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Clarence Hudson Blanco

Clarence Hudson White (8 de abril de 1871 - 8 de julio de 1925) fue un fotógrafo estadounidense, profesor y miembro fundador del movimiento Photo-Secession . Creció en pequeños pueblos de Ohio, donde sus principales influencias fueron su familia y la vida social de la América rural. Después de visitar la Exposición Universal Colombina en Chicago en 1893, se dedicó a la fotografía. Aunque fue completamente autodidacta en el medio, en pocos años era conocido internacionalmente por sus fotografías pictóricas que capturaban el espíritu y el sentimentalismo de los Estados Unidos de principios del siglo XX. Cuando se hizo famoso por sus imágenes, otros fotógrafos buscaron a White, que a menudo viajaban a Ohio para aprender de él. Se hizo amigo de Alfred Stieglitz y ayudó a promover la causa de la fotografía como una verdadera forma de arte. En 1906, White y su familia se mudaron a la ciudad de Nueva York para estar más cerca de Stieglitz y su círculo y para promover aún más su propio trabajo. Mientras estuvo allí, se interesó en la enseñanza de la fotografía y en 1914 fundó la Escuela de Fotografía Clarence H. White, la primera institución educativa de Estados Unidos en enseñar la fotografía como arte. Debido a las exigencias de sus deberes como docente, su propia fotografía decayó y White produjo pocas obras nuevas durante la última década de su vida. En 1925 sufrió un ataque cardíaco y murió mientras daba clases a estudiantes en la Ciudad de México.

Vida

1871–1893: Primeros años

White nació en 1871 en West Carlisle, Ohio, el segundo hijo y el más joven de los hijos de Lewis Perry White y Phebe Billman White. Se crió en lo que se conocía como "The American House", una gran taberna construida por su bisabuelo y colono pionero de Ohio Augustine White en 1817. Su infancia fue descrita como "idílica" [1] y, a diferencia de muchos niños de la época, creció con buena salud y sin muertes ni tragedias en su familia. Él y su hermano Pressley, que era dos años mayor, pasaban gran parte del tiempo jugando en los campos y colinas cerca de su pequeño pueblo natal.

Cuando White tenía dieciséis años, la familia se mudó a la pequeña ciudad de Newark, Ohio , donde su padre aceptó un trabajo como vendedor ambulante para la empresa mayorista de comestibles Fleek and Neal. Con su padre ausente, White tuvo que dedicarse a sus propios intereses durante gran parte del tiempo y se convirtió en un estudiante serio de violín. Desde finales de su adolescencia hasta mediados de sus veinte años, White mantuvo un diario en el que registraba tanto los acontecimientos de su día como sus intereses y opiniones. Escribió cada vez más sobre su interés por la música y las artes pictóricas; no hay ninguna mención de la fotografía en sus diarios de este período.

Después de terminar la escuela secundaria, White se convirtió en contable en la empresa donde trabajaba su padre. Era un trabajador diligente, pero su trabajo le daba pocas oportunidades de perseguir sus intereses artísticos. Escribió que se presentaba a trabajar a las 7 de la mañana seis días a la semana y se iba a las 6 de la tarde, a veces trabajando los domingos cuando había mucho trabajo. [2] Su tío materno Ira Billman, que era un poeta publicado, alentó a White a seguir desarrollando sus habilidades creativas, y en 1890 White estaba produciendo cuadernos de bocetos llenos de bocetos a lápiz, dibujos a pluma y tinta y acuarelas.

Parte de la visión artística que White desarrolló durante esta época la aplicó más tarde a su fotografía. Aprendió a utilizar la luz, o la falta de ella, para atraer la atención hacia su sujeto. También aprendió a visualizarlo mentalmente. El nieto y biógrafo de White, Maynard Pressley White Jr., señaló que entre los bocetos de su abuelo de esta época había un dibujo de una mujer desnuda sentada sobre una gran esfera, soplando burbujas desde una pipa y rodeada de muchas esferas flotantes en el aire. [3] Esta misma imagen apareció más tarde repetidamente en la fotografía de White.

Fue a través de sus intereses musicales que White conoció a su futura esposa, Jane Felix (1869-1943), en algún momento entre 1891 y 1892. Ella era maestra de escuela, y sus diarios contienen notas sobre las citas que él la llevó a conciertos en la cercana Universidad Denison y en Columbus, Ohio . White no registró otros intereses amorosos en sus diarios, y el 14 de junio de 1893, se casó con Felix en Newark a la inusual hora de las 6 a.m. Los registros familiares no ofrecen ninguna indicación de por qué la ceremonia se celebró a esa hora, pero una hora después de que intercambiaran votos, White y su novia abordaron un tren con destino a Chicago, donde asistieron a la Exposición Universal Colombina . La Exposición fue la mayor atracción arquitectónica, artística, musical y tecnológica de su época, con más de 26 millones de visitantes, y atrajo a personas de todos los ámbitos de la vida. Fue allí donde conoció por primera vez la fotografía como medio público. No sólo había exposiciones de gran tamaño que mostraban a fotógrafos de todo el mundo, sino que había muchos fabricantes de cámaras y equipos de cuarto oscuro que mostraban y vendían sus últimos productos, docenas de estudios de retratos e incluso documentación in situ de la propia Exposición. Fue un curso de inmersión continua en el mundo de la fotografía de finales del siglo XX. [4]

1893–1899: Convertirse en fotógrafo

White no dejó constancia de la rapidez con la que se dedicó a la fotografía después de que él y su esposa regresaran a Newark, pero debió de haber sido rápidamente. Hay al menos dos fotografías tomadas por él que datan de ese mismo año, 1893, y al año siguiente ya estaba profundamente involucrado en su nuevo interés. [5] El nieto de White escribió: "No es casualidad que la vida de Clarence White en la fotografía comenzara el año de su matrimonio. Mi abuela tenía muchos papeles y todos ellos con gran estilo; era esposa, madre, gerente comercial, modelo, crítica estética, estoica y un amortiguador entre mi abuelo y muchas de las cosas desagradables de la vida. Con una devoción inquebrantable, creó un entorno en el que él pudiera llevar una vida tranquila y productiva". [6] La considerable influencia de su esposa en el desarrollo artístico de White se puede ver más tarde, cuando comenzó a corresponderse con Alfred Stieglitz ; White solía utilizar las palabras "nosotros" o "la señora White y yo" al describir sus actividades fotográficas más recientes. [6]

Cuando White y su esposa regresaron a Newark, no se encontraban en una situación próspera. Para poder llegar a fin de mes, él y su esposa se mudaron a casa de sus padres [7] y él continuó trabajando muchas horas en su trabajo de contable. Al principio no tenía interés en dedicarse a la fotografía como una posible carrera, e incluso después de tener éxito, continuó trabajando como contable durante muchos años [8] . La mayor parte de sus ingresos se destinaban a mantener a su familia, y su temprana participación en la fotografía fue un desafío económico. Más tarde, su alumno Ralph Steiner recordó que White le dijo que durante este período tenía dinero para solo dos negativos de placa de vidrio por semana y que dedicaba cada momento libre a planificar lo que haría con esas dos placas en su fin de semana. [9]

Postes de telégrafo 1898

White fue completamente autodidacta a lo largo de su carrera, en parte porque no tenía dinero para pagarse una formación o cursos en la época en que estaba desarrollando su propia visión del medio. Muchos de sus amigos, estudiantes y biógrafos creen que su falta de formación formal fue una de sus mayores virtudes. Cuando se celebró una exposición individual de su obra en Newark en 1899, su colega fotógrafa de Newark, Ema Spencer, escribió: "Ha estado alejado de las influencias artísticas y no tiene formación alguna en el arte de las escuelas. En consecuencia, ha ignorado inconscientemente las líneas tradicionales y ha seguido su propia inclinación personal porque ha sido impulsado por esa fuerza elusiva e inescrutable conocida comúnmente como genio". [10] También es importante señalar que en esa época no había escuelas formales de fotografía en los EE. UU. ni siquiera líderes reconocidos con los que White pudiera haber estudiado. La forma más común en que un fotógrafo novato aprendía el oficio era trabajando con un fotógrafo experimentado y, aparte de unos pocos retratistas, no había nadie de quien aprender en Newark.

En 1895 nació su primer hijo, Lewis Felix White, seguido por un segundo hijo, Maynard Pressley White, un año después. Cuando nació Maynard, los White ya se habían mudado a su propia casa, probablemente debido a la generosidad del padre de la Sra. White, John Felix, que poseía varias propiedades en Newark. [11] En ese momento, White demostró suficiente talento en su fotografía como para exhibir sus primeras fotos en público, en el Camera Club de Fostoria, Ohio . [12]

Un año después recibió una medalla de oro en la exposición de la Asociación de Fotógrafos de Ohio en Columbus. Los registros no indican qué fotografías ganaron el premio para White, pero dos de ellas fueron casi con certeza Study (Leticia Felix) y The Readers , por las que también ganó el Gran Premio en el Primer Salón Internacional en Pittsburgh. El escultor Lorado Taft vio el trabajo de White en Columbus y escribió: "White no sabía nada sobre la técnica [sic] de la fotografía, pero los artistas se volvieron locos con sus imágenes. ¡Yo vi y me volví loco también!". [13]

Primavera – Tríptico 1898

En 1898 la fama de White siguió en aumento. Sus fotografías se reprodujeron por primera vez en publicaciones nacionales ( The Photographic Times , Harper's Magazine y Brush and Pencil ) y viajó a la costa este para discutir el estado de la fotografía como arte con sus colegas. En Filadelfia, en conjunción con el Primer Salón Fotográfico de Filadelfia, se reunió con F. Holland Day y Joseph Keiley , y en Nueva York conoció a Alfred Stieglitz. Este último seguiría siendo amigo íntimo durante varios años más.

Lo más destacable de este período de la vida de White es el hecho de que sus limitadas finanzas le permitían crear sólo unas ocho fotografías al mes, pero la calidad de esas imágenes era tan alta y constante que rápidamente recibió elogios generalizados por su trabajo. Además, trabajaba en condiciones muy difíciles. Debido a las largas horas que debía dedicar a su trabajo de contable, convencía a familiares y amigos para que posaran para él por la noche o muy temprano por la mañana, aunque a veces tenían que despertarse a las cuatro de la mañana en verano para posar para él antes de que se fuera a trabajar. [14]

Sólo en 1898, White creó varias fotografías que se encuentran entre sus más aclamadas, entre ellas La burbuja, Postes de telégrafo , Chica con arpa, La gallina ciega y Primavera: un tríptico.

El club de fotografía de Newark

En 1898, para ampliar sus conocimientos de fotografía y animar a otros en su pequeña ciudad natal, White reunió a un grupo de 10 personas locales para formar el Newark Camera Club. Todos sus miembros, incluido White en ese momento, eran fotógrafos aficionados que compartían un interés activo en el pictorialismo, pero fue el liderazgo de White lo que pronto impulsó la influencia del club mucho más allá de una pequeña ciudad de Ohio. Ema Spencer, miembro del club y más tarde miembro de la Photo-Secession, escribió que el club "era conocido en los círculos fotográficos aquí y en el extranjero como 'la Escuela White', [15] un reflejo de la estatura y prominencia de White. Un objetivo del Club era tener al menos una exposición importante del trabajo de sus miembros cada año, pero también mostrar el trabajo de "fotógrafos del este y del extranjero, para que su propio trabajo se beneficiara del examen y la comparación". [16]

Gracias a la influencia y las conexiones de White, al año siguiente el club montó una gran exposición en la YMCA local que incluía grabados de Alfred Stieglitz, F. Holland Day, Frances Benjamin Johnston , Gertrude Käsebier y Eva Watson-Schütze . Al año siguiente se mostraron los mismos fotógrafos, junto con grabados de Robert Demachy , Zaida Ben-Yusuf , Frank Eugene y el entonces desconocido Edward Steichen . [6] A pesar del pequeño tamaño de Newark y su relativo aislamiento de los principales centros culturales, el Newark Camera Club, dirigido por White, rápidamente convirtió a la ciudad en "una fuerza en el mundo de la fotografía". [17] En 1900, la mayoría de los principales fotógrafos pictóricos de los EE. UU. habían viajado o planeaban viajar para ver a White; según un crítico, "trajo el mundo a Newark". [18]

1899–1906: El avance de su arte

En 1899, White era tan conocido que realizó exposiciones individuales tanto en el Camera Club de Nueva York como en el Boston Camera Club, y también expuso en el London Photographic Salon organizado por The Linked Ring . Cuando el Newark Camera Club organizó una importante exposición de fotografía pictórica, White expuso 135 de sus obras. Esta muestra se vio más tarde en el Cincinnati Art Museum . Además de esta serie de exposiciones, una de las sencillas escenas familiares de White, un retrato de su hijo Maynard, se reprodujo en la nueva revista de Stieglitz, Camera Notes . [19]

Ese mismo año, el padre de White murió a la relativamente joven edad de 52 años. Su muerte no pareció afectar el arte de su hijo ni sus intereses; White continuó exponiendo mientras viajaba por el Medio Oeste y la Costa Este para tomar retratos de amigos y clientes. En uno de estos viajes viajó a Terre Haute, Indiana , donde conoció al líder socialista en ascenso Eugene Debs . White se hizo amigo cercano de Debs y otros líderes socialistas, incluidos Clarence Darrow , Stephen Marion Reynolds y Horace Traubel , y durante muchos años intercambiaron correspondencia y mantuvieron largas discusiones filosóficas cada vez que estaban juntos en la misma ciudad. La creencia de White en los valores socialistas fue una de las pocas actividades, aparte de la fotografía, por las que expresó algún entusiasmo. Después de una visita prolongada con Reynolds, White escribió: "Nunca he pasado una semana tan llena de inspiración desde que uso una cámara". [20] Su familia, "republicanos incondicionales", [6] esperaba que este interés fuera una aberración temporal, pero White continuó expresando su afinidad por estas creencias a lo largo de su vida.

En 1900, White fue elegido miembro de The Linked Ring y fue jurado y expositor en el Salón Fotográfico de Chicago y en el Tercer Salón Fotográfico de Filadelfia. Ansioso por que su descubrimiento, Edward Steichen, conociera a Stieglitz, le proporcionó una carta de presentación e insistió en que Stieglitz lo viera pronto. Steichen hizo escala en Nueva York de camino a París y él y Stieglitz se convirtieron en amigos y colegas de larga data. Durante este mismo período, F. Holland Day, a pesar de las objeciones de Stieglitz, organizó una importante exposición en Londres llamada "La nueva escuela de fotografía estadounidense". Más de dos docenas de fotografías de White se incluyeron en la muestra, que luego se vio en París y Alemania. En sus escritos, Day dijo: "El Sr. White [es] el único hombre de verdadero genio que conozco que ha elegido la cámara como su medio de expresión". [21]

Casi al mismo tiempo, White le escribió a Stieglitz: "He decidido que el arte en la fotografía será el trabajo de mi vida y estoy dispuesto a vivir una vida muy sencilla con mi pequeña familia para llevarlo a cabo". [22] Sus palabras fueron muy proféticas, ya que luchó económicamente toda su vida; era conocido como un pobre hombre de negocios y un gran fotógrafo.

"Gotas de lluvia", 1903

Poco más de un año después, Stieglitz, al percibir que cada vez había más fotógrafos que compartían sus mismas creencias sobre el arte de este medio, fundó la Photo-Secession, la primera organización de Estados Unidos que promovía el pictorialismo y la fotografía artística. Invitó a White y a otros diez a convertirse en "miembros fundadores", aunque el propio Stieglitz controlaba estrictamente lo que hacía el grupo. Inmediatamente, Stieglitz empezó a planificar cómo hacer avanzar mejor el trabajo de su nueva organización y, al poco tiempo, organizó una exposición de las fotografías de los grupos, incluidas varias de White, en el National Arts Club . Poco después, Stieglitz creó otra revista nueva, llamada Camera Work, para mostrar aún más el trabajo de los Photo-Secessionists. White tuvo cinco de sus fotografías reproducidas en la edición de julio de 1903 y cinco más en enero de 1905. Ser incluido en Camera Work y ser miembro de la Photo-Secession significó que White era uno de los miembros del círculo íntimo de amigos de Stieglitz en una época en la que se consideraba a Stieglitz uno de los principales promotores de la fotografía artística en el mundo. [23]

En aquella época, el uso de fotografías para ilustrar literatura era un concepto nuevo y no probado, pero a partir de 1901 White emprendió tres proyectos diferentes para ilustrar obras literarias. Primero proporcionó impresiones para el libro de Irving Bacheller Eben Holden , que se convirtió en un éxito de ventas nacional. Luego, White ilustró el segundo libro de poesía de su tío Ira Billman, Songs for All Seasons , y un artículo de revista llamado "Beneath the Wrinkle" para McClure's , ambos en 1904.

Hasta entonces, White había estado involucrado en todas sus actividades fotográficas mientras seguía trabajando en su trabajo diario en Fleek and Neal en Newark. Con todos sus recientes elogios, finalmente decidió que podría ganarse la vida como fotógrafo y, sin previo aviso, dejó su trabajo y se lanzó a ser fotógrafo profesional. Le escribió a su amigo F. Holland Day: "Sucedió de esta manera: dejé de trabajar a las 5 p. m. y a las 7:30 p. m. estaba listo para partir hacia Chicago, donde el Sr. Darrow me había llamado con respecto a [la] ilustración de un libro suyo... Espero hacer las cosas que he tenido en mente durante algún tiempo y las pocas cosas que se me presenten, y confiar en las tiernas misericordias". [24]

Poco después, White ganó una medalla de oro en el Primer Salón Internacional de Fotografía Artística en La Haya y varias de sus fotografías se exhibieron en la exposición inaugural de los miembros de la Photo-Session en las nuevas Pequeñas Galerías de la Photo-Secession de Stieglitz .

Aunque la vida de White fue casi siempre agitada durante este período, él y su esposa pudieron tomarse un breve respiro cada verano en Maine. F. Holland Day los invitó a pasar unas semanas cada año con él en su cabaña en Little Good Harbor en la isla de Georgetown, Maine . Habían hecho de esta salida un evento anual desde 1905, y el retiro del calor del verano y sus preocupaciones comerciales le permitió a White concentrarse únicamente en su trabajo mientras estaba allí. Tanto "The Pipes of Pan" (1905) como "The Watcher" (1906) se realizaron durante su estancia en Maine.

1906-1913: Nueva York y el profesionalismo

"La Burbuja", 1898

A principios de 1906, White decidió abandonar Newark y mudarse a la ciudad de Nueva York. Tanto él como su esposa se habían hecho amigos íntimos de los fotógrafos de la Costa Este con los que había estado exponiendo su obra, entre ellos Stieglitz, Day, Käsebier, Steichen y Eugene, y estas extensas conexiones familiares y artísticas habían suplantado al pequeño grupo de amigos con ideas afines que los White tenían en Newark. En el centro de estas conexiones estaba Stieglitz, que recientemente había creado "la embriagadora sirena de la Photo-Secession y las Little Galleries". [25]

Mientras se preparaban para mudarse, la señora White se enteró de que estaba embarazada y, como los primeros meses fueron difíciles para ella, se decidió que permanecería en Newark hasta que naciera el bebé. En septiembre, White se mudó a Nueva York con sus dos hijos y su madre viuda, quien cuidó de los niños hasta que llegó su madre. Su tercer hijo, Clarence Hudson White, Jr., nació en enero de 1907. Debido a la dificultad del embarazo, la señora White permaneció en Newark hasta junio de ese año. [26]

El año 1907 fue uno de los más importantes en la carrera de White. Arthur Wesley Dow , pintor, fotógrafo y profesor, dirigía entonces el departamento de arte de la Universidad de Columbia . Dow, que conocía a White desde hacía al menos cinco años, le pidió a White que se convirtiera en profesor a tiempo parcial de fotografía artística en el Teachers College, que formaba parte de Columbia. Este fue un fuerte testimonio del reconocimiento internacional del arte de White, ya que el propio White no tenía educación más allá de la secundaria y nunca había tenido formación en arte de ningún tipo. [27] Pronto se enamoró de su nueva profesión, que finalmente le proporcionó un ingreso modesto pero estable al tiempo que lo liberaba de cualquier detalle de la gestión de un negocio (White era notoriamente laxo en la facturación y el cobro de los clientes).

"Torso", 1907, creación conjunta de White y Stieglitz

Durante ese mismo año, White y Stieglitz emprendieron un experimento artístico en el que crearon conjuntamente una serie de fotografías de dos modelos, Mabel Cramer y otra conocida simplemente como Miss Thompson. [28] Stieglitz ofrecía sugerencias sobre cómo posar a las modelos, White enfocaba la cámara y una u otra de ellas disparaba el obturador. White también revelaba los negativos e imprimía las fotografías. Una de las intenciones del experimento era probar una variedad de técnicas de impresión y papeles, incluyendo impresiones en platino, gelatina de plata y goma bicromatada. En algunas de las impresiones firmadas, firmaron con un monograma que combinaba las iniciales de ambas. Durante esta colaboración, White aprendió el proceso de color Autochrome de Stieglitz, que acababa de regresar de Europa con este conocimiento técnico. White y Stieglitz crearon conjuntamente al menos un Autochrome durante este tiempo, que exhibieron más tarde en el año. [29]

En 1908, Stieglitz siguió demostrando su admiración por White al dedicarle un número entero de Camera Work y 16 de sus fotografías. Era la tercera vez que Stieglitz concedía este honor a un fotógrafo en concreto (los otros dos eran Steichen y Coburn).

White fue tan bien recibido como profesor en Columbia que en 1908 fue nombrado instructor en lo que entonces se llamaba el Instituto de Artes y Ciencias de Brooklyn (hoy conocido como el Museo de Brooklyn ). Mantuvo este puesto durante los siguientes 13 años, incluso mientras trabajaba en su propia escuela y enseñaba en talleres independientes.

En 1910, durante una visita a Day en Maine, White encontró una cabaña pequeña y destartalada cerca de la propiedad de Day y convenció al propietario para que se la vendiera por casi nada. Luego compró un terreno cercano y trasladó la cabaña a su nuevo terreno. Después de que la cabaña fuera reconstruida y ampliada, White estableció la Escuela de Fotografía Seguinland en el sitio. Seguinland, que recibió su nombre de un hotel cercano, fue la primera escuela de fotografía independiente en Estados Unidos. [30] White le pidió a su amigo Max Weber que enseñara con él, y sus colegas Day y más tarde Käsebier criticaron el trabajo de los estudiantes al final de cada sesión de verano. Atraídos por la reputación de White y por los modestos costos de la matrícula, los primeros estudiantes de la escuela vinieron de Nueva York, Filadelfia, Baltimore, Chicago, Los Ángeles, Ecuador y Egipto. Las sesiones de una, dos y cuatro semanas tenían un precio de $ 20, $ 30 y $ 50 respectivamente. [30] En consonancia con la naturaleza de White, los estudiantes de Seguinland disfrutaban de un ambiente informal y familiar en el que White y su esposa llevaban a sus clases a picnics y paseos por la costa. Seguinland duró hasta 1915, cuando las responsabilidades de dirigir la escuela recién establecida por White en Nueva York abrumaron su capacidad financiera para mantener en funcionamiento la escuela de Maine.

También en 1910, Stieglitz lideró un esfuerzo para crear una gran exposición de los artistas de Photo-Secession en lo que entonces se llamaba la Galería Albright en Buffalo, Nueva York (hoy conocida como la Galería de Arte Albright-Knox ). Si bien este esfuerzo se anunció como una actividad grupal de Photo-Secession, Stieglitz se negó a permitir que otras personas participaran o tomaran decisiones sobre quiénes serían incluidos en la exposición y cómo se exhibiría. Stieglitz, que ya era conocido por sus formas dominantes y su enfoque dogmático de la fotografía, llevó su autoridad unilateral autoasignada incluso más allá de sus acciones pasadas; en este caso, demostró haber ido demasiado lejos para varias personas que habían estado estrechamente alineadas con él. Primero Käsebier, luego White y finalmente Steichen rompieron su relación con Stieglitz, cada uno citando el ego dominante de Stieglitz, su negativa a considerar los puntos de vista de los demás y sus repetidas acciones en nombre de la Foto-Secesión sin consultar a ninguno de los llamados "miembros" del grupo. [31]

Stieglitz reaccionó a estas afirmaciones y, en particular, a la marcha de White con su habitual actitud antagónica. Al poco tiempo, le entregó a White la mayoría de los negativos y las copias que había producido conjuntamente con él en 1907. La división entre ambos era tan profunda que Stieglitz le escribió a White: "Una cosa que sí exijo... es que no menciones mi nombre en relación con las copias ni con los negativos... Desafortunadamente, no puedo borrar el pasado..." [28]

1914–1920: Maestro y líder

Blanco, alrededor de 1910. Retrato de Gertrude Käsebier .

La Escuela de Fotografía Moderna Clarence H. White

Alentado por el éxito de la Escuela Seguinland y por su nueva libertad para actuar fuera de la sombra de Stieglitz, White fundó la Escuela de Fotografía Clarence H. White en 1914. White le pidió a Max Weber que se uniera a él, junto con Paul Lewis Anderson . White enseñó a los estudiantes sobre el estilo fotográfico y la interpretación; Weber enseñó diseño, composición y teoría del arte; y Anderson enseñó los aspectos técnicos de las cámaras y el equipo. Jane White asumió los roles de administradora, contable, directora social y facilitadora de las tareas diarias de su esposo.

Durante la siguiente década, la Escuela atrajo a muchos estudiantes que luego se convirtieron en fotógrafos notables, entre ellos Ruth Matilda Anderson , Margaret Bourke-White , Anton Bruehl , Dorothea Lange , Paul Outerbridge , Laura Gilpin , Ralph Steiner , Karl Struss , Margaret Watkins y Doris Ulmann .

Una de las razones de su éxito fue el enfoque de enseñanza de White, que ponía el acento en la visión y el estilo personal por encima de cualquier escuela o movimiento en particular. A los estudiantes se les asignaban "problemas" y se les pedía que crearan imágenes que evocaran conceptos o sentimientos particulares, como "Inocencia" o "Acción de gracias". [32] También exigía a los estudiantes que experimentaran, de forma muy similar a lo que hacían él y Stieglitz, produciendo varios tipos de copias de la misma imagen. De las 30 horas de instrucción que se ofrecían cada semana en la escuela, 14 se dedicaban a una sola clase: "El arte de la fotografía", impartida por White. Durante estas sesiones, White recalcó que lo principal que sus estudiantes tenían que aprender era "la capacidad de ver". [33] Nunca alentó ni permitió la competencia entre sus estudiantes comparando el trabajo de uno con el de otro; el trabajo de cada persona se abordaba totalmente en relación con esa persona. [34]

Profesores y alumnos de la Escuela, hacia 1915

Este concepto se aplicaba independientemente del interés último del estudiante; White comprendía que no todo el mundo era un artista. La Escuela trataba "la fotografía no sólo como un arte fino con una técnica establecida, sino también como un arte práctico, indispensable para el comercio y la industria modernos". [35] Algunos de sus estudiantes continuaron trabajando en el periodismo, la publicidad, la industria, la medicina y las profesiones científicas.

White era más conocido en la Escuela por sus comentarios semanales sobre el trabajo de los estudiantes, descritos como "críticas comprensivas pero inquisitivas que fielmente les mostraban lo débiles que eran pero que siempre los hacían valientes y fuertes". [36] Su alumna Marie Riggin Higbee Avery resumió lo que sucedió allí diciendo "El rigor de nuestro entrenamiento, junto con el espíritu indomable [sic] fomentado en cada uno de nosotros, resultado de la enseñanza de Clarence White, fue llevar a algunos de los menos prometedores del grupo a lugares de alto honor en el mundo de la fotografía". [36]

Igualmente importantes para las enseñanzas fueron las actividades extracurriculares que White desarrolló para complementar el trabajo de clase. Más tarde, una serie de conferencias de los viernes por la noche contó con la participación de Stieglitz, Steichen, Paul Strand y Francis Bruguière . También contó con la participación de los ex alumnos de la escuela Paul Outerbridge, Doris Ulmann y Anton Bruehl como parte de la misma serie. [37]

Una de las características distintivas de White como profesor era su apoyo a las mujeres como fotógrafas. White buscó y entrenó personalmente a muchas aspirantes a fotógrafas, que encontraron en su apertura a una variedad de estilos y técnicas exactamente lo que buscaban en una época en la que la mayoría de los hombres tenían opiniones muy autocráticas. Ralph Steiner recordó que "no se esforzaba demasiado por alcanzar la perfección absoluta, sino que siempre encontraba algo que elogiar, [lo que] le valió la admiración de muchas mujeres". [38] En 1915, había aproximadamente el doble de mujeres que de hombres en la escuela. Esta proporción no cambió hasta la década de 1930. [39]

El apoyo que White daba a las mujeres contrastaba totalmente con el de Stieglitz, cuyas "actitudes paternalistas y sexistas" [40] le impidieron tomar en serio a muchas fotógrafas destacadas de su tiempo. Tras la muerte de White, Stieglitz resumió sus actitudes en una carta a Kuehn, diciendo: "Sus alumnas [de White] ‒ mujeres ‒ diletantes a medio hacer ‒ ni una sola con verdadero talento…" [41]

Después de varios años, los antiguos alumnos constituían la mayoría de los profesores de la Escuela White. En 1918, Charles J. Martin , un antiguo alumno de White en Columbia, asumió como profesor en la Escuela cuando Weber se fue. Margaret Watkins, una de las primeras alumnas, se hizo conocida por sus duras críticas de los aspectos técnicos de las fotografías cuando enseñó entre 1919 y 1925. Otros alumnos que se convirtieron en profesores fueron Margaret Bourke-White, Bernard Horne, Arthur Chapman, Anton Bruehl, Robert Waida y Alfred Cohn. [42]

Entre 1921 y 1925, la Escuela ofreció cursos de verano tanto en Nueva York como en Canaan, Connecticut. Los cursos de verano volvieron brevemente entre 1931 y 1933 en Woodstock, Nueva York, pero después todas las clases se impartieron en Nueva York.

Fotógrafos pictóricos de América

A principios de 1916, White, junto con sus colegas Gertrude Käsebier, Karl Struss y Edward Dickinson, fundó la Pictorial Photographers of America (PPA), una organización nacional dedicada a promover la fotografía pictórica. [43] Al igual que la Photo-Secession, la PPA patrocinaba exposiciones y publicaba una revista. Pero a diferencia de la Photo-Secession, la PPA se abstuvo conscientemente de la exclusividad y abogó por el uso de la fotografía pictórica como medio para la educación artística. Durante la década de 1920, la PPA comenzó a adoptar otros estilos de fotografía y fue fundamental para aportar "un pluralismo al pictorialismo". [44]

Al igual que hizo con su escuela, White se aseguró de que la PPA diera la bienvenida a las mujeres y de que estas fueran incluidas en su gobernanza. Käsebier fue la primera vicepresidenta honoraria de la organización, y había mujeres en su comité ejecutivo, comité de nominaciones y el Consejo de los Cuarenta, que incluía a representantes de todo el país. Según el primer informe anual de la PPA en 1917, las mujeres representaban el 45 por ciento de los miembros de la organización. [45]

White fue el primer presidente de la asociación, cargo que ocupó entre 1917 y 1921. Renunció a la presidencia porque creía que la organización se beneficiaría con un cambio. [43] Durante los siguientes años, la reunión anual de la PPA se celebró junto con las sesiones de verano de la Escuela White en Connecticut.

En 1921, la PPA se unió a la Art Alliance of America, el Art Directors Club, el American Institute of Graphic Arts, la New York Society of Craftsmen y la Society of Illustrators para abrir un edificio conocido como el Arts Center. El propósito del nuevo edificio era permitir que las diferentes organizaciones interactuaran regularmente entre sí y proporcionar un lugar donde "se elevara el nivel público del arte utilitario". [46] White creía que el futuro de la fotografía estaba estrechamente vinculado al campo de la ilustración de revistas, que entonces estaba en rápido crecimiento, y no pasó mucho tiempo antes de que se presentaran conferencias en el Arts Center con títulos como "Principios pictóricos aplicados a la fotografía arquitectónica" y "Lo que la revista fotográfica puede hacer por el fotógrafo pictórico". [47]

Vida posterior: 1920–1925

La Primera Guerra Mundial fue muy difícil para White debido a sus valores socialistas. Cualquier guerra era aborrecible para sus creencias, y durante ese período tuvo que luchar para saber cómo responder cuando gran parte del país estaba comprometida con el apoyo a la guerra. Su vida familiar afrontó una crisis cuando sus hijos Maynard y Lewis se alistaron en el ejército. Lewis fue dado de baja rápidamente debido a un defecto cardíaco, pero Maynard permaneció en el servicio hasta el final de la guerra. Además, su colega Karl Struss había sido enviado a un campo de detención debido a su ascendencia alemana.

White se dedicó más que nunca a la docencia para no pensar en estos problemas. Durante este período rara vez tomó fotografías y muchos de sus colegas se vieron afectados de manera similar. Tal vez porque anhelaban algo que les recordara cómo eran las cosas antes de la guerra, White y Stieglitz gradualmente reconciliaron muchas de sus diferencias. Este fue el único punto de luz a medias en un período por lo demás difícil. En 1923, White le escribió a Stieglitz: "Entiendo que [George] Seeley no está haciendo nada; Coburn también; Day está enfermo en cama. No sé si podré volver a hacer algo, pero espero intentarlo algún día". [48]

Para animarse y buscar nuevas inspiraciones, White decidió viajar a México en el verano de 1925. Iba a ser una experiencia docente, ya que varios estudiantes lo acompañaron, y una oportunidad para que comenzara a fotografiar nuevamente. Llegó a México a principios de julio y, como muestra de la reputación e influencia de White, recibió inmediatamente la visita del presidente mexicano Plutarco Elías Calles .

La tragedia se produjo el 7 de julio, cuando White sufrió un ataque cardíaco de repente después de tomar algunas de sus primeras fotografías en años; murió 24 horas después. White tenía 54 años. Su hijo Maynard llegó después de su muerte y reclamó el cuerpo, que fue llevado de regreso a Newark para un funeral y entierro. Su familia y amigos de la ciudad fueron los únicos que pudieron asistir a los servicios.

Después de la muerte

Aunque White y Stieglitz habían intentado reconciliar sus diferencias antes de que White muriera, Stieglitz nunca perdonó a White por romper con él en 1912. Al enterarse de la prematura muerte de White, Stieglitz le escribió a Kuehn: "Pobre White. Preocupaciones y disgustos. Cuando lo vi por última vez, me dijo que no era capaz de afrontar [la vida tan bien] como lo era hace veinte años. Le recordé que le advertí que se quedara con el negocio en Ohio; Nueva York sería demasiado para él. Pero la sesión fotográfica lo llamó. Vanidad y ambiciones. Su fotografía se fue al diablo". [41] A pesar de estas palabras, Stieglitz tenía 49 fotografías de White, incluidas 18 creadas conjuntamente con Stieglitz, en su colección personal cuando murió. [49]

La Escuela White continuó funcionando bajo la dirección de Jane White hasta 1940, cuando ya no tenía energía para atender a los numerosos estudiantes y a las largas horas de trabajo. Su hijo Clarence H. White Jr. tomó el relevo y, durante un breve periodo, pudo aumentar la matrícula. Sin embargo, una mudanza inoportuna a un local más grande para dar cabida a los nuevos estudiantes coincidió con la movilización para la Segunda Guerra Mundial y la matrícula de la Escuela pronto se desplomó. Finalmente, cerró en 1942. [50]

En 1949, a White Jr. se le ofreció la oportunidad de crear un departamento de fotografía en la Universidad de Ohio , y continuó los pasos de su padre al establecer allí una escuela que era "insuperable". [51] White Jr. murió en 1978 a la edad de 71 años.

En 1986, White fue incluido en el Salón de la Fama y Museo Internacional de Fotografía . [52]

Estilo y técnica

Desde el principio, la visión de White estuvo fuertemente influenciada por la cultura y las costumbres sociales de un pequeño pueblo de Ohio. “Celebraba las cosas elementales, el tiempo que se pasaba jugando en el campo o en el bosque, el simple placer de vivir sin prisas, los juegos en espacios interiores… White, que había crecido en el seno de una familia extensa y no conocía nada más, no tenía un sentido real de otras sociedades y sus cuadros tenían, por tanto, una especie de fortificación contra el exterior. Eran su epopeya privada”. [53]

Por necesidad, White retrató este entorno cultural con una extraordinaria reproducción de la luz. Debido a las largas horas que pasaba en su trabajo de contable, que a menudo iban de las 7 de la mañana a las 6 de la tarde seis días a la semana, White fotografiaba a sus sujetos con mayor frecuencia justo después del amanecer y justo antes del anochecer. Una vez escribió: "Mis fotografías eran menos nítidas que otras y no creo que fuera tanto por el objetivo como por las condiciones en las que se tomaron las fotografías: nunca en el estudio, siempre en casa o al aire libre, y cuando estaban al aire libre en un momento del día muy raramente seleccionado para la fotografía". [54] También compartía una familiaridad íntima con sus sujetos, que con mayor frecuencia eran su esposa, sus tres hermanas y sus propios hijos.

Sin embargo, las fotografías de White no eran posadas al azar; controlaba cuidadosamente cada detalle de sus escenas, a veces incluso hacía que crearan trajes especiales para sus modelos. [55] Veía en su mente exactamente lo que quería y luego lo hacía realidad a través de su cámara. Se ha dicho que "White es más importante en la historia de la fotografía porque, en sus primeros años, redefinió la naturaleza de la toma de fotografías, creando un idioma claramente moderno para su propia época... Redujo sus composiciones a elementos de forma muy simples y, al experimentar con principios de diseño derivados en gran medida de Whistler y de las estampas japonesas, creó un estilo personal que era único para la fotografía. [56]

Peter Bunnell escribió además: "Las cualidades que hacen que las fotografías de White sean memorables tienen que ver tanto con la forma como con el contenido. En sus mejores fotografías, la disposición de cada elemento, de cada línea y forma, se eleva a una intensidad expresiva que pocos fotógrafos lograron alcanzar... White fue capaz de transformar la percepción sensorial de la luz en una exposición del aspecto más fundamental de la fotografía: la materialización literal de la forma a través de la luz misma. Sus impresiones, en su mayoría en platino, muestran una riqueza, una sutileza y una luminosidad de tono que rara vez se logra en la historia de la fotografía". [57]

Aunque White es conocido principalmente por sus escenas familiares y retratos, su "... obra no es de género porque realmente nos dice muy poco sobre los individuos representados o el mundo en el que viven. Los sujetos de White aparentemente están ahí, y eso es todo. Lo que parece que tenemos aquí es una 'fotografía pura', similar quizás a la anterior 'pintura pura' del siglo XIX". [58]

En cuanto al estilo de White, es importante señalar que, si bien pasó casi toda su vida, desde 1906 hasta 1925, viviendo en la ciudad de Nueva York, no hay nada en sus fotografías que indique que alguna vez vivió allí. No había escenas de calles ni personas en la ciudad, ni edificios, puentes, barcos ni automóviles. A diferencia de la mayoría de sus amigos fotógrafos, optó por ignorar el lugar en el que vivía, excepto por el acceso que le brindaba para promover su trabajo y enseñar a otros. [59] Aunque era pragmático en su necesidad de ganarse la vida y promover su arte, se mantuvo fiel a sus raíces de pueblo pequeño durante toda su vida.

Durante la mayor parte de su vida, White estuvo limitado económicamente en cuanto a la cámara y los lentes que utilizaba. En una ocasión declaró que "el factor más importante en la selección [de su equipo] era un límite de 50 dólares". [60] Durante la mayor parte de su tiempo en Newark, utilizó una cámara de 6 1/2" x 8 1/2" con un lente de retrato Hobson de 13". [60]

Se sabe que White trabajó con los siguientes procesos: platino, goma-platino, paladio, goma-paladio, goma, platino revelado con glicerina, cianotipia y platino recubierto a mano. Sus impresiones en platino utilizaban sales de platino en lugar de las sales de plata que se utilizan en las impresiones en platino modernas, lo que daba como resultado una mayor gama y riqueza de tonos medios. [61]

White a veces imprimía la misma imagen utilizando diferentes procesos y, como resultado, hay variaciones significativas en el aspecto de algunas de sus impresiones. Sus impresiones en platino tienen un tono marrón magenta intenso, por ejemplo, mientras que sus impresiones en goma tienen un tono rojizo distintivo. Los fotograbados de sus imágenes en Camera Work , que él consideraba impresiones auténticas, eran más neutrales y tendían a tonos cálidos en blanco y negro.

Antes de 1902, White fechaba sus fotografías según la fecha en que se había hecho el negativo, aunque no fuera el año en que lo había impreso. Para sus impresiones posteriores, solía asignar dos fechas: una cuando se tomó la imagen y otra cuando se imprimió. [62]

Citas sobre el blanco

Galería

Referencias

Referencias

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Enlaces externos