El modernismo estadounidense , al igual que el movimiento modernista en general, es una tendencia de pensamiento filosófico que surgió de los cambios generalizados en la cultura y la sociedad en la era de la modernidad . El modernismo estadounidense es un movimiento artístico y cultural en los Estados Unidos que comenzó a principios del siglo XX, con un período central entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial. Al igual que su contraparte europea, el modernismo estadounidense surgió de un rechazo del pensamiento de la Ilustración , buscando representar mejor la realidad en un mundo nuevo y más industrializado. [1]
El arte modernista tiene una tendencia característica a la abstracción, es innovador, estético, futurista y autorreferencial. Incluye las artes visuales , la literatura , la música, el cine , el diseño , la arquitectura y el estilo de vida . Reacciona contra el historicismo , las convenciones artísticas y la institucionalización del arte. El arte no solo debía tratarse en academias, teatros o salas de conciertos, sino que debía incluirse en la vida cotidiana y ser accesible para todos. Además, las instituciones culturales se concentraron en las bellas artes y los académicos prestaron poca atención a los estilos revolucionarios del modernismo. El progreso económico y tecnológico en los EE. UU. durante los locos años veinte dio lugar a un utopismo generalizado , que influyó en algunos artistas modernistas, mientras que otros se mostraron escépticos ante la adopción de la tecnología. La victoria en la Primera Guerra Mundial confirmó el estatus de los EE. UU. como actor internacional y dio a la gente confianza en sí misma y un sentimiento de seguridad. En este contexto, el modernismo estadounidense marcó el comienzo del arte estadounidense como distinto y autónomo del gusto europeo, al romper las convenciones artísticas que se habían moldeado según las tradiciones europeas hasta entonces.
El modernismo estadounidense se benefició de la diversidad de culturas inmigrantes. Los artistas se inspiraron en las culturas populares africanas, caribeñas, asiáticas y europeas e incorporaron estos estilos exóticos en sus obras.
El movimiento modernista estadounidense fue un reflejo de la vida estadounidense en el siglo XX. En un mundo en rápida industrialización y con un ritmo de vida acelerado, era fácil que el individuo se dejara absorber por la inmensidad de las cosas, que quedara vagando, sin propósito. Se estaban poniendo a prueba las fronteras sociales en cuanto a raza, clase, sexo, riqueza y religión. A medida que la estructura social se vio desafiada por nuevas opiniones, los límites de las normas y la estructura social tradicionales se disolvieron, y lo que quedó fue una pérdida de identidad, que se tradujo finalmente en aislamiento, alienación y un sentimiento general de separación de cualquier tipo de "todo". La unidad de un país que se había movilizado para la guerra estaba muriendo, junto con ella la ilusión de las cortesías que vendía a sus soldados y a su pueblo. El mundo quedó violento, vulgar y espiritualmente vacío.
El trabajador de clase media cayó en una posición claramente imperceptible, un engranaje demasiado pequeño para esperar encontrar reconocimiento en una máquina mucho más grande. Los ciudadanos se vieron abrumados por su propia futilidad. Los sueños de los jóvenes se hicieron añicos con el fracaso y una decepción desilusionante al reconocer el límite y la pérdida. Las vidas de los desilusionados y marginados se volvieron más centrales. La capacidad de definirse a sí mismo a través del trabajo duro y el ingenio, de crear una visión propia de sí mismo sin la ayuda de los medios tradicionales, pasó a ser un valor. Algunos autores apoyaron esto, mientras que otros, como F. Scott Fitzgerald, cuestionaron lo seductores pero destructivamente falsos que pueden ser los valores del privilegio.
Los Estados Unidos modernistas tuvieron que encontrar un terreno común en un mundo que ya no estaba unificado en sus creencias. La unidad que encontraron residía en el terreno común de la conciencia compartida en toda la experiencia humana. Se hizo hincapié en la importancia del individuo; la naturaleza verdaderamente limitada de la experiencia humana formó un vínculo que trascendía todos los puentes de raza, clase, sexo, riqueza o religión. De esta manera, la sociedad encontró un significado compartido, incluso en medio del caos.
Algunos ven el modernismo en la tradición del esteticismo del siglo XIX y el movimiento del " arte por el arte ". Clement Greenberg sostiene que el arte modernista excluye "todo lo que está fuera de sí mismo". Otros ven el arte modernista, por ejemplo en la música blues y jazz , como un medio para las emociones y los estados de ánimo, y muchas obras tratan temas contemporáneos, como el feminismo y la vida urbana. Algunos artistas y teóricos incluso añadieron una dimensión política al modernismo estadounidense.
El diseño y la arquitectura modernistas estadounidenses permitieron a la gente llevar una vida moderna. La vida laboral y familiar cambió radical y rápidamente debido al auge económico de la década de 1920. En Estados Unidos, el automóvil se hizo popular y asequible para muchos, el tiempo libre y el entretenimiento ganaron importancia y el mercado laboral se abrió para las mujeres. Para hacer la vida más eficiente, los diseñadores y arquitectos apuntaron a la simplificación de las tareas domésticas.
La Gran Depresión de finales de los años 20 y durante los años 30 desilusionó a la gente sobre la estabilidad económica del país y erosionó el pensamiento utópico. El estallido y los terrores de la Segunda Guerra Mundial provocaron más cambios en la mentalidad. El período de posguerra que siguió se denominó modernismo tardío . [2] La era posmodernista se consideró generalmente característica del arte de finales del siglo XX a partir de la década de 1980.
No existe una fecha única para el inicio de la era moderna en Estados Unidos, ya que a principios del siglo XX decenas de pintores estaban activos. Fue la época en la que aparecieron los primeros paisajes cubistas ( precisionismo ), bodegones y retratos; los colores brillantes entraron en las paletas de los pintores y se exhibieron en las galerías las primeras pinturas no objetivas .
El movimiento modernista durante los años de formación también se estaba volviendo popular en la ciudad de Nueva York en 1913 en la popular galería estudio de Manhattan de Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962) y a través del trabajo del Whitney Studio Club en 1918. [3] [4] Según Davidson, el comienzo de la pintura modernista estadounidense se puede fechar en la década de 1910. La primera parte del período duró 25 años y terminó alrededor de 1935, cuando el arte moderno se denominó lo que Greenberg llamó la vanguardia .
El Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York exhibió las obras contemporáneas de artistas europeos y estadounidenses. Las pinturas impresionistas , fauvistas y cubistas sorprendieron a muchos espectadores estadounidenses que estaban acostumbrados al arte más convencional. Sin embargo, inspirados por lo que vieron, muchos artistas estadounidenses se sintieron influenciados por las ideas radicales y nuevas.
El comienzo del siglo XX estuvo marcado por la exploración de diferentes técnicas y formas de expresión artística. Muchos artistas estadounidenses como Wilhelmina Weber , Man Ray , Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy y otros fueron a Europa, especialmente a París, para hacer arte. La formación de varias asambleas artísticas condujo a la multiplicidad de significados en las artes visuales. La Escuela Ashcan se reunió en torno al realismo ( Robert Henri o George Luks ); el círculo de Stieglitz glorificó las visiones abstractas de la ciudad de Nueva York ( Max Weber , Abraham Walkowitz ); los pintores de color evolucionaron en dirección a las " sincromías " abstractas y coloridas ( Stanton Macdonald-Wright y Morgan Russell ), mientras que el precisionismo visualizó el paisaje industrializado de América en forma de geometrización nítida y dinámica ( Joseph Stella , Charles Sheeler , Morton Livingston Schamberg , Charles Rosen y Charles Demuth ). Con el tiempo, artistas como Charles Burchfield , Marsden Hartley , Stuart Davis , Arthur Dove , Georgia O'Keeffe, considerada la madre del modernismo estadounidense, John Marin , Arthur Beecher Carles , Alfred Henry Maurer , Andrew Dasburg , James Daugherty , John Covert , Henrietta Shore , William Zorach , Marguerite Thompson (Zorach), Manierre Dawson , Arnold Friedman y Oscar Bluemner marcaron el comienzo de la era del modernismo en la Escuela de Nueva York .
El cambio de enfoque y la multiplicidad de temas en las artes visuales también es un sello distintivo del arte modernista estadounidense. Así, por ejemplo, el grupo The Eight centró su atención en la ciudad moderna y puso énfasis en la diversidad de las diferentes clases de ciudadanos. Dos de los representantes más importantes de The Eight, Robert Henri y John Sloan, realizaron pinturas sobre la diversidad social, a menudo tomando como tema principal a los habitantes de los barrios marginales de las ciudades industrializadas. Los últimos años de la década de 1920 y los años 1930 pertenecieron (entre muchos otros) a dos movimientos de la pintura estadounidense, el regionalismo y el realismo social . Los regionalistas se centraron en el colorido del paisaje estadounidense y las complejidades de la vida rural, mientras que los realistas sociales se adentraron en los temas de la Gran Depresión , la pobreza y la injusticia social. Los realistas sociales protestaron contra el gobierno y el establishment que parecían hipócritas, parciales e indiferentes a los asuntos de las desigualdades humanas. La abstracción, el paisaje y la música fueron temas modernistas populares durante la primera mitad del siglo XX. Artistas como Charles Demuth, que creó su obra maestra I Saw The Figure Five in Gold en 1928, Morton Schamberg (1881-1918) y Charles Sheeler también estuvieron estrechamente relacionados con el movimiento precisionista . Sheeler solía pintar paisajes urbanos y arquitectura industrial, como lo ejemplifica su cuadro Amoskeag Canal de 1948. El jazz y la música fueron representados de manera improvisada por Stuart Davis , como lo ejemplifica Hot Still-Scape para Six Colors – 7th Avenue Style, de 1940.
El modernismo tendió un puente entre el arte y un público socialmente diverso en los Estados Unidos. Un número cada vez mayor de museos y galerías se propusieron acercar la modernidad al público en general. A pesar de la resistencia inicial a la celebración del progreso, la tecnología y la vida urbana, las artes visuales contribuyeron enormemente a la autoconciencia y la conciencia del pueblo estadounidense. La nueva pintura modernista arrojó luz sobre los estados emocionales y psíquicos del público, lo que fue fundamental para la formación de una identidad estadounidense.
Numerosas direcciones del "modernismo" estadounidense no dieron como resultado un estilo coherente.
Georgia O'Keeffe , conocida como la "Madre del modernismo estadounidense", [5] ha sido una figura importante del modernismo estadounidense desde la década de 1920. Ha recibido un amplio reconocimiento por desafiar los límites del estilo artístico estadounidense moderno. Es principalmente conocida por sus pinturas de flores, rocas, conchas, huesos de animales y paisajes en los que sintetizó la abstracción y la representación. [6] Cabeza de carnero, malvarrosa blanca y pequeñas colinas, de 1935, es una pintura muy conocida de O'Keeffe.
Arthur Dove utilizó una amplia gama de medios, a veces en combinaciones poco convencionales para producir sus abstracciones y sus paisajes abstractos. Me and the Moon de 1937 es un buen ejemplo de un paisaje abstracto de Arthur Dove y se ha mencionado como una de las obras culminantes de su carrera. [7] Dove realizó una serie de obras de collage experimentales en la década de 1920. También experimentó con técnicas, combinando pinturas como óleo mezclado a mano o témpera sobre una emulsión de cera .
El pintor afroamericano Aaron Douglas (1899-1979) es uno de los pintores modernistas afroamericanos más conocidos e influyentes. Sus obras contribuyeron en gran medida al desarrollo de un movimiento estético que está estrechamente relacionado con características distintivas de la herencia y la cultura afroamericanas. Douglas influyó en las artes visuales afroamericanas, especialmente durante el Renacimiento de Harlem .
Una de las pinturas más populares de Douglas es La Crucifixión . Fue publicada en God's Trombones de James Weldon Johnson en 1927. La escena de la crucifixión que se representa en la pintura muestra varios elementos que constituyen el arte de Douglas: delineación clara, cambio de sombras y luz, cuerpos humanos estilizados y figuras geométricas como círculos concéntricos en contraste con formas lineales. El tema de la pintura se asemeja no solo a la escena bíblica, sino que también puede verse como una alusión a la tradición religiosa afroamericana: el Jesús de gran tamaño y oscuro lleva su cruz, con los ojos dirigidos al cielo desde donde se proyecta luz sobre sus seguidores. Soldados romanos estilizados flanquean la escena con sus lanzas puntiagudas. Como resultado, al observador se le recuerda, por ejemplo, la tradición evangélica afroamericana, pero también una historia de represión. Beauford Delaney , Charles Alston , Jacob Lawrence y Romare Bearden también fueron importantes pintores modernistas afroamericanos que inspiraron a generaciones de artistas que los siguieron.
Al comienzo del modernismo americano, la fotografía aún luchaba por ser reconocida como una forma de arte. El fotógrafo Alfred Stieglitz lo describió así: "Los artistas que vieron mis primeras fotografías comenzaron a decirme que me envidiaban; que sentían que mis fotografías eran superiores a sus pinturas, pero que, desafortunadamente, la fotografía no era un arte. No podía entender por qué los artistas debían envidiarme por mi trabajo, pero, al mismo tiempo, lo criticaban porque estaba hecho a máquina". (Stieglitz:8). En 1902, Stieglitz fundó el grupo Photo-Secession con miembros como Edward Steichen , Gertrude Käsebier y Clarence Hudson White , que tenía el objetivo de elevar el estándar y aumentar el conocimiento de la fotografía artística. En ese momento, su estilo principal era el pictorialista , que se caracterizaba por modificar las fotos mediante enfoque suave, filtros especiales o procesos de impresión exóticos, para imitar el estilo de las pinturas y grabados de la época. Como medio de publicación, Stieglitz, como fuerza impulsora del movimiento, inició la revista Camera Work , en la que publicó a los artistas que, según él, representaban al movimiento. También dirigió tres galerías una tras otra, a saber, "291" (1905-1917), "The Intimate Gallery" (1925-1929) y "An American Place" (1929-1947). Especialmente 291 sirvió como punto de encuentro para artistas y escritores y fue el primero en exhibir las primeras obras de arte modernista de artistas europeos, como Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau , Paul Cézanne y Pablo Picasso , en los Estados Unidos. Otro vínculo con la vanguardia europea lo estableció Man Ray . Nacido en Estados Unidos e inspirado por las obras que vio en las galerías de Stieglitz, Ray emigró a París en 1921 y junto con artistas de los movimientos europeos Dada y Surrealista creó nuevas técnicas fotográficas como las rayografías (colocar objetos directamente sobre papel fotosensible).
A principios de la década de 1920, los fotógrafos se inclinaron hacia lo que llamaron fotografía directa . En contraste con el estilo pictorialista, ahora rechazaban cualquier tipo de manipulación en el proceso fotográfico (por ejemplo, lentes blandas, métodos especiales de revelado o impresión) y trataban de utilizar las ventajas de la cámara como un medio único para capturar la realidad. Se suponía que sus motivos parecían lo más objetivos posible. Alejándose del retrato clásico y del estilo pictorialista, los fotógrafos comenzaron a utilizar sus imágenes como medios para representar las duras realidades de la vida cotidiana, pero al mismo tiempo intentaron buscar la belleza en el detalle o la estructura estética general. Las máquinas y el trabajo en fábricas, los rascacielos y las innovaciones técnicas se convirtieron en motivos destacados. En 1932, algunos fotógrafos más jóvenes (por ejemplo, Ansel Adams , Imogen Cunningham , Willard Van Dyke , Edward Weston ) comenzaron el Grupo f/64 basado en los ideales de la fotografía directa, que se convirtió en la asociación más progresista de su tiempo.
La literatura modernista estadounidense fue una tendencia dominante en la literatura estadounidense entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial . La era modernista destacó la innovación en la forma y el lenguaje de la poesía y la prosa, además de abordar numerosos temas contemporáneos, como las relaciones raciales, el género y la condición humana. Muchos modernistas estadounidenses se expatriaron en Europa durante este tiempo, y a menudo se convirtieron en incondicionales del movimiento europeo, como fue el caso de TS Eliot , Ezra Pound y Gertrude Stein . Estos escritores a menudo fueron conocidos como la Generación Perdida . [8]
Como reacción a esta tendencia, muchos autores y poetas estadounidenses iniciaron una corriente de "nativismo", que buscaba representar la experiencia estadounidense moderna en Estados Unidos. Entre los contribuyentes notables a esta tendencia se incluyen William Carlos Williams , Wallace Stevens y Marianne Moore . Estos poetas solían criticar las obras de escritores expatriados como Eliot y Pound, como lo demuestran poemas como Spring y All .
Influenciados por la Primera Guerra Mundial, muchos escritores modernistas estadounidenses exploraron las heridas psicológicas y las cicatrices espirituales de la experiencia de la guerra. La crisis económica en Estados Unidos a principios de la década de 1930 también dejó una marca en la literatura, como en Las uvas de la ira de John Steinbeck . Un tema relacionado es la pérdida de la identidad y la necesidad de autodefinición, a medida que los trabajadores se desvanecían en el fondo de la vida de la ciudad, engranajes inadvertidos dentro de una máquina ansiosa por autodefinirse. Los modernistas estadounidenses se hicieron eco del enfoque de mediados del siglo XIX en el intento de "construir un yo", un tema ilustrado por El gran Gatsby de Fitzgerald . La locura y sus manifestaciones parecen ser otro tema modernista favorito, como se ve en El emperador Jones de Eugene O'Neill , El guerrero de Hemingway y That Evening Sun de Faulkner . Sin embargo, todos estos aspectos negativos dieron lugar a nuevas esperanzas y aspiraciones y a la búsqueda de un nuevo comienzo, no sólo para los individuos contemporáneos, sino también para los personajes de ficción de la literatura modernista estadounidense.
La literatura modernista también permitió el desarrollo de tendencias regionales dentro de la literatura estadounidense, incluido el Renacimiento de Harlem y el modernismo sureño. El Renacimiento de Harlem marcó un renacimiento para las artes afroamericanas, centralizadas en el área de Harlem de Nueva York. Escritores y pensadores como Alain Locke , Claude McKay , Langston Hughes y Zora Neale Hurston estuvieron entre las figuras clave del movimiento. El movimiento estaba conectado a una moda por la cultura afroamericana, como se ve también en la popularidad de la música jazz, con muchos escritores financiados por mecenas blancos. [9] Muchos escritores de este movimiento utilizaron técnicas modernistas para representar la vida afroamericana, [10] por ejemplo, incorporando los ritmos de la música jazz y los dialectos de la cultura afroamericana en poesía y prosa. [11] El modernismo sureño representó de manera similar la vida y las experiencias únicas del Sur utilizando la estética modernista, con figuras célebres como William Faulkner y Tennessee Williams . [12]
Desde la década de 1930 hasta la de 1960, la Nueva Crítica se convirtió en una fuerza crítica en los Estados Unidos. Fue la perspectiva más poderosa en la crítica literaria estadounidense. Los representantes fueron John Crowe Ransom , Allen Tate , Cleanth Brooks y Robert Penn Warren . "Los influyentes métodos críticos que desarrollaron estos poetas-profesores enfatizaron el perfeccionamiento de las habilidades de lectura atenta. La Nueva Crítica privilegió la evaluación de la poesía como justificación de la erudición literaria". Understanding Poetry (1938) de Brooks y Warren se convirtió en uno de los libros de texto universitarios de poesía más influyentes de la década de 1930 y fue revisado y reimpreso hasta bien entrada la década de 1970. (Morrisson: 29).
La nueva crítica se manifestó en obras como los poemas de Eliot y Yeats . "La poesía que mejor se ajustaba a los criterios estéticos de los nuevos críticos fue enfatizada en importantes antologías de enseñanza en el aula" (Morrisson: 29). TS Eliot redefinió la tradición en su ensayo "La tradición y el talento individual". Formuló conceptos críticos como "correlativos objetivos" y replanteó el canon literario en su elevación del drama jacobino y la poesía metafísica. Su obra tuvo una influencia fundamental en la nueva crítica en Estados Unidos.
Estados Unidos desempeñó un papel importante en el movimiento modernista en lo que respecta a las nuevas tecnologías avanzadas de construcción y edificación. Entre las innovaciones en la construcción se encuentran materiales como el hierro, el acero y el hormigón armado. Puente de Brooklyn de John y Washington Roebling (1869–1883) (para más detalles, véase John Roebling /Washington Roebling)
Louis Henry Sullivan encabezó la llamada escuela de arquitectura de Chicago, que se distinguió por el desarrollo de un diseño funcional junto con materiales modernos. El seguidor de Sullivan, Frank Lloyd Wright, absorbió de su "lieber Master" (querido maestro) la tradición romántica alemana de la arquitectura orgánica. Desarrolló un enfoque nuevo y original para el diseño residencial antes de la Primera Guerra Mundial, que se conoció como el "estilo de la pradera". Combinaba principios de planificación abierta con énfasis horizontal, elevaciones asimétricas de fachadas y techos amplios y protectores. La Casa Robie en Chicago (1909) y el Museo Guggenheim en la ciudad de Nueva York (1946-59) son dos de sus obras seminales.
En sus obras, Wright se acercó cada vez más a un sentido terrenal de la forma natural, utilizando piedra toscamente tallada y madera y procurando siempre en sus casas lograr un efecto de refugio íntimo y protector.
Los arquitectos nacidos en el extranjero, como Richard Neutra , Rudolf Schindler y William Lescaze , desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la arquitectura estadounidense durante la década de 1920, creando un estilo que más tarde recibió el nombre de estilo internacional y se reflejó en el diseño de edificios de oficinas corporativas después de la Segunda Guerra Mundial. Edificios como la Lever House de Skidmore, Owings y Merrill (1952) y el Seagram Building de Ludwig Mies van der Rohe (1956-1958) en la ciudad de Nueva York son ejemplos de este nuevo estilo. Cuando europeos famosos como Walter Gropius y Mies emigraron a los Estados Unidos, muchas escuelas de arquitectura estadounidenses quedaron bajo la influencia de las tradiciones de la Bauhaus en Alemania.
