Everywhere at the End of Time [a] (comúnmente abreviado como EATEOT ) es la undécima grabación de The Caretaker , un alias del músico electrónico inglés Leyland Kirby. Lanzado entre 2016 y 2019, sus seis álbumes de estudio utilizan bucles degradantesde música de salón sampleada para retratar la progresión de la enfermedad de Alzheimer . Inspirado por el éxito de An Empty Bliss Beyond This World (2011), Kirby produjo Everywhere como su último trabajo importante bajo el alias. Los álbumes fueron producidos en Cracovia y lanzados durante períodos de seis meses para "dar una sensación de paso del tiempo", conportadas de álbumes abstractas de su amigo Ivan Seal . La serie generó comparaciones con las obras del compositor William Basinski y el músico electrónico Burial , mientras que las etapas posteriores fueron influenciadas porel compositor vanguardista John Cage .
La serie consta de seis horas de música, que retrata una gama de emociones y se caracteriza por el ruido en todo momento. Aunque las tres primeras etapas son similares a An Empty Bliss, las tres últimas se alejan de los trabajos ambientales anteriores de Kirby . Los álbumes reflejan el trastorno y la muerte del paciente, sus sentimientos y el fenómeno de la lucidez terminal . Para promocionar la serie, el artista visual anónimo Weirdcore creó videos musicales para las dos primeras etapas. Al principio, preocupado por si la serie parecería pretenciosa, Kirby pensó en no crear Everywhere en absoluto, pero terminó dedicando más tiempo a producirla que a cualquiera de sus otros lanzamientos. Las portadas del álbum recibieron la atención de una exposición de arte francesa que lleva el nombre de Caretaker's Everywhere, an Empty Bliss (2019), una compilación de canciones archivadas.
A medida que se lanzaba cada etapa, la serie recibía críticas cada vez más positivas de los críticos; su duración y su concepto impulsado por la demencia llevaron a muchos críticos a sentirse emocionados por la edición completa. Considerada como la obra maestra de Kirby , Everywhere fue uno de los lanzamientos musicales más elogiados de la década de 2010. Los cuidadores de personas con demencia también elogiaron los álbumes por aumentar la empatía por los pacientes entre los oyentes más jóvenes, aunque algunos médicos sintieron que la serie era demasiado lineal. Se convirtió en un fenómeno de Internet a principios de la década de 2020, emergiendo en videos de TikTok como un desafío de escucha, transformándose en un mod controvertido para el videojuego Friday Night Funkin' (2020) y apareciendo en memes de Internet , el más famoso en The Backrooms .
En 1999, el músico electrónico inglés Leyland Kirby adoptó el seudónimo de Caretaker , cuyo trabajo sampleaba discos de big band . Kirby se inspiró en la escena de salón de baile embrujado de la obra del cineasta Stanley Kubrick , El resplandor (1980), como se escucha en el lanzamiento debut del alias, Selected Memories from the Haunted Ballroom (1999). [1] Sus primeros discos presentaban el estilo ambiental que sería prominente en sus últimos lanzamientos. [2] El proyecto exploró por primera vez la pérdida de memoria en Theoretically Pure Anterograde Amnesia (2005), un álbum de tres horas de duración que retrata la enfermedad del mismo nombre . En 2008, Persistent Repetition of Phrases vio al alias Caretaker ganando atención crítica y una base de fans más grande . [1]
En 2011, Kirby lanzó An Empty Bliss Beyond This World , obteniendo elogios por su exploración de la enfermedad de Alzheimer . [1] Aunque Kirby inicialmente no quería producir más música como The Caretaker, se sintió obligado a continuar el proyecto luego del éxito de An Empty Bliss . Luego pensó que el único concepto que quedaba por explorar era la progresión de la demencia, que imaginó que se desenredaría gradualmente a lo largo de una serie de seis álbumes. [2] Sería su último lanzamiento como The Caretaker; Kirby dijo: "Simplemente no puedo ver dónde puedo llevarlo después de esto". Everywhere at the End of Time representa la "muerte" simbólica del alias Caretaker en sí, [1] con muchas pistas de los lanzamientos anteriores del seudónimo que se samplean en él. [3]
"Para poder recordar esta música como una cultura viva y en tiempo real, habría que tener noventa años. Lo que Kirby presenta aquí podría escucharse como fragmentos de recuerdos débiles y desvanecidos de melodías que alguna vez fueron amadas, mientras vacilan en mentes atrofiadas". [4]
—Simón Reynolds
Los álbumes, que Kirby describe como una exploración del "avance y la totalidad" de la demencia, presentan títulos de canciones poéticos y descripciones para cada etapa, [5] [6] que representan a una persona con demencia y sus sentimientos. [7] [8] [9] Las ideas de deterioro, melancolía, confusión y abstracción están presentes en todas partes, y según la escritora Alexandra Weiss, el trabajo de Kirby "plantea preguntas importantes sobre las actitudes occidentales hacia la muerte". [10] [11] Tiny Mix Tapes sugirió que, como el canto del cisne del alias Caretaker, Everywhere "amenaza a cada momento con dar paso a la nada". [12] Los álbumes presentan un concepto experimental y vanguardista , [13] [14] [15] con la revista musical Fact señalando un " vínculo hauntológico " entre el estilo de Everywhere y los temas de vaporwave . [16] La autora Sarah Nove elogió la falta de una forma física de aura en Everywhere , mientras que Matt Mitchell de Bandcamp Daily escribió que la serie termina en una "catarsis etérea". [17] [18]
La exploración de la decadencia de la serie generó comparaciones con The Disintegration Loops (2002-2003) del músico William Basinski , [2] [19] que, a diferencia del trabajo de Kirby, se centra en la decadencia física de la cinta en coincidencia con los ataques del 11 de septiembre , no en la decadencia inducida por software representativa de una enfermedad neurológica. [10] [20] [21] Aunque es positivo sobre las obras de Basinski, Kirby dijo que las suyas "no son solo bucles que se rompen. Se trata de por qué se rompen y cómo". [2] El sonido de Everywhere también se ha comparado con el estilo del músico electrónico Burial ; [10] el autor Matt Colquhoun escribió para The Quietus que ambos artistas "resaltan el 'tiempo roto del siglo XXI ' " . [22] Al revisar la primera etapa, los escritores Adrian Mark Lore y Andrea Savage elogiaron el disco para los amantes de Basinski, Stars of the Lid y Brian Eno . [23] Ciertas muestras vuelven constantemente a lo largo del disco (en particular, la canción de 1931 « Heartaches » versionada por Al Bowlly) y se van degradando más con cada álbum. [10] En los últimos seis minutos, se puede escuchar una canción de A Stairway To The Stars . [3]
Las canciones se distorsionan más con cada etapa, reflejando la memoria del paciente y su deterioro. [24] El estilo de jazz de las primeras tres etapas recuerda a An Empty Bliss , utilizando bucles de discos de vinilo y cilindros de cera . En la Etapa 3 , las canciones son más cortas (algunas duran solo un minuto) y, por lo general, evitan los desvanecimientos . [10] [15] Las etapas posteriores a la conciencia reflejan el deseo de Kirby de "explorar la confusión completa, donde todo comienza a desmoronarse". [14] Las dos penúltimas etapas presentan el caos en su música, lo que representa la percepción alterada de la realidad del paciente. [25] La etapa final consta de drones , que retratan el vacío de la mente de la persona afligida. [19] En sus últimos 15 minutos, presenta un órgano, un coro y un minuto de silencio , que retrata la muerte. [19] [26] Las etapas 4 a 6 se destacan a menudo como el foco del concepto y la composición de Everywhere: Miles Bowe de Pitchfork escribió sobre el contraste de las etapas posteriores con otras obras ambientales de Kirby como "evolucionando su sonido en formas nuevas y a menudo aterradoras", [27] mientras que Kirby describió la serie como "más sobre las últimas tres [etapas] que sobre las primeras tres". [2] En su Handbook of the Anthropology of Sound , Bloomsbury Academic describe las etapas posteriores como "un corte desorientador de reminiscencias arrastradas bañándose en una niebla reverberante", relacionándolas con la amusia y sus efectos en la memoria musical . [28]
La etapa 1 se describe como los signos iniciales del deterioro de la memoria, siendo el álbum más cercano de la serie a "un hermoso sueño". [5] En su lanzamiento en vinilo, presenta un texto inscrito que dice "Recuerdos que duran toda la vida". [29] Al igual que An Empty Bliss , [30] la etapa 1 presenta el segmento de apertura de pistas de los años 1920 y 1930, en bucle durante largos períodos y alterados con cambios de tono , reverberación , armónicos y crujidos de vinilo. [31] El álbum presenta una variedad de emociones, demostradas por las nociones que evocan los títulos de sus canciones; [10] [32] nombres como "Into each other's eyes" pueden interpretarse como un recuerdo romántico, mientras que títulos más siniestros, como "We Don't Have Many Days", apuntan al reconocimiento del paciente de su propia mortalidad. [33] [34] A pesar de ser un lanzamiento optimista de Caretaker, [35] algunas de sus alegres composiciones de big band están más distorsionadas que otras, y un autor las encontró ligeramente melancólicas. [30] [36] [37] Michele Palozzo de la publicación musical italiana Ondarock comparó el estilo del disco con Eyes Wide Shut (1999) de Stanley Kubrick y las obras del cineasta Woody Allen , especificando la "elegancia" de la película de Kubrick y la avidez dramática del trabajo de Allen. [38]
La etapa 2 se describe como la "autorrealización de que algo está mal y una negativa a aceptarlo". [5] También afirmó que una persona en esta etapa "probablemente intenta recordar más de lo que [normalmente] lo haría". [1] En contraste con el sonido alegre de la primera etapa, Kirby señaló que la segunda etapa presenta "una diferencia masiva entre los estados de ánimo", [1] con "A Losing Battle Is Raging" representando una transición entre los dos. [33] El álbum presenta un tono relativamente emocional en comparación con la Etapa 1 , con samples más melancólicos, degradados y monótonos . [10] [39] [40] Su material original presenta finales más abruptos, explorando un ambiente hauntológico. [40] Los títulos de las pistas, como "Surrendering to Despair", representan la conciencia del paciente de su trastorno y el dolor que lo acompaña, mientras que "The Way Ahead Feels Lonely" está tomado directamente de un libro sobre demencia de Sally Magnusson . [41] Las canciones se reproducen durante más tiempo y tienen menos bucles, pero su calidad es más deteriorada, [10] lo que simboliza la comprensión del paciente de su memoria defectuosa y los sentimientos de negación resultantes. [42]
La etapa 3 se describe como la que presenta "algunos de los últimos recuerdos coherentes antes de que la confusión llegue por completo y las nieblas grises se formen y se desvanezcan". [5] Kirby explicó que presenta los últimos momentos en que el paciente sabe de su demencia. [2] Las muestras de otros trabajos, como las de An Empty Bliss , regresan con un sonido similar al submarino, retratando la creciente desesperación del paciente y la lucha por mantener sus recuerdos. Mientras que otras etapas presentaron desvanecimientos comunes en las pistas, algunas canciones de la Etapa 3 terminan abruptamente. Muchas de ellas son largas y prolongadas, o se cortan antes de que realmente comiencen. Sus títulos se vuelven más abstractos, combinando nombres de canciones de las etapas anteriores y An Empty Bliss para crear frases como "Sublime Beyond Loss" e "Internal Bewildered World". [34] Las pistas finales del álbum presentan las últimas melodías reconocibles, aunque algunas casi pierden sus cualidades melódicas. [34] En la descripción de Kirby, la Etapa 3 representa "las últimas brasas de la conciencia antes de que entremos en las etapas posteriores a la conciencia". [5]
La pista de apertura de Everywhere , "It's Just a Burning Memory", introduce "Heartaches", uno de los samples principales que se degradan gradualmente a lo largo de la serie. [10] En la Etapa 1 , es una versión de Al Bowlly, que es uno de los músicos más sampleados en el alias Caretaker. [2] La tercera pista de la Etapa 2 , "What Does It Matter How My Heart Breaks", devuelve "Heartaches" en un tono letárgico , [10] usando la versión de Seger Ellis de la canción. Esta versión específica, en contraste con su contraparte de la Etapa 1 , sonaba deprimente para Kirby. [1] En la segunda pista de la Etapa 3 , "And Heart Breaks", se puede encontrar la última versión coherente de "Heartaches", donde sus aspectos de trompeta se vuelven más similares al ruido blanco . [10] Estas pistas que samplean "Heartaches" toman su título de la letra del sample , que rodea temas de memoria; Bowlly canta: "No puedo creer que sea solo un recuerdo ardiente / Dolores, dolores / ¿Qué importa cómo se rompe mi corazón?" [43]
La etapa 4 se describe como el punto en el que "la capacidad de recordar recuerdos singulares da paso a confusiones y horror". [5] Presenta una fuerte distorsión y reverberación y es más parecida al ruido , en contraste con los primeros tres álbumes que presentaban el mismo estilo que An Empty Bliss . [10] [27] Marcando el inicio de las etapas "Post-Awareness", [44] [45] sus cuatro composiciones ocupan longitudes de vinilo completas. [46] Las pistas G1, H1 y J1 se titulan "Stage 4 Post Awareness Confusions", que Bowe sintió que eran nombres clínicos, mientras que I1 se titula "Stage 4 Temporary Bliss State". [27] Un segmento específico de H1, conocido por los fanáticos como "Hell Sirens", presenta una muestra de cuerno que Hazelwood sintió que era "uno de los momentos más horribles de la serie". [10] Sin embargo, "I1 - Stage 4 Temporary Bliss State" es una pista más tranquila que las tres pistas de "Stage 4 Post Awareness Confusions", presentando un sonido más etéreo. [27] El aspecto surrealista e incoherente de las melodías fue comparado por Bowe con el álbum 94 Diskont (1995) del músico experimental Oval , ya que "capturan los sonidos más oscuros y dañados en la vida útil del proyecto". [25] [27]
La etapa 5 se describe como que tiene "enredos más extremos, repetición y ruptura [que] pueden dar paso a momentos más tranquilos". [5] El álbum expande su influencia noise y tiene similitudes con las obras de Merzbow y John Wiese ; [10] en su tono más violento y penetrante, [47] las melodías coherentes pierden importancia y son reemplazadas por samples superpuestos. Hazelwood lo interpretó como "un atasco de tráfico en forma de audio", comparándolo con neuronas que se llenan de beta amiloides . [10] Para Falisi, carece de cualquier sensación de comodidad; en contraste con los primeros signos de la etapa 1, la etapa 5 presenta un desorden completo. [48] El disco utiliza la mayor cantidad de voces de la serie, incluidos susurros y letras en inglés reconocibles; cerca del final de la pista de apertura, un hombre anuncia: "Esta selección será un solo de mandolina del Sr. James Fitzgerald". [10] [47] [49] Al igual que en la Etapa 4 , los nombres de las pistas de la Etapa 5 son clínicos y utilizan referencias neurológicas como placa , enredos , sinapsis y la hipótesis de la retrogénesis . Hazelwood consideró que títulos como "Regresión temporal repentina hacia el aislamiento" documentaban la "inhumanidad" de la demencia. [10]
La etapa 6 se describe crípticamente: "La etapa 6 posterior a la conciencia no tiene descripción". [5] Esther Ju de UWIRE lo llamó el disco más interpretativo de la serie y dijo que "la mayoría lo describiría como los sonidos del vacío". [50] Mientras que la etapa 5 tenía fragmentos de instrumentos y voces, la etapa 6 presenta composiciones ahogadas y vacías que consisten en silbidos y crujidos, que Hazelwood interpretó como un retrato de la apatía del paciente . [10] [51] [52] Generalmente consiste en collages de sonido en los que la música es audible, pero distante. [26] [53] Los títulos de las canciones de la etapa presentan frases menos clínicas y más emocionales, como "A Confusion So Thick You Forget Forgetting" y "A Brutal Bliss Beyond This Empty Defeat". [10] Es el más distante del sonido de An Empty Bliss y retrata una fuerte ansiedad. [19] [54] Después de lanzar Stage 6 , Kirby comentó en el video de YouTube de la edición completa: "Gracias por el apoyo a través de los años. Que el salón de baile permanezca eterno. C'est fini ". [c] [5]
La pista final, "R1 - Stage 6 Place in the World Fades Away", presenta drones de órgano que han sido comparados con la banda sonora de la película Interstellar de 2014. [55] El órgano finalmente da paso a una caída de aguja . [10] [19] [26] El clímax de Everywhere , seis minutos antes del final del proyecto, presenta un coro claramente audible proveniente de un disco de vinilo degradado. [19] La serie termina con un minuto de silencio que representa la muerte del paciente. Aunque el momento evocó diversas interpretaciones de los comentaristas, la teoría más aceptada por los críticos y los médicos es que representa la lucidez terminal , un fenómeno médico en el que los pacientes que padecen afecciones neurológicas experimentan un retorno de la claridad mental poco antes de la muerte. [10] [56] Falisi lo consideró el movimiento del alma del paciente al más allá . [51] El segmento muestra una interpretación de una traducción al inglés del aria de Bach "Lasst Mich Ihn Nur Noch Einmal Küssen" [d] de la Pasión según San Lucas , BWV 246. Esta aria también se utilizó en la canción "Friends Past Reunited" de Selected Memories from the Haunted Ballroom (1999) y A Stairway to the Stars (2001), dos de los primeros álbumes de Caretaker, [3] un hecho interpretado por el escritor Paul Simpson de AllMusic como el alias en un "momento de círculo completo". [47]
Kirby produjo Everywhere at the End of Time en su apartamento de Cracovia usando una computadora "diseñada específicamente para la producción de música". Hizo más pistas solo para la primera etapa que en toda la historia del alias. Los álbumes se produjeron un año antes de su lanzamiento; el desarrollo de la Etapa 3 comenzó en septiembre de 2016 y la Etapa 6 comenzó en mayo de 2018. [1] [57] Kirby afirmó que las primeras tres etapas tienen "diferencias sutiles pero cruciales", presentando el mismo estilo general "basado en el estado de ánimo y la conciencia que sentiría una persona con la condición". [58] Quería que el proceso de masterización , realizado por Andreas "Lupo" Lubich, [59] fuera "consistente en todo momento". Dijo que una estrategia compositiva era usar varias versiones de canciones sampleadas para asociar mensajes emocionales específicos con cada una. En lugar de comprar discos físicos como lo hizo con An Empty Bliss , Kirby encontró la mayoría de las muestras en línea, afirmando: "Es posible encontrar diez versiones de una canción ahora". Señaló que la Etapa 1 reproducía en bucle secciones cortas de canciones, mientras que la Etapa 2 permitía que las muestras se reprodujeran por completo. Al describir la Etapa 3 como la más similar a An Empty Bliss , Kirby afirmó que las Etapas 1 y 3 podrían escucharse en modo aleatorio y seguir siendo coherentes. [1] Entre el lanzamiento de la tercera y la cuarta etapa, Kirby anunció que se "mudaría de casa y de estudio". [60]
El enfoque de producción de Kirby se centró en las últimas tres etapas, [1] [2] [61] donde quería crear lo que llamó un " caos escuchable ". Kirby agregó que, mientras producía la Etapa 4 , se dio cuenta de que las tres etapas finales "tenían que hacerse desde el punto de vista de la post-conciencia". Al explicar el nombre, Kirby las tituló "Post-Conciencia" porque son cuando el paciente no es consciente de un trastorno. [58] Informó que se sentía presionado mientras trabajaba en las últimas tres etapas, diciendo: "Estaba terminando una etapa, dominando otra, todo mientras comenzaba otra etapa". Al componer la cuarta y quinta etapas, Kirby afirmó que poseía más de 200 horas de música y "la recopiló en función del estado de ánimo". [61] Landon Bates de The Believer comparó la Etapa 4 con "Radio Music" (1956) del compositor John Cage , a lo que Kirby respondió que el estilo de música aleatoria de Cage (música con elementos aleatorios) inspiró las etapas posteriores. [58] Dijo que la Etapa 5 es "un cambio distintivo" de la Etapa 4 , escribiendo que "no es inmediato pero es un síntoma crucial". [1] Según Kirby, la producción de la etapa final fue la más difícil, debido a las expectativas del público y "el peso de las cinco [etapas] anteriores recayendo todas sobre esta ahora". [58]
"No puedes confiar en ningún recuerdo, ¿no? Porque todo es un error y una tontería en cierto modo". [62]
Las portadas del álbum Everywhere at the End of Time son pinturas al óleo abstractas del viejo amigo de Kirby, Ivan Seal. [63] [64] Son minimalistas , cada una presenta un solo objeto de enfoque y ningún texto, y se vuelven menos reconocibles con cada etapa. [36] [65] Tiny Mix Tapes incluyó Beaten Frowns After —la obra de arte de Stage 1— en sus listas de mejores portadas de álbumes de 2016 y de la década de 2010. [66] [67] Algunos han comparado los temas artísticos de Kirby y Seal; al igual que Kirby, Seal destaca la memoria como una parte central del arte y dijo: "El arte siempre trabaja desde la memoria". [63] [62] Al notar esta superposición, Kirby dijo que ambas visiones "chocan de una gran manera". [58]
Las primeras tres portadas del álbum se titulan Beaten Frowns After (2016), Pittor Pickgown in Khatheinstersper (2015) y Hag (2014), respectivamente. [68] [69] Beaten Frowns After presenta un pergamino gris que se desenreda en un horizonte vacío, con pliegues de periódico similares a los pliegues de un cerebro , [36] que el escritor de Teen Ink Sydney Leahy comparó con la conciencia del paciente de la progresión de la enfermedad. [65] Pittor Pickgown in Khatheinstersper retrata cuatro flores marchitas en un jarrón abstracto de roca podrida. [40] [65] [70] Hag presenta una planta de algas distorsionada al extremo, que Sam Goldner de Tiny Mix Tapes describió como "un jarrón que se derrama en ondas de desorden". [65] [70]
Las pinturas de las tres etapas finales se titulan respectivamente Giltsholder (2017), Eptitranxisticemestionscers Desending (2017) y Necrotomigaud (2018). [69] Giltsholder es la única obra de arte que presenta una figura humana, en forma de un busto azul y verde con rasgos faciales irreconocibles. Según Goldner, la figura parece sonreír cuando se la ve desde la distancia, mientras que Leahy la interpretó como una representación de la falta de capacidad del paciente para reconocer a una persona. [70] [65] Considerada la portada más abstracta, Eptitranxisticemestionscers Desending representa una masa abstracta, que los escritores afirman que es una mujer o una escalera similar al mármol. Hazelwood la interpretó como una representación de la mente del paciente; aunque alguna vez presentó experiencias, ahora es irreconocible. [10] [65] Necrotomigaud presenta un tablero de arte con un cuadrado de cinta azul adherida de forma suelta, lo que refleja el vacío emocional de la Etapa 6 . [26] [65]
Las pinturas de Seal y la música de The Caretaker se presentaron en la exposición de arte francesa de 2019 Everywhere, an Empty Bliss de la empresa FRAC Auvergne, que presentó documentos sobre el trabajo del dúo y reveló los nombres de las portadas de los álbumes. [68] [69] [71] Anteriormente, las pinturas de Seal también se presentaron cerca de una de las actuaciones de Kirby en la exposición Cukuwruums de 2019. [63] En 2018, cuando se le preguntó por qué el empaque de sus lanzamientos no presentaba ninguna descripción, Kirby dijo que las pinturas de Seal son el foco principal de cada etapa. Afirmó que las notas del álbum distraerían del arte de Seal y que las mantuvo en formato digital para los oyentes que "buscan un poco más profundo". [58]
Kirby inicialmente pensó en no producir Everywhere en absoluto. Durante meses antes del lanzamiento de la primera etapa, mencionó el concepto a amigos y familiares, explicando que "quería estar seguro de que no pareciera una idea intelectual y pretenciosa". [1] Los álbumes se lanzaron a lo largo de tres años: la primera etapa en 2016, [72] [73] [74] las dos siguientes en 2017, [75] [76] [77] las dos penúltimas en 2018, [78] [79] [80] y la última en 2019. [81] [82] [83] Según Kirby, los retrasos se hicieron para "dar una sensación de paso del tiempo" a los oyentes. [1] Aunque expresó su preocupación por la demencia como un problema social, Kirby dijo que el trastorno no lo afecta "a nivel personal", y señaló cómo se convirtió en "más una fascinación que un miedo". [2] [58] [61] Además, afirmó que la experiencia de cada paciente con demencia es única y que su interpretación era "única solo para el cuidador". [61] La música de Kirby inicialmente no estaba disponible en Spotify debido a sus críticas al respecto y a lo que llamó la "constante devaluación de la música por parte de las grandes empresas y los servicios de transmisión " . [84] Sin embargo, el 11 de diciembre de 2023, Kirby subió a regañadientes todas las etapas de Everywhere a los servicios de transmisión, ya que no estaba satisfecho con "la gente que intenta sin cesar monetizar y explotar el trabajo subiéndolo repetidamente". [85]
"Cuando empezó el trabajo en esta serie era difícil predecir cómo se desarrollaría la música. La demencia es un tema emotivo para muchos y siempre lo he tratado con el máximo respeto.
Las etapas han sido todas reflexiones artísticas de síntomas específicos que pueden ser comunes con la progresión y el avance de las diferentes formas del Alzheimer.
Gracias siempre por vuestro apoyo a esta serie de obras recordadas por El Conserje." [15]
Al lanzar la primera etapa el 22 de septiembre de 2016, Kirby anunció el concepto de la serie, [86] "diagnosticando" el alias Caretaker con demencia a través de álbumes que revelan "progresión, pérdida y desintegración" mientras caían "hacia el abismo de la pérdida total de memoria". [87] [88] Esta declaración indujo a algunos a creer que al propio Kirby se le había diagnosticado demencia de inicio temprano , a saber, Jordan Darville de The Fader y Marvin Lin de Tiny Mix Tapes . Ambas publicaciones actualizaron sus publicaciones cuando Kirby aclaró que no tenía demencia; solo la personalidad de Caretaker la tenía. [88] [89] [90] Lanzó Stage 3 y We, So Tired of All the Darkness in Our Lives el mismo día, este último bajo su propio nombre. [60] Al lanzar Stage 5 , el comunicado de prensa de Kirby comparó la progresión de la serie con el proceso de Brexit en curso en ese momento . [91] El último disco de The Caretaker, lanzado junto con Stage 6 , fue Everywhere, an Empty Bliss (2019), un álbum recopilatorio de material descartado de Everywhere . [92] [93] [94]
El artista visual anónimo Weirdcore creó videos musicales para las dos primeras etapas, ambos subidos al canal de YouTube de Kirby vvmtest . [95] [96] Lanzado en septiembre de 2016 y 2017, presentan efectos como estiramiento de tiempo y retraso. Weirdcore era conocido por crear visuales para el músico ambiental Aphex Twin . [97] Kirby dijo que las imágenes son importantes para su música y las llamó "de otro mundo". [58] En 2020, Kirby y Weirdcore volvieron a colaborar en el video de YouTube "[−0º]", que fue elegido como uno de los mejores trabajos audiovisuales del año por Fact . [98] [99] Al 19 de octubre de 2024, no hay videos musicales oficiales en vvmtest para las últimas cuatro etapas. [100]
En diciembre de 2017, Kirby actuó en el Barbican de Cracovia para el Festival Unsound en Polonia. El espectáculo fue su primero desde 2011, y contó con el arte de Seal y las imágenes de Weirdcore. [101] [102] [103] Los videos musicales se presentarían en los siguientes espectáculos de Caretaker. En marzo de 2018, Kirby participó en el Festival Présences électronique en París, [104] donde tocó una versión de la canción de 1944 "Ce Soir" del cantante Tino Rossi . [57] Participó en el espectáculo "Solidarity" de Unsound de mayo de 2019, también ambientado en Cracovia. [105] En abril de 2020, debía actuar en vivo para el "[Re]setting" Rewire Festival , que se habría realizado en La Haya en los Países Bajos . Sin embargo, el espectáculo fue cancelado debido a la pandemia de COVID-19 . [106] [107] Kirby actuó más tarde en el Donaufestival de Krems y en el Primavera Sound de Barcelona el 7 de mayo y el 4 de junio de 2022 respectivamente. [108] [109] Aunque anteriormente había expresado sus dudas sobre actuar, [2] Kirby dijo que cada espectáculo sería ahora "una batalla para dar sentido a la confusión". Añadió que el Weirdcore daría "vida" a las pinturas de Seal, y que el arte visual exploraría la idea de hacer que el público "se sienta enfermo". [61]
Everywhere at the End of Time recibió reacciones cada vez más positivas a medida que avanzaba y, en general, recibió elogios de la crítica. [1] [19] Si bien algunos críticos criticaron a Stage 1 por "romantizar" la demencia, esta crítica se desvaneció con el tiempo. Un escritor teorizó que la expansión de Kirby sobre los temas de An Empty Bliss se debió a que su concepto estaba "cargado más allá de las capacidades de un disco ambiental de unos 40 minutos". [14] En marzo de 2021, alcanzó su punto máximo como el disco más vendido en Boomkat, [110] la plataforma que Kirby usa para sus lanzamientos físicos. [5] En Bandcamp, Everywhere sigue siendo el lanzamiento de dark ambient más vendido de todos los tiempos. [111] Inicialmente, en respuesta a la "cultura actual de reacción instantánea", dijo Kirby, "estas partes se han repetido en bucle por una razón específica ... que se aclarará más adelante". [1]
Las tres primeras etapas de la serie fueron criticadas por su representación de la demencia. El colaborador de Pitchfork Brian Howe expresó su preocupación de que la primera etapa pudiera ser una visión romantizada, si no explotadora, de una enfermedad mental. Consideró que la descripción de Kirby era inexacta; Howe "vio a [su] abuela sucumbir a ella durante una década antes de morir, y no se parecía en nada a un 'hermoso sueño'. De hecho, no había nada estético en ello". [31] Pat Beane de Tiny Mix Tapes consideró que la Etapa 1 fue la "escucha más placentera del [conserje]", [36] aunque Falisi consideró que la Etapa 2 no era ni "decadencia ni belleza", ni "diagnóstico ni cura". [40] Hazelwood describió la Etapa 3 como la "bolsa de trucos" predeterminada de Kirby, pero argumentó que "sin esas etapas y sus comodidades, la transición a la Etapa 4 no tendría el impacto aplastante que tiene". [10]
La representación de la demencia en las últimas tres etapas fue generalmente descrita como mejor. El colaborador de Pitchfork Miles Bowe describió la Etapa 4 como evitando "un riesgo de romántica pálida", [27] y Goldner sintió que el disco había "roto el bucle", aunque agregó que "I1 - Stage 4 Temporary Bliss State" no es "demencia real". [70] Falisi, escribiendo sobre Goldner, consideró que dicho bucle en la Etapa 5 se "desenrolla (infinitamente) de los cabrestantes y se acumula hasta que se forman nuevas formas". Describió el sonido del álbum como "el extraño estrangulamiento de la ausencia", y argumentó: "Si la cosa se ha ido, ¿por qué todavía la siento?" [48] Las caracterizaciones de la Etapa 6 variaron desde "un descenso mental representado en una cámara lenta agonizante" hasta "algo extraambiental cuyos dolores son del cosmos". [26] [51] Los comentaristas a menudo describieron la Etapa 6 con elogios adicionales; Uno lo llamó una "impresionante pieza de arte sonoro" con "una fuerza única". [26] [112]
Los críticos también han comentado sobre los sentimientos interpretativos y "provocadores de reflexión" que evoca la serie en su conjunto. [21] [113] Dave Gurney de Tiny Mix Tapes calificó la compilación de "perturbadora", [114] mientras que Hazelwood dijo que su música "se te queda pegada, sus melodías te obsesionan y te contagian". [10] Luka Vukos, en su reseña para el blog HeadStuff , argumentó que la "máquina de empatía" de la serie "no se caracteriza por las palabras", y su poder "reside en la unión [de Kirby] del [disco de vinilo] con los modos más contemporáneos de recuerdo y manipulación digital". [3] Habiendo escrito sobre parte de la música anterior de Kirby, Simon Reynolds dijo que el Conserje "podría haberse renombrado a sí mismo como el Cuidador, ya que en este proyecto se parece a una enfermera sónica en un hospicio para enfermos terminales". En su opinión, los nombres que Kirby da a las pistas son "desgarradores y a menudo describen la música con más eficacia de lo que el crítico podría jamás hacerlo". [4]
Everywhere at the End of Time apareció con mayor frecuencia en las listas de fin de año de The Quietus y Tiny Mix Tapes . Este último revisó cada álbum, excepto Stage 3 , y le dio a la primera, cuarta y sexta etapa el premio "EUREKA!", otorgado a álbumes que "exploran los límites del ruido y la música" y "merecedores de una cuidadosa consideración". [36] [51] [70] Resident Advisor incluyó a Stage 6 en su lista de los mejores álbumes de 2019. [115] La colaboradora de Quietus, Maria Perevedentseva, eligió "We Don't Have Many Days" como una de las mejores canciones de 2016, [116] y Stage 5 luego se incluiría en la lista de la publicación de la mejor música de septiembre de 2018. [117] Stage 6 fue nombrado "Reseña principal" de la semana del sitio web y el mejor lanzamiento musical "misceláneo" de 2019. [19] [118]
Considerado uno de los mejores álbumes de la década de 2010, [114] [133] Everywhere at the End of Time es considerado por varios críticos y músicos como la obra maestra de Kirby . [134] [135] [136] Un crítico destacó las dos penúltimas etapas, las más caóticas, por hacer que los oyentes reflexionen sobre el sentimiento de tener demencia. [25] La conceptualización de Everywhere también recibió elogios: la representación de la demencia fue descrita por The Vinyl Factory como "notablemente emotiva" y por Corey Seymour de Vogue como "que cambia la vida". [8] [137] La escritora de Tiny Mix Tapes, Jessie Dunn Rovinelli, dijo que el final "cursi" de Stage 6 brinda "la liberación que su concepto podría querer rechazar pero que nuestras mentes decadentes y sensibleras quieren". [138] Inspirado por The Caretaker, [139] el álbum de 100 pistas creado por fans Memories Overlooked fue lanzado en 2017 por músicos de vaporwave cuyos parientes mayores tenían demencia. [16] [140] [141] El escritor de Daily Record, Darren McGarvey, afirmó que se sintió "impactado por un profundo sentido de gratitud" después de terminar Everywhere , afirmando que es el "poder de una obra de arte adecuada", [142] y el autor Cole Quinn llamó a Everywhere el mejor álbum de todos los tiempos. [33]
En enero de 2020, el YouTuber Solar Sands subió el video "¿Puedes nombrar un objeto en esta foto?", que explora los aspectos del trabajo de Seal en Everywhere . [21] Recibió más de cuatro millones de visitas al 19 de octubre de 2024. [143] Más tarde, en octubre, los usuarios de la plataforma de redes sociales TikTok crearon un desafío para escuchar la serie completa de una sola vez, debido a su larga duración y temas existenciales. [144] [145] [146] Kirby conocía el fenómeno por un crecimiento exponencial de las vistas en la carga de la serie en YouTube (más de 32 millones al 19 de octubre de 2024); [5] solo el 12% de ellas provenían del algoritmo de la plataforma , mientras que las búsquedas directas representaban más del 50%. [133] [147] En un video que algunos escritores plantearon como la causa de la popularidad de Everywhere , el YouTuber A Bucket of Jake llamó a la serie "el álbum más oscuro que he escuchado". [14] [148] [149] Después de su popularidad, la serie apareció a menudo en las recomendaciones ambientales de Bandcamp. [150]
Algunos usuarios de TikTok compartieron historias ficticias de creepypasta de la serie con afirmaciones de que cura a los pacientes o, por el contrario, que introduce síntomas de demencia en las personas. [13] [151] Las afirmaciones y el desafío de escuchar desencadenaron una reacción negativa de otros, que sintieron que ofendía a los pacientes. [13] [14] [148] Kirby, sin embargo, no se sentía así, sino que vio la serie como algo que brindaba a los adolescentes "una comprensión de los síntomas que puede enfrentar una persona con demencia". [133] [147] Lazlo Rugoff de Vinyl Factory descubrió que el fenómeno TikTok atrajo a "una audiencia improbable" de adolescentes a la música de Kirby, [144] y William Gruger de TikTok calificó más tarde a Everywhere como un descubrimiento de nicho y un "éxito inesperado". [152] La serie ha seguido utilizándose como meme a principios de la década de 2020, coincidiendo con el período de la pandemia de COVID-19 y sus problemas de salud mental en los adolescentes. [13] [14]
En 2021, Everywhere ganó atención entre la comunidad de modding del juego de ritmo Friday Night Funkin' (2020) con el mod Everywhere at the End of Funk , que fue descrito por Wren Romero del grupo de deportes electrónicos Gamurs como "una de las experiencias más singulares de cualquier mod de FNF ". [153] La serie también se popularizó por su relación con Backrooms , una creepypasta sobre un espacio de oficina vacío e interminable, que la escritora Silvia Trevisson dijo que se debía a sus representaciones similares de estados mentales absurdos. [154]
En los grupos de investigación neurológica, Everywhere at the End of Time ha sido considerada como una influencia generalmente positiva. Un investigador de la Universidad Estatal de Iowa descubrió que la serie presenta la "escalofriante realidad" de la enfermedad de Alzheimer, destacando la progresión gradual de la calma hacia la confusión. [155] Brian Browne, presidente de Dementia Care Education , dijo que la representación de Kirby de la enfermedad de Alzheimer es "algo muy bienvenido" para los cuidadores de pacientes con demencia. Elogió la nueva atención que recibió la serie, ya que "produce la empatía que se necesita". [13]
Browne concluye:
El compositor de esta música realmente tenía algo de razón en cuanto a poder, a través de la música, guiar a una generación más joven en un viaje a través de los sonidos de lo que está atravesando el cerebro, a través de un proceso demencial.
El neuropsicólogo francés Hervé Platel, que se mostró parcialmente positivo con respecto al trabajo de Kirby, elogió el enfoque de Everywhere y su fidelidad general al proceso de la demencia. Sin embargo, Platel también criticó la serie por dar la impresión de que la memoria es un sistema lineal, y explicó que la memoria musical es la última en desvanecerse. [156]
Adaptado de Bandcamp. [15] Duraciones totales y notas adaptadas de las subidas de Kirby a YouTube de las etapas 1 a 3 , [95] [96] [157] etapas 4 a 6 , [49] [158] [159] y la edición completa. [5]
Créditos adaptados de YouTube. [5]
Todos lanzados mundialmente por el sello discográfico History Always Favours the Winners.
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