La música absoluta (a veces música abstracta ) es música que no trata explícitamente "sobre" nada; a diferencia de la música programada , no es representacional . [1] La idea de música absoluta se desarrolló a finales del siglo XVIII en los escritos de autores del primer romanticismo alemán , como Wilhelm Heinrich Wackenroder , Ludwig Tieck y ETA Hoffmann , pero el término no se acuñó hasta 1846, donde se utilizó por primera vez. de Richard Wagner en un programa de la Novena Sinfonía de Beethoven . [1] [2]
Las ideas estéticas que subyacen a la música absoluta derivan de debates sobre el valor relativo de lo que en los primeros años de la teoría estética se conocía como bellas artes. Kant , en su Crítica del juicio , descartó la música como "más una cuestión de disfrute que de cultura" y "menos valiosa en el juicio de la razón que cualquier otra de las bellas artes" [3] debido a su falta de contenido conceptual, tratando así como déficit la característica misma de la música que otros celebraban. Johann Gottfried Herder , por el contrario, consideraba la música como la más alta de las artes debido a su espiritualidad, que Herder atribuía a la invisibilidad del sonido. [4] Las consiguientes discusiones entre músicos, compositores, historiadores de la música y críticos continúan hoy.
Un grupo de románticos formado por Johann Gottfried Herder , Johann Wolfgang Goethe , Jean Paul Richter y ETA Hoffmann dio origen a la idea de lo que se puede denominar "absolutismo espiritual". [5] En este sentido, la música instrumental trasciende otras artes y lenguajes para convertirse en el discurso de un "reino superior", una idea expresada en la reseña de Hoffmann de la Quinta Sinfonía de Beethoven, publicada en 1813. [6] Estos pensadores creían que la música podía ser más poderoso emocionalmente y estimulante sin palabras. Según Richter, la música eventualmente "sobreviviría" a la palabra. [7]
El formalismo es el concepto de música por la música, o de que el "significado" de la música está enteramente en su forma. En este sentido, la música no tiene ningún significado extramusical y se disfruta apreciando su estructura formal y construcción técnica. [8] El crítico musical del siglo XIX Eduard Hanslick argumentó que la música podía disfrutarse como sonido y forma puros, y que no necesitaba ninguna connotación de elementos extramusicales para garantizar su existencia. Sostuvo que, de hecho, estas ideas e imágenes extramusicales restaban valor a la belleza de la música.
La música no tiene tema más allá de las combinaciones de notas que escuchamos, porque la música no habla sólo por medio de sonidos, sino que no habla más que sonidos.
—Eduard Hanslick [9]
Por lo tanto, el formalismo rechazó géneros como la ópera , la canción y los poemas sinfónicos, ya que transmitían significados explícitos o imágenes programáticas. Las formas sinfónicas se consideraban más estéticamente puras. (El final coral de la Novena Sinfonía de Beethoven , así como la Sexta Sinfonía programática , se volvieron problemáticos para los críticos formalistas que habían defendido al compositor como un pionero de lo Absoluto, especialmente con los últimos cuartetos de cuerda de Beethoven). Carl Dahlhaus describió la música absoluta como música sin "concepto, objeto ni propósito". [10]
Richard Wagner se opuso abiertamente a la música absoluta, frase que acuñó. [11] Wagner consideró el final coral de la Novena Sinfonía de Beethoven como la prueba de que la música funciona mejor con palabras, y dijo la famosa frase: "Donde la música no puede ir más lejos, llega la palabra... la palabra está por encima del tono". ". [12] Wagner también llamó a la Novena Sinfonía de Beethoven la sentencia de muerte de la sinfonía, porque estaba mucho más interesado en combinar todas las formas de arte con su Gesamtkunstwerk .
Hoy en día, continúa el debate sobre si la música tiene, o debería tener, un significado extramusical o no. Sin embargo, la mayoría de las opiniones contemporáneas [ ¿cuáles? ] , que refleja ideas que surgen de puntos de vista sobre la subjetividad en el significado lingüístico que surgen en la lingüística cognitiva , así como el trabajo de Kuhn sobre los sesgos culturales en la ciencia y otras ideas sobre el significado y la estética (por ejemplo, Wittgenstein sobre las construcciones culturales en el pensamiento y el lenguaje [13] ) , parecen estar avanzando hacia un consenso de que la música proporciona al menos alguna significación o significado, en términos del cual se entiende .
Las bases culturales de la comprensión musical han sido destacadas en la obra de Philip Bohlman , quien considera la música como una forma de comunicación cultural:
Hay quienes creen que la música no representa nada más que ella misma. Sostengo que constantemente le estamos dando habilidades nuevas y diferentes para representar quiénes somos. [14]
Bohlman continuó argumentando que el uso de la música, por ejemplo entre la diáspora judía , era de hecho una forma de construcción de identidad .
Susan McClary ha criticado la noción de "música absoluta", argumentando que toda música, ya sea explícitamente programática o no, contiene programas implícitos que reflejan los gustos, la política, las filosofías estéticas y las actitudes sociales del compositor y su situación histórica. Estos estudiosos argumentarían que la música clásica rara vez trata sobre nada, sino que refleja gustos estéticos que a su vez están influenciados por la cultura, la política y la filosofía. Los compositores suelen estar atados a una red de tradiciones e influencias, en la que se esfuerzan por situarse conscientemente en relación con otros compositores y estilos. [15] Lawrence Kramer , por otro lado, cree que la música no tiene medios para reservar una "capa o bolsillo específico para el significado. Una vez que se ha puesto en conexión sostenible con una estructura de prejuicios, la música simplemente se vuelve significativa". [dieciséis]
La música que parece exigir una interpretación, pero que es lo suficientemente abstracta como para garantizar la objetividad (por ejemplo, la Sexta Sinfonía de Tchaikovsky ), es a lo que Lydia Goehr llama "autonomía de doble cara". [17] Esto sucede cuando las propiedades formalistas de la música se volvieron atractivas para los compositores porque, al no tener ningún significado del que hablar, la música podía usarse para imaginar un orden cultural y/o político alternativo, mientras escapaba del escrutinio de la censura.
Sobre el tema del significado musical, Wittgenstein , en varios puntos de su último diario Cultura y valor , [18] atribuye significado a la música, por ejemplo, que al final se llega a una conclusión, por ejemplo:
[Uno] puede señalar lugares particulares en una melodía de Schubert y decir: mira, ese es el punto de la melodía, aquí es donde el pensamiento llega a un punto crítico.
Jerrold Levinson se ha basado ampliamente en Wittgenstein para comentar:
La música inteligible guarda con el pensamiento literal precisamente la misma relación que el discurso verbal inteligible. Si esa relación no es ejemplificación sino, digamos, expresión, entonces la música y el lenguaje están, en cualquier caso, en el mismo y bastante cómodo barco. [19]