En música, el modernismo es una postura estética subyacente al período de cambio y desarrollo del lenguaje musical que ocurrió a principios del siglo XX, un período de reacciones diversas al desafiar y reinterpretar categorías musicales más antiguas, innovaciones que llevaron a nuevas formas de organización. y abordar los aspectos armónicos, melódicos, sonoros y rítmicos de la música, y los cambios en las visiones estéticas del mundo en estrecha relación con el período más amplio identificable del modernismo en las artes de la época. La palabra operativa más asociada con esto es "innovación". [1] Su característica principal es una "pluralidad lingüística", es decir, ningún género musical asumió jamás una posición dominante. [2]
Inherente al modernismo musical es la convicción de que la música no es un fenómeno estático definido por verdades eternas y principios clásicos, sino algo intrínsecamente histórico y de desarrollo. Si bien la creencia en el progreso musical o en el principio de innovación no es nueva ni exclusiva del modernismo, tales valores son particularmente importantes dentro de las posturas estéticas modernistas.
— Edward Campbell (2010, p. 37) [énfasis añadido]
Los ejemplos incluyen la celebración del rechazo de la tonalidad por parte de Arnold Schoenberg en obras cromáticas postonales y dodecafónicas y el alejamiento de Igor Stravinsky del ritmo simétrico . [3]
Las autoridades suelen considerar el modernismo musical como un período o era histórica que se extiende desde aproximadamente 1890 a 1930, y aplican el término " posmodernismo " al período o era posterior a 1930. [4] [5] Para el musicólogo Carl Dahlhaus, la forma más pura terminó en 1910, pero otros historiadores consideran que el modernismo terminó con una u otra de las dos guerras mundiales. [6]
Carl Dahlhaus describe el modernismo como:
un punto obvio de discontinuidad histórica... El "avance" de Mahler , Strauss y Debussy implica una profunda transformación histórica... Si buscáramos un nombre que transmitiera el estado de ánimo separatista de la década de 1890 (un estado de ánimo simbolizado musicalmente por los primeros compases del Don Juan de Strauss ), pero sin imponer una unidad de estilo ficticia a la época, lo peor que podríamos hacer es volver al término "modernismo" de Hermann Bahr y hablar de una "música modernista" estilísticamente abierta que se extiende (con cierta latitud) desde 1890 hasta los inicios de nuestra propia música moderna del siglo XX en 1910. [7]
Eero Tarasti define el modernismo musical directamente en términos de "la disolución de la tonalidad tradicional y la transformación de los fundamentos mismos del lenguaje tonal, buscando nuevos modelos en el atonalismo, el politonalismo u otras formas de tonalidad alterada", que tuvo lugar alrededor del cambio de siglo. siglo. [8]
Daniel Albright propone una definición de modernismo musical como "una prueba de los límites de la construcción estética" y presenta las siguientes técnicas o estilos modernistas: expresionismo, nueva objetividad, hiperrealismo, abstraccionismo, neoclasicismo, neobarbarie, futurismo y método mítico. [9]
El director y académico Leon Botstein describe el modernismo musical como "... una consecuencia de la convicción fundamental entre las sucesivas generaciones de compositores desde 1900 de que los medios de expresión musical en el siglo XX deben ser adecuados al carácter único y radical de la época". [10] lo que llevó a una reflexión en las artes del progreso de la ciencia, la tecnología y la industria, la mecanización, la urbanización, la cultura de masas y el nacionalismo.
De manera similar, Eric Pietro define el modernismo en su narrativa Listening In: Music, Mind, and the Modernist como, “…un deseo de encontrar 'representaciones cada vez más precisas de estados y procesos psicológicos' en virtud de sus vínculos con la 'crisis histórica del siglo XXI'. siglo XIX.'” Por lo que podemos entender con esta información, hay dos conceptos distinguibles que enfatizan el modernismo: el primero es la música que refleja representaciones narrativas de la mente; y el segundo es la música como vocabulario que enfrenta la posibilidad de describir conductas psicológicas en el lenguaje. [11]
El término "modernismo" (y el término "posmoderno") se ha aplicado ocasionalmente a algunos géneros de música popular , pero no con una definición muy clara.
Por ejemplo, el profesor de estudios culturales Andrew Goodwin escribe que "dada la confusión de los términos, la identificación de textos posmodernos ha abarcado una profusión extraordinariamente divergente e incoherente de instancias textuales... En segundo lugar, hay debates dentro de la música popular sobre el pastiche". y autenticidad. 'Modernismo' significa algo bastante diferente dentro de cada uno de estos dos campos... Esta confusión es obvia en un intento formativo temprano de entender la música rock en términos posmodernos". [12] Goodwin sostiene que los ejemplos de modernismo en la música popular generalmente no se citan porque "socava la tesis posmoderna de la fusión cultural, en su esfuerzo explícito por preservar una noción burguesa del arte en oposición al rock y pop convencionales y 'comerciales'". . [13]
El autor Domenic Priore escribe que: "el concepto de modernismo estaba ligado a la construcción misma del área metropolitana de Los Ángeles, en un momento en que la ciudad apenas comenzaba a convertirse en un centro cultural internacional"; [14] parece que la palabra se utiliza aquí como equivalente del término "moderno". Priore cita " River Deep – Mountain High " de Ike y Tina Turner (1966) y " Good Vibrations " de los Beach Boys (1966). Deseando "una muestra del R&B moderno y vanguardista " para la grabación de este último, el miembro del grupo y coautor de la canción Brian Wilson consideró la música "rhythm and blues avanzado", pero recibió críticas de sus compañeros de banda, quienes se burlaron de la pista por ser " demasiado moderno" durante su realización. [15]
En la última década previa al cambio de siglo XX, la era romántica de la música había entrado en su período tardío en el que se estaban produciendo grandes cambios. Uno de los mayores cambios se produjo en el sistema tonal tradicional, que ahora estaba siendo llevado regularmente hasta sus límites por compositores como Gustav Mahler , que comenzó a incorporar tonalidad progresiva [16] en sus piezas. Los impresionistas como Claude Debussy también comenzaron a experimentar con tonalidades ambiguas y escalas exóticas. "La percepción del lenguaje compositivo de Debussy como decididamente posromántico/impresionista (matizado, discreto y sutil) está firmemente solidificada entre los músicos y audiencias bien informadas de hoy". [17] Aunque esta no es la primera vez que los compositores comenzaron a impulsar el límites de la tonalidad, como se puede ver en las obras de Richard Wagner en Tristan und Isolde [18] y en las obras de Franz Liszt en Bagatelle sans tonalité , [19] estas prácticas se volvieron mucho más comunes durante el período romántico tardío . La tonalidad finalmente llegó a un punto crítico en 1908, cuando Arnold Schoenberg compuso el segundo cuarteto de cuerda con soprano, Op. 10. El último movimiento de esta pieza no contiene armadura, [20] marcando un punto de transición decisivo del Romanticismo al Modernismo.
Dentro de esta era modernista recién establecida, se fundaron varios movimientos paralelos nuevos como reacción contra el romanticismo tardío. Los más destacados de estos movimientos incluyeron el expresionismo , con Arnold Schoenberg y la Segunda Escuela de Viena como sus principales promotores, el neoclasicismo con Igor Stravinsky como su compositor más influyente y el futurismo con Luigi Russolo como uno de sus principales defensores.
El expresionismo musical está estrechamente asociado con la música de la Segunda Escuela de Viena durante su período "atonal libre" de 1908 a 1921. [21] Uno de los principales objetivos de este movimiento era evitar las "formas tradicionales de belleza" para transmitir sentimientos poderosos en su música. [22] En esencia, la música expresionista a menudo presenta un alto nivel de disonancia, contrastes extremos de dinámica, cambios constantes de texturas, melodías y armonías "distorsionadas" y melodías angulares con grandes saltos. [23]
A principios de la década de 1920, Schoenberg desarrolló la técnica de los doce tonos , un método de composición musical que garantiza que las 12 notas de la escala cromática suenen con tanta frecuencia como las demás en una composición, evitando al mismo tiempo el énfasis de cualquier nota [24] el uso de filas de tonos y el ordenamiento de las 12 clases de tonos . Esta nueva técnica fue adoptada rápidamente por miembros de la Segunda Escuela Vienesa , concretamente Anton Webern , quien refinó el sistema y se convirtió en una influencia masiva para el desarrollo del serialismo .
Después del final de la Primera Guerra Mundial , otro grupo de compositores, liderado informalmente por Igor Stravinsky , comenzó a regresar a las tradiciones pasadas en busca de inspiración y escribió obras que extraen de ellas elementos como la forma, la armonía, la melodía y la estructura. Este tipo de música quedó así etiquetada como neoclasicismo . Ejemplos de compositores y obras de este nuevo estilo incluyen; Igor Stravinsky ( Pulcinella ), Sergei Prokofiev ( Sinfonía clásica ), Maurice Ravel ( Le Tombeau de Couperin ), Manuel de Falla ( El retablo de maese Pedro ) y Paul Hindemith ( Sinfonía: Mathis der Maler ).
Compositores italianos como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo contribuyeron al desarrollo del futurismo musical . Este género intenta recrear sonidos cotidianos y ubicarlos dentro de un contexto "futurista". La "Música de Máquina" de George Antheil (comenzando con su Segunda Sonata, "El Avión") y Alexander Mosolov (más notoriamente su Fundición de Hierro ) se desarrolló a partir de esto. El proceso de ampliar el vocabulario musical mediante la exploración de todos los tonos disponibles fue impulsado aún más por el uso de Microtonos . Esto se puede comprobar en obras de compositores como Charles Ives , Julián Carrillo , Alois Hába , John Foulds , Ivan Wyschnegradsky , Harry Partch y Mildred Couper . Los microtonos son intervalos menores que un semitono ; las voces humanas y las cuerdas sin trastes pueden producirlas fácilmente intercalándose entre las notas "normales", sin embargo, otros instrumentos musicales tendrán más dificultades para lograr el mismo resultado. El piano y el órgano no tienen ningún medio de producirlos, aparte de una afinación o una reconstrucción importante.
La década de 1930 resultó ser una época difícil para la escena musical modernista en Europa cuando Adolf Hitler y el Partido Nazi tomaron el poder en Alemania y los austrofascistas tomaron el poder en Austria . Como resultado, la mayor parte de la música modernista que presentaba atonalidad , disonancia y "ritmos perturbadores" fue considerada música degenerada y prohibida. La música de Alban Berg , Hans Eisler , Paul Hindemith , Arnold Schoenberg , Anton von Webern , Kurt Weill y otros antiguos compositores destacados, así como de compositores judíos como Felix Mendelssohn , Giacomo Meyerbeer , Jacques Offenbach e incluso George Gershwin e Irving Berlin. , ya no estaban programados ni se permitía realizarlos. [25] Como resultado de estas nuevas políticas, muchos compositores modernistas destacados como Arnold Schoenberg e Igor Stravinsky se vieron obligados a huir a los Estados Unidos, mientras que otros, como Anton Webern, se vieron obligados a componer sus obras en secreto.
La Segunda Guerra Mundial fue enormemente devastadora para Europa y una nueva generación de compositores tuvo que retomar las piezas y restablecer la escena de la música artística . A través del redescubrimiento y promoción de los compositores de antes de la guerra, en particular el de Anton Webern y Edgard Varèse , el serialismo llegó a convertirse en una de las técnicas más dominantes dentro del establishment de la música clásica durante las siguientes décadas. Influenciado por los trabajos pioneros de la Segunda Escuela de Viena , a partir de 1946, el Darmstädter Ferienkurse inició un programa anual de verano en Darmstadt , Alemania , donde se enseñaban y promovían formas modernistas de música clásica. Entre los compositores más importantes que surgieron de estos cursos se encuentran Pierre Boulez , Bruno Maderna , Luigi Nono y Karlheinz Stockhausen . En conjunto, este grupo llegó a ser conocido como la Escuela de Darmstadt . Entre sus principales objetivos estaba restablecer y ampliar las filosofías serialistas establecidas por personas como Arnold Schoenberg y Anton Webern . [27] También se animó a Igor Stravinsky a explorar la música en serie y los compositores de la Segunda Escuela de Viena , comenzando el tercer y último período musical distinto de Stravinsky, que duró desde 1954 hasta su muerte en 1971. [28] [29] [30] Sin embargo , algunos compositores más tradicionales como Dmitri Shostakovich y Benjamin Britten mantuvieron un estilo de composición tonal a pesar del destacado movimiento serialista.
Estados Unidos tomó una dirección algo diferente hacia el modernismo en comparación con sus homólogos europeos a principios de la era de la posguerra. Compositores estadounidenses como John Cage , Morton Feldman , Earle Brown y Christian Wolff [31] formaron un círculo informal de músicos llamado Escuela de Nueva York . Este grupo estaba mucho menos preocupado por trabajar con el serialismo y más bien se centró en experimentar con el azar. Sus composiciones influyeron en la música y los acontecimientos del grupo Fluxus , y tomaron su nombre de los pintores expresionistas abstractos . Sin embargo, compositores como Milton Babbitt , George Rochberg y Roger Sessions crearon sus propias extensiones del serialismo dodecafónico de Schoenberg .
Uno de los desarrollos más importantes e influyentes de la escena musical modernista en Estados Unidos fue el concepto de indeterminación en la música . Encabezado por John Cage , este nuevo enfoque compositivo dejó algunos aspectos de una obra musical abiertos al azar o a la libre elección del intérprete. Esto se puede ver en Music of Changes (1951) de Cage , donde el compositor selecciona la duración, el tempo y la dinámica utilizando el I Ching , un antiguo libro chino que prescribe métodos para llegar a números aleatorios. [32] Otro ejemplo es "Intersection No. 2" (1951) de Morton Feldman para piano solo, escrita en papel coordinado. Las unidades de tiempo están representadas por los cuadrados vistos horizontalmente, mientras que los niveles de tono relativos alto, medio y bajo están indicados por tres cuadrados verticales en cada fila. El intérprete determina qué tonos y ritmos particulares tocar. [33]
En Europa se desarrolló un método de composición similar. Acuñado como " música aleatoria " por Meyer-Eppler y popularizado por el compositor francés Pierre Boulez , [34] este nuevo estilo compositivo no entregó completamente su creación e interpretación al azar sino que los acontecimientos anotados son proporcionados por el compositor, pero sus El arreglo se deja a la determinación del intérprete. Un ejemplo destacado de este estilo se puede ver en la obra Klavierstück XI (1956) de Karlheinz Stockhausen , donde los diecinueve acontecimientos presentados están compuestos y anotados de forma tradicional, pero la disposición de estos acontecimientos la determina el intérprete de forma espontánea durante la actuación. Otro ejemplo se puede ver en Available Forms II (1962) de Earle Brown , donde se pide al director que decida el orden de los acontecimientos en el mismo momento de la actuación. [35]
Poco después del final de la Segunda Guerra Mundial también comenzaron a tomar forma importantes avances en la música electrónica . A finales de la década de 1940, el ingeniero acústico y radiocientífico Pierre Schaeffer creó un nuevo estilo de composición llamado Musique concrète , en el que los sonidos grabados se utilizan como materia prima. [36] Estos sonidos grabados a menudo se modifican mediante la aplicación de procesamiento de señales de audio y técnicas de música en cinta , y pueden ensamblarse en una forma de collage de sonido . [nb 1] Las obras pioneras de Schaeffer atrajeron e inspiraron a una nueva generación de compositores como Karlheinz Stockhausen , Iannis Xenakis , Pierre Boulez y otros para probar suerte en este nuevo mundo y desarrollar sus propias innovaciones.
Durante las décadas de 1960 y 1970, comenzó a surgir una reacción contra el estricto serialismo promovido por entidades como la Escuela de Darmstadt , que esencialmente se había apoderado del establishment musical académico. En Estados Unidos , una nueva forma de música artística llamada música minimalista había surgido como reacción contra la complejidad percibida como extrema e insuperable del serialismo . [38] En cambio, la música minimalista se centra en la repetición de acordes comunes que cambian lentamente en ritmos constantes, a menudo superpuestos con una melodía lírica en frases largas y arqueadas. [39]
Europa también experimentó una reacción similar contra el serialismo estricto , como puede verse en el surgimiento del movimiento Nueva Simplicidad encabezado por compositores como Wolfgang Rihm . En general, estos compositores se esforzaron por lograr una inmediatez entre el impulso creativo y el resultado musical, lo que contrasta con la elaborada planificación precomposicional característica de los altos modernistas. Algunos escritores sostienen que el representante de la Escuela de Darmstadt, Karlheinz Stockhausen , había anticipado esta reacción mediante una simplificación radical de su estilo realizada entre 1966 y 1975, que culminó en sus melodías Tierkreis . [40] [41] [42]
El impresionismo fue un movimiento entre varios compositores de música clásica occidental desde aproximadamente 1890 hasta 1920, cuya música se centra en el estado de ánimo y la atmósfera. [43] Al igual que el impresionismo en la pintura y el impresionismo en la literatura, el impresionismo musical intenta representar impresiones de momentos. La característica más destacada de la música impresionista es el timbre y la instrumentación . Las capas de niveles musicales son típicas pero también incluyen; un bajo profundo pero no intrusivo, voces medias conmovedoras y un motivo significativo en las voces superiores, y no está sujeto a las leyes del procesamiento clásico-romántico habitual (disminución, secesión, etc.), sino que se trata más bien de forma asociativa. Los compositores más destacados de este movimiento incluyen a Claude Debussy , Erik Satie y Maurice Ravel .
El expresionismo fue un movimiento musical en el que los compositores buscaban una inmediatez subjetiva de expresión, extraída lo más directamente posible del alma humana. Para lograrlo se deseaba una ruptura con la tradición en cuanto a la estética tradicional y las formas anteriores. Estilísticamente, el cambio de función de las disonancias es particularmente sorprendente; aparecen en pie de igualdad con las consonancias y ya no se resuelven: lo que también se llamó la "emancipación de la disonancia". El sistema tonal se disuelve en gran medida y se expande hasta alcanzar la atonalidad . Las características musicales incluyen: tonos extremos , contrastes dinámicos extremos (de susurros a gritos, de pppp a ffff ), líneas melódicas irregulares con grandes saltos; Métricamente desatada, ritmo libre e instrumentación novedosa . Forma: estructura de período asimétrica; rápida sucesión de momentos contrastantes; a menudo piezas "aforísticas" muy breves. Los principales representantes de este movimiento son los compositores de la Segunda Escuela Vienesa: Arnold Schönberg , Anton Webern y Alban Berg .
El futurismo fue un movimiento originario de Italia que rechazó la tradición e introdujo sonidos experimentales inspirados en la maquinaria. Gran parte de los orígenes de este nuevo género se remontan al pintor y compositor Luigi Russolo , quien en 1913 publicó su innovador manifiesto, El arte de los ruidos, en el que pedía la incorporación de ruidos de todo tipo a la música. [44] Esto inspiró a sus compañeros compositores italianos Francesco Balilla Pratella y Franco Casavola a seguir sus pasos. Esta nueva estética también fue rápidamente adoptada por la vanguardia rusa creando un movimiento paralelo de futuristas rusos . Entre los compositores rusos más destacados de esta tradición se encuentran Mikhail Matyushin y Nikolai Roslavets .
El neoclasicismo fue un movimiento, especialmente prevalente durante el período de entreguerras , en el que los compositores buscaron volver a los preceptos estéticos asociados con el concepto ampliamente definido de " clasicismo ", a saber, orden, equilibrio, claridad, economía y moderación emocional. Como tal, el neoclasicismo fue una reacción contra el emocionalismo desenfrenado y la percepción de falta de forma del romanticismo tardío , así como un "llamado al orden" después del fermento experimental de las dos primeras décadas del siglo XX. El impulso neoclásico encontró su expresión en características tales como el uso de fuerzas interpretativas reducidas, un énfasis en el ritmo y la textura contrapuntística , una armonía tonal actualizada o ampliada y una concentración en la música absoluta en contraposición a la música programática romántica . Los principales representantes de este movimiento son Igor Stravinsky y Sergei Prokofiev .
