La notación musical es cualquier sistema utilizado para representar visualmente la música. Los sistemas de notación generalmente representan los elementos de una pieza musical que se consideran importantes para su interpretación en el contexto de una tradición musical determinada. El proceso de interpretación de la notación musical a menudo se conoce como lectura musical .
A lo largo de la historia, las distintas culturas han inventado distintos métodos de notación musical. Mucha información sobre la notación musical antigua es fragmentaria. Incluso en los mismos períodos de tiempo, diferentes estilos de música y diferentes culturas utilizan diferentes métodos de notación musical; por ejemplo, los intérpretes clásicos suelen utilizar partituras con pentagramas , compases , armaduras de clave y cabezas de nota para escribir y descifrar piezas . Pero, aun así, hay muchos más sistemas que eso; por ejemplo, en la música country profesional , el sistema numérico de Nashville es el método principal, y para los instrumentos de cuerda como la guitarra , es bastante común que los intérpretes utilicen tablaturas .
Los símbolos utilizados incluyen símbolos antiguos y símbolos modernos hechos en cualquier medio, como símbolos tallados en piedra, hechos en tablillas de arcilla , hechos con un bolígrafo sobre papiro o pergamino o papel manuscrito ; impresos con una imprenta ( c. 1400 ), una impresora de computadora ( c. 1980 ) u otra tecnología de impresión o copia moderna .
Aunque muchas culturas antiguas utilizaban símbolos para representar melodías y ritmos , ninguno de ellos era particularmente completo, lo que ha limitado la comprensión actual de su música. El antepasado directo del sistema occidental moderno de notación surgió en la Europa medieval, en el contexto de los intentos de la Iglesia cristiana de estandarizar la interpretación de melodías de canto llano para que los cantos pudieran estandarizarse en diferentes áreas. La notación se desarrolló aún más durante las eras de la música renacentista y barroca . En el período clásico (1750-1820) y la era de la música romántica (1820-1900), la notación continuó desarrollándose a medida que se desarrollaba la tecnología para los instrumentos musicales . En la música clásica contemporánea de los siglos XX y XXI, la notación musical ha seguido desarrollándose, con la introducción de la notación gráfica por parte de algunos compositores modernos y el uso, desde la década de 1980, de programas informáticos de escritura de partituras para la notación musical. La notación musical se ha adaptado a muchos tipos de música, incluida la música clásica , la música popular y la música tradicional .
La forma más antigua de notación musical se puede encontrar en una tablilla cuneiforme creada en Nippur , en Babilonia (actual Irak ), alrededor del año 1400 a. C. La tablilla representa instrucciones fragmentarias para interpretar música, que la música estaba compuesta en armonías de terceras y que estaba escrita utilizando una escala diatónica . [2] Una tablilla de alrededor del año 1250 a. C. muestra una forma de notación más desarrollada. [3] Aunque la interpretación del sistema de notación todavía es controvertida, está claro que la notación indica los nombres de las cuerdas de una lira , cuya afinación se describe en otras tablillas. [4] Aunque son fragmentarias, estas tablillas representan las melodías notadas más antiguas encontradas en cualquier parte del mundo. [5]
La notación musical griega antigua se utilizó al menos desde el siglo VI a. C. hasta aproximadamente el siglo IV d. C.; solo sobreviven una composición completa ( el epitafio de Seikilos ) y varios fragmentos que utilizan esta notación. La notación para la música cantada consiste en símbolos de letras para las notas, colocados sobre las sílabas del texto. El ritmo se indica de forma rudimentaria solo con símbolos largos y cortos. El epitafio de Seikilos ha sido datado de diversas formas entre el siglo II a. C. y el siglo II d. C.
Existen tres himnos de Mesomedes de Creta en manuscrito. Los Himnos Délficos , que datan del siglo II a. C., también utilizan esta notación, pero no se han conservado en su totalidad. La notación griega antigua parece haber caído en desuso en la época de la decadencia del Imperio romano de Occidente .
La música bizantina alguna vez incluyó música para ceremonias de la corte, pero solo sobrevivió como música vocal de iglesia dentro de varias tradiciones ortodoxas de canto monódico ( monofónico ) escrito en notación redonda bizantina (ver el anastasimatarion de Macarie con el texto griego traducido al rumano y transliterado a escritura cirílica). [6]
Desde el siglo VI, las categorías teóricas griegas ( melos , genos , harmonia , systema ) desempeñaron un papel clave para comprender y transmitir la música bizantina, especialmente la tradición de Damasco tuvo un fuerte impacto en el Cercano Oriente preislámico comparable al impacto proveniente de la música persa . La evidencia más temprana son fragmentos de papiro de tropología griega. Estos fragmentos solo presentan el texto del himno después de una firma modal o clave (como " ΠΛ Α " para echos plagios protos o " Β " para echos devteros ).
A diferencia de la notación occidental, los neumas bizantinos utilizados desde el siglo X siempre se relacionaban con pasos modales (mismo grado modal, un grado más bajo, dos grados más alto, etc.) en relación con una clave o tonalidad modal ( signaturas modales ). Originalmente, esta tonalidad o el íncipit de una melodía común bastaba para indicar un cierto modelo melódico dado dentro de los ecos . Junto a la notación ecfonética , utilizada únicamente en los leccionarios para indicar fórmulas utilizadas durante las lecciones de las escrituras, la notación melódica se desarrolló no antes de entre los siglos IX y X, cuando se escribía una theta ( θ ), una oxeia ( / ) o una diple ( // ) debajo de una determinada sílaba del texto, siempre que se esperaba un melisma más largo. Esta forma primitiva se llamó "theta" o "notación diple".
Hoy en día, se puede estudiar la evolución de esta notación en los libros de canto monástico griego como los del sticherarion y el heirmologion (la notación de Chartres se utilizó más bien en el Monte Athos y Constantinopla, la notación de Coislin dentro de los patriarcados de Jerusalén y Alejandría), mientras que había otra notación gestual utilizada originalmente para el asmatikon (libro de coro) y el kontakarion (libro del solista o monophonaris) del rito catedralicio de Constantinopla. Los libros más antiguos que han sobrevivido son los "kondakars" en traducción eslava que ya muestran un sistema de notación conocido como notación kondakariana . [7] Al igual que el alfabeto griego, los signos de notación se ordenan de izquierda a derecha (aunque la dirección podría adaptarse como en ciertos manuscritos siríacos ). La cuestión del ritmo se basaba completamente en la cheironomia (la interpretación de los llamados grandes signos que derivaban de diferentes libros de canto). Estos grandes signos ( μεγάλα σῃμάδια ) indicaban frases melódicas conocidas dadas por gestos de los directores del coro del rito catedralicio. Existieron en un tiempo como parte de una tradición oral, desarrollaron la notación kondakariana y, durante el siglo XIII, se integraron en la notación redonda bizantina como una especie de sistema de notación universal. [8]
Hoy en día, la principal diferencia entre los neumas occidentales y orientales es que los símbolos de notación oriental son "diferenciales" en lugar de absolutos, es decir, indican pasos de tono (ascendentes, descendentes o en el mismo paso), y los músicos saben deducir correctamente, a partir de la partitura y la nota que están cantando en ese momento, a qué intervalo correcto se refieren. Estos símbolos de paso en sí mismos, o mejor "neumas fónicos", se parecen a pinceladas y se denominan coloquialmente gántzoi ('ganchos') en griego moderno .
Las notas como clases de altura o claves modales (que se memorizan habitualmente mediante firmas modales) se representan en forma escrita únicamente entre estos neumas (en los manuscritos, por lo general, se escriben con tinta roja). En la notación moderna, sirven simplemente como recordatorio opcional y, en caso necesario, se han añadido indicaciones modales y de tempo. En la notación papadica, las firmas mediales solían significar un cambio temporal a otros ecos.
Los llamados "grandes signos" estaban relacionados antiguamente con los signos quironómicos; según las interpretaciones modernas se entienden como adornos y atracciones microtonales (cambios de tono menores a un semitono ), ambos esenciales en el canto bizantino. [9]
Desde Crisanto de Madito hay siete nombres de notas estándar usados para "solfeo" ( parallagē ): pá, vú, g h á, d h i, ké, zō, nē , mientras que la práctica más antigua todavía usaba las cuatro enechemata o fórmulas de entonación de los cuatro echoi dados por las firmas modales, el auténtico o kyrioi en dirección ascendente, y el plagal o plagioi en dirección descendente ( Octoechos pádico ). [11] Con excepción de vú y zō , se corresponden aproximadamente con las sílabas de solfeo occidentales como re, mi, fa, sol, la, si, do . La música bizantina usa las ocho escalas naturales, no temperadas cuyos elementos fueron identificados por Ēkhoi , "sonidos", exclusivamente, y por lo tanto el tono absoluto de cada nota puede variar ligeramente cada vez, dependiendo del Ēkhos particular usado. La notación bizantina todavía se usa en muchas iglesias ortodoxas. A veces los cantores también utilizan transcripciones en notación de pentagrama occidental o de Kiev mientras añaden material de adorno no notable de memoria y se "deslizan" hacia las escalas naturales a partir de la experiencia, pero incluso en lo que respecta a las ediciones de neumas modernas desde la reforma de Chrysanthos, muchos detalles solo se conocen a partir de una tradición oral relacionada con los maestros tradicionales y su experiencia.
En 1252, Safi al-Din al-Urmawi desarrolló una forma de notación musical en la que los ritmos se representaban mediante representaciones geométricas . Muchos estudiosos posteriores del ritmo han intentado desarrollar notaciones geométricas gráficas. Por ejemplo, Kjell Gustafson publicó en 1987 un sistema geométrico similar, cuyo método representa un ritmo como un gráfico bidimensional. [12]
El erudito y teórico musical Isidoro de Sevilla , mientras escribía a principios del siglo VII, consideró que "a menos que los sonidos sean retenidos por la memoria del hombre, perecen, porque no pueden escribirse". [13] Sin embargo, a mediados del siglo IX, una forma de notación neumática comenzó a desarrollarse en los monasterios de Europa como un dispositivo mnemotécnico para el canto gregoriano , utilizando símbolos conocidos como neumas ; la notación musical más antigua que sobrevive de este tipo se encuentra en la Musica Disciplina de Aureliano de Réôme , de aproximadamente 850. Hay supervivencias dispersas de la península Ibérica antes de esta época, de un tipo de notación conocida como neumas visigodos , pero sus pocos fragmentos sobrevivientes aún no han sido descifrados. [14] El problema con esta notación era que solo mostraba contornos melódicos y, en consecuencia, la música no podía ser leída por alguien que no conociera la música ya.
La notación se había desarrollado lo suficiente como para notar la melodía, pero aún no había un sistema para notar el ritmo. Un tratado de mediados del siglo XIII, De Mensurabili Musica , explica un conjunto de seis modos rítmicos que se usaban en ese momento, [15] aunque no está claro cómo se formaron. Estos modos rítmicos estaban todos en compás ternario y más bien limitaban el ritmo en el canto a seis patrones repetitivos diferentes. Este fue un defecto visto por el teórico musical alemán Franco de Colonia y resumido como parte de su tratado Ars Cantus Mensurabilis (el arte del canto medido o notación mensural ). Sugirió que las notas individuales podrían tener sus propios ritmos representados por la forma de la nota. No fue hasta el siglo XIV que surgió algo como el sistema actual de duraciones de nota fijas. [ cita requerida ] El uso de medidas regulares (barras) se volvió común a fines del siglo XVII. [ cita requerida ]
El fundador de lo que hoy se considera el pentagrama musical estándar fue Guido d'Arezzo , [16] un monje benedictino italiano que vivió desde aproximadamente 991 hasta después de 1033. Enseñó el uso de sílabas solfeas basándose en un himno a San Juan Bautista , que comienza Ut Queant Laxis y fue escrito por el historiador lombardo Pablo el Diácono . La primera estrofa es:
Guido utilizó la primera sílaba de cada línea, Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si, para leer música notada en términos de hexacordios ; no eran nombres de notas y cada uno podía, dependiendo del contexto, aplicarse a cualquier nota. En el siglo XVII, Ut se cambió en la mayoría de los países, excepto Francia, por la sílaba abierta y fácilmente cantable Do, que se cree que se tomó del nombre del teórico italiano Giovanni Battista Do ni , o de la palabra latina Do minus , que significa Señor . [17]
Los monjes cristianos desarrollaron las primeras formas de notación musical europea moderna con el fin de estandarizar la liturgia en toda la Iglesia mundial [18] , y a lo largo de los siglos se ha compuesto una enorme cantidad de música religiosa para ella. Esto condujo directamente al surgimiento y desarrollo de la música clásica europea y sus muchos derivados. El estilo barroco , que abarcaba la música, el arte y la arquitectura, fue especialmente fomentado por la Iglesia católica posterior a la Reforma, ya que estas formas ofrecían un medio de expresión religiosa conmovedor y emotivo, destinado a estimular el fervor religioso [19] .
La notación musical moderna es utilizada por músicos de muchos géneros diferentes en todo el mundo. El pentagrama (o pentagrama, en inglés británico) consta de 5 líneas horizontales paralelas que actúan como un marco sobre el cual se indican las notas colocando cabezas de nota ovaladas sobre (es decir, cruzando) las líneas del pentagrama, entre las líneas (es decir, en los espacios) o por encima y por debajo del pentagrama utilizando pequeñas líneas adicionales llamadas líneas adicionales . La notación se lee de izquierda a derecha, lo que dificulta la composición musical para escrituras de derecha a izquierda. La altura de una nota se indica por la posición vertical de la cabeza de nota dentro del pentagrama y puede modificarse mediante alteraciones . La duración (longitud de la nota o valor de la nota ) se indica por la forma de la cabeza de nota o con la adición de una plica de nota más barras o corchetes. Un óvalo hueco sin plica es una nota redonda o semibreve, un rectángulo hueco u óvalo hueco sin plica con una o dos líneas verticales a ambos lados es una nota redonda doble o breve. Un óvalo hueco con plica es una blanca o blanca. Los óvalos sólidos siempre utilizan plicas y pueden indicar negras o, con barras o corchetes añadidos, subdivisiones más pequeñas. Los símbolos adicionales, como puntos y ligaduras, pueden alargar la duración de una nota.
Un pentagrama de música escrita generalmente comienza con una clave , que indica el rango de tono del pentagrama. La clave de sol o clave de sol era originalmente una letra G e identifica la segunda línea hacia arriba en el pentagrama de cinco líneas como la nota G sobre el Do central. La clave de fa o clave de fa identifica la segunda línea hacia abajo como la nota F debajo del Do central. Si bien la clave de sol y la clave de fa son las más utilizadas, otras claves, que identifican el Do central, se utilizan para algunos instrumentos, como la clave de alto (para viola y trombón alto ) y la clave de tenor (usada para algunas piezas de violonchelo , fagot , trombón tenor y contrabajo ). Algunos instrumentos usan principalmente una clave, como el violín y la flauta que usan clave de sol , y el contrabajo y la tuba que usan clave de fa . Algunos instrumentos, como el piano y el órgano de tubos , usan regularmente tanto la clave de sol como la de fa.
Después de la clave, la armadura de clave es un grupo de 0 a 7 signos sostenidos ( ♯ ) o bemoles ( ♭ ) colocados en el pentagrama para indicar la tonalidad de la pieza o canción especificando que ciertas notas son sostenidas o bemoles a lo largo de la pieza, a menos que se indique lo contrario con alteraciones accidentales agregadas antes de ciertas notas. Cuando se coloca un signo bemol ( ♭ ) antes de una nota, el tono de la nota se baja en un semitono. De manera similar, un signo sostenido ( ♯ ) aumenta el tono en un semitono. Por ejemplo, un sostenido en la nota D lo elevaría a D♯ mientras que un bemol lo bajaría a D♭ . Los dobles sostenidos y dobles bemoles son menos comunes, pero se usan. Un doble sostenido se coloca antes de una nota para hacerla dos semitonos más alta, un doble bemol, dos semitonos más baja. Un signo natural colocado antes de una nota convierte esa nota en su forma "natural", lo que significa que cualquier sostenido o bemol aplicado a esa nota desde la armadura de clave o una alteración, se cancela. A veces se utiliza un accidente de cortesía en la música donde no es técnicamente necesario, para recordarle al músico qué tono se requiere.
Después de la tonalidad se encuentra el compás . El compás normalmente consta de dos números, uno de los más comunes es4
4El "4" superior indica que hay cuatro pulsos por compás (también llamado compás ). El "4" inferior indica que cada uno de esos pulsos son negras. Los compases dividen la pieza en grupos de pulsos y las firmas de tiempo especifican esas agrupaciones.4
4Se utiliza con tanta frecuencia que también se le llama " tiempo común " y puede indicarse con
en lugar de números. Otras firmas de tiempo que se usan con frecuencia son3
4(tres pulsos por compás, siendo cada pulso una negra);2
4(dos pulsos por compás, siendo cada pulso una negra);6
8(seis pulsos por compás, siendo cada pulso una corchea) y12
8(doce pulsos por compás, siendo cada pulso una corchea; en la práctica, las corcheas suelen colocarse en cuatro grupos de tres corcheas.12
8es un tipo de compás compuesto ). Existen muchos otros compás, como2
2.
Muchas piezas breves de música clásica de la era clásica y canciones de música tradicional y música popular tienen una sola signatura de tiempo durante gran parte o la totalidad de la pieza. La música de la era de la música romántica y posteriores, en particular la música clásica contemporánea y los géneros de música rock como el rock progresivo y el subgénero hardcore punk mathcore , pueden utilizar un compás mixto ; las canciones o piezas cambian de un compás a otro, por ejemplo, alternando entre compases de5
4y7
8.
Las instrucciones para el ejecutante sobre cuestiones como el tempo (por ejemplo, Andante ) y la dinámica (por ejemplo, forte) aparecen encima o debajo del pentagrama. Los términos que indican la expresión musical o la "sensación" de una canción o pieza se indican al principio de la pieza y en cualquier punto donde cambie el estado de ánimo (por ejemplo, "Gelassen"). Para la música vocal, las letras se escriben cerca de los tonos de la melodía. Para las pausas breves (respiraciones), se agregan repeticiones (las repeticiones se indican con una marca ').
En la música para conjuntos , una " partitura " muestra la música para todos los intérpretes juntos, con los pentagramas de los diferentes instrumentos y/o voces apilados verticalmente. El director utiliza la partitura mientras dirige una orquesta , una banda de concierto , un coro u otro conjunto grande. Los intérpretes individuales de un conjunto tocan a partir de "partes" que contienen solo la música interpretada por un músico individual. Una partitura se puede construir a partir de un conjunto completo de partes y viceversa. El proceso era laborioso y consumía mucho tiempo cuando las partes se copiaban a mano de la partitura, pero desde el desarrollo del software informático para escribir partituras en la década de 1980, una partitura almacenada electrónicamente puede tener partes preparadas automáticamente por el programa e impresas de manera rápida y económica utilizando una impresora de computadora.
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Jeongganbo es un sistema de notación musical tradicional creado durante la época de Sejong el Grande que fue el primer sistema del este de Asia en representar el ritmo, el tono y el tiempo. [20] [21] Entre varios tipos de música tradicional coreana, Jeong-gan-bo se centra en un género particular, Jeong-ak ( 정악, 正樂).
El jeong-gan-bo especifica el tono escribiendo el nombre del tono en un recuadro llamado "jeong-gan". Cada jeong-gan tiene un tiempo y se puede dividir en dos, tres o más para contener medios tiempos, cuartos de tiempo y más.
Además, hay muchas marcas que indican cosas como adornos. La mayoría de ellos fueron creados posteriormente por Ki-su Kim.
El texto Samaveda (1200 a. C. - 1000 a. C.) contiene melodías notadas, y estas son probablemente las más antiguas que sobreviven en el mundo. [22] La notación musical se escribe generalmente inmediatamente encima, a veces dentro, de la línea del texto Samaveda, ya sea en forma silábica o numérica dependiendo de la Sakha (escuela) Samavedica. [23] El erudito y teórico musical indio Pingala (c. 200 a. C.), en su Chanda Sutra , usó marcas que indicaban sílabas largas y cortas para indicar metros en la poesía sánscrita.
Una inscripción rupestre de alrededor del siglo VII-VIII d. C. en Kudumiyanmalai , Tamil Nadu, contiene un ejemplo temprano de una notación musical. Fue identificada y publicada por primera vez por el arqueólogo/epigrafista DR Bhandarkar . [24] Escrita en la escritura Pallava-grantha del siglo VII, contiene 38 líneas horizontales de notaciones inscritas en una cara de roca rectangular (dimensiones de alrededor de 13 por 14 pies). Cada línea de la notación contiene 64 caracteres (caracteres que representan notas musicales), escritos en grupos de cuatro notas. Se ve que los caracteres básicos para las siete notas, 'sa ri ga ma pa dha ni', tienen como sufijo las vocales a, i, u, e. Por ejemplo, en lugar de 'sa', se utiliza cualquiera de 'sa', 'si', 'su' o 'se'. De manera similar, en lugar de ri, se utiliza cualquiera de 'ra', 'ri', 'ru' o 're'. Las líneas horizontales dividen la notación en siete secciones. Cada sección contiene de cuatro a siete líneas de notación, con un título que indica su "modo" musical. Estos modos pueden haber sido populares al menos desde el siglo VI d. C. y se incorporaron al sistema indio "raga" que se desarrolló más tarde. Pero algunos académicos han dado varias interpretaciones no concluyentes a algunas de las características inusuales observadas en esta notación. [25]
En la notación del rāga indio , se utiliza un sistema parecido al solfeo llamado sargam . Al igual que en el solfeo occidental, existen nombres para las siete notas básicas de una escala mayor (Shadja, Rishabha, Gandhara, Madhyama, Panchama, Dhaivata y Nishada, generalmente abreviadas como Sa Re Ga Ma Pa Dha Ni). La tónica de cualquier escala se llama Sa, y la dominante Pa. Sa es fija en cualquier escala, y Pa es fija en una quinta por encima de ella (una quinta pitagórica en lugar de una quinta temperada ). Estas dos notas se conocen como achala swar ('notas fijas').
Cada una de las otras cinco notas, Re, Ga, Ma, Dha y Ni, puede adoptar un tono "regular" (shuddha), que es equivalente a su tono en una escala mayor estándar (por lo tanto, shuddha Re, el segundo grado de la escala, es un tono más alto que Sa), o un tono alterado, ya sea un semitono por encima o medio tono por debajo del tono shuddha. Re, Ga, Dha y Ni tienen todas compañeras alteradas que son un semitono más bajas (Komal- "bemol") (por lo tanto, komal Re es un semitono más alto que Sa).
Ma tiene una pareja alterada que es un semitono más alta ( teevra - "sostenido") (por lo tanto, tivra Ma es una cuarta aumentada sobre Sa). Re, Ga, Ma, Dha y Ni se llaman vikrut swar ('notas móviles'). En el sistema escrito de notación india ideado por Ravi Shankar, las notas se representan con letras occidentales. Las letras mayúsculas se utilizan para el achala swar y para la variedad más alta de todos los vikrut swar. Las letras minúsculas se utilizan para la variedad más baja del vikrut swar.
Existen otros sistemas para el temperamento igual que no es de doce tonos y para la música no occidental, como el Swaralipi indio .
El canto znamenny es una tradición de canto utilizada en la Iglesia Ortodoxa Rusa que utiliza una notación de "gancho y estandarte". El canto znamenny es un canto litúrgico unísono y melismático que tiene su propia notación específica, llamada notación stolp . Los símbolos utilizados en la notación stolp se llaman kryuki (en ruso: крюки , 'ganchos') o znamyona (en ruso: знамёна , 'estandartes'). A menudo, los nombres de los signos se utilizan para referirse a la notación stolp. Las melodías znamenny son parte de un sistema, que consta de ocho modos (estructuras de entonación; llamadas glasy); las melodías se caracterizan por su fluidez y buen equilibrio. [26] Existen varios tipos de canto znamenny: el llamado Stolpovoy , Malyj (Pequeño) y Bolshoy (Grande). El canto ruteno ( Prostopinije ) a veces se considera una subdivisión de la tradición del canto Znamenny, siendo el canto moscovita (canto Znamenny propiamente dicho) la segunda rama del mismo continuo musical.
Los cantos znamenny no se escriben con notas (la llamada notación lineal), sino con signos especiales, llamados znamëna (del ruso "marcas", "banderas") o kryuki ("ganchos"), ya que algunas formas de estos signos se parecen a los ganchos. Cada signo puede incluir los siguientes componentes: un gran gancho negro o un trazo negro, varios "puntos" y "comas" negros más pequeños y líneas cerca del gancho o que lo cruzan. Algunos signos pueden significar solo una nota, otros de 2 a 4 notas y algunos una melodía completa de más de 10 notas con una estructura rítmica complicada. La notación stolp se desarrolló en la Rus de Kiev como un refinamiento eslavo oriental de la notación musical neumática bizantina .
La característica más notable de este sistema de notación es que registra las transiciones de la melodía, en lugar de las notas . Los signos también representan un estado de ánimo y una gradación de cómo se debe cantar esa parte de la melodía (tempo, fuerza, devoción, mansedumbre, etc.). Cada signo tiene su propio nombre y también funciona como un símbolo espiritual. Por ejemplo, existe un signo específico, llamado "paloma pequeña" (en ruso: голубчик (golubchik) ), que representa dos sonidos ascendentes, pero que también es un símbolo del Espíritu Santo . Poco a poco, el sistema se volvió cada vez más complicado. Este sistema también era ambiguo, de modo que casi nadie, excepto los cantantes más entrenados y educados, podía cantar una melodía desconocida a primera vista. Los signos solo ayudaban a reproducir la melodía, no a codificarla de manera unívoca. (Véase Imperio Bizantino)
Los primeros ejemplos conocidos de textos que hacen referencia a la música en China son las inscripciones en instrumentos musicales halladas en la tumba del marqués Yi de Zeng (fallecido en el 433 a. C.). Conjuntos de 41 carillones y 65 campanas tenían largas inscripciones sobre tonos, escalas y transposiciones. Las campanas todavía emiten los tonos a los que hacen referencia sus inscripciones. Aunque no se encontraron composiciones musicales anotadas, las inscripciones indican que el sistema era lo suficientemente avanzado como para permitir la notación musical. Existían dos sistemas de nomenclatura de tonos, uno para el tono relativo y otro para el absoluto. Para el tono relativo, se utilizaba un sistema de solfeo . [27]
La notación Gongche utiliza caracteres chinos para los nombres de la escala.
La música japonesa es muy diversa y, por lo tanto, requiere varios sistemas de notación. En la música shakuhachi japonesa , por ejemplo, los glissandos y los timbres suelen ser más significativos que las notas distintas, mientras que la notación taiko se centra en los golpes discretos.
La música sanshin de Ryukyuan utiliza kunkunshi , un sistema de notación de kanji donde cada carácter corresponde a la posición de un dedo en una cuerda particular.
La notación juega un papel relativamente menor en las tradiciones orales de Indonesia . Sin embargo, en Java y Bali , se idearon varios sistemas a partir de finales del siglo XIX, inicialmente con fines de archivo. Hoy en día, los más extendidos son las notaciones cifradas ("no angka" en el sentido más amplio) en las que las notas se representan con algún subconjunto de los números del 1 al 7, donde 1 corresponde a la nota más alta de una octava en particular, como en el gamelan sundanés , o la más baja, como en la notación kepatihan del gamelan javanés .
Las notas en los rangos fuera de la octava central se representan con uno o más puntos encima o debajo de cada número. En su mayor parte, estas notaciones cifradas se utilizan principalmente para notar la melodía esquelética (el balungan ) y las partes vocales ( gerongan ), aunque las transcripciones de las variaciones instrumentales elaboradas a veces se utilizan para el análisis y la enseñanza. Las partes de batería se notan con un sistema de símbolos basado principalmente en letras que representan los vocablos utilizados para aprender y recordar patrones de percusión; estos símbolos generalmente se disponen en una cuadrícula debajo de la melodía esquelética para una pieza específica o genérica.
Los símbolos utilizados para la notación de los tambores (así como los vocablos representados) varían mucho de un lugar a otro y de un intérprete a otro. Además de estos sistemas actuales, dos notaciones más antiguas utilizaban un tipo de pentagrama: la escritura solonesa podía capturar los ritmos flexibles del pesinden con un garabato en un pentagrama horizontal, mientras que en Yogyakarta un pentagrama vertical en forma de escalera permitía la notación del balungan mediante puntos y también incluía golpes de tambor importantes. En Bali, hay algunos libros publicados de piezas de wayang de género de gamelan , que emplean la notación alfabética en la antigua escritura balinesa.
Los compositores y académicos tanto indonesios como extranjeros también han aplicado los sistemas de afinación slendro y pelog del gamelan al pentagrama occidental, con y sin varios símbolos para los microtonos . El compositor holandés Ton de Leeuw también inventó un pentagrama de tres líneas para su composición Gending . Sin embargo, estos sistemas no gozan de un uso generalizado.
En la segunda mitad del siglo XX, los músicos y eruditos indonesios extendieron la notación cifrada a otras tradiciones orales, y la notación cifrada de escala diatónica se ha vuelto común para la notación de géneros relacionados con Occidente (himnos de iglesia, canciones populares, etc.). A diferencia de la notación cifrada para la música gamelan, que utiliza un "Do fijo" (es decir, 1 siempre corresponde al mismo tono, dentro de la variabilidad natural de la afinación del gamelan), la notación cifrada diatónica indonesia es una notación de "Do móvil", por lo que las partituras deben indicar qué tono corresponde al número 1 (por ejemplo, "1=C").
![Una melodía corta en slendro anotada utilizando el método Surakarta.[28]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fc/Surakarta_gamelan_notation_slendro.png/1280px-Surakarta_gamelan_notation_slendro.png)
![Lo mismo se anotó utilizando el método de Yogyakarta o "notación cuadriculada".[28]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Yogyakarta_gamelan_notation_slendro.png/1280px-Yogyakarta_gamelan_notation_slendro.png)
![La misma aproximación utilizando la notación occidental.[28] Playⓘ](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7a/Western_gamelan_notation_slendro.png/1280px-Western_gamelan_notation_slendro.png){kind=small}
Los textos judíos antiguos incluyen una serie de marcas que asignan notas musicales de cantilación. Conocidas en hebreo como Ta'amim y en yiddish como Tropo, existen registros de estas marcas desde los siglos VI y VII, habiendo sido transmitidas como una tradición para las oraciones y textos judíos. Tradicionalmente, una serie de marcas escritas encima y alrededor de los textos hebreos que acompañan, las marcas de Tropo representan un motivo musical corto. A lo largo de la diáspora judía hay variaciones en las melodías que acompañan. Hay tres sistemas principales de cantilación hebrea: el sistema babilónico, el sistema palestino y el sistema tiberiano.
Los sistemas de notación cifrada que asignan números arábigos a los grados mayores de la escala se han utilizado al menos desde las tablaturas ibéricas para órganos del siglo XVI e incluyen adaptaciones tan exóticas como la Siffernotskrift . La que se utiliza más ampliamente en la actualidad es la Jianpu china , que se analiza en el artículo principal . Los números también se pueden asignar a diferentes sistemas de escala, como en la notación kepatihan javanesa descrita anteriormente.
El solfeo es una forma de asignar sílabas a los nombres de la escala musical. En orden, hoy son: Do Re Mi Fa Sol La Si Do ' (para la octava). La variación clásica es: Do Re Mi Fa Sol La Si Do ' . El primer sistema occidental de nombres funcionales para las notas musicales fue introducido por Guido de Arezzo (c. 991 - después de 1033), utilizando las sílabas iniciales de las primeras seis líneas musicales del himno latino Ut queant laxis . La secuencia original era Ut Re Mi Fa Sol La , donde cada verso comenzaba una nota más alta en la escala. "Ut" más tarde se convirtió en "Do". Las sílabas equivalentes utilizadas en la música india son: Sa Re Ga Ma Pa Dha Ni . Véase también: solfeo , sargam , signos de mano Kodály .
El solfeo tónico es un tipo de notación que utiliza las letras iniciales del solfeo.
Las notas de la escala de 12 tonos se pueden escribir con sus nombres de letras A–G, posiblemente con una alteración accidental final , como A ♯ o B ♭ .
La notación ABC es un formato compacto que utiliza caracteres de texto simple, legible por computadoras y por humanos. Actualmente, más de 100.000 melodías se transcriben en este formato. [29]
La tablatura se utilizó por primera vez en la Edad Media para la música de órgano y más tarde en el Renacimiento para la música de laúd . [30] En la mayoría de las tablaturas de laúd, se utiliza un pentagrama, pero en lugar de valores de tono, las líneas del pentagrama representan las cuerdas del instrumento. Los trastes a tocar se escriben en cada línea, indicados por letras o números. El ritmo se escribe por separado con una u otra variación de los valores de nota estándar que indican la duración de la parte de movimiento más rápido. Pocos parecen haber notado el hecho de que la tablatura combina en un sistema de notación tanto los requisitos físicos y técnicos de la interpretación (las líneas y los símbolos en ellas y en relación entre sí representan las acciones de interpretación reales) con el desarrollo de la música en sí (las líneas de tablatura tomadas horizontalmente representan el desarrollo temporal real de la música). En períodos posteriores, la música para laúd y guitarra se escribió con notación estándar. La tablatura volvió a despertar interés a fines del siglo XX para la música popular de guitarra y otros instrumentos con trastes, siendo fácil de transcribir y compartir a través de Internet en formato ASCII .
Se han creado algunos sistemas cromáticos aprovechando la disposición de las teclas blancas y negras del teclado estándar del piano. El "pentagrama" se conoce más comúnmente como " piano roll ", y se crea a partir de la prolongación de las teclas blancas y negras del piano.
Klavarskribo (a veces abreviado como klavar ) es un sistema de notación musical que fue introducido en 1931 por el holandés Cornelis Pot. El nombre significa "escritura con teclado" en esperanto . Se diferencia de la notación musical convencional en varios aspectos y está pensado para que sea fácil de leer. Muchos lectores de klavar son de los Países Bajos.
Durante los últimos tres siglos, se han propuesto cientos de sistemas de notación musical como alternativas a la notación musical occidental tradicional. Muchos de estos sistemas buscan mejorar la notación tradicional mediante el uso de un "pentagrama cromático" en el que cada una de las 12 clases de tonos tiene su propio lugar único en el pentagrama. Un ejemplo es la notación musical Dodeka de Jacques-Daniel Rochat . [31] [32] Estos sistemas de notación no requieren el uso de armaduras de clave estándar, alteraciones o signos de clave. También representan relaciones de intervalos de manera más consistente y precisa que la notación tradicional, por ejemplo, las terceras mayores parecen más anchas que las terceras menores. Muchos de estos sistemas se describen e ilustran en el "Libro de fuentes de reformas propuestas para la notación musical" de Gardner Read.
El término "notación gráfica" se refiere al uso contemporáneo de símbolos y textos no tradicionales para transmitir información sobre la interpretación de una pieza musical. Compositores como Johanna Beyer , Christian Wolff , Carmen Barradas , Earle Brown , Yoko Ono , Anthony Braxton , John Cage , Morton Feldman , Cathy Berberian , Graciela Castillo , Krzysztof Penderecki , Cornelius Cardew , Pauline Oliveros y Roger Reynolds se encuentran entre la primera generación de practicantes. El libro Notations , de John Cage y Alison Knowles , es otro ejemplo de este tipo de notación.
La notación musical simplificada es una forma alternativa de notación musical diseñada para facilitar la lectura a primera vista . Se basa en la notación clásica de pentagrama , pero incorpora sostenidos y bemoles en la forma de las cabezas de las notas. Las notas como los dobles sostenidos y dobles bemoles se escriben en el tono en el que realmente se tocan, pero precedidas por símbolos llamados signos históricos que muestran que han sido transpuestas .
La notación de pentagrama modificada (MSN) es una forma alternativa de notar música para personas que no pueden leer fácilmente la notación musical ordinaria, incluso si está ampliada.
El código Parsons se utiliza para codificar música de forma que se pueda buscar fácilmente.
La música en Braille es un sistema de notación musical completo, bien desarrollado y aceptado internacionalmente que tiene símbolos y convenciones de notación bastante independientes de la notación musical impresa. Es de naturaleza lineal, similar a un lenguaje impreso y diferente de la naturaleza bidimensional de la notación musical impresa estándar. Hasta cierto punto, la música en Braille se parece a los lenguajes de marcado musical [33] como MusicXML [34] o NIFF .
En la notación entera , o el modelo entero de tono, todas las clases de tono y los intervalos entre clases de tono se designan utilizando los números del 0 al 11.
La forma estándar de notación del rap es el "diagrama de flujo", donde los raperos alinean sus letras debajo de "números de pulso". [35] Los estudiosos del hip-hop también hacen uso de los mismos diagramas de flujo que usan los raperos: los libros How to Rap y How to Rap 2 usan ampliamente los diagramas para explicar los tresillos, flams, silencios, esquemas de rima, secuencias de rima y ruptura de patrones de rima del rap, entre otras técnicas. [36] Los musicólogos Adam Krims usan sistemas similares en su libro Rap Music and the Poetics of Identity [37] y Kyle Adams en su trabajo sobre el flujo del rap. [38] Como el rap generalmente gira en torno a un fuerte pulso de 4/4, [39] con ciertas sílabas alineadas al pulso, todos los sistemas de notación tienen una estructura similar: todos tienen cuatro números de pulso en la parte superior del diagrama, de modo que las sílabas se pueden escribir en línea con el pulso. [39]
Se utiliza para instrumentos de viento de seis agujeros, básicamente para canciones populares irlandesas. Las tablaturas para flautas de hojalata son especialmente útiles para quienes no están familiarizados con la notación musical.
El bloque Unicode de símbolos musicales codifica un extenso sistema de notación musical formal.
El bloque Símbolos varios tiene algunos de los símbolos más comunes:
El bloque de Símbolos y pictogramas varios tiene tres emojis que pueden incluir representaciones de notas musicales:
Se han desarrollado varios programas informáticos para crear notación musical (llamados programadores de partituras o software de notación musical ). La música también se puede almacenar en varios formatos de archivos digitales para otros fines que no sean la salida de notación gráfica.
Según Philip Tagg y Richard Middleton , la musicología y, en cierta medida, la práctica musical con influencia europea padecen una "centricidad notacional", una metodología sesgada por las características de la notación. [40] [41] Una variedad de compositores de los siglos XX y XXI han lidiado con este problema, ya sea adaptando la notación musical occidental estándar o utilizando notación gráfica. [ aclaración necesaria ] Estos incluyen a George Crumb , Luciano Berio , Krzystof Penderecki , Earl Brown , John Cage , Witold Lutoslawski y otros. [42] [43]
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