El pictorialismo es un estilo y movimiento estético internacional que dominó la fotografía a finales del siglo XIX y principios del XX. No existe una definición estándar del término, pero en general se refiere a un estilo en el que el fotógrafo ha manipulado de alguna manera lo que de otro modo sería una fotografía sencilla como medio para crear una imagen en lugar de simplemente registrarla. Por lo general, una fotografía pictórica parece carecer de un enfoque nítido (algunas más que otras), está impresa en uno o más colores distintos del blanco y negro (que van desde el marrón cálido al azul intenso) y puede tener pinceladas visibles u otros colores. manipulación de la superficie. Para el pictorialista, una fotografía, como una pintura, un dibujo o un grabado, era una forma de proyectar una intención emocional en el reino de la imaginación del espectador. [1]
El pictorialismo como movimiento prosperó aproximadamente entre 1885 y 1915, aunque algunos todavía lo promovían hasta la década de 1940. Comenzó en respuesta a las afirmaciones de que una fotografía no era más que un simple registro de la realidad y se transformó en un movimiento para promover el estatus de toda fotografía como una verdadera forma de arte. Durante más de tres décadas, pintores, fotógrafos y críticos de arte debatieron filosofías artísticas opuestas, lo que finalmente culminó con la adquisición de fotografías por parte de varios museos de arte importantes.
El pictorialismo perdió popularidad gradualmente después de 1920, aunque no perdió popularidad hasta el final de la Segunda Guerra Mundial . Durante este período, el nuevo estilo de fotografía modernista se puso de moda y el interés del público se desplazó hacia imágenes más enfocadas, como las que se ven en la obra de Ansel Adams . Varios fotógrafos importantes del siglo XX comenzaron sus carreras en un estilo pictorialista, pero en la década de 1930 hicieron la transición a una fotografía muy enfocada.
Descripción general
La fotografía como proceso técnico que implica el revelado de películas y copias en un cuarto oscuro se originó a principios del siglo XIX, y los precursores de las impresiones fotográficas tradicionales cobraron importancia entre 1838 y 1840. No mucho después de que se estableciera el nuevo medio, fotógrafos, pintores y otros comenzaron a discutir sobre la relación entre los aspectos científicos y artísticos del medio. Ya en 1853, el pintor inglés William John Newton propuso que la cámara podía producir resultados artísticos si el fotógrafo mantenía una imagen ligeramente desenfocada. [2] Otros creían con vehemencia que una fotografía era equivalente al registro visual de un experimento de química. La historiadora de la fotografía Naomi Rosenblum señala que "el carácter dual del medio -su capacidad para producir arte y documentos- [quedó] demostrado poco después de su descubrimiento... Sin embargo, una buena parte del siglo XIX se pasó debatiendo cuál de estos direcciones era la verdadera función del médium." [3]
Estos debates alcanzaron su punto máximo a finales del siglo XIX y principios del XX, culminando con la creación de un movimiento que suele caracterizarse como un estilo particular de fotografía: el pictorialismo. Este estilo se define primero por una expresión claramente personal que enfatiza la capacidad de la fotografía para crear belleza visual en lugar de simplemente registrar hechos. [4] Sin embargo, recientemente los historiadores han reconocido que el pictorialismo es más que un simple estilo visual. Evolucionó en contexto directo con las cambiantes actitudes sociales y culturales de la época y, como tal, no debe caracterizarse simplemente como una tendencia visual. Un escritor ha señalado que el pictorialismo era "simultáneamente un movimiento, una filosofía, una estética y un estilo". [5]
Al contrario de lo que retratan algunas historias de la fotografía, el pictorialismo no surgió como resultado de una evolución lineal de las sensibilidades artísticas; más bien, se formó a través de "un aluvión de estrategias intrincadas, divergentes y a menudo apasionadamente conflictivas". [6] Mientras los fotógrafos y otras personas debatían si la fotografía podría ser arte, el advenimiento de la fotografía afectó directamente los roles y los medios de vida de muchos artistas tradicionales. Antes del desarrollo de la fotografía, un retrato en miniatura pintado era el medio más común para registrar la imagen de una persona. Miles de pintores se dedicaron a esta forma de arte. Pero la fotografía rápidamente negó la necesidad y el interés por los retratos en miniatura. Un ejemplo de este efecto se vio en la exposición anual de la Royal Academy de Londres; en 1830 se exhibieron más de 300 pinturas en miniatura, pero en 1870 sólo se exhibían 33. [7] La fotografía había reemplazado a un tipo de forma de arte, pero la cuestión de si la fotografía en sí misma podía ser artística no se había resuelto.
Algunos pintores pronto adoptaron la fotografía como herramienta para ayudarles a registrar la pose de un modelo, una escena de paisaje u otros elementos para incluir en su arte. Se sabe que muchos de los grandes pintores del siglo XIX, incluidos Delacroix , [8] Courbet , Manet , Degas , Cézanne y Gauguin , tomaron fotografías ellos mismos, utilizaron fotografías de otros e incorporaron imágenes de fotografías en sus obras. [9] Mientras que los acalorados debates sobre la relación entre fotografía y arte continuaron en la prensa y en las salas de conferencias, la distinción entre una imagen fotográfica y una pintura se volvió cada vez más difícil de discernir. A medida que la fotografía siguió desarrollándose, las interacciones entre pintura y fotografía se volvieron cada vez más recíprocas. [10] Más de unos pocos fotógrafos pictóricos, incluidos Alvin Langdon Coburn , Edward Steichen , Gertrude Käsebier , Oscar Gustave Rejlander y Sarah Choate Sears , se formaron originalmente como pintores o se dedicaron a la pintura además de sus habilidades fotográficas.
Fue durante este mismo período que las culturas y sociedades de todo el mundo se vieron afectadas por un rápido aumento de los viajes y el comercio intercontinentales. Los libros y revistas publicados en un continente podían exportarse y venderse en otro con cada vez más facilidad, y el desarrollo de servicios postales fiables facilitó el intercambio individual de ideas, técnicas y, lo que es más importante para la fotografía, impresiones reales. Estos desarrollos llevaron a que el pictorialismo fuera "un movimiento fotográfico más internacional que casi cualquier otro género fotográfico". [11] Los clubes de fotografía de Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Alemania, Austria, Japón y otros países se prestaron regularmente obras para las exposiciones de cada uno, intercambiaron información técnica y publicaron ensayos y comentarios críticos en las revistas de los demás. Dirigido por The Linked Ring en Inglaterra, Photo-Secession en Estados Unidos y el Photo-Club de Paris [fr; Delaware; es] en Francia, primero cientos y luego miles de fotógrafos persiguieron apasionadamente intereses comunes en este movimiento multidimensional. En el lapso de poco más de una década, se encontraron fotógrafos pictóricos notables en Europa occidental y oriental, América del Norte, Asia y Australia.
El impacto de las cámaras Kodak
Durante los primeros cuarenta años después de que se inventara un proceso práctico de captura y reproducción de imágenes, la fotografía siguió siendo dominio de un grupo muy dedicado de personas que tenían conocimientos y habilidades expertos en ciencia, mecánica y arte. Para tomar una fotografía, una persona tenía que aprender mucho sobre química, óptica, luz, mecánica de las cámaras y cómo estos factores se combinan para representar adecuadamente una escena. No era algo que uno pudiera aprender fácilmente o hacer a la ligera y, como tal, estaba limitado a un grupo relativamente pequeño de académicos, científicos y fotógrafos profesionales.
Todo eso cambió en unos pocos años. En 1888, George Eastman presentó la primera cámara de mano para aficionados, la cámara Kodak . Se comercializó con el lema "Tú presionas el botón, nosotros hacemos el resto". [12] La cámara estaba precargada con un rollo de película que producía alrededor de 100 exposiciones de imágenes redondas de 2,5" y se podía transportar y sostener fácilmente durante su funcionamiento. Después de exponer todas las tomas de la película, toda la cámara fue devuelta a la compañía Kodak en Rochester, Nueva York, donde se reveló la película, se hicieron las impresiones y se colocó una nueva película fotográfica en su interior. Luego, la cámara y las impresiones se devolvieron al cliente, quien estaba listo para tomar más fotografías.
El impacto de este cambio fue enorme. De repente, casi cualquiera podía tomar una fotografía y, en pocos años, la fotografía se convirtió en una de las mayores modas pasajeras del mundo. El coleccionista de fotografía Michael G. Wilson observó: "Miles de fotógrafos comerciales y cien veces más aficionados producían millones de fotografías anualmente... La disminución de la calidad del trabajo profesional y la avalancha de instantáneas (un término tomado de la caza, que significa hacer un disparo rápido sin tomarse el tiempo para apuntar) dio como resultado un mundo inundado de fotografías técnicamente buenas pero estéticamente indiferentes". [12]
Paralelamente a este cambio se desarrolló el desarrollo de empresas comerciales nacionales e internacionales para satisfacer la nueva demanda de cámaras, películas e impresiones. En la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, que atrajo a más de 27 millones de personas, la fotografía para aficionados se comercializó a una escala sin precedentes. [13] Hubo múltiples exhibiciones grandes que mostraban fotografías de todo el mundo, muchos fabricantes de cámaras y equipos de cuarto oscuro mostrando y vendiendo sus últimos productos, docenas de estudios de retratos e incluso documentación in situ de la propia Exposición. De repente, la fotografía y los fotógrafos se convirtieron en artículos domésticos.
Muchos fotógrafos serios quedaron consternados. Su oficio, y para algunos su arte, estaba siendo cooptado por una ciudadanía recién comprometida, incontrolada y en su mayoría sin talento. El debate sobre el arte y la fotografía se intensificó en torno al argumento de que si alguien podía tomar una fotografía, entonces la fotografía no podía llamarse arte. Algunos de los defensores más apasionados de la fotografía como arte señalaron que la fotografía no debe ni puede verse como un medio de "esto o lo otro": algunas fotografías son de hecho simples registros de la realidad, pero con los elementos adecuados algunas son de hecho obras de arte. William Howe Downs, crítico de arte del Boston Evening Transcript , resumió esta posición en 1900 diciendo: "El arte no es tanto una cuestión de métodos y procesos como una cuestión de temperamento, gusto y sentimiento... En manos del artista, la fotografía se convierte en una obra de arte... En una palabra, la fotografía es lo que el fotógrafo hace de ella: un arte o un oficio." [14]
Todos estos elementos (los debates sobre la fotografía y el arte, los impactos de las cámaras Kodak y los cambiantes valores sociales y culturales de la época) se combinaron para preparar el escenario para una evolución en cómo el arte y la fotografía, independientemente y juntos, aparecerían en el futuro. el cambio de siglo. El rumbo que impulsó el pictorialismo se marcó casi tan pronto como se establecieron los procesos fotográficos, pero no fue hasta la última década del siglo XIX que se formó un movimiento pictorialista internacional.
Definiendo pictorialismo
En 1869, el fotógrafo inglés Henry Peach Robinson publicó un libro titulado Efecto pictórico en la fotografía: sugerencias sobre composición y claroscuro para fotógrafos. [15] Este es el primer uso común del término "pictórico" que se refiere a la fotografía en el contexto de un determinado elemento estilístico, el claroscuro , un término italiano utilizado por pintores e historiadores del arte que se refiere al uso de iluminación y sombras dramáticas para transmitir. un estado de ánimo expresivo. En su libro, Robinson promovió lo que llamó "impresión combinada", un método que había ideado casi 20 años antes combinando elementos individuales de imágenes separadas en una nueva imagen única mediante la manipulación de múltiples negativos o impresiones. Robinson consideró así que había creado "arte" a través de la fotografía, ya que sólo a través de su intervención directa se obtuvo la imagen final. Robinson continuó ampliando el significado del término a lo largo de su vida.
Otros fotógrafos y críticos de arte, incluidos Oscar Rejlander , Marcus Aurelius Root y John Ruskin , se hicieron eco de estas ideas. Una de las principales fuerzas detrás del surgimiento del pictorialismo fue la creencia de que la fotografía directa era puramente representativa, que mostraba la realidad sin el filtro de la interpretación artística. Fue, para todos los efectos, un simple registro de los hechos visuales, carente de intención o mérito artístico. [16] Robinson y otros sintieron firmemente que "las limitaciones generalmente aceptadas de la fotografía tenían que superarse si se quería lograr la igualdad de estatus". [10]
Robert Demachy resumió posteriormente este concepto en un artículo titulado "¿Qué diferencia hay entre una buena fotografía y una fotografía artística?". Escribió: "Debemos darnos cuenta de que, al emprender la fotografía pictórica, nos hemos obligado, quizás sin darnos cuenta, a la estricta observancia de reglas cientos de años más antiguas que las fórmulas más antiguas de nuestro oficio químico. Nos hemos deslizado en el Templo del Arte al una puerta trasera, y nos encontramos entre la multitud de adeptos." [17]
Uno de los desafíos al promover la fotografía como arte fue que había muchas opiniones diferentes sobre cómo debería verse el arte. Después del Tercer Salón de Filadelfia de 1900, que presentó a docenas de fotógrafos pictóricos, un crítico se preguntó "si la gran mayoría de los expositores había escuchado o pensado alguna vez la idea del arte en algún sentido parecido al verdadero". [18]
Si bien algunos fotógrafos se vieron a sí mismos convirtiéndose en verdaderos artistas emulando la pintura, al menos una escuela de pintura inspiró directamente a los fotógrafos. Durante la década de 1880, cuando los debates sobre el arte y la fotografía se estaban volviendo comunes, apareció por primera vez un estilo de pintura conocido como tonalismo . En unos pocos años se convirtió en una influencia artística significativa en el desarrollo del pictorialismo. [19] Pintores como James McNeill Whistler , George Inness , Ralph Albert Blakelock y Arnold Böcklin vieron la interpretación de la experiencia de la naturaleza, en contraste con simplemente registrar una imagen de la naturaleza, como el deber más alto del artista. Para estos artistas era esencial que sus pinturas transmitieran una respuesta emocional al espectador, que se obtenía mediante el énfasis en los elementos atmosféricos de la imagen y mediante el uso de "formas vagas y tonalidades tenues... [para transmitir] una sensación de melancolía elegíaca." [20]
Aplicando esta misma sensibilidad a la fotografía, Alfred Stieglitz lo expresó más tarde de la siguiente manera: "La atmósfera es el medio a través del cual vemos todas las cosas. Para, por tanto, verlas en su verdadero valor en una fotografía, como lo hacemos en la Naturaleza, la atmósfera La atmósfera debe estar ahí, suaviza todas las líneas; gradúa la transición de la luz a la sombra; es esencial para la reproducción de la sensación de distancia. Esa oscuridad del contorno que es característica de los objetos distantes se debe a la atmósfera. para la naturaleza, el tono es para una imagen." [21]
Paul Lewis Anderson , un prolífico promotor contemporáneo del pictorialismo, aconsejaba a sus lectores que la verdadera fotografía artística transmite "sugerencia y misterio", en la que "el misterio consiste en brindar una oportunidad para el ejercicio de la imaginación, mientras que la sugerencia implica estimular la imaginación mediante la acción directa o indirecta". medios indirectos." [22] La ciencia, sostenían los pictorialistas, podría responder a una demanda de información veraz, pero el arte debe responder a la necesidad humana de estimulación de los sentidos. [20] Esto sólo podría hacerse creando una marca de individualidad para cada imagen e, idealmente, cada impresión.
Para los pictorialistas, la verdadera individualidad se expresaba mediante la creación de una impresión única, considerada por muchos como el epítome de la fotografía artística. [20] Al manipular la apariencia de las imágenes a través de lo que algunos llamaron "procesos de ennoblecimiento", [23] como la impresión con goma o bromoil , los pictorialistas pudieron crear fotografías únicas que a veces se confundían con dibujos o litografías .
Muchas de las voces más fuertes que defendieron el pictorialismo en sus inicios fueron una nueva generación de fotógrafos aficionados. A diferencia de su significado actual, la palabra "aficionado" tenía una connotación diferente en las discusiones de aquella época. En lugar de sugerir un novato sin experiencia, la palabra caracterizaba a alguien que luchaba por la excelencia artística y la libertad de la rígida influencia académica. [24] Un aficionado era visto como alguien que podía romper las reglas porque no estaba sujeto a las entonces rígidas reglas establecidas por organizaciones fotográficas establecidas desde hacía mucho tiempo como la Royal Photographic Society . Un artículo de la revista británica Amateur Photographer decía que "la fotografía es un arte, quizás el único en el que el aficionado pronto iguala, y con frecuencia supera, al profesional en competencia". [24] Esta actitud prevaleció en muchos países del mundo. En la Exposición Fotográfica Internacional de Hamburgo de 1893, en Alemania, sólo se permitieron trabajos de aficionados. Alfred Lichtwark , entonces director de la Kunsthalle de Hamburgo, creía que "el único buen retrato en cualquier medio era el realizado por fotógrafos aficionados, que tenían la libertad económica y el tiempo para experimentar". [24]
En 1948, SDJouhar definió una fotografía pictórica como "principalmente un registro simbólico estético de una escena más el comentario e interpretación personal del artista, capaz de transmitir una respuesta emocional a la mente de un espectador receptivo. Debe mostrar originalidad, imaginación, unidad de propósito. , una cualidad de reposo, y tiene una cualidad infinita." [25]
A lo largo de los años, se le dieron otros nombres al pictorialismo, incluyendo "fotografía artística" y trabajo de cámara (ambas de Alfred Stieglitz), "fotografía impresionista" (de George Davison ), "nueva visión" ( Neue Vision ) y, finalmente, "fotografía subjetiva" ( Subjektive Fotographie ) en Alemania después de la década de 1940 [26] En España a los fotógrafos pictóricos a veces se les llamaba "intervencionistas" , aunque el estilo en sí no se conocía como "intervencionismo".
La evolución del pictorialismo desde el siglo XIX hasta bien entrada la década de 1940 fue lenta y decidida. Desde sus raíces en Europa se extendió a Estados Unidos y al resto del mundo en varias etapas semidistintas. Antes de 1890, el pictorialismo surgió a través de defensores que se encontraban principalmente en Inglaterra, Alemania, Austria y Francia. Durante la década de 1890, el centro se trasladó a Nueva York y los esfuerzos multifacéticos de Stieglitz. Hacia 1900 el pictorialismo había llegado a países de todo el mundo y se realizaron importantes exposiciones de fotografía pictórica en decenas de ciudades.
Un momento culminante para el pictorialismo y para la fotografía en general se produjo en 1910, cuando la Galería Albright de Buffalo compró 15 fotografías de la Galería 291 de Stieglitz . Esta fue la primera vez que la fotografía fue reconocida oficialmente como una forma de arte digna de una colección de museo, y marcó un cambio definitivo en el pensamiento de muchos fotógrafos. Stieglitz, que había trabajado tanto tiempo para este momento, respondió indicando que ya estaba pensando en una nueva visión más allá del pictorialismo. El escribio,
Ya es hora de que la estupidez y la farsa de la fotografía pictórica reciban un golpe de plexo solar... Las afirmaciones de arte no sirven. Deja que el fotógrafo haga una fotografía perfecta. Y si resulta ser un amante de la perfección y un vidente, la fotografía resultante será directa y hermosa: una fotografía verdadera. [28]
Poco después, Stieglitz comenzó a dirigir su atención más hacia la pintura y la escultura modernas, y Clarence H. White y otros asumieron el liderazgo de una nueva generación de fotógrafos. A medida que las duras realidades de la Primera Guerra Mundial afectaron a personas de todo el mundo, el gusto del público por el arte del pasado comenzó a cambiar. Los países desarrollados del mundo se centraron cada vez más en la industria y el crecimiento, y el arte reflejó este cambio presentando imágenes nítidas de nuevos edificios, aviones y paisajes industriales.
Adolf Fassbender [d] , un fotógrafo del siglo XX que continuó haciendo fotografías pictóricas hasta bien entrada la década de 1960, creía que el pictorialismo es eterno porque se basa primero en la belleza. Escribió: "No hay solución en tratar de erradicar el pictorialismo, porque entonces habría que destruir el idealismo, el sentimiento y todo sentido del arte y la belleza. Siempre habrá pictorialismo". [29]
Pictorialismo por país
Australia
Uno de los principales catalizadores del pictorialismo en Australia fue John Kauffmann [d] (1864-1942), que estudió química fotográfica e imprenta en Londres, Zurich y Viena entre 1889 y 1897. Cuando regresó a su país de origen en 1897, conoció en gran medida Influyó en sus colegas al exhibir lo que un periódico llamó fotografías que podrían "confundirse con obras de arte". [30] Durante la siguiente década, un núcleo de artistas fotógrafos, incluidos Harold Cazneaux , Frank Hurley , Cecil Bostock , Henri Mallard , Rose Simmonds , [31] y Olive Cotton , exhibieron obras pictóricas en salones y exposiciones de todo el país y publicaron sus fotografías. en el Australian Photographic Journal y en el Australasian Photo-Review .
Austria
En 1891, el Club der Amateur Photographen de Viena (Club de fotógrafos aficionados de Viena) celebró la primera Exposición Internacional de Fotografía en Viena. El Club, fundado por Carl Sma, Federico Mallmann y Charles Scolik [Delaware] , fue fundado para fomentar relaciones con grupos fotográficos de otros países. Después de que Alfred Buschbeck se convirtiera en director del club en 1893, simplificó su nombre a Wiener Camera-Klub (Vienna Camera Club) y comenzó a publicar una fastuosa revista llamada Wiener Photographische Blätter que continuó hasta 1898. Presentaba regularmente artículos de influyentes fotógrafos extranjeros como Alfred Stieglitz y Robert Demachy . [32]
Como en otros países, los puntos de vista opuestos involucraron a una gama más amplia de fotógrafos a la hora de definir lo que significaba pictorialismo. Hans Watzek [Delaware] , Hugo Henneberg [Delaware] y Heinrich Kühn formaron una organización llamada Das Kleeblatt (El Trilfolium) expresamente para incrementar el intercambio de información con otras organizaciones en otros países, especialmente Francia, Alemania y Estados Unidos. Inicialmente un grupo pequeño e informal, Das Kleeblatt aumentó su influencia en el Wiener Camera-Klub a través de sus conexiones internacionales, y se crearon varias otras organizaciones que promovían el pictorialismo en otras ciudades de la región. Como en otros países, el interés por el pictorialismo se desvaneció después de la Primera Guerra Mundial y, finalmente, la mayor parte de la organización austriaca cayó en la oscuridad durante la década de 1920. [32]
Canadá
El pictorialismo en Canadá se centró inicialmente en Sidney Carter [d] (1880-1956), el primero de sus compatriotas en ser elegido miembro de la Foto-Secesión. Esto lo inspiró a reunir a un grupo de fotógrafos pictóricos en Toronto, el Studio Club de Toronto, con Harold Mortimer-Lamb (1872-1970) y su colega secesionista Percy Hodgins. [33] En 1907, Carter organizó la primera gran exposición de fotografía pictórica de Canadá en la Asociación de Arte de Montreal. Carter y su colega fotógrafo Arthur Goss intentaron introducir principios pictorialistas a los miembros del Toronto Camera Club , aunque sus esfuerzos encontraron cierta resistencia. [34]
Inglaterra
Ya en 1853, el fotógrafo aficionado William J. Newton propuso la idea de que "un 'objeto natural', como un árbol, debería fotografiarse de acuerdo con 'los principios reconocidos de las bellas artes'". [35] A partir de ahí, otros fotógrafos tempranos, incluidos Henry Peach Robinson y Peter Henry Emerson , continuaron promoviendo el concepto de fotografía como arte. En 1892, Robinson, junto con George Davison y Alfred Maskell [d] , establecieron la primera organización dedicada específicamente al ideal de la fotografía como arte: The Linked Ring . Invitaron a fotógrafos con ideas afines, entre ellos Frank Sutcliffe , Frederick H. Evans , Alvin Langdon Coburn , Frederick Hollyer , James Craig Annan , Alfred Horsley Hinton y otros, a unirse a ellos. Pronto, The Linked Ring estuvo a la vanguardia del movimiento para que la fotografía fuera considerada una forma de arte.
Después de que The Linked Ring invitara a un grupo selecto de estadounidenses como miembros, estallaron debates sobre los objetivos y el propósito del club. Cuando se mostraron más miembros estadounidenses que británicos en su exposición anual en 1908, se presentó una moción para disolver la organización. En 1910, The Linked Ring se disolvió y sus miembros siguieron su propio camino.
Francia
El pictorialismo en Francia está dominado por dos nombres, Constant Puyo y Robert Demachy . Son los miembros más famosos del Photo-Club de Paris, una organización separada de la Société française de photographie . Son particularmente conocidos por el uso de procesos de pigmentación, especialmente bicromato de goma . [36] [ página necesaria ] En 1906, publicaron un libro sobre el tema, Les Procédés d'art en Photographie . Ambos también escribieron numerosos artículos para el Bulletin du Photo-Club de París (1891-1902) y La Revue de Photographie (1903-1908), una revista que rápidamente se convirtió en la publicación francesa más influyente sobre fotografía artística de principios del siglo XX. siglo. [37]
Alemania
Los hermanos Hofmeister [Delaware] , Theodor y Oskar, de Hamburgo, estuvieron entre los primeros en defender la fotografía como arte en su país. En las reuniones de la Sociedad para la Promoción de la Fotografía Amateur (Gesellschaft zur Förderung der Amateur-Photographie), otros fotógrafos, entre ellos Heinrich Beck, Georg Einbeck [de] y Otto Scharf [d] , promovieron la causa del pictorialismo. Los Homeisters, junto con Heinrich Kühn , formaron más tarde el Presidium (Das Praesidium), cuyos miembros desempeñaron un papel decisivo en importantes exposiciones en la Kunsthalle de Hamburgo. Hoy en día Karl Maria Udo Remmes representa el estilo del pictorialismo en el campo de la fotografía teatral entre bastidores.
Japón
En 1889 los fotógrafos Ogawa Kazumasa , WK Burton , Kajima Seibei y varios otros formaron la Nihon Shashin-kai ( Sociedad Fotográfica de Japón ) con el fin de promover la geijutsu shashin (fotografía artística) en ese país. La aceptación de este nuevo estilo fue lenta al principio, pero en 1893 Burton coordinó una importante exposición por invitación conocida como Gaikoku Shashin-ga Tenrain-kai o Exposición de Arte Fotográfico Extranjero . [38] Las 296 obras que se mostraron procedían de miembros del London Camera Club, incluidas importantes fotografías de Peter Henry Emerson y George Davison . La amplitud y profundidad de esta exposición tuvo un tremendo impacto en los fotógrafos japoneses y "galvanizó el discurso de la fotografía artística en todo el país". [38] Después de que terminó la exposición, Burton y Kajima fundaron una nueva organización, la Dai Nihon Shashin Hinpyō-kai (Sociedad de Crítica de Fotografía del Gran Japón) para promover sus puntos de vista particulares sobre la fotografía artística.
En 1904 se inició una nueva revista llamada Shashin Geppo ( Revista fotográfica mensual ), que durante muchos años fue la pieza central para el avance y los debates sobre el pictorialismo. El significado y la dirección de la fotografía artística defendida por Ogawa y otros fue cuestionada en la nueva revista por los fotógrafos Tarō Saitō y Haruki Egashira, quienes, junto con Tetsusuke Akiyama y Seiichi Katō, formaron un nuevo grupo conocido como Yūtsuzu-sha. Este nuevo grupo promovió sus propios conceptos de lo que llamaron "la verdad interior" de la fotografía artística. [38] Durante la siguiente década, muchos fotógrafos se alinearon con una de estas dos organizaciones.
En la década de 1920 se formaron nuevas organizaciones que tendieron un puente entre el pictorialismo y el modernismo. La más destacada entre ellas fue la Shashin Geijustu-sha (Sociedad de Arte Fotográfico) formada por Shinzō Fukuhara y su hermano Rosō Fukuhara . Promovieron el concepto de hikari a sono kaichō (luz con su armonía) que rechazaba una manipulación abierta de una imagen a favor de imágenes de enfoque suave utilizando impresión en gelatina de plata. [38]
Países Bajos
La primera generación de pictorialistas holandeses, incluido Bram Loman [nl; ru] , Chris Schuver y Carl Emile Mögle, comenzaron a trabajar alrededor de 1890. Inicialmente se centraron en temas naturalistas y favorecieron la impresión en platino. Aunque inicialmente no existía un equivalente holandés de The Linked Ring o Photo-Secession, varias organizaciones más pequeñas colaboraron para producir el Primer Salón Internacional de Fotografía Artística en 1904. Tres años más tarde, Adriann Boer, Ernest Loeb, Johan Huijsen [nl] y otros fundaron el Club Holandés de Fotografía Artística (Nederlandsche Club voor Foto-Kunst), que acumuló una importante colección de fotografía pictórica que ahora se encuentra en la Universidad de Leiden . [39] Una segunda generación de pictorialistas holandeses incluyó a Henri Berssenbrugge, Bernard Eilers y Berend Zweers.
Rusia
El pictorialismo se extendió a Rusia primero a través de revistas europeas y fue defendido por los pioneros de la fotografía Evgeny Vishnyakov [ru] en Rusia y Jan Bulhak de Polonia. Poco después entró en actividad una nueva generación de pictorialistas. Entre ellos se encontraban Aleksei Mazuin, Sergei Lobovikov [ru; Delaware; it] , Piotr Klepikov, Vassily Ulitin, Nikolay Andreyev , Nikolai Svishchov-Paola, Leonid Shokin [ru] y Alexander Grinberg . En 1894 se estableció en Moscú la Sociedad Fotográfica Rusa, pero las diferencias de opinión entre los miembros llevaron al establecimiento de una segunda organización, la Sociedad de Fotografía Artística de Moscú. Ambos fueron los principales impulsores del pictorialismo en Rusia durante muchos años. [40]
España
Los principales centros de la fotografía pictórica en España fueron Madrid y Barcelona. Al frente del movimiento en Madrid estuvo Antonio Cánovas , quien fundó la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y editó la revista La Fotografía [d] . Cánovas afirmó ser el primero en introducir la fotografía artística en España, pero a lo largo de su carrera se mantuvo arraigado en el estilo alegórico de los primeros pictorialistas ingleses como Robinson. Se negó a utilizar cualquier manipulación superficial en sus impresiones, diciendo que el estilo "no es, no puede ser y nunca será fotografía". [41] Otros fotógrafos influyentes en el país fueron Carlos Iñigo [es] , Manual Renon, Joan Vilatobà [ca; es; fr] y una persona conocida sólo como el Conde de la Ventosa. [a] A diferencia del resto de Europa, el pictorialismo siguió siendo popular en España durante las décadas de 1920 y 1930, y Ventosa fue el pictorialista más prolífico de ese período. Lamentablemente, quedan muy pocas copias originales de cualquiera de estos fotógrafos; la mayoría de sus imágenes ahora se conocen sólo por reproducciones de revistas. [43]
Estados Unidos
Una de las figuras clave en el establecimiento tanto de la definición como de la dirección del pictorialismo fue el estadounidense Alfred Stieglitz , quien comenzó como un aficionado pero rápidamente hizo de la promoción del pictorialismo su profesión y obsesión. A través de sus escritos, su organización y sus esfuerzos personales para hacer avanzar y promover a los fotógrafos pictóricos, Stieglitz fue una figura dominante en el pictorialismo desde sus inicios hasta su fin. Siguiendo los pasos de los fotógrafos alemanes, en 1892 Stieglitz fundó un grupo al que llamó Photo-Secession en Nueva York. Stieglitz seleccionó cuidadosamente a los miembros del grupo y controló estrictamente lo que hacía y cuándo lo hacía. Al seleccionar fotógrafos cuya visión estaba alineada con la suya, incluidos Gertrude Käsebier , Eva Watson-Schütze , Alvin Langdon Coburn , Edward Steichen y Joseph Keiley , Stieglitz construyó un círculo de amigos que tuvieron una enorme influencia individual y colectiva sobre el movimiento para que la fotografía fuera aceptada. como arte. Stieglitz también promovió continuamente el pictorialismo a través de dos publicaciones que editó, Camera Notes y Camera Work y estableciendo y dirigiendo una galería en Nueva York que durante muchos años expuso sólo a fotógrafos pictóricos (las Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión ). [44]
Aunque inicialmente gran parte se centró en Stieglitz, el pictorialismo en Estados Unidos no se limitó a Nueva York. En Boston, F. Holland Day fue uno de los pictorialistas más prolíficos y destacados de su época. Clarence H. White , que produjo extraordinarias fotografías pictóricas mientras estuvo en Ohio, pasó a enseñar a toda una nueva generación de fotógrafos. En la costa oeste, el California Camera Club y el Southern California Camera Club incluyeron a los destacados pictorialistas Annie Brigman , Arnold Genthe , Adelaide Hanscom Leeson , Emily Pitchford y William Edward Dassonville. [45] Más tarde, el Seattle Camera Club fue iniciado por un grupo de pictorialistas japoneses-estadounidenses, entre ellos el Dr. Kyo Koike , Frank Asakichi Kunishige e Iwao Matsushita (entre los miembros destacados se incluyeron más tarde Ella E. McBride y Soichi Sunami ). [46]
Técnicas
Los fotógrafos pictóricos comenzaron tomando una placa de vidrio común o un negativo de película. Algunos ajustaron el enfoque de la escena o utilizaron una lente especial para producir una imagen más suave, pero en su mayor parte el proceso de impresión controló la apariencia final de la fotografía. Los pictorialistas utilizaron una variedad de papeles y procesos químicos para producir efectos particulares, y algunos luego manipularon los tonos y la superficie de las impresiones con pinceles, tinta o pigmentos. La siguiente es una lista de los procesos pictóricos más utilizados. Los lectores pueden encontrar más detalles en los libros de Crawford [47] y en Daum, Ribemont y Prodger. [48] A menos que se indique lo contrario, las descripciones a continuación se resumen de estos dos libros.
Proceso Bromoil : Esta es una variante del proceso de impresión al óleo que permite ampliar una impresión. En este proceso se hace una impresión en gelatina de plata normal y luego se blanquea en una solución de bicromato de potasio. Esto endurece la superficie de la impresión y permite que la tinta se adhiera a ella. Se pueden manipular tanto las áreas más claras como las más oscuras de una impresión al óleo con bromo, proporcionando una gama tonal más amplia que una impresión al óleo.
Impresión al carbón : Se trata de una impresión extremadamente delicada que se realiza recubriendo papel de seda con bicromato de potasio, negro de humo u otro pigmento y gelatina. Las impresiones al carbón pueden proporcionar detalles extraordinarios y se encuentran entre las impresiones fotográficas más permanentes. Debido a la estabilidad del papel tanto antes como después del procesamiento, el papel tisú para impresión al carbón fue uno de los primeros productos fotográficos fabricados comercialmente.
Cianotipo : Uno de los primeros procesos fotográficos, los cianotipos experimentaron una breve renovación cuando los pictorialistas experimentaron con sus tonos de color azul intenso. El color se obtuvo al recubrir el papel con sales de hierro sensibles a la luz.
Goma bicromada : una de las favoritas de los pictorialistas, estas impresiones se realizaban aplicando goma arábiga , bicromato de potasio y uno o más pigmentos de colores de artista al papel. Esta solución sensibilizada se endurece lentamente donde la luz incide y estas áreas permanecen flexibles durante varias horas. El fotógrafo tenía mucho control variando la mezcla de la solución, permitiendo una exposición más corta o más larga y cepillando o frotando las áreas pigmentadas después de la exposición.
Proceso de impresión al óleo : Se realiza aplicando tintas grasas sobre papel recubierto con una solución de goma bicromada y gelatina. Cuando se expone a través de un negativo, la goma-gelatina se endurece donde la luz incide, mientras que las áreas no expuestas permanecen suaves. Luego, las tintas de artista se aplican con brocha y las tintas se adhieren sólo a las áreas endurecidas. A través de este proceso, un fotógrafo puede manipular las áreas más claras de una huella de chicle mientras las áreas más oscuras permanecen estables. Una impresión al óleo no se puede ampliar ya que tiene que estar en contacto directo con el negativo.
Impresión de platino : las impresiones de platino requieren un proceso de dos pasos. Primero, el papel se sensibiliza con sales de hierro y se expone en contacto con un negativo hasta que se forma una imagen tenue. Luego, el papel se desarrolla químicamente en un proceso que reemplaza las sales de hierro por platino. Esto produce una imagen con una gama muy amplia de tonos, cada uno de ellos intensamente realizado.
Fotógrafos pictóricos
A continuación se presentan dos listas de fotógrafos destacados que se dedicaron al pictorialismo durante sus carreras. La primera lista incluye fotógrafos que fueron predominantemente pictorialistas durante toda o casi toda su carrera (generalmente aquellos que estuvieron activos entre 1880 y 1920). La segunda lista incluye fotógrafos del siglo XX que utilizaron un estilo pictórico al principio de sus carreras, pero que son más conocidos por su fotografía pura o directa .
Fotógrafos que eran predominantemente pictorialistas.
^ Probablemente se trataba de José María Álvarez de Toledo y Samaniego [d] (1881-1950), conde de La Ventosa, fotógrafo y presidente de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. [42]
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Elogio del pictorialismo: la fotografía pictórica temprana. Una discusión sobre fotografía pictórica y ejemplos de este estilo.
Catálogos de exposiciones de fotografía pictorialista realizadas entre 1888 y 1914
Portal de pictorialismo Catálogo en línea de la Kunstbibliothek – Staatliche Museen zu Berlin (la biblioteca de arte de los Museos Nacionales de Berlín) con 2.300 objetos, incluidas más de 600 obras pictorialistas de la propia colección, y referencias a 300 publicaciones y exposiciones en las que se publicaron originalmente las fotografías. presentado