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Escultura francesa

La escultura francesa ha sido un componente original e influyente del arte mundial desde la Edad Media. Las primeras esculturas francesas conocidas datan del Paleolítico superior . La escultura francesa originalmente copió modelos romanos antiguos, luego encontró su propia forma original en la decoración de la arquitectura gótica . Los escultores franceses produjeron importantes obras de escultura barroca para la decoración del Palacio de Versalles . En el siglo XIX, los escultores Auguste Rodin y Edgar Degas crearon un estilo más personal y no realista, que abrió el camino al modernismo en el siglo XX, y a la escultura de Pablo Picasso , Georges Braque , Marcel Duchamp y Jean Arp .

Prehistoria

Los primeros ejemplos indiscutibles de escultura pertenecen a la cultura auriñaciense , que se localizó en Europa y el sudoeste de Asia y estuvo activa a principios del Paleolítico superior . Además de producir algunas de las primeras obras de arte rupestre conocidas , los habitantes de esta cultura desarrollaron herramientas de piedra finamente elaboradas, fabricaron colgantes, brazaletes, cuentas de marfil y flautas de hueso, así como figurillas tridimensionales. [1] [2]

Dos de las esculturas prehistóricas más grandes se pueden encontrar en las cuevas de Tuc d'Audobert en Francia, donde hace unos 12-17.000 años un escultor utilizó una herramienta de piedra similar a una espátula y los dedos para modelar un par de grandes bisontes en arcilla contra una roca caliza. [3]

Las formas humanas y animales eran comunes en la escultura primitiva, a menudo en forma de bajorrelieves. Las figuras expresaban emociones y a menudo estaban distorsionadas; las formas de las mujeres a menudo eran extrañamente obesas. La Venus de Laussel es uno de los primeros ejemplos. [4] Con el comienzo del Mesolítico , la cantidad de escultura figurativa disminuyó y predominaron los animales, que expresaban movilidad y vigor. [4] En el período Mesolítico posterior, la escultura se volvió menos realista y se inclinó hacia formas decorativas abstractas y ornamentales, que continuaron durante la Edad del Bronce y la Edad del Hierro. La llegada de los celtas, los ligures y los pueblos ibéricos no cambió radicalmente el estilo. Las formas humanas solían ser talladas simplemente como siluetas estilizadas. En la costa del Mediterráneo, los escultores hicieron frisos de guerreros y varias deidades sentadas con las piernas cruzadas. [4]

Galorromana y carolingia

La conquista romana de la Galia impuso el estilo romano, caracterizado por el realismo y la celebración de la grandeza y el poder. Los escultores galorromanos de la Galia modificaron el estilo romano para hacerlo más delicado y personal. La escultura floreció en forma de estatuillas, jarrones de bronce y temas domésticos y religiosos. El simbolismo cristiano primitivo pronto apareció en obras escultóricas como los sarcófagos, pero fue en gran medida desalentado por los líderes de la iglesia que temían un regreso a la adoración de ídolos. [5]

La escultura gala muestra la influencia no sólo de la escultura romana, sino también de la escultura helénica, procedente de talleres del centro de Italia. Un ejemplo característico es la estatua de Medea del siglo I que se conserva en el Museo de Arlés . [6]

La invasión de la Galia romana por los borgoñones, los celtas y los visigodos frenó el desarrollo de la escultura más allá de los diseños decorativos tradicionales. La época de Carlomagno restauró cierto prestigio a las artes, pero la escultura no era original ni hábil, y después de la muerte de Carlomagno aparecieron pocas esculturas importantes hasta el reinado de la dinastía de los Capetos (987-1328) [5]

Escultura románica

Bajo la dinastía de los Capetos , el reino de Francia recuperó gradualmente la calma, la estabilidad y la prosperidad. Una reforma de la Iglesia y la fundación de nuevas órdenes religiosas dieron lugar a importantes encargos de esculturas, especialmente para la nueva abadía de Cluny (1088-1108) de la orden benedictina. Otras abadías de toda Francia imitaron su uso de la decoración escultórica.

Las primeras decoraciones escultóricas se encuentran en los altares y en las superficies interiores de las iglesias, en los dinteles, sobre las puertas y, en particular, en los capiteles de las columnas, que solían estar adornados con imágenes de figuras bíblicas y animales reales o míticos. La mayor parte de la obra era casi plana y no intentaba alcanzar el realismo. Algunas de las primeras esculturas románicas de Francia se encuentran en la abadía de Saint-Génis-des-Fontaines (1019-1020), en los Pirineos orientales. Un dintel sobre una puerta representa a Cristo en un trono, en un marco sostenido por dos ángeles y flanqueado por los apóstoles. Las formas de los apóstoles están definidas por las formas de los arcos en los que se encajan. [7] Este diseño de "Cristo en majestad" sobre la puerta central se convirtió en una característica común de las iglesias y catedrales de toda Francia en el período románico y gótico. [8]

En el románico tardío, la escultura se utilizó a menudo en los puntos más importantes, como las fachadas, para enfatizar las líneas de la estructura. A menudo se utilizaban diseños geométricos (círculos, cuadrados, triángulos). Los espacios estaban abarrotados de figuras, que a menudo se contorsionaban de modo que parecían estar bailando. La escultura fue más profusa en los capiteles de las columnas y en los portales, donde se utilizó para presentar historias bíblicas muy complejas y extensas. Los escultores también representaron una gran cantidad de animales, tanto reales como imaginarios, incluidas quimeras , sirenas , leones y una amplia gama de monstruos. La imaginación generalmente prevaleció sobre el realismo. [9]

El suroeste de Francia, alrededor de Toulouse , tuvo un estilo particular, más vivo y activo que el norte. Un notable grupo de esculturas románicas se encuentra en la decoración de la Basílica de Saint-Sernin, en Toulouse , que data de finales del siglo XI y principios del XII. Las figuras son mucho más realistas, y hacen un hábil uso de las sombras y la luz para resaltar los detalles. Una de las obras más distintivas es la mesa del altar, firmada por su escultor, Bernardus Geldvinus. También realizó los siete relieves escultóricos que se encuentran en el deambulatorio de la catedral. [7]

Otros ejemplos notables de escultura románica se encuentran en el tímpano y los capiteles de las columnas del claustro de la abadía de Moissac en Mossac, Tarne-et-Garonne, y las columnas de la iglesia abacial de Saint-Marie en Souillac en el departamento de Lot . Los escultores de Borgoña también produjeron obras distintivas para la decoración de las iglesias de la zona, en particular para la abadía de Saint-Philibert de Tournus (hacia 1100). El tímpano de la abadía de Vézelay , una iglesia de peregrinación consagrada por el Papa en 1132, muestra el estado del arte de la escultura románica a finales del románico y principios del período gótico. [7]

Escultura gótica

A principios del siglo XII, se inició en Francia una renovación de los estilos escultóricos. Durante los años de paz, la tasa de natalidad había aumentado considerablemente y se necesitaban iglesias y catedrales más grandes. La catedral sustituyó a la abadía como institución religiosa principal y el obispo reemplazó al abad como figura principal que determinaba el estilo artístico. Los interiores de las iglesias eran más altos, con ventanas más grandes y estaban llenos de luz, lo que exigía un tipo de escultura diferente. Los exteriores también eran mucho más altos y necesitaban estatuas visibles y legibles desde abajo. Los escultores abandonaron el follaje exótico tomado de estilos escultóricos anteriores, como el acanto y el palmito, en favor de formas más locales, como el patrón de hojas de parra y de roble. Las formas humanas ya no estaban retorcidas ni torturadas para adaptarse al espacio; adquirieron una apariencia más natural. Se esperaba que la escultura fuera un libro escrito en piedra, para que lo leyeran los fieles. El abad Suger , que dirigió la construcción de la primera abadía gótica en Saint-Denis, observó: "El arte conduce las almas humanas mediante el uso de cosas materiales para alcanzar lo inmaterial". Una innovación escultórica gótica, tomada prestada de los antiguos griegos, fue la columna en forma de figura humana. Otra fue el uso de esculturas de varias criaturas míticas, como la gárgola y la quimera , para advertir a los fieles de los peligros fuera de la iglesia. (Las gárgolas también tenían la aplicación práctica de proyectar el agua de lluvia lejos de las paredes.) [10]

Renacimiento

En el siglo XIV, las excavaciones arqueológicas en Roma y Florencia condujeron al redescubrimiento de la estatuaria clásica y al comienzo del Renacimiento. Se importaron pequeños modelos de bronce de las obras clásicas y se vendieron a ricos mecenas franceses, y los artistas franceses comenzaron a visitar Italia para verlos por sí mismos. Carlos VIII trajo artistas de Nápoles y Florencia a París. Luis XII contrató escultores italianos. Francisco I invitó a Leonardo da Vinci , Francesco Primaticcio y Benvenuto Cellini a trabajar en Francia. Formaron un nuevo estilo y escuela de arte, la Escuela de Fontainebleau , para la decoración de su castillo. Envió a Primaticcio de regreso a Italia para adquirir moldes de esculturas clásicas; regresó con 133 cajas de esculturas. A pesar de esta competencia italiana, los escultores franceses más conocidos, incluidos Ligier Richier y Michel Colombe , continuaron trabajando en el estilo gótico tradicional, particularmente en la estatuaria de tumbas. Michel Colombe realizó una elegante tumba de Francisco II, duque de Bretaña (1502-07), con una estatua de su hija, Ana de Bretaña , como Prudencia a su lado. Richier realizó una escultura particularmente gótica de un santo martirizado, la Tumba del cadáver de René de Chalon, que retrata a René de Chalon tal como luciría tres años después de su muerte, un cadáver descompuesto sosteniendo su propio corazón en su mano. [11]

El primer escultor francés importante del Renacimiento fue Jean Goujon (1510-1565), también un destacado ilustrador gráfico, cuyo trabajo en bajorrelieves capturó y refinó perfectamente el estilo italiano. Llegó a París en 1544 y trabajó en estrecha colaboración con el arquitecto Pierre Lescot en la decoración del Louvre , la Fontaine des Innocents , varias figuras para la fachada del Hôtel de Ville de París y un grupo de bajorrelieves de las Cuatro Estaciones, realizados para la fachada del patio del hôtel de Jacques de Ligeris, ahora en el Musée Carnavalet de París. Goujon era protestante y en 1562, cuando comenzaron las Guerras de religión francesas , abandonó Francia para ir a Italia, donde se cree que murió en 1563. [11]

Otros escultores notables del Renacimiento francés fueron Pierre Bontemps (1505-1568), colaborador del arquitecto Philibert Delorme . Fue el principal creador de la escultura de la tumba de Francisco I , que mostró su conocimiento preciso de la anatomía y su capacidad para representar vívidamente una multitud de batallas, escenas y personalidades, en cincuenta y cuatro bajorrelieves separados alrededor de la base de la tumba. [11]

Germain Pilon (1535-1590) fue otra figura importante. Fue alumno de Bontemps, un feroz defensor del lado católico en las guerras de religión y la Contrarreforma. También fue un excelente retratista y estudioso de la anatomía y el detalle. Entre sus principales obras se incluyen un monumento para el corazón de Enrique II de Francia , basado en un dibujo de Francesco Primaticcio , las tumbas de Enrique II de Francia y Catalina de Médicis , y una variedad de otras obras religiosas.

La escultura francesa de finales del siglo XVI se basó en gran medida en modelos romanos antiguos. Bartélémy Prieur fue alumno de Pilon y escultor real de Enrique IV , y Jacques Sarrazin fue escultor de la corte de Luis XIII . Estudiaron en Roma y copiaron modelos romanos. Los dos hermanos François Angiers y Michel Angiers también fueron estudiantes durante mucho tiempo en Roma. Su trabajo era muy refinado y se acercaba a la perfección en la ejecución, pero carecía de originalidad, emoción o dramatismo. La principal innovación estilística en la escultura francesa fue la introducción de la estatua ecuestre del rey a caballo, diseñada para su colocación en plazas centrales de la ciudad. El primer ejemplo fue la estatua ecuestre de bronce de Enrique IV de Francia , con el caballo de Jean de Boulougne, un escultor francés empleado en Florencia por los Médici, y el rey de Ferdinando Tacca , su alumno. La estatua fue destruida durante la Revolución Francesa. [12]

El siglo XVII y la época de Luis XIV

El reinado de Luis XIV (1643-1715) coincidió en gran medida con la era de la escultura barroca , pero el rey francés se resistió al estilo barroco. El gran maestro de la escultura barroca, Bernini , hizo un viaje a París y criticó el trabajo de los escultores franceses como "un estilo pequeño, triste y sombrío". Hizo una estatua del rey, vio rechazado su plan para la fachada del Louvre y se fue después de seis meses. Luis XIV y sus ministros utilizaron en cambio un estilo de escultura más clásico como método de ilustrar la majestuosidad del rey y su reinado. La Real Academia Francesa de Pintura y Escultura se había creado en 1648. Los estudiantes recibieron como guía la declaración del rey: "Confío en vosotros lo más precioso del mundo: mi fama". [13] El rey lanzó uno de los proyectos escultóricos más grandes de la historia, la decoración del Palacio de Versalles y sus vastos jardines y numerosas fuentes. La mayoría de los escultores franceses más destacados se dedicaron a realizar estatuas para Versalles. El artista real Charles Le Brun asignaba los temas, los escultores los modelos, estos eran aprobados por el rey y se creaban modelos a escala real en yeso para exhibirlos en el parque. Después de un período de meses o años, las obras finales se fundían en bronce o se tallaban en mármol. [14]

Entre los principales escultores que decoraron los jardines se encuentran François Girardon (1628-1715), Antoine Coysevox (1640-1720) y Jean-Baptiste Tuby (1635-1700). Coysevox, además de realizar fuentes, produjo bustos de gran belleza del rey y de sus principales ministros. También creó esculturas que retrataban a miembros de la corte o de la nobleza con trajes mitológicos, como la duquesa de Borgoña representada como la diosa de la caza, Diana. Casi todos los escultores importantes de la época, incluidos Coysevox, Girardon, Jean-Louis Lemoyne (1665-1755) y Edmé Bouchardon (1698-1762), también realizaron estatuas ecuestres monumentales del rey para las plazas reales de las grandes ciudades, como la Place Vendôme y la Place des Victoires en París.

En los últimos años del reinado de Luis XIV, las guerras agotaron el tesoro y los encargos escultóricos de gran tamaño empezaron a escasear. El rey centró su atención en la decoración de su castillo de Marly , construido como un refugio más tranquilo frente a Versalles. Entre las estatuas que allí se encontraban se encontraban obras de Coysevox y sus alumnos, entre ellos Nicolas Coustou y, poco después de su reinado, un famoso par de caballos de Guillaume Coustou (1739-1745), cuyas réplicas decoran ahora el comienzo de los Campos Elíseos .

Otros escultores notables durante el período incluyen a Pierre Puget , de Marsella, uno de los mejores escultores del estilo barroco francés . Había estudiado y trabajado en Roma, y ​​sus obras mostraban movimiento y fuerte emoción, y utilizaba la figura serpentina , la disposición en espiral ascendente que sugería movimiento y ligereza, característica de la escultura barroca italiana. Algunos ejemplos, incluidos Perseo y Andrómeda (1684) y Milón de Crotona (1682) se colocaron en los jardines de Versalles y ahora se encuentran en el Louvre. [15]

Siglo XVIII: Neoclasicismo y Rococó

Los dos escultores franceses dominantes del siglo XVIII fueron Jean-Baptiste Pigalle y uno de sus alumnos, Jean-Antoine Houdon . Pigalle no consiguió el Premio de Roma, pero trabajó en el taller de François Lemoyne y se fue a Italia, donde realizó su primera obra famosa, Mercurio poniéndose las zapatillas de correr . Realizó numerosas esculturas naturalistas, entre ellas Amor y amistad para Madame de Pompadour , y un monumento de Luis XV a caballo para la ciudad de Reims . Rompió con la fría formalidad del clasicismo con la Tumba del mariscal Maurice de Saxe , encargada por Luis XV, Pigalle retrató al mariscal no tumbado, sino muy vivo y activo, rodeado de figuras simbólicas de personajes y animales, entre ellos estandartes, una leona holandesa y un leopardo inglés, y una figura de Hércules muerto, que simbolizaba al propio mariscal; la escultura era una escena de teatro tallada en piedra. Pigalle también realizó estatuas y bustos muy bellos, incluida una estatua desnuda de Voltaire, que expresa su modestia y humanidad. [14]

Los bustos de retrato se hicieron muy populares. Jean-Antoine Houdon (1714-1785) fue alumno de Pigalle y se especializó en bustos. Viajó por toda Europa y Estados Unidos, donde hizo bustos precisos de George Washington y Benjamin Franklin . Midió los rostros de sus modelos para lograr precisión, trabajando particularmente en los detalles de los ojos para asegurar el realismo y una expresión vívida. Augustin Pajou hizo cinco bustos diferentes de Madame Du Barry , [16]

El reinado de Luis XV y el mecenazgo de Madame de Pompadour provocaron un giro hacia el neoclasicismo. Los principales encargos reales solían recaer en los dos escultores reales oficiales establecidos, Jean-Louis Lemoyne (1665-1755), y su hijo, Jean-Baptiste Lemoyne , que fue uno de los mejores retratistas de la época, y en Augustin Pajou , pero Madame Pompadour encargó obras a una nueva generación de escultores, entre ellos Étienne Maurice Falconet y Jacques Caffieri . Falconet alcanzó renombre internacional; fue invitado por la emperatriz rusa, Catalina la Grande , para hacer una estatua monumental de Pedro el Grande a caballo, conocida como El jinete de bronce , y a Prusia para hacer estatuas para los jardines de Federico el Grande en el parque de Sanssouci en Potsdam .

A finales del siglo XVIII, la clientela de las esculturas había cambiado. La clase ascendente de banqueros, comerciantes y otros profesionales adinerados buscaban esculturas para sus hogares. Los escultores trabajaban en una variedad de medios, incluida la porcelana vidriada de la Manufactura de Sèvres , que podía fabricarse en serie, y hacían piezas de bronce a menor escala en fundiciones múltiples, incluidas múltiples fundiciones de bronces. Los escultores más importantes, incluidos Pigalle y Falconet, hacían series para la manufactura de Sèvres. El estilo rococó teatral era común; los temas de las pequeñas obras eran generalmente escenas pastorales, románticas y mitológicas, con cupidos, pastoras y sátiros, encanto y suave sensualidad. Claude Michel , también conocido como Clodion, fue un maestro de este género, trabajando principalmente en terracota. Compuso numerosas esculturas de ninfas entrelazadas, sátiros y bacantes en terracota. [17]

La Revolución Francesa provocó la destrucción de la escultura a gran escala; las estatuas ecuestres de los reyes y las fachadas esculpidas de las catedrales góticas fueron derribadas o profanadas. Durante el reinado de Napoleón aparecieron algunos escultores, entre ellos Chinaud, Chaudet y Cartellier, pero su obra quedó totalmente eclipsada por el escultor italiano Antonio Canova en el mismo período. Napoleón invitó a Canova a París, donde Canova hizo una estatua semidesnuda del Emperador como Marte, pero pronto regresó a Roma y se encontró con un público más agradecido [16]

El siglo XIX

Las primeras figuras importantes de la escultura francesa del siglo XIX fueron Antoine-Louis Barye (1795-1875) y François Rude (1784-1855), cada uno de los cuales rompió con los modelos e ideales clásicos del siglo XVIII. Barye fue más famoso como retratista de animales, a los que representó con gran realismo, a menudo combinándolos en grupos con personas. Entre sus obras se incluyen la decoración escultórica de la Columna de Julio en la Place de la Bastille y cuatro grupos en la fachada del Pavillon Denon del Louvre (1854). Los temas de Rude no eran nobles sino gente común, retratados de manera realista, no en posturas clásicas. Esto apareció en su primera escultura importante, de un joven pescador napolitano (1833), y en su obra más famosa, La partida de los voluntarios (1836), un bajorrelieve en la base del nuevo Arco de Triunfo , que se convirtió en un ejemplo clásico del movimiento del romanticismo . Sus bustos de personalidades importantes, como Jacques-Louis David , los mostraban no idealizados, sino mostrando la cumbre de la emoción. [18]

El escultor Honoré Daumier (1808-1879) ocupó un lugar único en la escultura del siglo XIX, con una serie de esculturas de retratos de miembros del Parlamento francés que los caricaturizaban y satirizaban sin piedad.

Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1865) fue el escultor francés más eminente durante el reinado de Napoleón III , capturando el espíritu del Segundo Imperio. Estudió primero con Rude, donde aprendió precisión y naturalismo, luego, por sugerencia de Rude, en la Academia más tradicional, donde fue alumno de Barye, aprendió el estilo renacentista de Miguel Ángel y ganó el Premio de Roma. Su estatua Ugolin, el pensador causó un escándalo, que lo hizo famoso. Con su amigo el arquitecto Charles Garnier , realizó su obra más famosa de decoración escultórica de la fachada de la Ópera Garnier de París, El genio de la danza , llena de pasión y energía, que conmocionó a los parisinos más conservadores. También realizó una célebre obra de Flore para la fachada del Louvre, y la estatuaria para la Fontaine de l'Observatoire , al sur de los Jardines de Luxemburgo . [18]

Jules Dalou (1838-1902), alumno de Carpeaux, le sucedió como importante escultor monumental: Triunfo de la República (1889), conmemoración del centenario de la Revolución Francesa, en la Place de la Nation .

Edgar Degas utilizó la escultura como herramienta para sus pinturas. Cuando murió, se encontraron en su estudio unas ciento cincuenta esculturas de terracota y cera de bailarinas, mujeres en su tocador y otros temas. Al parecer, utilizó estas esculturas y modelos para estudiar los efectos de la luz. Sus esculturas, a menudo delicadamente coloreadas y con faldas de tela, capturaban la gracia, el movimiento y el carácter de las bailarinas con tanta precisión como sus pinturas. [19]

El escultor francés más famoso del siglo XIX, Auguste Rodin (1840-1917), quiso ser alumno de Carpeaux, pero no lo logró, aunque más tarde tomó prestado uno de los temas de Carpeaux, Ugolin, el pensador . Se convirtió en alumno de Barye, que fue su instructor de dibujo. Sus extraordinarias habilidades de observación cuidadosa combinadas con una habilidad para usar la luz y expresar emociones, lo hicieron famoso muy rápidamente, aunque también le acarrearon críticas. Todas sus principales obras públicas fueron atacadas. Sus obras más famosas incluyen El pensador , Los burgueses de Calais y Balzac . En la época de la Exposición de París de 1900, tenía tantos encargos que sirvió principalmente como modelista, empleando un gran estudio de asistentes para hacer realmente las estatuas. Concibió su famosa estatua, El pensador , en 1881-1882, y exhibió un modelo de tamaño real en 1904 en el Salón de Bellas Artes. Se hicieron veintiocho vaciados de la estatua. [18] Hacia el final de su vida, realizó una obra aún más influyente, un retrato escultórico de Honoré de Balzac . Rodin fue seleccionado para el encargo por el escritor Émile Zola. Rodin experimentó con muchas versiones diferentes de vestuario y poses, a partir de 1891, y finalmente decidió retratar no la apariencia física, sino el espíritu y los pensamientos de Balzac, mediante una exageración de sus rasgos. La obra causó un escándalo cuando se presentó en 1898, y fue rechazada por el Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Una suscripción cubrió el costo del modelo, que se colocó en la avenida Friedland en 1902. Rodin nunca vio la versión final en bronce, que se colocó en la intersección de las avenidas Raspail y Montparnasse en 1939. [20]

Los discípulos de Rodin modificaron y crearon nuevas variaciones, muchas de las cuales expresaban la sensación de movimiento, velocidad y cambio que se sentía a finales de siglo. Entre estos escultores se encontraba la discípula y amante de Rodin, Camille Claudel (1864-1943).

Siglo XX - El fin de las reglas

Los años de 1900 a 1914 fueron un período de experimentación extraordinaria en escultura, rompiendo todas las reglas y tradiciones anteriores. Artistas de todo el mundo y de las provincias francesas se sintieron atraídos por París. Antoine Bourdelle (1861-1929) fue alumno de Rodin, cuya obra abarcó los dos siglos e ilustró la transición a los nuevos estilos. Sus estilizadas esculturas en bajorrelieve en el Teatro de los Campos Elíseos (1910-12) se fusionaron con el nuevo estilo arquitectónico Art Decó . Entre los escultores importantes de principios de siglo se encontraba Aristide Maillol (1861-1944), que comenzó como pintor y se pasó a la escultura. Retrató particularmente, de forma natural y sensual, el desnudo femenino. Germaine Richier (1902-1959), alumna de Bourdelle, hizo extraños híbridos de formas humanas y animales. Su obra expresaba nerviosismo y tensión. [21]

François Pompon , que había trabajado en el taller de Rodin, heredó el papel de escultor de animales que había desempeñado Bayre, aunque a diferencia de Bayrle no tenía ningún interés por el realismo. Simplificó y depuró las formas, buscando sólo la esencia del animal.

Muchos de los principales pintores modernistas de principios del siglo XX también experimentaron con la escultura; entre ellos, Henri Matisse , André Derain , Fernand Léger , Georges Braque y otros. No tenían formación formal ni experiencia como escultores y no siguieron ninguna de las reglas tradicionales, con mayor o menor éxito. [21]

El uso de materiales nuevos e inusuales fue una característica común en gran parte de la escultura del siglo XX. Henri-Georges Adam realizó obras abstractas de hormigón de gran tamaño, como su Señal de 22 metros de largo en el Museo de Bellas Artes de Le Havre . [22]

La obra más celebrada y controvertida del siglo XX fue probablemente La fuente , obra del artista francés Marcel Duchamp que se presentó en la Exposición de Artistas Independientes de Nueva York en 1917. Se trataba de un urinario corriente comprado por Duchamp y propuesto por éste como obra de arte. Los organizadores de la muestra lo aceptaron a regañadientes, ya que cualquier escultor que pagara la tarifa podía mostrar su obra, pero nunca se expuso y creó un enorme escándalo en el mundo del arte, como pretendía Duchamp.

Gaston Lachaise también parecía burlarse de las tradiciones de la escultura clásica con sus desnudos inflados. [23]

César Baldaccini (1921-1998) fue una figura destacada de la escultura francesa de la segunda mitad del siglo XX. César estuvo a la vanguardia del movimiento Nouveau Réalisme con sus compresiones radicales (automóviles compactados, metales desechados o basura), expansiones (esculturas de espuma de poliuretano) y representaciones fantásticas de animales e insectos.

Otros escultores destacados que trabajaron en París en el siglo XX fueron el rumano Constantin Brâncuși , el italiano Amedeo Modigliani , Jean Arp , el suizo Jean Tinguily y Niki de Saint Phalle .

Notas y citas

  1. ^ P. Mellars, Arqueología y la dispersión de los humanos modernos en Europa: deconstrucción del Auriñaciense, Antropología evolutiva , vol. 15 (2006), págs. 167–82.
  2. ^ de Laet, Sigfried J. (1994). Historia de la humanidad: prehistoria y comienzos de la civilización. UNESCO. p. 211. ISBN 978-92-3-102810-6.
  3. ^ Kleiner, Fred (2009). El arte de Gardner a través de los tiempos: la perspectiva occidental, volumen 1, pág. 36. ISBN 978-0-495-57360-9.
  4. ^ abc Jeancolas, Escultura francesa , pág. 1
  5. ^ ab Jeancolas, Escultura francesa , pág. 2-3
  6. ^ Georges y Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle (2013), p. 220
  7. ^ abc Toman 2015, págs.
  8. ^ Jeancolas 1992, pág. 3-4.
  9. ^ Ducher 1998, pág. 42.
  10. ^ Jeancolas, Escultura francesa , pág. 4-5
  11. ^ abc Jeancolas, Escultura francesa (1992), pág. 6-8)
  12. ^ Jeancolas, Escultura francesa (1992), pág. 7
  13. ^ Jeancolas, Escultura francesa (1992), pág. 8)
  14. ^ ab Jeancolas, Escultura francesa (1992), pág. 8-10)
  15. ^ Lagrange, Léon, Pierre Puget - Peintre - Escultor - Décorateur de Vaisseaux Didier et Cie, París (1868) (en francés)
  16. ^ ab Jeancolas, Escultura francesa (1992), pág. 10-11
  17. ^ Duby, Georges y Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle , (2013) págs.821-22
  18. ^ abc Jeancolas, Escultura francesa (1992), pág. 11-13)
  19. ^ Jeancolas, Escultura francesa (1992), pág.13
  20. ^ Duby, Georges y Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle , págs. 944-946
  21. ^ ab Jeancolas, Escultura francesa (1992), pág. 11-14
  22. ^ Duby, Georges y Daval, Jean-Luc, La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle (2013), p. 1046
  23. ^ Jeancolas, Sculpture Française (1992), páginas 11-14

Bibliografía