contar historias y moralizar y pintaron obras diseñadas para un atractivo estético más que para su narrativa o tema. [49] Whistler menospreció la obsesión prerrafaelita por la precisión y el realismo, quejándose de que su audiencia había desarrollado "el hábito de mirar no una imagen, sino a través de ella". [50] Los prerrafaelitas y sus defensores restantes protestaron vigorosamente contra este nuevo estilo de arte, [50] al igual que la Real Academia, lo que llevó a Sir Coutts Lindsay a establecer la Galería Grosvenor en 1877 para mostrar el trabajo de artistas ignorados por el Real Academia. [51]
Las cosas llegaron a un punto crítico en 1877, cuando John Ruskin visitó una exposición de pinturas nocturnas de Whistler en la Galería Grosvenor. Escribió sobre la pintura Nocturno en negro y oro - El cohete que cae , que Whistler estaba "pidiendo doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público". Whistler presentó una demanda por difamación y el caso llegó a los tribunales en 1878. [52] El juez del caso provocó risas en el tribunal cuando, refiriéndose a Nocturne: Blue and Gold – Old Battersea Bridge , le preguntó a Whistler "¿Qué parte de la imagen es ¿el puente?"; el caso terminó con Whistler recibiendo una indemnización simbólica de un cuarto de penique , [53] los costos del juicio lo llevaron a la bancarrota. [51]
El movimiento estético , como se conoció a Pater y sus sucesores, se volvió cada vez más influyente; Fue defendido por Whistler y Oscar Wilde y hasta su muerte en 1883 por el ex prerrafaelita Dante Gabriel Rossetti, y fue popularizado entre el público por la exitosa ópera cómica Patience de Gilbert y Sullivan . [51] El movimiento consideró que el ascenso de la clase media de compradores de arte en Birmingham y Manchester, lo suficientemente ricos como para comprar arte pero sin suficiente educación para mostrar buen gusto, había conducido a la disminución de la calidad del arte británico. [54] Junto con esto, sentían que dado que la industrialización y el capitalismo estaban haciendo que el mundo fuera cada vez menos atractivo, el énfasis de los pintores prerrafaelitas y aquellos influenciados por ellos en reflejar la realidad lo más fielmente posible estaba conduciendo a la pérdida de belleza del arte. . [47] En consecuencia, los artistas del movimiento estético vieron la tarea del artista como una distracción de la fealdad de la realidad para sus espectadores, lectores y oyentes, [47] y de tratar de resaltar y enfatizar la belleza del mundo y la nobleza de las buenas acciones, incluso si los artistas ya no creían en tales cosas. [55] [G] La elección de Frederick Leighton en 1878 como presidente de la Real Academia contribuyó en cierta medida a cerrar la brecha dentro del mundo del arte británico, ya que Leighton se esforzó por garantizar que la Exposición de Verano estuviera abierta a artistas jóvenes y artistas que trabajaban en nuevos estilos. [51]
Los pintores del movimiento estético se enorgullecían de su desapego de la realidad, trabajaban en talleres y rara vez se relacionaban con el público. [54] Asimismo, los sujetos de sus pinturas rara vez participaban en actividades de ningún tipo; Las figuras humanas suelen estar de pie, sentadas o acostadas, generalmente con expresiones faciales en blanco. [57]
A medida que avanzaba el siglo y la combinación de mecanización, declive económico, caos político y fe religiosa convertían a Gran Bretaña en un lugar cada vez más desagradable para vivir, la población empezó a mirar cada vez más hacia atrás a los tiempos preindustriales como una edad de oro . Como parte de esta tendencia, los artistas se sintieron atraídos por temas y técnicas preindustriales, y los compradores de arte se sintieron particularmente atraídos por artistas que pudieran establecer conexiones entre la actualidad y estos tiempos idealizados, como la Edad Media , que se consideraba el período en el que habían comenzado las instituciones clave de la Gran Bretaña moderna y que se habían popularizado en la imaginación del público gracias a las novelas de Sir Walter Scott. [55]
En este contexto surgió una gran moda por las pinturas sobre temas medievales, en particular leyendas artúricas y temas religiosos. Muchos de los artistas más notables de la época, particularmente del movimiento estético, eligieron trabajar en estos temas a pesar de su falta de fe religiosa, ya que les daba una excusa legítima para pintar figuras y escenas idealizadas y evitar reflejar la realidad de la Gran Bretaña industrial. . [59] ( Edward Burne-Jones , quien a pesar de su falta de creencia cristiana fue el pintor de imágenes religiosas más importante de la época, le dijo a Oscar Wilde que "Cuanto más materialista se vuelva la ciencia, más ángeles pintaré". [60] ) [H] Otros pintores se dedicaron a pintar diferentes períodos del pasado idealizado; Lawrence Alma-Tadema pintó escenas de la antigua Roma , [55] el ex prerrafaelita John Everett Millais se dedicó a pintar en el estilo de los pintores del período inmediatamente anterior a la Revolución Industrial, como Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough , [55] y Frederic Leighton. especializado en escenas muy idealizadas de la Antigua Grecia . [63] [yo]
Si bien ha habido modas para las pinturas históricas antes en la historia británica, la de finales del siglo XIX fue única. En renacimientos anteriores, que datan desde el Renacimiento hasta finales del siglo XVIII, el mundo antiguo simbolizaba grandeza, dinamismo y virilidad. En cambio, el movimiento estético y sus seguidores buscaron emular las obras más pasivas (y generalmente femeninas) del mundo clásico, como la Venus de Milo . [65] Los pintores de este período enfatizaron la pasividad y el drama interno, en lugar del dinamismo visto en obras anteriores que representan el mundo clásico. [65] También, a diferencia de los renacimientos clásicos anteriores, trabajaron principalmente en colores brillantes, en lugar de tratar de sugerir la apariencia brillante pero sombría de la mampostería clásica. [65] [J]
No todos los miembros del movimiento estético suscribieron la reacción contra el presente en favor de un pasado idealizado. Whistler, en particular, fue mordaz con esta opinión, descartando el sentimiento como "este levantar la frente en desprecio del presente, este patetismo en referencia al pasado". [55]
Incluso entre los artistas que no pintaron cuadros del pasado, la influencia de la reacción contra la modernidad a menudo tuvo su efecto. En la pintura de paisajes en particular, los artistas generalmente abandonaron el esfuerzo de pintar representaciones realistas de vistas y, en cambio, se centraron en los efectos de la iluminación y en la captura de elementos del campo preindustrial que consideraban que probablemente serían destruidos. [68] [K] Las escenas rurales y las imágenes de la gente del campo (particularmente agricultores y pescadores y sus familias) se convirtieron en un tema muy popular tanto en Gran Bretaña como en toda la Europa industrializada. [68] Las colonias de arte comenzaron a abrirse en lugares considerados particularmente pintorescos, lo que permitió a los artistas y estudiantes trabajar en el campo y conocer gente genuina del campo, sin dejar de estar en compañía de personas de ideas afines. [69] La más influyente de estas colonias fue la Escuela Newlyn en el oeste de Cornualles , que estaba fuertemente influenciada por el estilo de Jules Bastien-Lepage en el que las pinceladas individuales permanecen visibles, sugiriendo la tosca simplicidad de la vida rural idealizada. [66] Las técnicas introducidas por la Escuela de Newlyn y otros estilos impresionistas franceses similares , como los de Edgar Degas, fueron a su vez adoptadas por pintores de otras partes del país, como Walter Sickert , mientras que John William Waterhouse fusionó fondos pintados en el estilo de Bastien-Lepage. con imágenes prerrafaelitas de leyendas históricas y clásicas. [66]
Esta difusión de las técnicas francesas fue vista con profundo escepticismo por la generación anterior de pintores. Históricamente, los pintores británicos se habían enorgullecido de tener cada uno un estilo distinto y fácilmente reconocible, y consideraban que los pintores franceses y los de influencia francesa eran excesivamente similares entre sí en estilo y, como dijo John Everett Millais, "contentos con perder su identidad en su imitación de sus maestros franceses". [66] George Frederic Watts vio el auge del estilo francés como un reflejo de una creciente cultura de la pereza en Gran Bretaña en su conjunto, mientras que William Holman Hunt estaba preocupado por la falta de importancia de los temas de las pinturas. [70] A pesar de las reformas de Leighton en la Royal Academy, la Exposición de Verano permaneció mayoritariamente cerrada a estos pintores, lo que llevó a la fundación en 1886 del New English Art Club como espacio de exposición en Londres para pintores de influencia francesa. [71] El New English Art Club, a su vez, sufrió un cisma en 1889 entre los pintores que pintaban la vida rural y la naturaleza, y una facción liderada por Walter Sickert que se sentía más influenciado por el impresionismo y las técnicas experimentales. [72]
La inauguración de la Tate Gallery en 1897, abierta para exhibir la colección de arte victoriano del comerciante de azúcar Sir Henry Tate , resultó el último triunfo de la pintura victoriana. [73] Leighton y Millais habían muerto el año anterior; Burne-Jones murió en 1898, seguida de Ruskin en 1900 y la propia Victoria en 1901. [73]
En la década de 1910, los estilos victorianos de arte y literatura pasaron dramáticamente de moda en Gran Bretaña, y en 1915 la palabra " victoriano " se había convertido en un término despectivo. [74] Mucha gente atribuyó el estallido de la Primera Guerra Mundial , que devastó Gran Bretaña y Europa, al legado de la época victoriana, y las artes y la literatura asociadas con ese período se volvieron profundamente impopulares. [74] Eminent Victorians (1918) de Lytton Strachey y Rossetti and His Circle (1922) de Max Beerbohm , ambos extremadamente exitosos e influyentes, llevaron la parodia de la época victoriana y de los artistas victorianos a la corriente literaria principal, mientras que el modernismo cada vez más influyente El movimiento, que llegó a dominar el arte británico en el siglo XX, se inspiró en Paul Cézanne y tenía poca consideración por la pintura británica del siglo XIX. [74] [L]
A lo largo del siglo XX, la obra de los impresionistas y postimpresionistas franceses del siglo XIX aumentó en valor e importancia. Debido a que los prerrafaelitas y los miembros del movimiento estético, que entre ellos habían dominado la pintura victoriana, se habían unido a finales del siglo XIX para condenar la influencia francesa y la percibida pereza e insignificancia del impresionismo y el postimpresionismo, fueron objeto de burla o descartado por muchos pintores y críticos modernistas en la primera mitad del siglo XX. [70] [M]
En la década de 1940, La tragedia prerrafaelita de William Gaunt , junto con un deseo general durante la guerra de celebrar los logros de la cultura británica, provocó un resurgimiento del interés por el arte victoriano. [76] Varios museos británicos importantes celebraron eventos y exhibiciones en 1948 para conmemorar el centenario de la Hermandad Prerrafaelita, [76] pero críticos de arte de moda como Wyndham Lewis se burlaron del PRB calificándolo de pretenciosa irrelevancia. [10]
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Una importante exposición en 1951-1952 en la Royal Academy of Arts , The First Hundred Years of the Royal Academy 1769-1868, llevó varias obras británicas del siglo XIX a un público más amplio, [76] pero la opinión general sobre el arte victoriano permaneció bajo. [77]
En la década de 1960, algunos aspectos del arte victoriano se hicieron populares en la contracultura de la década de 1960 , ya que el prerrafaelismo en particular comenzó a ser visto como un precursor del arte pop y otras tendencias contemporáneas. [76] Una serie de exposiciones sobre artistas individuales prerrafaelitas e influenciados por el PRB en las décadas de 1960 y 1970 impulsaron aún más su reputación, y una importante exposición en 1984 en lo que entonces era la Tate Gallery (ahora Tate Britain) que mostraba todo el Prerrafaelita El movimiento rafaelita fue una de las exposiciones de mayor éxito comercial en la historia de la galería. [76]
El arte victoriano no prerrafaelita permaneció mayoritariamente pasado de moda. En 1963, Flaming June , una de las piezas clasicistas más importantes de Sir Frederic Leighton , salió al mercado en Londres por sólo £50 (unas £1.300 en términos actuales), [76] [78] [N] y tan tarde Como escribió en 1967 el historiador del arte Quentin Bell, el arte victoriano era "estética y, por tanto, históricamente insignificante". [79] Aunque el arte victoriano no prerrafaelita ha experimentado un ligero resurgimiento en los años siguientes, sigue pasado de moda y la falta de colecciones importantes en los Estados Unidos ha frenado el interés mundial en el tema. [80]